Movimiento: el constante fluir de fuerzas complementarias El acto principal de la técnica es la respiración. Es el proceso fisiológico que implica la parte central del cuerpo: tórax y abdomen. El abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos fuerzas fundamentales creadoras de vida: el sexo y la respiración. El ejercicio central de esta técnica es la contracción (exhalación) y la relajación (inhalación), movimiento de dos fuerzas opuestas y complementarias que simboliza el flujo de la respiración. El "contaction-realease" produce una curva cóncava en la parte final de la espina dorsal. Mediante el empuje de la columna hacia atrás, se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se cierra sobre sí mismo. En relajación se pierde el dominio del cuerpo. Es desde la zona abdominal, centro de energía, que se tiene el control del equilibrio.
Breve descripción de la clase El entrenamiento se hace sobre el suelo. El pie se estira desde el talón, el cuerpo se torsiona sobre sí mismo. Espirales, cambios de direcciones, saltos, todo tiene su origen en el centro de energía. La pelvis, los brazos y las piernas son usados para manipulaciones y desplazamientos, y las emociones se hacen visibles primero en el torso. La danza moderna norteamericana como nuevo vocabulario técnico y como creación coreográfica, que no es ajena a los sucesos históricos contemporáneos, nace oficialmente con el advenimiento de Martha Graham. Martha Graham nace en 1894 en la puritana Pensilvania. A los 14 años se traslada con su familia a Santa Bárbara (California). En 1913 se inscribe en la Gumnock School de Los Angeles, una escuela de danza y teatro con un programa de estudios inspirado en las teorías de las vanguardias europeas. En 1916 ya diplomada ingresa a la escuela de Ruth Saint-Denis y Ted Shown y en 1926 se traslada a New York. En estos primeros años de enseñanza independiente comienza a forjar su nuevo sistema de movimiento. Su colaboración con el músico Louis Horst se hace cada vez más intensa. A través de él toma contacto con las grandes corrientes de la danza libre europea: las teorías del movimiento y el diseño del cuerpo en el espacio de Rudolf von Laban, la estética de Mary Wigman y las investigaciones de Francoise Delsarte, con su ley fundamental del nexo constante entre gesto y espíritu. La metodología grahamniana comienza a delinearse.
La Técnica El punto de referencia central de la técnica es el acto de la respiración. Esta como proceso fisiológico implica enteramente la parte central del cuerpo: tórax y abdomen. La región abdominal es fuente de energía en cuanto a zona de conexión de las dos fuerzas fundamentales creadoras de vida: el sexo y la respiración. Es por esto que el cuerpo del bailarín para llegar a ser plenamente expresivo debe hacer visible todo gesto proveniente de esa zona central, rica en energía. De aquí que el ejercicio basal de esta técnica sea la contracción (exhalación) y relajación (inhalación), movimiento de oposición de dos fuerzas opuestas y complementarias que simboliza el flujo de la respiración. El "contraction-release" produce una curva cóncava de la parte final de la espina dorsal, mediante el empujón de la pelvis hacia delante. Se establece un circuito vital entre el muslo y la pelvis, que sube por el torso y se cierra sobre sí mismo.
No hay que olvidar que en la relajación no se pierde el dominio del cuerpo. Justamente es el dominio de la zona abdominal lo que permite al bailarín tener un equilibrio en toda posición y un centro del cual se desprende toda la energía. Este centro permite incorporarse de cada caída sin aparente punto de apoyo. Otra característica del entrenamiento es el constante contacto con el suelo. El pie se estira desde el talón, elemento que extrae de otras culturas, fundamentalmente indígenas. Otro movimiento característico lo constituyen los espirales: el cuerpo se torsiona sobre sí mismo. Los espirales, los cambios de dirección, los saltos: todo tiene su origen en el centro de energía: la pelvis. Marta Graham tomó elementos del ballet y las danzas orientales pero estos fueron fundidos y elaborados con originalidad y en relación a intereses completamente alejados de la técnica clásica. Su técnica de movimiento se basa en la antítesis: apunta al desarrollo de un cuerpo que pueda afirmar los contrarios en un movimiento.
Su obra La extensa obra coreográfica de Martha Graham puede ordenarse en tres grandes grupos: 1) Etapa de "solos", caracterizada por una fuerte carga expresiva y la introspección. 2) Danzas de mujeres inspiradas en temáticas de la antigüedad griega y hebrea. Logra con ello penetrar el complejo mundo de las ideas, pasiones y sentimientos humanos desde una perspectiva actual. Según sus propias palabras " lo eterno en el hombre contemporáneo". 3) Un tercer grupo de obras resume temas variados. La inspiración puede venir del vasto paisaje americano, la problemática social del inmigrante, la denuncia de la discriminación de minorías (fue la primera compañía que integró otras etnias en su trabajo artístico). Poemas y obras pictóricas han sido también fuente de su inspiración. El hombre enfrentado a su medio es el objetivo principal de su labor coreográfica. Se interesó por las teorías de Freud y Jung y trató de traducir con tensiones y torsiones el mundo subconsciente. M. Graham apunta a la síntesis y a la economía de medios en el diseño de movimientos, vestuario y escenografía, a fin de expresar con más intensidad la esencia de su idea o sentimiento.
Técnica Graham Se basa en un contraste central: relajación al inspirar, contracción al expirar. La contracción se origina en la región pélvica, de donde procede su explícita tensión sensual, así como los movimientos angulares percutores que fluyen por el cuerpo y a lo largo de brazos y piernas. Contracción y relajación son atraídas por un impulso repentino que puede hacer caer al suelo el cuerpo, sacudirlo en un giro o impulsarlo en un salto. La tensión se produce entre la espalda y la cintura, la cabeza y el pecho o el hombro y el cuerpo contra el suelo. Graham procuró concienciar a los estudiantes del poder de la espalda, del papel originario de la pelvis y de la presión del suelo; les enseñó cómo los sentimientos pueden emerger a través de contracciones, relajaciones, estiramientos, tirones y espasmos de los músculos del torso, más que de gestos de las manos o los brazos.
Creadora de la técnica Martha Graham abrió un espacio singular en la danza de los Estados Unidos y su influencia se extendió internacionalmente en América. Sus características y la influencia de su técnica en el ballet clásico. Sus obras y su contenido.
Inspirada
por la coreógrafa Mary Wigman (Alemania) y otras figuras de la danza, Graham desarrolla su original técnica dancística. Su enfoque, surgido de su coreografía, fue ideado en parte en contraste con el ballet tradicional de diseños lineales y simétricos que se contraponían a las formas dinámicas e irregulares que proponía Graham. Mientras que el ballet resalta piernas y brazos, usados como miembros separados que giran, y se limitan a combinar un número de posiciones fijas para cada uno de ellos, el lenguaje de Graham se esfuerza por mantener el cuerpo en cambio constante, con movimientos que fluyen de la pelvis a la cabeza. Frente a los movimientos sin esfuerzo aparente propuestos por el ballet clásico, Graham sostenía que el esfuerzo debía ser puesto de manifiesto ante el espectador con el objetivo de revelar al Yo como un "agente motivado, disciplinado, que se esfuerza."
La danza de Martha Graham A pesar de no contar con las aptitudes técnicas de sus compañeras, poseía una cualidad que la distinguía de las demás: su extraordinario fervor. La tenacidad y entrega emocional de Martha eran excepcionales y compensaban cualquier tipo de carencia. Ello la llevó en 1923 a convirtirse en profesora de la Eastman School of Music de Richester, y desde entonces se dedicó plenamenta a la coreografía. Será tres años después, en 1926, cuando debutó como artista independiente en Nueva York. Por esas fechas abandonó las enseñanzas clásicas y románticas y comenzó a interesarse por la danza contemporánea. "Haré este tipo de trabajo o cualquier otro que desee hasta que el público me indique que debo detenerme", fue la respuesta que dio la bailarina a las críticas recibidas de sus maestros cuando decidió abrirse camino sola. Como maestra, Martha reclamaba la más absoluta entrega, en sus clases nadie reía, charlaba ni murmuraba. No había ni "buenos días" ni "adiós", sólo se escuchaba su voz dirigiendo indicaciones. Para ella, la disciplina era la fuente del éxito: "El bailarín es realista, su arte le enseña a serlo. No importa si el pie está en puntas o no, ningún sueño lo pondrá en puntas por nosotros. Para ello se necesita disciplina, no sueños", sentenciaba. En los años 30 la danza moderna sufrió un verdadero cambio de rumbo, pues al igual que en otras corrientes artísticas, sobre todo el teatro, el agitado clima político y social de la década influyó en el movimiento de manera decisiva. Los nuevos coreógrafos mostraban un gran compromiso social y un deseo de llevar la danza a una mayor cantidad de público. A su vez, también crecía entre ellos un fuerte desprecio hacia el ballet "de establishment" y la liviandad de sus argumentos, que sólo reproducían el romanticismo del siglo X IX y estaban dirigidos a una elite. Graham no estuvo ajena a este movimiento e influida por la corriente filosófica existencialista, especialmente por su amigo Jean Paul Sartre, y el socialismo, sus trabajos "Heretic" y "Sketches for the people", eran estudios sobre la rebelión de masas. Pero si en algo su trabajo fue realmente revolucionario fue en su necesidad de expresar la realidad de su país y lograr un estilo que se diferenciara del ballet europeo. En sus obras "Frontier" y "Appalachian Spring", la coreógrafa reflejaba la vida cotidiana del pueblo estadounidense. En la década de los años 50 ya era una de las bailarinas más renombradas del mundo y la auténtica líder de la danza moderna. Su producción coreográfica era enorme y sus temáticas se habían ampliado hacia direcciones tan diversas como los rituales religiosos, la mitología griega, la condición de la mujer, las tragedias poéticas y la sátira. Además, en la mencionada época tenían un halo de sensualidad y pasión gracias al gran amor que estaba viviendo con uno de sus bailarines.
El gran aporte técnico de Graham a la danza fue la creación de un nuevo método denominado por ella misma "contracción y relajación". A partir de movimientos curvos y ensimismados del torso expresaba una parte esencial e ineludible del ser humano, olvidada hasta entonces: el dolor. Si en el ballet clásico uno de los propósitos básicos era ocultar el esfuerzo, ella lo hacía visible porque "es parte de la vida". De esta forma, todo el abanico de sentimientos quedaba representado: odio, amargura o éxtasis eran transmitidos con un solo gesto. Graham se concentró en el torso como fuente de vida, como motor. "Los brazos y las piernas pueden ser usados para manipulaciones o traslados, la cabeza para decisiones y juicios. Pero todo, cada emoción, se hace visible primero en el torso. El corazón late y el pulmón se llena, allí está el aire y con él la vida", decía. Este estilo coreográfico le dio a sus obras una visión dura y angular, con reminiscencias cubistas; como en su célebre obra "Lamentation", en la que la bailarina expresaba la angustia de una mujer, envuelta en un largo tubo de tela elástica en el que sólo su cara quedaba expuesta. Estas formas eran muy poco familiares para el asiduo público de ballet, que en un prinicipio la acusó de bailar de forma "antiestética". A pesar de la fama y los honores, a la bailarina le costaba cada vez más sostener su compañía, ya que se negaba a que sus obras fueran representadas por otros grupos de danza o por alguien que no hubiera sido entrenado en su enseñanza y estilo. Por lo demás, sabía que al entregar sus coreografías a otros grupos perdería el control de las mismas y esto podría desvirtuarlas. En 1968, a los 64 años, Martha Graham dio su última función como bailarina. Desde hacía tiempo la crítica y sus propios compañeros la presionaban para que dejase el escenario. El costo de esta decisión fue muy grande: la coreógrafa cayó en un colapso físico y moral durante varios años. Sin embargo, en 1973 renació de sus cenizas: volvió a crear coreografías, a ponerse al frente de su compañía y a acompañarla en las giras hasta su muerte, ocurrida el 1 de abril de 1991. "Nunca pienso en las cosas que hice; sólo en las cosas que quiero hacer, en las que todavía no he hecho", aseguró en la última entrevista que concedió, hecha poco tiempo antes de su fallecimiento.
Release En términos generales podríamos decir que release es un término bajo el cual se reconoce una aproximación al movimiento que actualmente tiene una fuerte presencia en el lenguaje dancístico y coreográfico de la danza escénica. Se genera y desarrolla en el contexto de la danza posmoderna o nueva danza que surgió en en los años 70´s en Estados Unidos. En aquellos años las técnicas de release se referían a un método de entrenamiento basado en la ideokinesis que integra mente y cuerpo anatómico, experimenta con distintos métodos de improvisación a partir de principios de meditación e incorpora elementos de la psicología del desarrollo. De sus principios surge una forma de moverse que puede definirse como fluída y relajada. (La relajación se entiende como algo rígido que se convierte en algo suave, y se agrega el concepto de expansión)2. Esta fluidez no sólo se refiere a una fluídez física, sino también mental y emocional El ejecutante se mueve con todo su ser, integrando emociones, pensamientos en el movimiento. En México, en los últimos años, el release se ha incorporado como otra posibilidad de entrenamiento y creación. Pero ¿qué es release? ¿de dónde viene? ¿cómo llegó a México? Han pasado más de 30 años desde su surgimiento. El release ha devenido en diversos estilos como personas que lo practican. Se aprende a partir de la síntesis que ha hecho quien lo imparte. Algunos, -quizás los más- ponen énfasis en compartir el complejo vocabulario corporal que ha surgido de sus principios. Otros subrayan los diferentes métodos de improvisación para la creación de vocabulario corporal, y exploran sus posibilidades para la composición coreográfica. Otros más se enfocan en sus principios fisiofilosóficos que abren el camino hacia la creación de un lenguaje propio de creación y movimiento. Otros, quizás combinan estas diferentes vertientes. Algunos han afirmado que el release es una moda y que de ninguna manera es formativo. Daniel Lepkoff, fundador de Movement Research* dice que innumerables profesionales de la danza en todo el mundo han sido influenciados por este estilo de nueva Danza sin tener un pequeño conocimiento o la experiencia de los orígenes de este material3. Mary Fulkerson pionera del movimiento de danza posmoderna y quien ha desarrollado una intensa actividad docente y artística en el campo de la danza actual básicamente en Europa y autora del libro ´Release: From body to spirit. Seven Zones of Comprehension from the Practice of Danceµ me comentó con cierto desencanto que, actualmente muchos ponen de título a sus talleres o cursos ´Releaseµ sin tener el mínimo conocimiento de lo que es, simplemente porque está de moda o lo consideran de alguna manera necesario para ingresar a cierto mercado. *Movement Research, es un centro de danza cuyas actividades soportan las formas artísticas actuales. Fue creado en 1978 por un colectivo de artistas posmoderos, quienes requerian de un sitio donde poder seguir estudiando e investigando juntos, un lugar de referencia donde otros pudieran acudir. En el colectivo se encontraban Daniel Lepkoff, Steve Paxton, Lisa Nelson, Barbara Diley, Simone Forti, Nancy Stark Smith, Marsha Paludan, Ivonne Rainer, Nancy Topf, entre otros. La intención de este escrito nada tiene que ver con cuestiones de ética. Tomo los comentarios de Lepkoff y Fulkerson como excitante termómetro para percibir la fiebre que ha generado la danza posmoderna y el release en el escenario de la danza en la actualidad y desenpolvar, desenterrar, refrescar, desenmarañar, indagar un poco en los complejos orígenes y quitarle ese aire de banalidad a este movimiento artístico que a la par de otros movimientos artísticos contemporáneos han sido parteaguas en la reconceptualización del arte.
