Taller de Improvisación

Taller de Improvisación

Fabio E. Martínez .

Universidad Pedagógica acional Facultad de Bellas Artes VI Festival de Artes El ogal Taller de Improvisación Maestro: Fabio E. Martínez N. Profesor de Planta UPN FBA El estudio de la música se ha basado principalmente en el desarrollo de la lectura musical y la ejecución instrumental. Por fortuna, se ha dado últimamente mucha importancia a la educación musical del oído por medio del entrenamiento auditivo y el dictado musical, al menos a una o dos líneas melódicas o rítmicas. El reconocimiento auditivo de las progresiones y cadencias armónicas conduce a la formación integral del músico. Sin embargo, a pesar de todos los progresos que se han dado en la educación musical, se ha dejado de lado el adiestramiento en la improvisación por parte del currículo que se lleva a cabo en la mayoría de las instituciones de educación musical en todos los niveles. Jerry Coker, en la introducción de su libro Improvisando en jazz, dice: “ La improvisación ha existido en otros estilos, pero en la música clásica de la civilización occidental su utilización se ha visto ahogada por las instrumentaciones ampliadas y la complejidad de las técnicas compositivas, las que no han dejado lugar a este medio de expresión individual.” En el primer capítulo el maestro Coker da las cinco herramientas básicas del improvisador: “la intuición, el intelecto, la emoción, el sentido de las alturas y el hábito.” 1 A lo anterior hay que agregar la educación de la memoria musical y sobre todo el aprender a escuchar, tanto a sí mismo como a los demás, para poder establecer un diálogo por medio de la pregunta-respuesta, la imitación o para lograr contrastes de carácter rítmico, melódico o armónico. Tener conocimientos de contrapunto, análisis musical, morfología, géneros y estilos hará que el improvisador componga espontáneamente frases musicales coherentes. El maestro Edgar Willems en sus libros: Las bases psicológicas de la educación musical y El valor humano de la educación musical determina la importancia de la improvisación, la cual debe darse “desde el comienzo de la iniciación para proseguirla a través de todos los estudios musicales, rítmicos, auditivos y armónicos.”

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Coker Jerry Improvisando en Jazz Editorial Victor Lerú Buenos Aires 1974 Páginas 15-17

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Más adelante afirma Willems: “La improvisación, en nuestra educación musical, ocupa un lugar muy particular porque es el signo de la vida. Si fue ignorada en el pasado, se debió en primer lugar, a que no se hacía educación sino enseñanza; en segundo lugar, a simple desconocimiento. Recordemos que en la nueva educación del Siglo XX, la música apareció en el último lugar, después de la lengua materna, el cálculo, el dibujo, la pintura y otras disciplinas.”2 Con el presente Taller de Improvisación no se pretende llenar el gran vacío que se tiene sobre el tema sino incentivar a profesores y alumnos a que se incluya dentro de los hábitos de enseñanza-aprendizaje el tema de la improvisación como parte importante del currículo. ¿Qué se entiende por improvisación? Improvisación: acción y efecto de improvisar. Obra o composición improvisada Improvisador: que improvisa. Persona que compone versos (o música) de repente. Improvisar: hacer una cosa de pronto sin preparación alguna: discursos, poesía, música. Improviso: que no se prevé o previene. Impromptu: voz formada por la unión de dos latinas: in y promtu; equivale a improvisación. Son composiciones de carácter y dimensiones libres aunque predomina la forma Lied desarrollado (Schumann, Chopin)3 ¿Cuándo empezar a improvisar? Se debe comenzar lo antes posible, ojalá desde la iniciación musical. La improvisación armónica requiere de mayor preparación intelectual por parte del improvisador por esta razón se reserva este aspecto para más tarde. ¿Cómo se debe empezar a improvisar? Lo mejor es comenzar con el ritmo, posteriormente se incluye en la improvisación el sonido cantado y/o tocado en un instrumento musical con el fin de crear espontáneamente melodías y canciones. ¿Qué se debe tener en cuenta para improvisar? Se deben tener en cuenta ciertas herramientas básicas como son: el ritmo, los sonidos de los acordes, las escalas, los intervalos, las funciones y progresiones armónicas, las cadencias, los giros melódicos y los grados de atracción. El sentido musical se debe manifestar en la improvisación cuando se realiza una frase musical coherente, ya que, se establece con claridad un antecedente (pregunta) y un consecuente (respuesta). El género y el estilo son importantes en cuanto ayudan a estructurar el solo de la improvisación. La memoria musical es indispensable con el fin de recordar lo que sonó anteriormente y así realizar reexposiciones del tema principal o para establecer diálogos e imitaciones entre los 2 3

E. Willems El valor humano de la educación musical Paidos Studio 1981 página 126. Diccionario Enciclopédico Salvat Barcelona España Salvat Editores 1998 Tomo 15 página 2031

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miembros del grupo musical; por ejemplo un saxo expone el tema y un clarinete lo imita rítmica, melódica o armónicamente; así se crean cánones e imitaciones interesantes poniendo de manifiesto la importancia de los conocimientos de contrapunto de los intérpretes. Lo anterior parece, a primera vista muy complicado, el truco consiste en iniciar un proceso lógico y sistemático del estudio de la improvisación musical. ¿Cómo acompañar armónicamente una melodía? Se debe establecer una relación escala-acorde. Con las escalas se crean melodías y con los acordes armonías. Las escalas pueden ser: tritónicas, pentatónicas, modales, diatónicas, simétricas, blues, entre otras; y los acordes: disminuidos, aumentados, mayores, menores; de séptima, sexta, novena, oncena o trecena; además de los alterados y agregados también los hay de cuartas superpuestas, suspendidos y los llamados clusters (nubes o racimos de sonidos). ¿En qué consiste la relación escala-acorde? La relación escala-acorde es la aplicación del plano Cartesiano a la música donde la línea horizontal representa la melodía y la vertical la armonía; de ahí que la primera se forme con escalas y la segunda con acordes. ¿Qué es una función armónica? Es el papel que desempeña un acorde en una determinada progresión armónica, siendo esta pentatónica, modal y tonal. En la música atonal los acordes no cumplen una función determinada sino que dan “color” al acompañamiento de las melodías. ¿Qué es armonía funcional? “Armonía Funcional: es el arte de formar y enlazar acordes con el fin de aplicarlos en el acompañamiento de melodías y canciones con base en las tres regiones armónicas: Tónica, Subdominante y Dominante teniendo en cuenta las sustituciones con acordes agregados y alterados y la rearmonización.”4 ¿En qué consiste la rearmonización? La rearmonización consiste, como su nombre lo indica, en volver a armonizar una pieza musical, modificando incluso las funciones armónicas por medio de acordes agregados y alterados, con el propósito de ampliarlas y de esta manera sustituir unos acordes por otros; lo contrario también es posible, es decir, simplificar una armonización suprimiendo acordes que cumplen el papel de “relleno armónico” y, de esta forma, facilitar su interpretación. El oído y el gusto musical y, por supuesto, la musicalidad son los verdaderos jueces que determinan cuando una rearmonización es correcta o incorrecta. Esta disciplina requiere de mucha práctica para obtener un criterio adecuado y así se evite dañar la armonía original colocada por el compositor. En el modo mayor se pueden intercambiar los acordes de IV y 4

Martínez N. Fabio E. Apuntes de Armonía Funcional Parte I página 1 (fotocopias) Bogotá Colombia 1.996

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ii grado que cumplen la función de Subdominante; la función de Tónica es desempeñada por los grados I, iii y vi y la Dominante es el V o V7 y el vii°, por citar un ejemplo. ¿Cómo se hace para saber cuál escala le corresponde a un determinado acorde? Así como un mismo segmento de escala puede formar parte de varias escalas diferentes, del mismo modo, un mismo acorde puede aparecer en diferentes tonalidades; de ahí que hay que establecer la función que cumple el acorde dentro del acompañamiento armónico de la melodía. Una vez establecido el papel que desempeña se debe ubicar el acorde en ese “contexto” y no en otro. Veamos unos ejemplos. El acorde de Do Mayor (C) cumple las siguientes funciones armónicas: Grado

Función

Tonalidad

I V IV IIIb VIIb

Tónica Dominante Subdominante Tónica relativa Subtónica

Do Mayor Fa Mayor Sol Mayor La menor Re menor

El acorde de La menor (Am) cumple las siguientes funciones armónicas: i iv ii iii

Tónica Subdominante Subdominante relativa Tónica

La menor Mi menor Sol Mayor Fa Mayor

De ahí que la escala depende de la función armónica y del grado con relación a la tonalidad. Recordemos las escalas que le corresponden a cada uno de los grados de la tonalidad Mayor: I ii iii IV V7 vi vii°

Jónica Dórica Frigia Lidia Mixolidia Eólica Locria

Si construimos un acorde en el primer grado de cada una de las escalas sabremos cuál acorde le corresponde. Da el mismo resultado escribir la escala mayor y sobre cada grado un acorde; esto quiere decir que cuando se halle en función de Tónica, grado I se puede tocar o cantar la escala Jónica, al igual que si la armonía es de Dominante Séptima, o sea el 5° grado se pueda interpretar la escala mixolidia y así sucesivamente.

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Fórmulas para la construcción de las escalas: Para facilitar el aprendizaje de las escalas todas las compararemos con la escala mayor. Los grados modales de las escalas mayores y menores son el tercero y el sexto. Cuando el séptimo grado se encuentre a distancia de un semitono diatónico de la tónica, se llamará sensible; si por el contrario se encuentra a un tono se denominará subtónica. La subtónica en cierta forma reemplaza a la dominante en las escalas eólica y dórica. Por lo anterior la fórmula de la escala mayor o modo jónico será: 3 6 7 y la de la escala menor natural o modo eólico será: b3 b6 b7. Partamos de la escala de Do Mayor que nos puede servir de modelo. Do

Re

#2

2

Mi Fa Sol La Si Do 3 6 7 Jónica 3 #5 6 7 Jónica aumentada 3 6 b7 Mixolidia b2 3 6 b7 Mixo b9 b2 3 b6 b7 Mixo b9 b13 3 b6 b7 Mixo b13 3 #4 6 7 Lidia 3 #4 6 b7 Lidia b7 3 #4 #5 6 7 Lidia aumentada 3 #4 6 7 Lidia #2 3 b6 7 Mayor armónica b2 3 b6 7 Doble armónica b3 b6 7 Menor armónica b3 6 7 Menor melódica b3 6 b7 Dórica b2 b3 6 b7 Dórica b2 b3 #4 6 b7 Dórica #4 b3 b6 b7 Eólica b2 b3 b6 b7 Frigia b2 b3 b5 b6 b7 Locria b3 b5 b6 b7 Locria 2 natural b2 b3 b5 6 b7 Locria 6 natural

La escala alterada se construye sobre el 7° grado de la escala menor melódica, tomemos como ejemplo Do menor melódica: Si 1

Do b2

Re b3

Mib (Re#) 3

Fa b5

Sol b6

La b7

Si

La escala alterada bb7 se construye sobre el 7° de la escala menor armónica, tomemos como ejemplo Do menor armónica: Si 1

Do b2

Re b3

Mib (Re#) 3

Fa b5

Sol b6

Lab bb7

Si

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Origen de las escalas Hipótesis: Las escalas se pueden originar en la combinación de los sonidos. Es muy probable que el hombre primitivo, al igual que lo hacen los bebes y niños pequeños entre uno y tres años, cantara o susurrara pequeños esquemas melódicos a manera de obstinatos, tal vez imitando el canto de los pájaros. De ahí pudo haber nacido la monotonía o el canto repetido de un mismo sonido, por ejemplo el sonido Sol, hoy llamado dominante de Do. Más tarde se combinaron dos sonidos, posiblemente el Sol y el La; después el Sol y el Mi. Así se llegó a la primera escala tritónica: Sol La Mi. La segunda escala tritónica es: Mi Re Do. Al unir las dos escalas tritónicas surgió la escala pentatónica: Sol So l La Mi Re Do. Modos Pentatónicos: Modo N° 1 Modo N° 2 Modo N° 3 Modo N° 4 Modo N° 5

La Do Re Mi Sol

Do Re Mi Sol La

Re Mi Sol La Do

Mi Sol La Do Re

Sol La Do Re Mi

Pentatónica P entatónica menor Pentatónica Mayor

Estas escalas no contienen semitonos por esta razón toman el nombre de anhemitónicas. Al surgir el semitono entre los sonidos MI Fa y Si Do, con base en los ejemplos dados aparece por defecto el tritono y con el la posibilidad de la disonancia la cual crea tensión y exige resolución; claro está que primero apareció el mundo sonoro de lo modal característico de la música de la edad media y el canto gregoriano. Al agregarse a la escala pentatónica menor los semitonos surge el modo eólico el cual va a originar posteriormente la escala menor natural. Del mismo modo ocurre con la escala pentatónica mayor que evolucionó hacia el modo jónico el cual se convertiría en la escala diatónica mayor, o comúnmente llamada escala mayor. Si a la escala eólica se le coloca sensible en vez de subtónica surge la escala menor armónica. El modo dórico con sensible en vez de subtónica da lugar a la escala menor melódica. Los tetracordios de la escalas Muchas escalas combinan ocho sonidos los cuales se agrupan en dos tetracordios. La combinación de los sonidos de esas escalas da la posibilidad de crear cinco tetracordios diferentes a saber: mayor, menor, frigio, armónico y lidio. Veamos por ejemplo: Mayor Menor Frigio Armónico Lidio

do re mi mi fa

re mi fa fa fa sol

mi fa sol sol# la

fa sol sol la la si

1 1 1 1 1

2 2 b2 b2 2

3 b3 b3 3 3

4 4 4 4 4#

T T 1/2 1/2 T

T 1/2 T T1/2 T

1/2 T T 1/2 T

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Las escalas menores también tienen sus modos correspondientes a cada grado: Escala menor natural: 1° 2° 3° 4° 5° 6° 7°

menor natural locrio jónico dórico frigio lidio mixolidio

Escala menor melódica: 1° 2° 3° 4° 5° 6° 7°

menor melódica dórico b2 lidia aumentada lidia b7 mixo b13 locrio 2 natural alterada

Escala menor armónica: 1° 2° 3° 4° 5° 6° 7°

menor armónica locrio 6 natural jónico aumentado dórico #4 mixo b9 b13 lidio #2 alterada bb7

El 5° grado de la escala mayor armónica origina la escala mixo b9 y a esta le corresponde el acorde V7b9. La escala locria es la más apropiada para el acorde llamado semidisminuido: Xm7b5; en la tonalidad mayor este acorde se presenta sobre el 7° grado y en la menor natural sobre el 2°. La escala simétrica es aquella conformada por la sucesión de semitono-tono. Sirve para la improvisación de muchos acordes entre ellos: semidisminuido, menor con 6 agregada, dominante séptima con b9 y #11, dominante séptima con b5 y b9, entre otros. La escala disminuida es la sucesión de tono-semitono. Sirve para la improvisación sobre los acordes de 7ª disminuida. La escala tonal o de tonos enteros se utiliza para la improvisación sobre los acordes de séptima de dominante con la quinta alterada, la oncena aumentada o la trecena menor. 7



La escala blues es la misma pentatónica menor con el 5° grado disminuido agregado, este sonido toma el nombre de nota blues porque es el que le da la sonoridad característica del blues. Veamos por ejemplo: Escala pentatónica de do menor: Escala blues de do:

do do

mib mib

fa fa

solb

sol sol

sib sib

La escala cromática es aquella compuesta por semitonos, contiene los doce sonidos posibles del sistema tonal occidental. La escala frigia también es llamada árabe menor: mi fa sol la si do re mi La escala árabe mayor es la misma mixo b9: mi fa sol# la si do re mi Al comparar las escalas entre si se aprecia en qué se diferencian por esa razón conviene tener en cuenta las fórmulas de construcción de cada una de ellas, veamos por ejemplo: Dórica b3 6 b7

Mixolidia 3 6 b7

tercer grado

Jónica 3 6 7

Mayor armónica 3 b6 7

sexto grado

Frigia b2 b3 b6 b7

Locria b2 b3 b5 b6 b7

quinto grado

Lidia b7 3 #4 6 b7

Mixolidia 3 6 b7

cuarto grado

Dórica b3 6 b7

Melódica b3 6 7

séptimo grado

Jónica 3 6 7

Mixolidia 3 6 b7

séptimo grado

Eólica b3 b6 b7

Frigia b2 b3 b6 b7

segundo grado

Dórica b3 6 b7

Dórica #4 b3 #4 6 b7

cuarto grado

Jónica 3 6 7

Jónica aumentada 3 #5 6 7

quinto grado

Lidia 3 #4 6 7

Lidia aumentada 3 #4 #5 6 7

quinto grado

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¿Por qué es importante estudiar improvisación? La improvisación es un tema tratado por los más importantes autores de metodología y didáctica de la música entre ellos destacamos a: Carl Orff Zoltán Kodály Jaques Dalcroze Edgar Willems Mauricio Martenot Justine Ward Además de estos autores podemos citar a distinguidos docentes de la música que utilizan la improvisación como un recurso pedagógico: Violeta Hemsy de Gainza La Improvisación Musical Mi amigo el piano Murray Schafer La limpieza del oído El rinoceronte en el aula María Cateura Mateu Música para toda la enseñanza María del Pilar Escudero Metodología Musical Vol. I y II Emilio Molina Piano Complementario Improvisación Musical Método de repentización El Bajo cifrado en el Barroco Pilar Pascual Mejía Didáctica de la Música Dorothée Kreusch-Jacob (Capítulo 6) La música en la educación preescolar Haydeé Marín Álvarez, María Clara Misas Urreta y Alejandro Tobón Restrepo de la U. de Antioquia Juguemos a la música Como podemos observar tanto los estudiosos de la metodología como los expertos en la didáctica musical concuerdan en darle importancia al tema de la improvisación con el fin de despertar la creatividad de los niños, jóvenes y adultos. El estudio de la música a nivel superior, es decir en los Conservatorios, Escuelas, Academias y Facultades de Bellas Artes no debe seguir siendo ajeno a reconocer la improvisación como parte fundamental de la formación del músico profesional; esto no pertenece tal solo al Jazz sino que puede ser aplicado a toda actividad que tenga que ver con la expresión artística por medio de la música. La expresión corporal por medio del movimiento, el gesto, el baile, la danza, el ballet, la actuación teatral y el discurso verbal, se apoya en las actividades de improvisación que preparan al futuro “maestro” a enfrentarse con “dominio” ante un público que puede ser un grupo de estudiantes en un salón de clase, un auditorio reunido con el propósito de escuchar un concierto o una conferencia. Si no nos preparamos por medio de la improvisación siempre seremos intérpretes de lo que tengamos en nuestra memoria y jamás podremos ser espontáneos espontáneos para mantener una conversación, un diálogo o simplemente una charla, asuntos que siempre serán improvisados y jamás tendrán un libreto preparado. Debemos comenzar de inmediato a involucrarnos con el tema de la improvisación porque tenemos la responsabilidad de “entrenar” a nuestros actuales y futuros alumnos. 9



¿Por qué se sugiere partir del juego para llegar a la improvisación? La improvisación tomada como un juego deja de ser vista como un “coco”, de ahí que se le pierda el miedo a, como decimos hoy en día, “hacer el oso” o quedar en ridículo. Si estamos jugando y nos equivocamos, lo más probable es que en vez de “sufrir” por el error nos riamos incluso de nuestro propio error y entonces al divertirnos, corremos el riesgo de que por medio del gozo y la alegría aprendamos, sin darnos cuenta, a lograr el dominio de una determinada actividad, en este caso la podemos llamar música, pero en otros momentos puede ser: expresión corporal, expresión verbal, cálculo mental, habilidad manual, destreza en el manejo de una bicicleta, unos patines, una cometa, un automóvil, o, por qué no un barco, un avión o un cohete espacial. Todos debemos aprender a improvisar con el fin de saber qué hacer ante un imprevisto, es decir estaremos en capacidad de evitar un accidente, o al menos lograr “salvar o sortear” las dificultades con recursos que, de otra manera jamás lograremos obtener por otro medio. De ahí que un piloto de una aeronave debe “prevenir qué hacer ante una emergencia”, de igual manera un músico, un actor o un profesor debe saber cómo superar un problema que se le presente ante un posible olvido del llamado “libreto”. Un maestro de aula que pretende despertar la creatividad de sus estudiantes debe demostrar no solo dominio del saber específico sino que necesariamente debe manejar con destreza y habilidad su propia imaginación, es decir, debe ser un “maestro creativo”, el cual utiliza recursos inesperados, a veces muy simples y muy obvios, pero que logran llegar a incentivar de tal manera que contagian, entusiasman, motivan y estimulan a los niños, jóvenes y adultos hacia un futuro lleno de cosas nuevas e innovadoras. La improvisación nos hace compositores espontáneos, de ahí que nos de herramientas para elaborar material didáctico, crear melodías y canciones sobre un tema específico: el día de la madre, el amor y la amistad, la guerra y la paz, la violencia y los desplazados, la tecnología y los computadores, la religión y la falta de valores, la ecología y el respeto por la naturaleza, el cuidado y el valor del agua, el respeto por la vida, el reconocimiento recíproco, entre otros muchísimos temas posibles de reflexión. ¿Por qué el maestro debe ser creativo? Un maestro que no es creativo necesariamente tiene que ser repetitivo, es decir: emite el mismo discurso aunque cambie “el repertorio” de vez en cuando. Lo grave es que a veces ni siquiera esto último se hace, ya que se establece un “matrimonio”, sin riesgo de “divorcio”, entre el tema que se desarrolle en una clase y el material didáctico utilizado como recurso pedagógico. Nos casamos con las mismas melodías, los mismos autores y los mismos libros. Aquí es cuando se hace necesario romper esta sempiterna unión con el fin de llegar al mismo sitio esperado pero con medios y caminos diferentes, así sí se oxigena la educación en todos los niveles del proceso de enseñanza-aprendizaje del ser humano. Por las anteriores razones la improvisación musical desarrolla la inteligencia y el pensamiento musical logrando así la formación integral de todos los seres humanos, aficionados y profesionales. 10

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