Traducción gratuita, por: www.myspace.com/distattoo , que la disfrutes ;) MIKE DEVRIES SEAMOS REALISTAS HITOS EN LA HISTORIA DEL TATUAJE El tatuaje ha existido desde el período Neolítico y la Edad de Piedra. En 1.991, Otzi the Iceman, un hombre tatuado de cinco mil años de edad, fue encontrado en el Valle Otz en los Alpes con 57 tatuajes agujereados en su piel. En 1.891, unos arqueólogos encontraron los restos momificados de una sacerdotisa que poseía muchos patrones geométricos geométricos y esquemáticos en su cuerpo. Se cree que vivió en el 2.000 A.C. Las momias de Pazyryk se encontraron en las montañas High Altai del oeste y sur de Siberia y se remontan a 2.400 años atrás. Muchos de los tatuajes descubiertos en los cuerpos de estas momias simbolizan animales comunes en ese período. La práctica del tatuaje ha tenido un inmenso significado histórico en las culturas polinesias, donde se cree que la fuerza espiritual de una persona, o maná, se despliega a través de sus tatuajes. Los maorís de Nueva Zelanda creen que el “moko”, o tatuaje, refleja su erudición artística; el “moko” a cara completa es un signo de prestigio y superioridad. En Samoa, tatuar a mano se asocia con rango, título y prestigio, y hay ceremonias de tatuaje en el inicio de la pubertad que celebran la perseverancia del joven jefe, su resistencia y dedicación a su herencia y tradición cultural. Como dijo una vez Charles Darwin sobre los tatuajes, “no hay nación en la Tierra que no conozca este fenómeno”. Algunos creen que el origen de la palabra “tatuaje” viene de “tatau”, una palabra Samoana que significa “marcar dos veces”. “Ta” significa “mano”, y se duplica debido a que implica una acción repetitiva; mientras que “u” quiere decir “color”. El capitán James Cook, un explorador británico, presentó este fenómeno al mundo Occidental, cuando recolectaba información sobre el mundo en un pasaje de su diario a finales de 1.760. Escribió, “graban símbolos en los cuerpos de la gente y lo llaman tattaw”. Mencionó otra vez el tema en 1.779, cuando declaró que “la universalidad del tatuaje es un tema interesante para la especulación”. Muchos miembros de la tripulación del capitán Cook volvían con regularidad a Inglaterra tatuados, una práctica que finalmente dibujó un vínculo entre los tatuajes y los marineros; porque recolectaban obras de arte en su piel durante sus varios viajes. El tatuaje en Japón tiene una larga y brillante historia. Durante el siglo XVIII, en el período Edo, los tatuajes tradicionales japoneses, conocidos como “horimono”, empezaron a emerger como una hermosa forma de arte; ya que utilizaban imágenes imágenes de xilografías y acuarelas tradicionales. Algunos de los primeros artistas eran artistas de “ukiyo-e” y cambiaron sus herramientas de talla de madera por agujas largas y puntiagudas y lienzos de piel. Mientras esta forma de arte se concentraba más, los artistas empezaron a dedicar su tiempo y esfuerzo a especializarse en este estilo único de tatuaje, centrando muchos de los temas del tatuaje alrededor del antiguo folclore: fuego, viento, agua, serpientes, tigres, leones, dragones, olas, kois, guerreros samurai, agua y flores. El tatuaje tradicional japonés consiste en usar un conjunto de agujas que
se ponen al final de un mango de madera o metal y la tinta se mete manualmente. Esta antigua forma de tatuar todavía se practica en la actualidad por un puñado de maestros tatuadores japoneses muy respetados, cuya rica historia ha tenido una influencia positiva en los coleccionistas de tatuajes y artistas de cultura occidental. En japonés, un “horishi” es un artista del tatuaje. El prefijo “hori” (que significa “grabar”) se dio por primera vez como un título a finales de 1.800. Los títulos a menudo eran tatuados en los clientes como la firma del artista. Ocasionalmente estos tatuadores formaban asociaciones asociaciones maestro-aprendiz, en las que el maestro consagrado preparaba a sus estudiantes, dándoles un título y a veces pasando su nombre al pupilo. Por ejemplo, Horiyoshi I, de Yokohama, le dio a su hermano el título de Horiyoshi II y éste decidió darle a su estudiante, Yoshihito Nakano, el título de Horiyoshi III. Esta sucesión ha durado cincuenta años, y el hijo de Horiyoshi III, Nakano Kazuyoshi, está aprendiendo el oficio y a su debido tiempo se le concederá el título de Horiyoshi IV. Horiyoshi III nació en 1.946 y durante treinta años ha sido la autoridad preeminente del tatuaje japonés. Recibió su traje de cuerpo entero a la edad de 28 años, y fue completamente tatuado a mano por su maestro. Horiyoshi III sigue siendo un artista tatuador a tiempo completo, ha escrito varios libros y posee un museo de tatuaje en Japón junto a su mujer. Es admirado y respetado en toda la comunidad tatuajística actual, tanto por sus impresionantes trabajos como por su lealtad a la tradición y a la estricta disciplina cultural.. Los tatuajes se hicieron populares por la gente del circo a finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, debido a que los mayores circos ambulantes contrataban gente muy tatuada que era exhibida como atracción secundaria. secundaria. En 1.891, la primera máquina de tatuar eléctrica fue inventada y patentada por el artista del tatuaje Samuel O’Reilly. O’Reilly. Este revolucionario aparato fue extremadamente innovador al abrir las puertas a una nueva generación en crecimiento en el ámbito del tatuaje. Esta evolución generaría finalmente más avances en varias áreas, incluyendo: pigmentos/tintas, agujas, métodos de esterilización, diseños/flash, así como en la cultura del tatuaje en general. Además de la contribución de O’Reilly a la historia del tatuaje de la cultura occidental, uno de los artistas del tatuaje más destacados de su tiempo fue Norman “Sailor Jerry” Collins. Nació en 1.911 y murió a los 62 años, en 1.973. Durante su vida, Sailor Jerry creó formaciones de agujas que eran capaces de hacer penetrar la tinta en la piel con menor trauma que las anteriores. También desarrolló sus propias tintas seguras que venían en una multitud de colores que la industria nunca había visto o usado hasta entonces. Además, Collins fue uno de los primeros artistas que empleó agujas de un solo uso y que ofrecía métodos de estirilización de alta calidad en su estudio. Sailor Jerry era conocido por sus certeros detalles y su precisión bien definida definida en sus trabajos, muchos de los cuales giran en torno a temas y diseños náuticos. Su primer estudio estaba en Chinatown en Honolulu, Hawaii, y Sailor Jerry se convirtió en mentor de otros dos artistas que iban a convertirse también en leyenda por derecho propio: Don Ed Hardy y Mike Malone alias Rollo. Hardy es bien conocido por incorporar diseños y técnicas del tatuaje japonés en su trabajo artístico; y también por revolucionar el arte del tatuaje en la escena de la cultura pop. Ha tenido mucho éxito comisariando varias exposiciones de arte y haciendo numerosas conferencias en colegios y museos. Otro artista influyente influyente durante 1.960 fue Lyle Tuttle, que acaparó titulares en el mundo del tatuaje, con sus legendarios trabajos sobre la piel de mujeres. Cuando le preguntaron
se ponen al final de un mango de madera o metal y la tinta se mete manualmente. Esta antigua forma de tatuar todavía se practica en la actualidad por un puñado de maestros tatuadores japoneses muy respetados, cuya rica historia ha tenido una influencia positiva en los coleccionistas de tatuajes y artistas de cultura occidental. En japonés, un “horishi” es un artista del tatuaje. El prefijo “hori” (que significa “grabar”) se dio por primera vez como un título a finales de 1.800. Los títulos a menudo eran tatuados en los clientes como la firma del artista. Ocasionalmente estos tatuadores formaban asociaciones asociaciones maestro-aprendiz, en las que el maestro consagrado preparaba a sus estudiantes, dándoles un título y a veces pasando su nombre al pupilo. Por ejemplo, Horiyoshi I, de Yokohama, le dio a su hermano el título de Horiyoshi II y éste decidió darle a su estudiante, Yoshihito Nakano, el título de Horiyoshi III. Esta sucesión ha durado cincuenta años, y el hijo de Horiyoshi III, Nakano Kazuyoshi, está aprendiendo el oficio y a su debido tiempo se le concederá el título de Horiyoshi IV. Horiyoshi III nació en 1.946 y durante treinta años ha sido la autoridad preeminente del tatuaje japonés. Recibió su traje de cuerpo entero a la edad de 28 años, y fue completamente tatuado a mano por su maestro. Horiyoshi III sigue siendo un artista tatuador a tiempo completo, ha escrito varios libros y posee un museo de tatuaje en Japón junto a su mujer. Es admirado y respetado en toda la comunidad tatuajística actual, tanto por sus impresionantes trabajos como por su lealtad a la tradición y a la estricta disciplina cultural.. Los tatuajes se hicieron populares por la gente del circo a finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, debido a que los mayores circos ambulantes contrataban gente muy tatuada que era exhibida como atracción secundaria. secundaria. En 1.891, la primera máquina de tatuar eléctrica fue inventada y patentada por el artista del tatuaje Samuel O’Reilly. O’Reilly. Este revolucionario aparato fue extremadamente innovador al abrir las puertas a una nueva generación en crecimiento en el ámbito del tatuaje. Esta evolución generaría finalmente más avances en varias áreas, incluyendo: pigmentos/tintas, agujas, métodos de esterilización, diseños/flash, así como en la cultura del tatuaje en general. Además de la contribución de O’Reilly a la historia del tatuaje de la cultura occidental, uno de los artistas del tatuaje más destacados de su tiempo fue Norman “Sailor Jerry” Collins. Nació en 1.911 y murió a los 62 años, en 1.973. Durante su vida, Sailor Jerry creó formaciones de agujas que eran capaces de hacer penetrar la tinta en la piel con menor trauma que las anteriores. También desarrolló sus propias tintas seguras que venían en una multitud de colores que la industria nunca había visto o usado hasta entonces. Además, Collins fue uno de los primeros artistas que empleó agujas de un solo uso y que ofrecía métodos de estirilización de alta calidad en su estudio. Sailor Jerry era conocido por sus certeros detalles y su precisión bien definida definida en sus trabajos, muchos de los cuales giran en torno a temas y diseños náuticos. Su primer estudio estaba en Chinatown en Honolulu, Hawaii, y Sailor Jerry se convirtió en mentor de otros dos artistas que iban a convertirse también en leyenda por derecho propio: Don Ed Hardy y Mike Malone alias Rollo. Hardy es bien conocido por incorporar diseños y técnicas del tatuaje japonés en su trabajo artístico; y también por revolucionar el arte del tatuaje en la escena de la cultura pop. Ha tenido mucho éxito comisariando varias exposiciones de arte y haciendo numerosas conferencias en colegios y museos. Otro artista influyente influyente durante 1.960 fue Lyle Tuttle, que acaparó titulares en el mundo del tatuaje, con sus legendarios trabajos sobre la piel de mujeres. Cuando le preguntaron
qué es lo que había hecho que el tatuaje ganara popularidad durante su temprana carrera, una cita suya en Prick Magazine dice, “¡La liberación de la mujer! ¡Cien por cien la liberación de la mujer! Eso ha puesto al tatuaje de nuevo en el mapa. Con las mujeres obteniendo una recién encontrada libertad, pueden tatuarse si es lo que desean.” También por esta época, artistas como Freddy Negrete, Mark Mahoney y Jack Rudy tatuaban innovadores retratos. Según la leyenda del tatuaje, Rick Walters, “Freddy fue uno de los primeros en hacer estilo realista y un trabajo de color realista. A mitad de los 70 hizo una virgen María a todo color en una espalda que le hizo ganar el Tatuador del Año de la National Tattoo Association Convention.” Cuando Mahoney se mudó al este de Los Ángeles en los 80 hacía trabajos de retratos preciosos que influyeron a muchos futuros artistas, al empezar a tener una nueva apreciación de este estilo de trabajo. Walters es una gran influencia para muchos en la industria del tatuaje. Empezó tatuando a mano a sus amigos en 1.955, cuando tenía sólo diez años. En 1.965, consiguió su primera máquina de tatuar y empezó a trabajar profesionalmente, profesionalmente, abriendo un pequeño estudio en Lawndale, California. California. En 1.973, fue a trabajar con su mentor, JR Pike, y pasaba el tiempo en el estudio de Bert Grimm, aprendiendo todo lo que podía antes de ir a trabajar con Bob Shaw y Col. W.L. Todd en Tattoo Gallery; después, trabajó en World Famous Bert Grimm’s Tattoo Studio en Long Beach, donde permaneció 25 años. Al otro lado de los Estados Unidos, artistas como Tom Renshaw producían increíbles retratos y piezas de animales/naturaleza en blanco y negro; ofreciendo a la industria del tatuaje un nuevo nivel de trabajo artístico en el género realista. Tom, que continúa impresionando al mundo del tatuaje hoy en día, pasó a enseñar a Bob Tyrell, que hizo su aprendizaje en Eternal Tattoos con Tramp y Renshaw, aprendiendo el oficio de estos increíbles artistas. Tyrell estuvo en Eternal durante seis años, mientras afinaba sus habilidades, antes de abrir su propia tienda en Detroit. Continúa impresionando a la industria con su sobresaliente trabajo en el reino del blanco y negro. En cuanto al realismo de color, Deano Cook, tatuando desde 1.993 fuera de Georgia, empezó a producir impactantes pin-ups y retratos realistas durante una época en la que eran pocos los que intentaban hacer algo así. Similarmente, en California, Mike DeMasi ofrecía un estilo realista único y memorable a través de sus trabajos de retrato y subía el listón a aquellos que profundizaban en el mundo del realismo, sirviendo de inspiración para muchos nuevos artistas. Artistas influyentes como estos antes mencionados han sido muy importantes allanando el camino para aquellos que están hoy en la industria. Cada escalón en la progresión del arte del tatuaje hace posible que la siguiente generación evolucione y avance, trayendo también nuevos métodos y técnicas para aquellos que vendrán después de ellos. Esta larga historia del tatuaje ha llevado a muchos cambios durante los años, mientras los entusiastas del tatuaje han ido coleccionando piezas de muchos géneros: tatuajes old school, new school, con sus líneas gruesas y sus colores brillantes, estilo japonés, tribal, biomecánico, diseños religiosos y mitológicos, estilo cartoon, texto/letras, y muchos, muchos más. Este vasto abanico de estilos, nos traen hasta el día de hoy, donde la industria definitivamente ha alcanzado un punto de inflexión; la perspectiva del reposo, donde una vez fue un fenómeno raro, está rápida y dramáticamente convirtiéndose convirtiéndose en algo más común; que es el brillante mundo del realismo. Han hecho falta muchas progresiones y “subidas de listón” para que tuviera lugar una explosión como ésta. Cada artista en la ecuación revolucionaria ha tenido sus incidencias personales y mentores que le han llevado a ser parte de esta metamorfosis.
MI VIAJE PERSONAL COMO ARTISTA DEL TATUAJE Mis propios recuerdos de niño, incluyen horas de dibujo y bocetos; siempre podías encontrarme con un lápiz en la mano. Nací y crecí en el sur de California en San Fernando Valley, mi viaje empezó en junio de 1.979. Tuve una educación genial y me mantenía ocupado con muchas actividades típicas infantiles. Acumulo miles de horas jugando a videojuegos, muchos años participando en la Little League Baseball y siempre he estado en la escena del skateboarding. También me gustaba coleccionar cromos de béisbol y cómics, y fueron los cómics los que provocaron una ya evidente intriga por el dibujo, la pintura y el arte en general. Siempre interesado en el proceso creativo, algunos de mis recuerdos más tempranos de infancia incluyen garabatos de imágenes de distintas caras espantosas en cualquier trozo de papel que pudiera encontrar. Aunque el instituto es como una vasta niebla en mi cabeza, siempre recuerdo haber estado apuntado a clases de arte y pasar muchas horas dibujando, creando y abocetando en cualquier medio disponible; incluyendo las paredes de mi habitación. Cuando tenía aproximadamente 16 años, mi mejor amigo, Scott, se pasó a enseñarme su nuevo tatuaje. tatuaje. Mi curiosidad se desató, y no perdí tiempo para adquirir uno al día siguiente. siguiente. Sorprendentemente, Sorprendentemente, mis padres me dieron permiso y me dirigí al estudio, que era un sitio muy famoso en el vecindario en aquella época. Me hize un colorido sol, completado con una cara maligna en medio, tatuado en la parte superior del omóplato. Con esto, no sólo recibí mi primera pieza de tinta, sino que esto abrió la ventana a todo un mundo nuevo, que eventualmente se convertiría en mi carrera. Este recién descubierto descubierto entorno cautivó mi atención atención y una gran parte de mi tiempo, mientras pasaba más y más horas en la silla de tatuar y dejándome caer por el estudio; el cual inicialmente era un garaje bien acondicionado y luego se convirtió en un estudio de tatuajes deambulante en un remolque. Invitaba al artista y a su estudio móvil a casa de mis padres para hacer fiestas de tatuaje, cuando estaban fuera de la ciudad. El remolque evolucionó por último en un asombroso autobús de colegio/estudio de tatuajes, que fue donde el dueño lo relocalizó. Cumplí los 18 por esa época y cuando se trasladó, fue el momento de que yo también lo hiciera, así que empecé a estar un montón de tiempo en el estudio local, pasando el rato e incrementando mi colección personal de tatuajes. Durante las vacaciones de verano y otras fechas en las que no tenía colegio, trabajaba con mi padre en la construcción y el remodelado residencial. Después de graduarme en el instituto en 1.997, trabajaba con él a tiempo completo y continué con esta profesión durante muchos años, creyendo que sería mi principal vocación. Durante estos años, mi afinidad con los tatuajes continuó y siempre presté mucha atención al proceso y las técnicas usadas por los artistas que visitaba frecuentemente. A principios de 2.003, una conversación durante una sesión de un tatuaje con Jim Hayek, acabó en una oferta de aprendizaje. Me permitió hacer un trueque con algo de trabajo de construcción como parte del pago, mientras no perdí tiempo para reunir el resto del dinero para poner en marcha el aprendizaje. Compré el equipo necesario; que incluía una Neuma (www.neumatattoomachine.com ), la máquina de aire con la que aprendí. Después, utilicé cada momento libre practicando mis recién aprendidas habilidades en mis colegas; tatuando de noche después del trabajo y los fines de semana. En un año, pude dejar el negocio de la construcción y empezó mi entrada en la industria del tatuaje. Mis
habilidades de albañil inmediatamente me fueron útiles, y construí un estudio detrás de mi casa en Encino y trabajé ahí durante los primeros cuatro años de mi carrera. A principios de 2.007, cuando me mudé a Art Junkies Tattoo en Hesperia, California, conseguí una sólida clientela y me establecí como maestro en el género del realismo/retrato de la industria. En verano de 2.008, después de un genial año y medio en el desierto, decidí abrir un estudio de tatuajes privado en San Fernando Valley. Siempre he tenido cariño al estilo realista y exploré revistas de tatuaje durante mis primeros años, impresionado con el trabajo de retratos de Tom Renshaw. Trabajos como el suyo, inspiraron mi dirección a seguir, mientras mis habilidades en el tatuaje progresaban y rápidamente me di cuenta de que había encontrado mi sitio en el realismo de color. Avanzando constantemente, estuve extremadamente ocupado y motivado refinando y puliendo este arte para seguir avanzando hacia el siguiente nivel. Un vistazo a mi portafolio revela mi preferencia por “cualquier cosa realista”, notablemente, la variedad de vida salvaje, estrellas de cine, estrellas del rock y pin ups. Además de un horario de trabajo apretado, también me gusta pintar, cuando el tiempo me lo permite. Este medio también me lo inspiró Jim Hayek, cuando vi por primera vez piezas increíbles que había hecho de rockeros famosos. Me enseñó lo básico y entonces pinté muchos de mis personajes y escenas de película favoritos. Estoy familiarizado a trabajar con acrílicos y espero poder experimentar con óleo y aerógrafo en el futuro. He obtenido inspiración de artistas como: M.C. Escher, Salvador Dalí, Kunio Hagio y Michael Godard. Además de estos maestros, he encontrado más inspiración en la industria del tatuaje de artistas como: Bob Tyrell, Robert Hernández, Joe Capobianco, Tom Renshaw, Guy Aitchison, Nick Baxter, Nikko, Cory Cudney; mis colegas, Carson Hill, Mike Demasi, y por supuesto, mi mentor, Jim Hayek. REFERENCIAS Sentar las bases de un tatuaje requiere organización, preparación y un plan. El primer paso en el que nos centraremos es en tu material de referencia. Es esencial una buena referencia para un tatuaje realista de primera clase, ya que la imagen que elijas y utilices guiará todo el proyecto. Presta mucha atención a las características que distinguen una referencia mediocre de una excepcional. Invertir dinero en crear tu propia biblioteca personal es muy recomendable. Tener un directorio de imágenes pictóricas al alcance de la mano es extremadamente útil y conveniente cuando investigas y te preparas para cada nuevo poryecto de tatuaje. Esto también dará ideas a tus clientes y les hará saber que tipo de cosas estás interesado en hacer, lo cual es muy importante cuando hablamos de realismo (retratos y animales). Intenta acumular volúmenes de libros y revistas de todos los géneros, incluyendo: fotografía animada, fisiología, naturaleza, anatomía, cultura pop, entretenimiento, ciencias, etc. Mi colección también incluye muchas imágenes de celebridades de 8x10, que puedes comprar en algunas tiendas de recuerdos u online. Además de las publicaciones tangibles, utiliza la infinita red global. Internet tiene un potencial ilimitado de coleccionar imágenes y fotos, para construir tus archivos de referencia más todavía. El tiempo invertido en buscar, estudiar y surfear la web en busca de imágenes magníficas te beneficiará inmensamente.
Cuando se trata de tu material de referencia, recuerda que la clave es la claridad. Si quieres que un tatuaje sea fresco y realista, tener una imagen clara y precisa es esencial. Busca imágenes con mucha definición, veracidad y características distintas. Esto es especialmente importante si planeas ampliar la imagen, ya que quieres que sea capaz de retener la exactitud cuando se amplía. Mejorar el tamaño también se hace imperativo para que tu foto de referencia inicial esté a un tamaño trabajable. Ampliar una foto minúscula creará un gran borrón, así que empieza con una imagen de un volumen sustancial y en alta resolución, a ser posible. Hay momentos en los que puede que una imagen detallada no es una opción viable. Por ejemplo, si tu cliente desea un retrato de un ser querido fallecido, la imagen que traerá puede que no sea la ideal. Aquí es donde entran tus habilidades creativas, al tener que utilizar lo que está disponible; se ingenioso, artístico e imaginativo para hacer que esa imagen cobre vida. Igualmente, si tu cliente quiere un retrato de un ser querido vivo y trae una imagen de baja calidad/claridad, enséñale a organizar su propia sesión de fotos con esa persona. Dile que haga un surtido de fotos; usando diferentes ángulos, posiciones e iluminación, para que tengas una buena colección de fotos entre las que escoger. Además de la claridad y el tamaño, busca referencias con textura, profundidad, sombras y dimensión. Por ejemplo, cuando trabajas un retrato humano, presta atención a fotos de referencia con detalles en el modelo: boca/lengua, ojos, pestañas, arrugas, pecas, cejas, pelo facial y/o textura del pelo, dedos, uñas, sudor, tono de piel, etc. Similarmente, cuando investigamos para una pieza de animales/vida salvaje, se consciente de detalles como: los bigotes, la tosquedad o suavidad del pelaje, las plumas, las uñas o garras, escamas, colmillos, encías, ojos, patas, colas, etc. Básicamente, características especiales y sutiles que añadirán distinción a retratos así, que marcarán la diferencia entre un tatuaje común y otro único. Dada la importancia de una imagen de referencia de élite, ten en cuenta que mientras trabajas con esa imagen, no tienes que confiar completamente en ella. Es verdad que es tu base y guía, pero usa licencias artísticas y habilidades creativas para mejorar sus propiedades. Asegúrate de elaborarla y añadir detalles; expande la aplicación de color, embellece el primer plano y amplifica el fondo. Básicamente, recuerda que quieres que el tatuaje sea preciso; mientras al mismo tiempo, añádele unidad con tu estilo. Ser imaginativo y creativo te permite recoger elementos dentro de una buena referencia que no necesariamente estarán en una mala referencia. Por ejemplo, si no puedes ver ciertos detalles y colores de la imagen, desarrolla más con lo que está disponible, usando colores simulados y mejoras inteligentes. Igual que las fotografías son dignas de recordar cuando tienen composiciones llamativas y sustancia, un tatuaje realista también lo será si el material de referencia encarna un marco preciso, claro y táctil. COLOCACIÓN Una vez que has escogido una imagen de referencia excelente con la que trabajar, cuando prepares la imagen es aconsejable reproducirla en varios tamaños. Nunca sabes qué proporción será la mejor, una vez que la pones en la piel del cliente; así que tener varios tamaños es muy útil. Normalmente me gusta empezar con entre tres y cinco tamaños distintos y ponerlos en la zona de destino para ver qué dimensiones fluyen bien y encajan mejor. Muchas veces, este ejercicio de evaluar diferentes opciones de tamaño te llevará a descubrir sin darte cuenta el lugar ideal.
Basándose en la región de piel disponible del cliente, es importante prestar especial atención a muchos factores. Para empezar, ten en cuenta la forma de la imagen, mientras al mismo tiempo consideras la configuración de la zona del cuerpo que vas a utilizar. Aquí es donde entran en juego la antropometría (el estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano) y la comprensión del contorno anatómico de la forma del cuerpo. Reconocer las líneas naturales y la fluidez de la anatomía, así como las configuraciones de las curvas y la simetría puede tener un impacto considerable en la manera en la que se verá la imagen. Ya que muchas veces los tatuajes realistas implican retratos, el sitio donde se posiciona la imagen puede tanto mejorar como distorsionar la imagen. Por ejemplo, la cara exterior del gemelo suele ser un sitio mejor que la cara interior, la parte interior del brazo (antebrazo) normalmente es mejor que la parte exterior. Tiende a ser más plana, mientras que el exterior se enrrolla más y puede tener inserciones de músculos que crearán distorsión. Mis sitios favoritos son: la parte exterior del gemelo, la parte interior del antebrazo y la parte interior del brazo por debajo de la axila. Aunque los atributos físicos del cliente están obviamente fuera de tu control, todavía es importante tener en consideración pequeños factores, como: la pigmentación de la piel, la complexión, la cromacidad, la suavidad/tosquedad de la textura de la piel, la cantidad de pelo corporal, marcas de nacimiento, lunares, cicatrices; básicamente, cualquier cosa que pueda ser un estorbo o una ventaja para ti, cuando determinas qué imagen funcionará mejor en qué zona. Es importante mantener el control del proceso de colocación y creer en tu experta opinión de dónde se verá mejor una imagen en particular. Muchas veces, puede que un cliente se considere experto en materia de tatuaje y te diga dónde quiere llevar su nuevo tatuaje, pero debes mantenerte firme en tu idea de qué sitios serían los ideales para poner el tatuaje. Obviamente, debes tener su opinión en cuenta y al hacerlo, querrás usar tácticas hábiles y persuasión estratégica, pero es imperativo mostrarles que tu experiencia en la materia al final les dará los mejores resultados. A veces es difícil para los clientes visualizar la importancia de la proporción y la simetría sin el dominio que tú tienes, así que expresa estos puntos lo más concisamente posible y fíate de tus instintos para llegar a la decisión final. También es importante tener en cuenta la fluidez de la pieza. ¿La zona que se va a usar hará que el trabajo fluya de manera suave y continuada con la anatomía? ¿Coordina bien y encaja con otros tatuajes que puede que haya en las zonas adyacentes? Asegúrate que las proporciones y los colores o temas de alrededor que ya existan en otros tatuajes armonicen bien. Ten en cuenta la manera en la que una imagen mira hacia dentro o hacia fuera del cuerpo, ya que es primordial que un retrato mire hacia una dirección concreta. Por ejemplo, si un cliente llega queriendo un retrato en el brazo derecho, la dirección puede hacer malinterpretar esa imagen en particular y en realidad pertenecer al brazo izquierdo. Cuando esto ocurre, puede que debas invertir la imagen para encajarla en el lado opuesto del cuerpo. Aunque esto funciona ocasionalmente, se extremadamente cuidadoso, ya que invertir una imagen puede alterar drásticamente la cara. Por ejemplo, si tienes un lunar en la mejilla derecha, no puedes invertir la imagen porque aparecerá en la izquierda. Además, intentar cubrir la mitad de la cara y duplicarla hacia el otro lado, hará que parezca una persona completamente diferente.
Aunque de vez en cuando podrás invertir la imagen, la mayoría de veces no funcionará correctamente. Aborda cada proyecto como una experiencia totalmente única y no limites tus parámetros. Lo que funciona una vez puede que no funcione otra, y viceversa; lo que no funciona en un proyecto, muy probablemente lo hará en otro. Recuerda que las reglas están para romperse; supera tus límites y crea tu propio protocolo que te eleve al siguiente nivel. Es recomendable que planees también la colocación con futuros tatuajes en mente, si prevees piezas posteriores en la misma zona o si estás planeando media manga, una manga o algo mayor. Ten esto en cuenta y debate dónde puede que vaya a haber otros trabajos y qué efecto tendrán en el proyecto actual. Cuando colocas y planeas varios retratos que estarán colindantes, asegúrate de no apilarlos uno encima de otro, para que no cree un efecto “tótem”, que parecerá muy compacto. Más bien, espárcelos y ladéalos bien para que haya varias direcciones y la posición de cada uno fluya correctamente cuando se vean todos juntos. Me he dado cuenta de que lo óptimo es comenzar desde debajo de un miembro e ir yendo hacia arriba si planeas hacer varios retratos en un brazo, una pierna u otra parte del cuerpo. Los retratos más altos quieres que parezca que están detrás de las piezas más bajas, así que tiene sentido empezar por abajo y trabajar hacia arriba conforme avanzas, si es posible, para darle mayor profundidad. Las partes de debajo de los miembros tendrán menos espacio con el que trabajar, así que haz estos tatuajes lo más grandes posible, porque las piezas de encima probablemente serán más grandes para rellenar y encajar en la zona deseada, mientras mantenemos el sentido de la profundidad y la superposición. Así que los tatuajes de arriba deberían ser técnicamente más pequeños que los de abajo. Esto no siempre funciona así, pero intenta planearlo de esta manera si es posible (para leer más sobre la profundidad en la colocación, ve al Capítulo de Técnicas: Sección de Tamaño/Localización/Superposición). No tengas miedo en probar varias localizaciones cuando decides la colocación. A veces el lugar ideal saltará a la vista cuando posiciones la imagen y compruebes los parámetros, así que tienes que estar abierto a varias zonas posibles. Recuerda ser consciente del contorno, el diseño anatómico, el tamaño y el tipo de cuerpo para encontrar el sitio perfecto. ¡PLANTILLAS! Cuando haces un tatuaje realista, uno de los elementos más esenciales para producir un resultado sorprendentemente realista es la plantilla. La plantilla actúa de sistema de navegación y dirige el curso de la precisión del tatuaje. Como dice Mike DeMasi, “un tatuaje excelente no depende de la tinta, las máquinas o las agujas; todo depende de la plantilla”. Una plantilla mala hará un tatuaje malo, igual que una plantilla admirable llevará a un tatuaje de primera clase. Dada la importancia, es imperativo que la plantilla sea lo más específica y detallada posible. Después de probar y probar con unas cuantas herramientas, he visto que lo que mejor me funciona para hacer plantillas es un lápiz Prismacolor Turquoise H, ya que la mina es fuerte y la punta no se rompe fácilmente. Empiezo poniendo la imagen de referencia directamente encima del papel hectográfico, usando la primera capa como plantilla, no la imagen impresa. No uso la impresión como plantilla, porque el papel es más grueso y no se amolda a las partes del cuerpo tan fácilmente como el papel de arriba del papel
hectográfico (papel de seda), que es más delgado y fácil de manejar. Nunca uso una mesa de luz cuando preparo una plantilla para un tatuaje realista, ya que estos dispositivos dificultan la visibilidad de las sombras necesarias y detalles importantes de la imagen. Empieza a hacer la plantilla con la predisposición mental de que quieres incluirlo TODO; incluso si no acabas usando cada pequeño punto cuando empieces a tatuar, al menos el detalle está ahí para usarlo como referencia si fuese necesario. Se específico y meticuloso, mientras incluyes formas geométricas, formas y sombras. Piensa en tu plantilla como una cuadrícula; el marco y la plantilla estructural que guiará la dirección del proyecto y te ayudará a orientarte a través del mismo; algo así como un libro de “rellena y colorea” que seguro que conoces de cuando eras niño. Recuerda que cuanto más tiempo emplees en la plantilla, haciéndola fácil de entender y leer, más suave y rápido será el tatuaje. Cuando trabajo con una plantilla complicada, hago pequeñas “X” en las zonas apropiadas de luz y sombra para resaltar estas regiones y acordarme de su situación cuando empiece a tatuar. Para mí las plantillas complicadas son lo normal; diría que el 95% de las veces, la plantilla es compleja y muy detallada, asi que las “X” se hacen imprescindibles para poder seguirlas cuando empiezo a trabajar. Similarmente, a veces uso líneas de puntos para marcar donde acaba una sombra, así que puedo recordar donde no se usan zonas duras en la pieza. Usando estas marcas en “X” aceleramos el proceso del tatuaje porque si necesitas mirar la imagen de referencia sabes exactamente dónde tienes que mirar. Sin embargo, ten cuidado de no perderte en estas pequeñas marcas; estate siempre atento a la necesidad de mezclar a medida que avanzas. Este también es el momento de hacer ajustes en la pieza. Por ejemplo, puedes jugar con el pelo: haciendo que fluya hacia una dirección concreta, haciéndolo más largo o más corto, o alargar las pestañas, cosas así. Otro buen truco que puedes incorporar en este momento es cortar los hombros para empujar la cara hacia delante o rotar las líneas (mira el Capítulo de Técnica para más información sobre este truco). No puedo recalcar lo suficiente la importancia del detalle. Se específico y elaborado cuando hagas la plantilla; dirigirá el curso del tatuaje y puede significar la diferencia entre un resultado ordinario y uno extraordinario. Una vez que la plantilla está preparada, obviamente querrás afeitar la zona del cuerpo. Me gusta afeitar la zona más allá de la sección que será tatuada; normalmente entre dos y tres pulgadas fuera de la zona de tatuaje. Encuentro esto importante a la hora de tomar fotos de la pieza acabada, ya que no hay nada peor que ver exceso de pelo en la foto. Primero, froto la piel y la limpio con Dial Soap diluido en agua destilada, ya que tiende a ser más suave que el jabón verde, que a veces puede quemar y/o irritar la piel. (Sigo usando el Dial Soap durante todo el proceso de tatuaje). Luego, me gusta limpiar la zona con desinfectante de manos o alcohol; esto seca un poco la piel y ayuda a que la plantilla dure incluso más. STENCIL STUFF Una herramienta específica del negocio en la que confío durante la fase de la plantila es Stencil Stuff (www.StencilStuff.net ). Este sobresaliente producto en loción, no tóxico, ha dejado desfasados a los métodos tradicionales de aplicación de plantillas y elimina la posibilidad de contaminación cruzada. Aplica una pequeña cantidad (aproximadamente
del tamaño de un cacahuete) de Stencil Stuff en la piel del cliente antes de poner la plantilla. No quieres que esté ni muy seca ni muy húmeda, simplemente una consistencia suave. Verás que la plantilla queda significativamente más limpia y nítida. También elimina la necesidad de líneas de sangre o líneas grises debido a la longevidad del producto. Si necesitas borrar la plantilla para reposicionarla, puedes hacerlo con alcohol o desinfectante de manos y la plantilla original puede aplicarse muchas más veces sin dañarla o tener que hacer otra. Antes de aplicar la plantilla, sostenla delante de la piel y haz marcas con un rotulador para que puedas identificar la posición exacta en la que tienes que colocarla. Esto ayuda a una aplicación más controlada y exacta. Es una buena idea aplicar la plantilla antes de preparar las cosas; dándole suficiente tiempo para que seque en esos 15 minutos o así que tardas en preparar “el chiringuito”. PREPARACIÓN, MÁQUINAS, TINTAS, AGUJAS Y MÁS Ahora que tienes la plantilla puesta, es hora de preparar. Un elemento importante con el que empezar es la noción de que un espacio de trabajo organizado es la clave. Me he dado cuenta que ser sistemático con mi zona de trabajo me beneficia a través del proyecto. Empiezo con mis máquinas Neuma; preparo 3 o 4 antes de empezar. MÁQUINAS La ingeniosa Neuma Tattoo Machine fue diseñada por Carson Hill en el año 2000 y ha ido transformando la industria del tatuaje desde entonces. Empezó con una conversación entre dos amigos y después de un largo período de conceptualización y experimentación, Carson creó una representación física de su concepto de máquina de tatuar neumática; así nació el primer prototipo de máquina de tatuar neumática. Desde entonces, el sistema de máquina de tatuar neumática ha visto muchos cambios y mejoras; graduando de prototipo en prototipo, desarrollándose hasta lo que es hoy en día, y encontrándose en manos de muchos artistas del tatuaje talentosos alrededor del mundo. Las máquinas son neumáticas (funcionan con aire comprimido a presión) y al no haber componentes eléctricos, son totalmente aptas para el autoclave; desembocando en una experiencia de tatuaje extremadamente higiénica y segura. Esto no solo hace el trabajo del usuario de una Neuma más limpio y seguro, sino que también abre una puerta en la industria del tatuaje para un estilo de higiene clínico. La habilidad de tatuar únicamente con herramientas autoclavables o desechables, empezando con la propia Neuma y recorriendo toda la estación de trabajo del artista, disipa todas las preocupaciones sobre contaminación cruzada por agentes patógenos de la sangre; que es el mayor riesgo para la salud asociado con el proceso de tatuar. La Neuma no necesita clip cord, fuente de alimentación, capacitor, ni ningún tipo de electricidad. En vez de eso, usas mangueras de aire y regulas con un compressor. Ya que no hay picos de energía eléctrica, las máquinas funcionan continua y eficientemente sin tener que parar constantemente para hacer ajustes, lo que es muy común cuando utilizas una máquina eléctrica. Cuando eliminas la distracción de una máquina con un funcionamiento tosco, puedes concentrar toda tu atención exclusivamente a la labor del tatuaje, en lugar de estar peleándote con los mecanismos de ajuste. No hay pedal en la Neuma; en su lugar, el
regulador está equipado con un interruptor on/off que se maneja con la mano. Considero que es una ventaja no tener pedal porque simplemente es una cosa menos con la que lidiar y que distrae tu atención del tatuaje. Otro tremendo beneficio para los artistas que usan Neumas es el diseño ligero, equilibrado y simétrico; lo cual disminuye el dolor de la muñeca y el cansancio. Debido a que las Neumas están fabricadas en aluminio de aviones CNC de alta calidad, son extremadamente ligeras y cada una tiene un mecanismo de precisión que puede estar dentro de una tolerancia tan baja como 1/1000 de pulgada; manteniendo las máquinas lo más consistentemente posible, y bajando su peso a 1’5 onzas. Esto no es solo una ventaja para el tatuador, sino que además beneficia al cliente con menos dolor durante la sesión del tatuaje y un proceso de curado más suave. Tener menos cansancio de muñeca al final resulta en una carrera más larga para el tatuador, ya que hay menos riesgo de padecer el Síndrome del Túnel Carpiano, tendinitis y otras enfermedades a las que son susceptibles los tatuadores. No te pondrás limitaciones a la hora de tatuar por querer cuidar tu mano. También prefiero los grips de nylon para mis máquinas, porque también son más ligeros y prefiero mantener mi equipo lo más ligero posible. El diseño ligero es beneficioso cuando tatúo porque puedo desenvolverme con facilidad y trabajar en diferentes ángulos que puede que no fuera capaz de alcanzar con una máquina tradicional. Las Neumas también requieren muy poco mantenimiento. Una vez al mes más o menos, añado una gotita de aceite en la parte de atrás de la máquina y la hago funcionar unos minutos para mantenerla lubricada. Es extremadamente fácil de mantener y además no requiere calibración. No tienes que pararte y pelearte con ningún mecanismo ni ajuste de calibración; simplemente la preparas y empiezas, sin preocuparte de la máquina. Cuando una máquina de tatuar funciona consistentemente, permite que el artista se meta en el “groove” del tatuaje y hace más fácil que fluya la creatividad. Las Neuma fueron desarrolladas para ser compatibles con la mayoría de equipamiento existente de los artistas para conseguir que añadir o cambiarse a una Neuma sea un proceso simple. Me enseñaron cómo tatuar con una Neuma cuando hice mi aprendizaje con Jim Hayek y creo que alguna vez usé una máquina de bobinas, pero me encontraba más cómodo con las Neuma y decidí apostar por ellas. También recomiendo comprar un compresor de Neuma. Dependiendo de donde vayas a trabajar, quizá prefieras un compresor de tamaño transportable si viajas a una convención o a casa de un cliente, ya que son muy ligeros y compactos. Aunque es un poco más pesado, es posible viajar con un Single-Artist Compressor; son ideales para las convenciones locales. Si usas un Single-Artist Compressor en un estudio, tiende a ser más ruidoso, así que querrás tenerlo en otra habitación y no justo a tu lado. Hay otros tipos de compresores que funcionan bien, y que puedes comprar en Home Depot o Lowe’s. Normalmente son más ruidosos y necesitarás mantenerlos fuera. Si te haces con uno de estos compresores y no con uno de la web www.NeumaTattooMachines.com , asegúrate al menos de que tiene un calderín de 1 galón y 2 CFM. Si estás trabajando en una tienda, recomiendo un compresor silencioso que viene en una caja o cabina, de manera que puedes tenerlo al lado. También te sugeriría que compraras un regulador de Neuma porque venden un regulador especial que solo llega hasta 30 psi; mientras que otros dejan subir mucho más y es más difíci medir con precisión dónde debe estar la presión. Un buen comienzo es poner la presión alrededor de 25 psi. Sin embargo cada máquina puede funcionar un poquito diferente, así que el “punto justo” puede variar.
Me parece que lo mejor es olvidarse del sonido y de la sensación. Mueve el regulador arriba y abajo, y juega con él hasta que encuentres el punto justo. Si estás usando una mágnum grande, puede que necesites subir la presión, ya que las agujas causan más fricción y necesitan más aire. Igualmente, si estás trabajando línea, puede que quieras bajarla un poquito para que funcione más suave, ya que hay menos fricción y necesita menos aire. No vendo máquinas Neuma, pero si estás interesado en una, puedes aprender más sobre ellas, hacer preguntas y comprar una en: www.NeumaTattooMachines.com ; o llamar al 877-myNEUMA (877-696-3862) o al 805-484-2032: de lunes a viernes, de 9 de la mañana a 5 de la tarde. TINTAS Nunca racaneo cuando preparo las tintas. Sin importar el tema del tatuaje, siempre tengo un gran abanico de todos los colores preparados; para que estén todos a mi disposición, si decido usarlos. Cuando empiezo cualquier proyecto, puede que tenga cinco filas de unos ocho tapones de tinta en cada fila. Cada proyecto cambia, pero este es un buen punto de partida para alinear las tintas. Cada fila está dispuesta desde los más oscuros a los más claros. En la primera fila están los negros y grises. La segunda fila tiene los púrpuras oscuros y los lavanda. La tercera fila tiene los cálidos; de rojos a amarillos. Luego están los tonos fríos; de verdes oscuros a azules claros; y finalmente, la quinta fila tiene los tonos de piel, de marrón chocolate, a marrones medios hasta los tonos más claros de piel. Termino cada fila con un tapón de blanco, de manera que si necesito mezclar algo para aclararlo, cada fila de colores tiene su propio blanco y permanece en la misma sección del esquema de color y sólo contamina colores dentro del mismo matiz. Tengo cuidado de usar una amplia variedad de colores en mi trabajo, lo que significa que la mayoría de las veces, la mayoría de gamas de color serán usadas en la pieza; incluso si son incorporados como luces o fondo, hay muchas posibilidades de usar diversas variedades de matices en cualquier parte. Abajo he listado algunos de mis colores favoritos, ordenados por marcas que suelo utilizar. -
Talens: El negro que uso para todos mis negros y lavados de gries (que son mezclados con agua destilada). - Intenze: Recomiendo tener un set completo de tintas Intenze. Algunos de los colores que más me gustan son: Snow White Opaque (genial para mezclar y para brillos blancos), Chocolate Brown, Dark Brown, Medium Brown, Fleshpot, Flesh, Kool Aid, Periwinkle, magentas, un Pastel Set que tiene tonos pastel geniales que suelo usar; así como muchos tonos de azul, verde y rosa. - Eternal: También recomiendo tener un set completo de tintas Eternal. Algunos de mis colores Eternal favoritos son: Deep Red, Plum, Crimson, Dark Red (me gustan todos los rojos Eternal, ya que curan muy bien). Así como los tonos rosas, naranjas, azules y verdes. - Millenium: Fleshy Flesh, TattooLous Skin Tone, Brown Sugar (un buen color naranja rojizo), Burnt Out Orange, Suede (un buen intermedio a un marrón oscuro), Indian Orange, Marine Green (es un buen color, como un verde sucio)
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Starbrite: Canary Yellow (amarillo muy brillante), Baby Blue, Battleship Gray y Steel Blue (estos últimos me gusta usarlos en esquemas monocromáticos “gris/gris”; el Steel Blue tiene un bonito tinte azulado)
PALETA DE TONOS DE PIEL Cuando preparo mi paleta de tonos de piel, normalmente incluyo estos colores (en este orden): Intenze Chocolate Brown, Intenze Dark Brown, Intenze Medium Brown, Millenium Fleshy Flesh, Intenze Flesh, TattooLous Skin Tone, Intenze Fleshpot, e Intenze Snow White Opaque para mezclar. Todos estos colores son geniales para mezclarlos entre sí y si quieres darle un poco de alegría al tono de piel, puedes añadir diferentes matices para calentarlo (con colores cálidos) o enfriarlo (con colores fríos). Nada me impide mezclar diferentes tonos y mojar en todo tipo de tonos (especialmente con los tonos carne). Otra manera de conseguir tonos de piel que tiene diferentes tonos cálidos y fríos, es mezclando diferentes grupos de colores entre ellos: ya sea colores complementarios o mezclar variedades de otras combinaciones de colores. Recuerda que cualquier tono que estés intentando conseguir (ya sea un marrón, rosa, naranja, melocotón, amarillo, etc.) tendrás que ir mezclando para conseguirlo. Intenze Fleshpot es un buen color para acabar tus esquemas de color de tonos de piel como el color más claro, sin importar cuáles sean tus colores medios y oscuros. Recuerda las mezclas que haces mientras trabajas, para mantenerlo todo consistente. Nunca te sientas restringido con tus colores. Las combinaciones son infinitas y si pruebas diferentes mezclas, te sorprenderán los resultados. Simplemente recuerda que la escala entera de valores es la clave. AGUJAS Cuando se trata de agujas, normalmente tengo la misma disposición preparada y lista para trabajar en cada proyecto. Uso agujas prefabricadas de la Mithra Needle Company (www.MithraTattoo.com ). Normalmente, uso tres máquinas: una siete mágnum, una quince mágnum y una cinco de línea (apretada). Para estas agujas, uso cono largo/afilado del número 12. Las agujas mágnum de quince que uso no son rectas al final, sino mas bien curvas; casi tienen forma de media luna. Esto hace un borde más suave que no da una línea dura cuando sombreo.He descubierto que puedo utilizar el borde casi como si fuera una mágnum de siete suave. Mi herramienta predilecta definitivamente es la mágnum de quince. La uso incluso para pequeñas hebras de pelo y la considero una todo-en-uno. Puedo usarla para bordes, ya que funciona como una mágnum de nueve o de siete porque sólo uso el final de la aguja. Si voy con cuidado, he descubierto que puedo usarla fácilmente para moverme de lado a lado y conseguir también líneas pequeñas. Aunque he oído que algunos artistas son reticentes al método de lado a lado, porque es casi como cortar y podría haber problemas con el curado, no creo que esto sea un problema debido al funcionamiento de la Neuma y el hecho de que tengo cuidado de no trabajar demasiado la piel. Con mi máquina de línea, he descubierto que la cinco apretada es una buena delineadora todoterreno. Puedo hacer líneas pequeñas, como las haría con una aguja de tres, clavándola menos o más si quiero una línea más grande; a la vez que puedo construirlas con movimientos
circulares para líneas incluso más grandes. Simpemente recuerda que la aguja es más pequeña en la punta y se ensancha a medida que subimos, así que la profundidad es la clave para tener diferentes tamaños de líneas, texturas o brillos. Ocasionalmente, además de las tres máquinas con las que trabajo, puedo usar una cuarta máquina, cuando quiero hacer una línea más grande (quizás una cinco o siete suelta) para cierto trabajo de detalle. A veces, la cuarta máquina puede que sea otra mágnum, como una nueve mágnum, si la pieza es muy grande y algunas secciones son demasiado extensas para una mágnum de siete o demasiado pequeñas para una mágnum de quince. Aunque no pasa a menudo, hay veces en las que puedo usar una línea más grande; quizás una cinco o siete sueltas, para cierto trabajo de detalle que no puedo hacer con la cinco apretada. Simplemente se flexible con la preparación de las agujas y déjate llevar por cada trabajo, usando lo que te pida, ya que cada proyecto es diferente. He notado que muchos artistas no comprueban las agujas prefabricadas, ya que confían en el hecho de que vienen bien de fábrica, pero yo siempre compruebo todas y cada una de ellas con una lupa antes de empezar un proyecto. Simplemente porque sean prefabricadas, no quiere decir que sean perfectas, así que tienes que mirar si tienen alguna punta roma o en forma de garfio; así como alguna que no esté recta o que se superponga. Cuando preparo las máquinas, una buena aproximación para la longitud de la aguja, es que sobresalga del tubo entre la anchura de una mondea de diez centavos y una de cinco. A veces sale un poco más si estoy trabajando en áreas de piel blanda, como la axila, el estómago, parte superior del brazo/muslo, etc. También me encanta trabajar con agujas “bug pin”. Hay diferentes tamaños, pero con el que me gusta trabajar es el doble cero (cono largo). Estas agujas son más delgadas y con menos diámetro, por lo que encajan en un tubo estándar, pero por tener menos diámetro, encajan en un tamaño menos del que utilizarías normalmente para las del número 12 afiladas. Por ejemplo, un tubo de quince normal para mágnum de quince; la “bug pin” tiene más agujas, pero tiene el mismo tamaño que una quince normal, así que entra en un tubo más pequeño. Donde normalmente usarías una mágnum de quince (#12 afiladas), una “bug pin” sería de diecisiete. Lo mismo pasa con una mágnum de nueve, la cual he estado utilizando más últimamente; y la mágnum de nueve (bug pin) encaja en un tubo de mágnum de siete. Igualmente, una mágnum de once (bug pin) encajará en un tubo de mágnum de nueve. Estas agujas suelen producir efectos más suaves y no dañan la piel tanto porque las agujas son más pequeñas. Suelo ir hacia adelante y hacia atrás de proyecto en proyecto, de la quince mágnum normal de cono largo a la “bug pin” de diecisiete y las voy intercalando, dependiendo de lo que me pida cada proyecto. La “bug pin” te ralentizará, ya que tiende a necesitar más esfuerzo para meter la piel en la tinta que las #12 afiladas, pero la “bug pin” puede darte un acabado más suave con menos líneas de aguja que suavizar; al mismo tiempo que muchas veces hacen menos daño a la piel. Cambio entre ambos tipos de un día para otro. Aconsejo probar ambas para hacerte una idea de cual te gusta más y con cual te sientes más cómodo. Cada una tiene sus pros y sus contras, así que mira cuál prefieres; o ve intercambiando dependiendo de cómo visualices cada proyecto y de lo que te pida. He probado mágnums de 25 y de 45, pero me parece que no me funcionan tan bien como las que suelo usar. Lo que busco en las agujas que uso es que me dejen incorporar sombreados suaves sin bordes duros. Aconsejo que simplemente mantegas la máquina en movimiento; hazlo todo suave, para que puedas superponer, y no trabajes demasiado
una zona de piel, porque querrás poder seguir superponiendo sin traumatizar la zona. Hablaré más sobre esto en la sección de Técnica. APLICANDO LA TEORÍA DEL COLOR AL TATUAJE REALISTA Todo tiene color. Es lo que captura la esencia y el objetivo de las obras de arte y sumerge al espectador. El reto para cualquier artista es interpretar los colores que le rodean, ordenarlos y presentarlos en cada proyecto. Esto es importante porque el color es el componente esencial de una composición que produce cualidades emocionales y establece el ánimo que sientes hacia esa pieza y cómo la interpretas. Componer exitosamente con color requiere que tengas una buena comprensión de cómo y por qué los colores se afectan unos a otros. El uso y contraste del color es esencial cuando hacemos retratos porque siempre tienes que tener presente que estás convirtiendo un producto bidimensional en un tatuaje tridimensional. Cuando miras un muro o un trozo de papel, es plano y lo parece porque sólo tiene un color. Incorporar color y valor a una pieza es lo que ayudará a darle profundidad y tridimensionalidad. Uno de los instrumentos más útiles para entender el color es el círculo cromático. El círculo cromático revela no sólo como los colores pueden ser mezclados entre ellos para crear otros colores, sino también como se relacionan entre ellos. Hay tres colores clave en el círculo cromático llamados primarios: rojo, amarillo y azul. Son importantes porque son colores “puros”, lo que significa que no puedes sacarlos mezclando otros colores. Entre los colores primarios, están el naranja, el púrpura y el verde; conocidos como secundarios, porque cada uno está hecho mezclando dos primarios. Mezclando un primario con una cantidad equivalente del secundario adyacente, se crea un tercer grupo, llamados terciarios. Los colores terciarios incluyen: azul-verdoso (una mezcla de verde y azul), rojo-violáceo (una mezcla de rojo y violeta), azul-violáceo (una mezcla de azul y violeta), rojo-anaranjado (una mezcla de rojo y naranja) y amarillo-verdoso (una mezcla de amarillo y verde). Estas combinaciones de colores se pueden usar junto a las demás para intensificar las propiedades de cada elemento y producir una expresividad más dinámica. Hay tres componentes importantes que recordar en relación al contraste, ya que cada color tiene tres cualidades: matiz, valor y saturación. El matiz es el nombre del color; por ejemplo, rojo, azul o amarillo. El valor es la oscuridad o claridad de un color. Añadir negro a un matiz hace que gradualmente se vaya oscureciendo, mientras que añadir blanco causará que sea más claro. Finalmente, la saturación es la intensidad, brillo o pureza de un color. Un matiz que tenga una fuerte saturación parece vívido y brillante, mientras que un matiz con baja saturación parecerá más aburrido y sombrío. Aprender efectivamente cómo usar estos componentes de contraste es esencial cuando toreamos en la plaza del tatuaje realista y hablaré de estos elementos más adelante. El valor, también conocido como tono, es un concepto importante de comprender porque la luminosidad u oscuridad del color es lo que da la impresión general de una pieza, basado en las combinaciones de contrastes. El valor de cada color se describe como claro, medio u oscuro. Si empiezas con un color medio, como un azul medio, y pones un azul claro justo al lado, el contraste entre los dos colores hará que el azul
medio parezca más claro de lo que es. A la inversa, pon un azul oscuro al lado de un azul medio y de repente parecerá más oscuro que si estuviera solo. Recuerda que la luz revela la forma, así que la manera en la que disperses tonos claros y oscuros alrededor de un objeto dará pistas de su forma, volumen y solidez. El valor es especialmente importante en el tatuaje, porque si no tienes las proporciones correctas de valor ordenadas, el tatuaje parecerá plano y bidimensional. Los errores que cometas escogiendo matices son de lejos menos serios que los que cometas en términos de valor, ya que el valor es la dimensión más importante del color. Incluso si un artista usa el color bien, un tatuaje puede quedar mal si hay un manejo inadecuado de los claros y los oscuros. Debido a que todos los colores tienen valor, asegúrate de manejar el color correctamente y reconocer las diferencias de valor en el tatuaje. Asegúrate de mantener tu escala de valores grande en todas las secciones de cada pieza. Siempre utilizo la misma gama de: negro, oscuros, medios, claros y finalmente, blanco, en cada tatuaje que hago. Incluso si una sección no tiene negro, siempre debe tener la gama oscuro/medio/claro en ella, o el tatuaje parecerá plano. Para ponerlo en perspectiva, piensa en la piel en la que trabajas o la superficie de una hoja de papel. Son planas y bidimensionales. Si te quedas atascado en sólo estas propiedades mientras tatúas, el tatuaje puede parecer también bidimensional y no cambiará la forma. Esto es por lo que incorporar valor y contraste en el trabajo dará profundidad y dará la ilusión de tridimensionalidad, incluso cuando la superficie sobre la que se asienta no lo sea. Tus ojos informan a tu cerebro que ciertos objetos están cerca o lejos; la clave por la que actúa este mecanismo es la distancia, que se demuestra a través de la luminosidad u oscuridad de cada objeto. Cuanto más claro es un objeto, más cercano parece; mientras que cuanto más oscuro sea, más lejano parecerá. El valor define espacio y la apariencia de superficie de los objetos y sus aspectos tridimensionales de la forma. A la vez que nos ayuda a determinar distancia y forma, también ayuda en la transmisión del ánimo, las ideas y las emociones, de lo cual hablaré a continuación. Como artista, es importante establecer el ánimo con tus colores, el tema, los ajustes, la composición y la escena. ¿Recuerdas aquellos anillos termocrómicos de humor que puede que llevaras en tu infancia que cambiaban de color en respuesta a la temperatura de tu cuerpo o tu estado emocional? Esas baratijas son un ejemplo de la manera en que nuestro cerebro procesa reacciones del humor basadas en las interacciones y reacciones de color. Según los psicólogos, el color tiene un impacto directo en nuestros sentidos, tanto a nivel consciente como subconsciente; ya que los matices son procesados y la atmósfera en la que son usados influencian nuestra percepción de un diseño. Puedes crear un humor “cálido” incorporando colores como el amarillo, el naranja y el rojo en una pieza; los colores cálidos parecen acercarse hacia ti. Estos tonos tienden a tener una impresión fuerte y energética. Al contrario, usando colores “fríos”, como el verde, el azul o el violeta, el tema parecerá estar más distante y estos colores tranquilos tienen un efecto relajante. Me gusta usar el color de Intenze Periwinkle si estoy añadiendo un efecto sombrío en las zonas “frías”; o muchas veces mezclo tonos de piel con el color Periwinkle para una sombra más suave de tono de piel. Ten en mente el marco en el que estás trabajando en cada tatuaje. Por ejemplo, si el tema es una jungla, en un concierto, en la nieve, un interior o un exterior, etc. Usa matices apropiados para abarcar el humor que estás intentando retratar en
relación con el tema del tatuaje y usa el círculo cromático para usar los colores complementarios (u opuestos) para efectos de contraste que de verdad atrapen el ojo del espectador. Cuando mezclas sombras para las sombras de un tatuaje, recuerda usar el mismo enfoque de opuestos/complementarios. Si estás trabajando en una cara en un tatuaje de retrato en el que las sombras son colores “fríos”, usa el complementario inmediato. Si hay una fuente de luz naranja, pon tonos azules en las zonas oscuras de sombra; o si hay una zona de luz amarilla, usa el color púrpura complementario en los puntos de sombra. Cuando trabajas con sombras, tienes que seguir la “Regla de Opuesto-a-Opuesto”, la cual dice que cuando una luz ilumina a un objeto, la temperatura de color de las sombras será opuesta a la temperatura de color de la luz; así que si la luz es cálida, la sombra será fría. Esta es una buena fórmula a tener en cuenta cuando trabajas esto. Los colores complementarios son parejas de colores que están fundamentalmente unidas. Si pones un par de complementarios uno al lado del otro, tendrán un efecto muy profundo y poderoso, ya que se intensifican entre ellos. El verde parece más verde al lado de su rojo complementario; mientras que el amarillo es más vibrante al lado de su complementario púrpura. Tiendo a usar naranjas y azules a menudo en mi trabajo y a experimentar frecuentemente con distintas parejas. Recuerda que los opuestos se atraen cuando se trata de colores complementarios, así que escoger los tonos má adecuados es importante, ya que los colores son afectados por la luz, el sitio en el que están puestos, la visión desde el punto de vista del espectador y cualquier otro color que esté alrededor. Mirando el círculo cromático, puedes decir al instante qué colores son opuestos y cuál dará a la pieza la profundidad y explosividad que estás buscando. También es útil tener en cuenta que puedes explorar la naturaleza para encontrar colores complementarios y empezarás a notar que estas relaciones están en todas partes; como una flor púrpura con el centro amarillo brillante, o una rosa roja con hojas verdes. La vida a nuestro alrededor nos da incontables ejemplos de este concepto que puedes usar en tu trabajo. Verás colores complementarios en varios diseños gráficos de logos, jerseys de deporte profesionales, etiquetas de comida y bebida…los ejemplos son infintos, simplemente mira a tu alrededor y estate alerta y los verás en todas partes. CREATIVIDAD Un componente importante de ser un artista sobresaliente es aprender cómo convertir en realidad ideas nuevas e imaginativas. Aquí es donde entra en juego la creatividad. La raíz etimológica de la palabra creatividad viene del latín, “creatus”, lo que significa “que ha crecido”. Es este concepto de crecer; producir, avanzar y evolucionar, el que te separará de los demás. Tienes que estar dispuesto a explorar nuevos acercamiento hacia tu arte y expandir las fórmulas, como se ha hecho con la teoría del color monocromático de la que hablaremos en el capítulo de “Técnica”. Como dijo Pablo Picasso una vez, “Siempre estoy haciendo lo que no sé hacer para aprender cómo hacerlo”. A menudo, un cliente viene pidiéndote un tema que no necesariamente es realista, por ejemplo, una chica demonio o una bruja. Por supuesto, no hay fotos reales de estas criaturas para usarlas de referencia, pero esto no significa que no puedas crear una tú mismo. Empieza buscando en revistas y en internet para encontrar una referencia. Busca
una imagen de referencia de una mujer con el tipo de cuerpo y la pose que buscas para la chica demonio, la bruja o cualquier otro tema que haya pedido el cliente. Esto es crucial cuando encuentras la referencia ideal, ya que puedes añadir los atributos de demonio o de bruja posteriormente. Asegúrate de encontrar algo con la forma y pose que quieres y presta atención a los detalles obvios, como la claridad, las sombras y el carácter general. Ten en cuenta que la referencia tiene que ser, primero y principal, anatómicamente correcta, para que sea fácil de transformar en el tema en cuestión. Una vez que has escogido la mejor imagen, es hora de emplear tus habilidades creativas. Si tu cliente quiere una pieza de una chica demonio, empieza a añadir esas características a la imagen: cuernos, una cola puntiaguda, alas de demonio, colores cálidos con tonos rojos, etc. Para una bruja, puedes poner en la referencia un sombrero puntiagudo, una nariz larga con verrugas, color de piel verde, etc. Haz lo mismo para los detalles de la pieza; por ejemplo, puedes tomar fotos de fuego real para poner detrás de la chica demonio. De esta manera, no dependes de una referencia tipo “cartoon” para un tatuaje que quieres que parezca realista. Conforme uses más y más referencias realistas, te darás cuenta que después de un tiempo a veces serás capaz de trabajar sin la referencia, ya que te entrenas a ti mismo a través de persistente práctica y empiezas a imaginar y a construir en tu cabeza. Casi cualquier idea puede ser transformada al género realista si usas tus habilidades creativas y te aproximas al proyecto de manera creativa. A veces prefiero hacer mis propias fotos para las referencias, ya que no quiero depender sólo de libros o búsquedas en internet. Por ejemplo, he tomado fotos de rosas reales en un jardín, les he dicho a los clientes que trajeran a sus hijos al estudio para que pudiera tomar fotos para usar en un tatuaje de retrato; e incluso he hecho que mi mujer se vistiera de vampira para una pieza, poniéndole sangre falsa en la cara, mientras ponía muchas luces para conseguir diferentes efectos. Si utilizas herramientas a las que ya tengas acceso, pueden amplificar el desarrollo de tu proyecto de tatuaje; como obtener ayuda de programas como Photoshop. Esto te permitirá añadir detalles especiales o mejorar características especiales de una foto. Recuerda que la clave para producir un tatuaje increíble es hacerlo tuyo. Usa tus habilidades creativas y dale tu propio estilo y brillo. Conocer como usar una herramienta como Photoshop siempre es divertido, pero procura usar tus propias herramientas creativas para hacer un tatuaje realmente especial. Como dijo una vez Salvador Dalí, “yo no pinto un retrato para que se parezca al retratado, antes bien, hago que la persona crezca para que se parezca a su retrato”, quiero decir que puedes hacer que el tatuaje se parezca al referente añadiendo tu propio talento e incorporando esos toques sutiles que mejorarán la referencia base y la harán memorable. Photoshop puede ser útil, y en mi opinión, una buena herramienta que cualquier artista moderno debería conocer. Te puede ayudar a añadir sombras oscuas, enriquecer colores, añadir brillos destelleantes, componer colores y mezclar modos. Muchas veces, las imágenes que cojas de internet pueden ser adecuadas para trabajar con ellas, pero puedes hacerlas excepcionales toqueteándolas en Photoshop. Por ejemplo, sube un poco el contraste; dale nitidez a una imagen borrosa; o añade sutiles cambios al esquema de color.
Si tu referencia es oscura, Photoshop hace fácil aclararla, lo que te permite capturar más detalle y textura que de otra manera perderías en una imagen con demasiadas sombras. Debido a que el valor es algo tan importante en un buen tatuaje, Photoshop puede ayudarte a añadir diferentes colores y darle vida a una imagen. Cuando hagas esto, intenta usar colores complementarios si es posible. Si me han dado una foto en blanco y negro con la que trabajar como referencia, prefiero trabajar . directamente de esa foto, ya que me permite utilizar y jugar con infinitos esquemas de color. Una foto en blanco y negro me fuerza a ser creativo y a trabajar ideas en mi cabeza para usar en la pieza. Aunque sea mi referencia, a veces, he descubierto que es divertido poner la imagen en Photoshop y “colorearla” con el botón “colorear”. Esto te permite jugar con el matiz y la saturación y hace posible añadir color a una imagen que no tiene. Hay filtros que también pueden ser manipulados en Photoshop, así como aplicaciones divertidas como estirar y licuar, dos elementos que me parece que utilizaré en próximos e innovadores tatuajes. Por último, mientras que Photoshop es divertido para trabajar y puede darte muchas buenas ideas para añadir a una pieza, siempre es mejor poseer las habilidades creativas que necesitas en tu cabeza, ya que puede que no siempre tengas acceso a un ordenador y necesitas comprender muchas de estas teorías para conseguir un resultado único en tu trabajo. Además, las habilidades creativas son esenciales en la industria del tatuaje, porque es muy decepcionante y frustante cuando recibo emails que contienen links a tatuajes que han hecho otros artistas que básicamente son simples copias de una pieza que hice en el pasado. Muchas veces, son reproducidos al milímetro con los mismos colores, posiciones, fondos, etc. Cuando trabajas en el género realista, es verdad que puede ser difícil encontrar varias imágenes de ciertos actores, cantantes, personajes, etc., pero sigue siendo muy importante hacer cambios a la imagen de referencia y hacerla tuya. Recuerda que quieres tener respeto no sólo al artista, sino también al coleccionista que lleva tu trabajo y darle una copia de un tatuaje que ya ha sido hecho por otra persona simplemente no mola. Si no puedes encontrar una imagen de un personaje en una pose única, se creativo: puedes pausar una escena de una película, por ejemplo, y trabajar con capturas de pantalla hasta que consigas algo que sea diferente a lo que ya hay. O si no es posible, simplemente manipula los colores y el fondo de manera que el resultado final sea algo especial y único de cualquier otra pieza que ya hayas visto. Creo que como artistas, debemos estar constantemente en evolución y progreso. Si tatúas, pintas y dibujas sobre una base consistente, creo que cada tres meses o por ahí, sentirás que estás mejorando y produciendo un trabajo más impresionante. Me esfuerzo siempre para dar nuevas perspectivas a mi trabajo, para estar en constante cambio y buscando mejorar mis técnicas. Estoy seguro que una vez que este libro vaya a la imprenta, estaré incluso más lejos en mi progresión artística y planeando hacer actualizaciones consistentes al libro con nuevas versiones de logros conseguidos; así que asegúrate de buscar versiones actualizadas cada año más o menos. Si no sientes que estás mejorando sobre una base consistente, tómate un tiempo para pararte y reevaluar tu trabajo y caer en la cuenta de dónde puedes mejorar, y luego esfuérzate para que ocurra. Esta es la disposición para trascender ideas y reglas tradicionales, creando métodos significativamente nuevos, que te elevarán al siguiente nivel. Transfórmalas en conceptos sin precedentes. Todas las ideas vanguardistas parecen raras al principio, pero si no se probaran cosas nuevas nunca surgiría la siguiente e inspiradora forma de arte.
Hay ejemplos como el de M.C Escher (1898-1972), uno de los artistas gráficos inspirado en las matemáticas más famoso del mundo, que llevó la originalidad y la innovación a un nuevo nivel; ya que desafió nuevas perspectivas y piezas estructurales llamadas “imposibles” en una época en la que pocos intentaban hacer algo así en el mundo artístico. Resumió brillantemente lo necesario de la creatividad, cuando dijo, “Dejadnos intentar escalar la montaña, no apoyándonos en lo que está debajo de nosotros, sino empujándonos a lo que está encima de nosotros.” TÉCNICA Cada artista tiene sus propios trucos y métodos a la hora de tatuar. En el siguiente capítulo, compartiré con vosotros mis propios procedimientos y métodos especializados que me ayudan a conseguir resultados en el tatuaje realista. Os enseñaré las habilidades fundamentales que encuentro más efectivas cuando se trata de conseguir una apariencia realista efectiva; así como la manera en que añado unicidad a cada pieza que hago, por lo que cada proyecto resulta en un tatuaje único. DELINEAR O NO DELINEAR: ESA ES LA CUESTIÓN A menudo, hay artistas que me preguntan por la manera en que delineo una pieza. Normalmente esquivo la pregunta y les animo a no pensar en el tatuaje en términos de línea, sino en términos de sombra. Hacer líneas de sangre o líneas grises suele ser una pérdida de tiempo para un artista que hace tatuaje realista; además del hecho de que añade dolor extra e innecesario que el cliente tiene que soportar. Las líneas de sangre también irritan más la piel y hacen difícil ver donde está la plantilla. En lugar de esto, intenta recordar que la plantilla ES el delineado. Dando esto por hecho, no hay necesidad de delinear nada, porque básicamente eso sería de alguna manera, “hacer otra plantilla”. Usa la plantilla como tu guía y deja que sea tu modelo para encajar la pieza. A veces éste es un concepto difícil, porque a muchos artistas se les ha enseñado en el aprendizaje que deben: 1) poner la plantilla, 2) hacer la línea, 3) añadir color y detalle. Pero esto simplemente no es necesario en el tatuaje realista; de hecho, cualquier línea que pueda notarse disminuirá los elementos realistas de la pieza. En lugar de esto, empieza poniendo la plantilla y sombreando las líneas para que no haya líneas duras de ningún tipo. Simplemente asume que el tatuaje ya está delineado, ya que éste es esencialmente el papel de la plantilla. Esto es básicamente como la imprimación, si estuvieras pintando un muro; la primera capa, que luego será realzada por una capa de color. Si una pieza requiere dos sesiones, puedes hacer esto en la primera sesión y luego volver a ello en la segunda e ir superponiendo capas extensamente. Si es un proyecto que puedes completar en una sesión, entonces sólo ve sombreando desde la plantilla conforme avanzas. Hay veces en las que me gusta hacer líneas. En estos casos, las líneas no se verán necesariamente en el producto final, pero pueden ser útiles si estoy empezando un proyecto grande que no acabaré en una sesión o simplemente necesito marcar las cosas. Cuando surgen estas ocasiones, me imagino los esquemas de color que me pedirá la pieza y entonces delineo en un medio tono de ese color. Por ejemplo, si voy a tatuar una rosa roja, la delinearía en un medio tono de rojo. Me he dado cuenta que usar una variación del color que la pieza va a tener funciona
mucho mejor que delinear en negro o gris, de manera que el contorno no se vea cuando el tatuaje esté acabado. PUNTOS DE PARTIDA Me parece que el método común de empezar por abajo de cualquier pieza y seguir hacia arriba, es el que mejor funciona. Cuando usas Stencil Stuff, en realidad no tienes que preocuparte de que la plantilla se borre, pero siempre es buena idea ser precavido. Cuando empiezo un retrato, empiezo en la zona de la camisa y pongo primero las zonas negras/oscuras. Luego, paso a los tonos base/medios tonos y luego hago los colores claros. Después de la camisa, puede que haga el fondo, el cuello o el pelo; otra vez, trabajando de oscuro a claro, antes de empezar con la cara. Siempre reservo los brillos para el final del proyecto, donde pongo los “blancos-blancos” por toda la pieza. El cuello de un retrato es donde pruebo los tonos de piel, antes de moverme a las partes importantes de la cara. A veces, dejo el cuello un poco inacabado para poder encontrar sombras que me gusten mientras trabajo en otros puntos y entonces vuelvo y añado estos colores también en la zona del cuello. En muchos casos, creo que ayuda trabajar algunos de los colores del fondo antes de empezar con los tonos de piel. Esto es útil porque el fondo puede ayudarme a ver el esquema de color, ya que la fuente de luz que use en la zona facial puede potenciarse con los colores que ponga en el fondo. Si hago la cara primero, me encuentro más limitado a la hora de hacer el fondo. Me gusta trabajar primero en todas las zonas de alrededor antes de empezar con la cara, ya que esta zona requiere mucha más concentración y detalle. Sabiendo que tengo gran parte del trabajo hecho en las zonas colindantes, o al menos empezado, me ayuda a sentirme más cómodo con los detalles de la cara y a concentrarme más ahí. Cuando empiezo con la cara, se aplican las mismas reglas de antes: empiezo con las zonas oscuras, luego los tonos medios y finalmente las luces. Por lo general mantengo esta consistencia a lo largo de toda la pieza, teniendo en mente que quiero alcanzar el valor entero, lo que incluye: negros, zonas oscuras, medias, claras, y a veces brillos. Por supuesto, siempre hay ocasiones en que voy saltando añadiendo cosas a las secciones oscuras o de luz sin mantener este patrón; en realidad es simplemente una cuestión de qué zona estoy trabajando y dónde está mi concentración en ese momento. Encuentro mejor ir tocando por aquí y por allá conforme avanzo. Me gusta ir y volver de los tonos oscuros a claros y viceversa, hasta que estoy satsifecho con cada sección. Cuando empiezo una cara, suelo trabajar la zona de la barbilla y las mejillas con una mágnum (normalmente una quince), luego cojo la máquina de línea para pequeños detalles en la nariz y la boca. Luego sigo con la mágnum hacia arriba de la cara; luego cojo la de línea otra vez para detallar los ojos. Una vez que están hechos, cojo la mágnum y sigo hacia arriba. Entre alguno de estos pasos que acabo de describir, cojo la mágnum de siete para zonas pequeñas, como los labios, los ojos, las orejas, etc. Para más detalles sobre el concepto y significado de valor, por favor ve al capítulo de “Aplicando la Teoría del Color al Tatuaje Realista”. BRILLOS BLANCOS
Mientras trabajo, tengo cuidado de dejar sitio para los brillos: las zonas donde pondré los blancos vibrantes. Es importante dejar puntos abiertos para estos toques de luz, porque meter blanco encima de ciertos tonos hará que se vea sucio cuando cure; por ejemplo, si intentas meter blanco encima de una zona saturada de rojo, acabará viéndose rosa. Incluso aunque el blanco sea el tono más poderoso con el que vas a trabajar en una pieza, ten cuidado de no poner demasiado y de mantener en perspectiva los brillos. Aunque normalmente añadir los “blancos-blancos” sea el último paso que hago en un tatuaje, hay una ocasión en la que pongo los blancos lo primero. Este truco se usa para conseguir una apariencia realista en los bigotes de los animales: leones, tigres, gatos, perros, la barbilla de un mono, etc. Muchos artistas hacen líneas grises para los bigotes o los delinean en negro, pero si haces esto, si luego quieres volver y poner blanco encima, sólo conseguirás ese efecto sucio o acabarás haciendo bigotes blancos junto a los negros y grises, consiguiendo una apariencia poco realista. Así que para evitar esto, me gusta tatuar PRIMERO los bigotes blancos directamente sobre la plantilla. Ten cuidado en zonas de alrededor donde puede que vuelvas para poner un color oscuro, porque podrías contaminar el blanco. Tengo cuidado de poner los colores entre los bigotes blancos. Vuelvo y voy poniendo los colores alrededor de las líneas blancas, y al final del todo, añado los “blancos-blancos” otra vez encima de los bigotes, haciéndolos más blancos que el resto de zonas blancas. Aconsejo que cuando uses el “Truco de los Bigotes Blancos” tengas cuidado de no pasarte y observes las zonas de alrededor. Puedes perder mucho tiempo en este trabajo minucioso, pero cuando se hace correctamente, da un efecto muy bonito y realista. Otro truco que puede hacerse con el blanco es el de “apariencia húmeda”. La “apariencia húmeda” implica usar un montón de brillos blancos, por lo que también me refiero a essta técnica como “caos organizado”, de la que hablaré más en la sección de Técnica de Aguja. Si estás intentando conseguir la apariencia de una lengua húmeda en una pieza, no quieres tatuar el patrón perfecto de puntitos blancos, sino un montón de puntitos sin orden en particular. Simplemente espárcelos de una manera aleatoria que sea caótica, pero organizada al mismo tiempo. Puedes hacer un montón de puntos en un espacio pequeño, con algunos esparcidos por ahí, dependiendo de la zona. Si trabajas en una pequeña zona, quizás la boca/lengua de un retrato, obviamente tendrás menos espacio para trabajar esta técnica del caos organizado. Y viceversa, cuanto más grande sea la zona, más ventaja tendrás para hacer que la lengua (o una zona similar) parezca húmeda. El blanco no es el único color que puedes usar para conseguir la “apariencia húmeda”. Si trabajas en una lengua, puedes usar puntos rosas y blanco apagado, antes de añadir los toques finales de blanco puro esparcidos sin orden aparente. El uso de los brillos en el tatuaje realista es imperativo. Simplemente forma una imagen mental de la manera en que los objetos cotidianos se te aparecen visualmente; todo tiene brillos. Así que para hacer que un tatuaje parezca real, debe incorporar estas características. Como dije en la sección de Teoría del Color, siempre soy consciente del valor de cada pieza mientras trabajo, porque las diferencias entre la luz y la sombra son visibles en el tatuaje y esencialmente explican, no sólo lo que hace la luz, sino que también define las formas y objetos en el tatuaje. Intento ser consistente en el uso de los blancos en cada pieza, lo que llamo los “blancos mezclados”. A menudo pongo los
blancos mezclados con color carne, o quizás con un azul en la zona de una camiseta, mezclando el blanco con los azules. Al final de cada pieza vuelvo y añado los “blancos blancos” o “súper blancos”, como megusta llamarles, pero los toques finales de “súper blanco” son diferentes de los “blancos mezclados” que uso regularmente en todo el tatuaje. TÉCNICAS DE AGUJA Y TEXTURA A menudo encuentro útil usar mi formación artística y mi experiencia con el dibujo para aplicarlo al enfoque del tatuaje. Si usas alguno de los trucos que sepas de dibujar y pintar, pueden ayudarte también en el tatuaje. Un ejemplo de esto es el “Método de la Trama”. En dibujo, esto se hace marcando o sombreando con dos o más series de líneas paralelas que se cruzan entre sí para crear un tono; en el tatuaje, se hace de la misma manera. Muchas veces, mientras sombreas en una dirección, dejas líneas de aguja que son visibles. Para disfrazar esto, usa el “Método de la Trama” poniendo tu máquina hacia el otro lado, sombreando en la dirección opuesta, de manera que suavices todas esas líneas visibles. Funciona bien y dará a esa zona una apariencia más consistente y uniforme. Cuando sombreas en algunos sitios que son redondeados, asegúrate de hacerlo en la dirección y curvatura de esa zona, a través del contorno, para capturar ese efecto redondeado. Mis movimientos normales de mano cuando tatúo en realidad no son circulares, sino más bien hacia delante y hacia atrás. Muchas veces, cuando trabajo en zonas que tienen mucha textura, me gusta considerarlas como “caos organizado”. Lo que significa que las cosas tienen que estar de alguna manera “destrozadas” primero y luego “arregladas”. Cuando uso el enfoque del “caos organizado”, me gusta empezar una zona, ver cómo va quedando, y luego la arreglo y ajusto para que encaje con el resto del proyecto. El mismo método puede usarse con cualquier cosa que implique textura, grietas y hendiduras. En cierto modo es similar a cuando haces un boceto en un papel: al principio, las cosas están sueltas y desiguales, pero conforme empiezas a trabajar en ellas y añades más, ves como empieza todo a encajar y pasas a la fase de detalle. La misma idea puede usarse cuando haces pelo, piel, ropa; cualquier cosa con textura que pueda beneficiarse de la técnica del “caos organizado”. TONO DE PIEL A menudo me preguntan qué color de tinta uso para conseguir los tonos de piel. La respuesta es que no uso sólo un color, sino una gran variedad de diferentes tonos para conseguir el tono de piel en un tatuaje. Uso un abanico de colores tales como: marrones oscuros, marrones medios, marrones claros, color melocotón, beige, rosas, cremas y blancos. Trabajo con este surtido y juego con los colores para encontrar el tono correcto para cada pieza en concreto, mojando de tapón en tapón. Este es un método importante porque si miras de cerca la foto de referencia, verás que hay muchos más matices que un simple color de piel único. Puede que veas verdes, amarillos, o azules. Aprende a reconocer estos matices y tintes para que puedas sacarlos en el tono de piel de tu tatuaje. Este concepto es muy importante de comprender, no sólo cuando trabajas con tonos de piel, sino en todos los aspectos del tatuaje. Me gusta añadir azules o verdes claros a los tonos de piel en muchas de mis piezas y uso los tonos fríos para dalre un efecto
definitiorio. La habilidad de encontrar los híper-colores es muy importante, porque el impacto de tenerlos distribuidos por la zona del tono de piel es atractivo para el ojo, cuando examinas por primera vez un tatuaje de un retrato realista; y notarás que estos sutiles toques de color destacan y cambian considerablemente la pieza. Simplemente mira a tu alrededor y verás que la gente no es sólo blanca, marrón, beige, negra, etc. Si miras a una persona, verás todo tipo de colores diferentes en su piel y complexión. Aprende a mirar atentamente estas sutilezas, para poder incorporar ese mismo concepto a tu trabajo. Muchas veces, verás estos diferentes colores en tus imágenes de referencia; pero a veces, la referencia no tendrá colores bonitos desde los que partir. Si se da el caso, esto no debería limitarte. Simplemente aprende a fabricarlos y a añadir toques aquí y allá para tener el abanico de sutiles tonos que tiene una persona real. Un método que me gusta usar es el de mantener los colores de sombra fríos (azules, púrpuras, verdes). Una vez que decido cuál de estos matices voy a usar, me gusta acentuarlos y usar el color puro o mezclado con colores carne. No hay una fórmula exacta, simplemente mantén consistente la cara y las zonas de sombra y deja que los colores fluyan. Puedes emplear esta misma técnica con los brillos; sólo recuerda de donde viene la fuente de luz, mientras que, otra vez, lo mantienes todo consistente. Mientras trabajo en el tono de piel, tengo cuidado de hacerlo lo suficientemente ligero para poder superponerle otros y volver por las secciones oscureciendo y suavizando. Intento ir construyendo conforme avanzo y trabajo en una zona hasta que estoy satisfecho (esto va para todas las secciones del tatuaje, no sólo el tono de piel). Sólo tengo cuidado de hacerlo lo suficientemente suave para poder superponer. Lo consigo sacando la aguja a la anchura de una moneda de cinco centavos y moviendo la máquina rápido, así que puedo superponer sin causar demasiado daño a la piel. Recuerda que los colores oscuros alrededor de un retrato (no necesariamente sólo los del fondo, sino también los puntos de sombra y los bordes), pueden ser amplificados oscureciéndolos un poquito para hacer que las cosas “salten”. No es necesario usar negro para oscurecer estas zonas. Se pueden usar muchos otros colores, como violetas oscuros o azules oscuros; de lo cual hablaré en la siguiente sección: Paleta y Riqueza del Color. En esta sección, también hablaré de superponer con agua, que es lo que hago con el tono de piel y que recomiendo ampliamente si eres novato en el estilo del retrato, ya que el agua puede ayudar a esculpir mejor las cosas y a superponer conforme avanzas, mientras te vas sintiendo más cómodo con la técnica. PALETA Y RIQUEZA DEL COLOR Incorporar variedad de colores en tus piezas es imperativo. Una vez me preparé 72 colores diferentes antes de empezar un tatuaje: un récord para mí. Aunque fue un poco exagerado, encuentro muy útil preparar una abundante paleta: con muchos verdes, púrpuras, azules, rosas, tonos de piel, etc. Mi paleta, por defecto, siempre incluye un amplio abanico de colores, los cuales voy consistentemente cambiando y probando distintas marcas, para que cada pieza tenga su propia apariencia y estilo. Incluso si alguno de los colores acaba sin ser utilizado, tengo esa opción accesible y al alcance de mi mano, si tuviera que usarlo. Uso una gran variedad de colores de muchas compañías diferentes; por ejemplo, tengo una buena colección de tintas Intenze, Eternal y algunas Millenium. También me gustan unos cuantos colores Starbrite, como el Amarillo Canario. Es útil tener un gran surtido porque si usara el mismo tono de azul o verde en cada tatuaje, todas mis piezas empezarían a parecer iguales. Así que para asegurarme de
que esto no suceda, cambio mucho y uso muchas marcas distintas para que mi trabajo tenga multitud de colores y hacer cada tatuaje especial. Un beneficio de tener una gran paleta de tintas es que no siempre tienes que confiar en el círculo cromático para mezclar y crear tus propios tonos. Aunque debes conocer y comprender el círculo cromático, es inteligente usar el gran surtido de colores que ya vienen prefabricados, así que no siempre tienes que mezclar colores en el sitio, en su lugar empiezas con una buena variedad que ya está a tu disposición. Usar colores prefabricados es tanto conveniente como sabio, ya que las compañías que los venden ofrecen una variedad tan amplia de colores ricos y bonitos que también puedes aprovecharte de la presentación del producto. Es bueno que sigas practicando jugando con los colores y creando tus propios matices, pero recuerda que la utilidad de estas tintas prefabricadas puede ser de una ayuda extrema cuando te embarcas en cada nuevo proyecto. Recientemente he tatuado una pieza entera con los tres colores primarios: rojo, azul y amarillo (también usé negro y blanco para mezclar). El tema de este tatuaje era una muñeca oriental que tenía una variedad de diferentes colores en el vestido, así como diferentes tonos de piel en la cara. Mezclé estos colores para producir una paleta diversa, usando los colores puros como punto de partida. Si quieres probar este rompecabezas, recuerda que lleva mucho más tiempo que usar colores prefabricados, pero es divertido trabajar con los primarios y una buena lección en los principios de la teoría del color y las combinaciones de color. Centrándonos otra vez en mi set de tintas normal, recuerda que si necesitas aclarar cualquier color, puedes obviamente añadir blanco o similares, y para oscurecer tonos, puedes añadir negro. Pero la mayoría de las veces, prefiero usar tonos más ricos, como violeta oscuro o azul cobalto oscuro para oscurecer, en lugar de negro; o un tono amarillo si quieres aclarar un verde, ya que usar matices alternativos le da al color general mucha más riqueza. Demasiado negro resulta muchas veces en un acabado sucio y tiendo a optar por colores más bonitos y ricos si es posible. Otra manera de oscurecer es usar colores complementarios; por ejemplo, si quieres hacer un rojo más oscuro, puedes mojarlo en verde para darle un efecto diferente. Esto es bueno hacerlo a veces, ya que tu paleta original puede que no tenga colores puros y si juegas con ellos y los mezclas un poco, muchas veces puedes acabar con buenos resultados. Para más información sobre el círculo cromático, mezcla de colores y la importancia de entender los colores con los que trabajas, por favor ve a la sección de “Aplicando la Teoría del Color al Tatuaje Realista”. Cuando trabajo con ciertos colores que son especialmente densos, añado una gota de agua destilada encima de ellos antes de empezar a tatuar. Hago esto porque los tatuajes realistas tienden a costar muchas horas para completarlos y cuando trabajas durante períodos extensos de tiempo, notarás que los colores densos y gruesos se secan; así que poniendo una gota de agua destilada encima del color antes, y durante el tatuaje, ayuda a evitar que se sequen y que las cosas vayan más rodadas durante el proceso. Dicho esto, ten cuidado de no usar demasiada agua, ya que una sobreabundancia hará necesario que tengas que insistir más y no quieres dañar la piel si tienes que pasar por encima un número excesivo de veces porque no avanzas mucho en términos de resultado. Tiendo a mojar en el tapón de tinta y luego sumerjo rápidamente en agua para suavizar la consistencia, especialmente cuando trabajo tonos de piel.
Puede que hayas notado que muchas veces, los trabajos en blanco y negro curan bien debido a que los lavados de grises no son tan densos y no tienen tanta saturación como hacer una tinta plana. Puede emplearse el mismo método en un retrato a color si usas agua en los colores, mientras no los hagas muy aguados y otra vez, tengas que superponer y trabajar la piel demasiado. Ve jugando con ello hasta que encuentres un buen equilibrio en el que los colores sean fáciles de trabajar sin ser demasiado densos ni demasiado aguados. Recuerda que no hay reglas a la hora de tatuar. Encontrar tu propio “punto mágico” en cada técnica que aplicas es un proceso gradual y progresivo que puedes manipular en cada zona del trabajo. Otra cosa importante para hacer que un tatuaje realista sea nítido es ser consciente de usar colores ricos. Por ejemplo, si estás trabajando en una camisa azul, no cojas simplemente un color azul y lo sumerjas en negro o en blanco; coge cinco tonos diferentes de azul: varios oscuros, medios y claros. Cada uno de estos tiene una riqueza intrínseca, así que puedes oscurecer con el azul oscuro o aclarar con el azul claro, o incluso añadir blanco. A veces, añado un violeta oscuro al azul para hacerlo más rico. Otro ejemplo sería si estuvieras trabajando en un vestido rosa, puedes preparar varios tonos de rosa: un magenta oscuro, un magenta claro, y un rosa más suave/claro. Igual que con el azul, podría añadir azul oscuro o violeta oscuro al magenta en lugar de mojar en negro. No te apoyes sólo en los colores base; haz una buena paleta con tonos listos para usar para que puedas crear varias combinaciones de colores. Este es un buen momento para acordarse del círculo cromático; recuerda buscar colores complementarios, en lugar de usar el negro para cambiar un color dado. Usar medidas creativas como ésta te ayudará realmente a hacer cada pieza única. Muchas veces, intento no mirar la referencia tan a menudo como puede que asumas que lo hago, simplemente para mejorar mi lado imaginativo y de esta manera me aseguro de añadir algo único e innovador a cada pieza. Por supuesto, debes trabajar con la referencia y usarla como guía, pero cuando se trata de los colores, los detalles y la parte artística del tatuaje, usa tus propios canales creativos y haz un producto único; no sólo una copia de la foto, lo cual tiende a ser aburrido. Más bien, haz que cada pieza destaque y tenga cualidades atractivas y ricas. HACIENDO QUE LOS COLORES FLUYAN Siempre me gusta dividir mi imagen de referencia en tres, para que el esquema de color de toda la pieza esté subdividido y pueda obtener una buena idea de cómo voy a utilizar los colores complementarios y todo el esquema de color en general. Intento recordar estos factores cuando estoy planeando el proyecto y pensando en lo que voy a hacer a través de la pieza. Encuentro especialmente útil prestar mucha atención a las fuentes de luz y a las pequeñas sombras. Si hay un tono azul en un punto de la pieza, me gusta que éste fluya por toda ella. Tomemos, por ejemplo, la pieza que hice de Dalí. La referencia original para esta pieza era una foto en blanco y negro. No usé Photoshop en esta, sino que recurrí a mis habilidades creativas para hacerla vibrante y rica. La parte de abajo contiene una camisa púrpura y al lado estrellas amarillas. Ya que el amarillo es el color complementario del púrpura, utilicé sus propiedades opuestas para darle un profundo efecto.
Luego, notarás que la camisa rosa está complementada por una sombra verde menta (técnicamente, el complementario del rosa debería ser parecido a un verde lima, pero en este caso, escogí un verde menta para darle una apariencia más suave). Esto se repite en el tercio de arriba, con notas de azul y verde menta en los ojos, la frente y el pelo. El amarillo se repite a través de toda la pieza; tanto dentro, donde es incorporado como tono de piel; como fuera, como sombreado de fondo. El púrpura se mantiene consistente tanto como brillo como de color de fondo, mientras que la camisa rosa en el tercio de abajo se aplica otra vez en el tercio de en medio, tanto en los labios rosa como en los toques rosas de los ojos. Si empiezas observando la imagen entera en secciones, esto te ayudará a recordar a usar colores complementarios a través de cada parte y el resultado final será un todo cohesionado que funciona alimentándose de los elementos esenciales del color principal. Me gusta mantenerlo todo consistente conforme avanzo. Lo consigo desplazándome constantemente de lado a lado de manera que uso los mismos colores, al mismo tiempo. Por ejemplo, si estoy haciendo el ojo derecho, haré la parte de arriba de la pestaña derecha; luego me moveré a la parte de arriba de la pestaña izquierda. Trabajo la pupila del ojo derecho; e inmediatamente hago la pupila del ojo izquierdo. Vuelvo atrás y tatúo la parte de abajo del ojo derecho; luego la parte de abajo del ojo izquierdo…y finalmente, acabo la pestaña de abajo del ojo derecho, y luego la pestaña de abajo del ojo izquierdo. Lo mismo sirve para las orejas, los pómulos…cualquier sitio que tenga un punto similiar en el que utilizar los mismos colores y técnica. Estoy constantemente yendo de aquí para allá para mantener todas las zonas consistentes. Si estoy trabajando tonos medios, lo mantengo constante y me muevo a otras zonas que incluyen los mismos tonos medios, para que las zonas tengan la misma porporción y coherencia. VALOR Y COLORES COMPLEMENTARIOS Cuando miras cualquier fotografía, notarás que ciertas partes del cuerpo tienen varios colores, dependiendo de la luz y oscuridad de la zona. El concepto de valor es una idea importante que puedes implementar en tu trabajo. El valor es la oscuridad o luminosidad de un objeto; a menudo referido como tono. Por ejemplo, si una mano está delante de una cara, la mano debería ser más clara que la cara porque está más cercana. Debes usar diferentes matices para mantener el valor y recordar no depender de un solo color; sino mejor aún, usar una variedad de sombras para conseguir el efecto. Mira el tatuaje como mirarías un objeto o fotografía cotidianos y recuerda usar el claroscuro apropiadamente. Muchos artistas tienen miedo de usar colores oscuros en la zona facial, pero conforme practicas, verás que es importante implementar sombras oscuras en una cara para darle las sombras apropiadas en los sitios correctos, para que la pieza no parezca plana. Mientras lo hagas suave y no dañes demasiado la piel, simplemente continúa construyendo el tono de piel con color; haciendo las zonas oscuras primero y luego difuminando a partir de ellas. Recuerda que quieres que cada parte de la pieza esté totalmente saturada; cara, camiseta, orejas, boca, etc. La saturación total es muy importante, ya que no es como hacer una pieza en blanco y negro, donde la piel de la persona es el tono más claro. Un tatuaje monocromático en grises estaría, sin embargo, totalmente saturado, porque estás usando una gama entera de tonos de gris en el esquema de color. Hablaré de cómo hacer esta técnica monocromática un poco más adelante en este capítulo.
Cuando trabajas en diferentes zonas de la pieza y te mueves de una sección a otra, como de la cara a la transición del cuello o si hay una mano justo al lado de la cara; es muy importante usar diferentes valores para que separen y distingan cada una de estas partes (especialmente los bordes, donde se encuentran las dos partes). Por ejemplo, donde: el fondo toca a la cara, donde el pelo toca a la cara, donde la barbilla toca el cuello, donde la camisa toca el fondo, etc. Es imperativo que el valor sea significativamente diferente (no necesariamente un color diferente) porque si tienen el mismo valor donde se tocan, parecerá que todo se mezcla y nada sobresale. Así que se consciente de esto y emplea estas técnicas de valor para dar una clara definición y una suave transición. Mientras que los colores complementarios se ven bonitos uno al lado del otro, no necesariamente se mezclan bien. Por ejemplo, si mezclas colores primarios, obtendrás un resultado marronáceo o grisáceo; lo mismo ocurre con los colores complementarios, cuando se mezclan entre ellos. Esto ocurre porque los colores complementarios se cancelan entre ellos, así que el resultado es un gris, un marrón, o a veces un negro. Así que recuerda que es mejor posicionar colores complementarios uno al lado del otro y no necesariamente mezclarlos. Sin embargo, una manera en la que funcionan bien juntos es cuando se usan para oscurecer o aclarar colores. Simplemente depende de la pureza de los colores que hayas puesto, ya que varía de un color a otro. Si juegas con esto y usas muchas combinaciones, te darás cuenta de que obtienes todo tipo de resultados. Antes de empezar un proyecto, me gusta tener un plan mental para saber cómo voy a abordar el tatuaje. Normalmente tengo el esquema de color, el color de fondo, el pelo, los ojos y los colores complementarios visualizados en mi cabeza. No obstante el plan a menudo cambia conforme progresa el proyecto y noto que ciertos colores funcionan o que algo especial destaca y cambio un poco el curso, pero sigue siendo útil tener un plan básico para que el proyecto se dirija hacia allí antes de empezar. Además del truco de los colores complementarios, también intento ser muy perceptivo para encontrar esas características especiales de cada pieza que hacen que destaque y que sean un punto focal para el proyecto. Los ojos son a menudo una de las primeras características que se ven en un tatuaje de un retrato, así que es muy importante prestarles mucha atención. Pero intenta buscar otros pequeños aspectos poco significantes; como un pendiente, una corbata, o los labios, y tómate tiempo en estos detalles que hacen que la pieza realmente destaque. Una buena manera de asegurarte de que los valores están bien es pararte un minuto y entornar los ojos mientras trabajas. Me gusta hacer esto porque muchas veces, pensarás que la nariz, las sombras o algún rasgo están bien, pero cuando entornas los ojos, algunas cosas se pueden perder y serás capaz de ver qué zonas necesitan que añadas tono para destacar esos rasgos y añadir más valor. Además del truco de entornar los ojos, una vez que la pieza está acabada, puedes poner una foto de ella en Photoshop, desaturar el color y si se ve bien en blanco y negro, sabrás que lo has hecho bien y que los valores son fuertes. Si las cosas se pierden cuando la pasas a blanco y negro, podrás ver donde puedes volver para corregirlas. Puedes usar este truco con muchos de tus tatuajes acabados y también con el trabajo de otros artistas, para tener una buena comprensión de cómo comprobar el valor de una pieza dada.
Asegúrate de tomarte un momento para pararte y preguntarte “¿qué se está perdiendo?” Pienso a menudo en las sombras arrojadas cuando hago esto, así como el color de fondo, que hace que parezca más acabada. También me pregunto a mí mismo si estoy dando el mejor uso a los colores complementarios y a las zonas de sombra. Pequeños toques que harán que se vea mejor de lo que ya se ve. Realmente creo en la importancia del fondo. No sólo hace que la pieza se vea más completa, sino que si usas los mismos tonos a través de la pieza principal y en el fondo, hará que parezca como que esos matices ya estaban pensados para estar ahí. Un fondo también es ideal para mantener la pieza en su sitio. Al no haber líneas en el tatuaje realista, necesita tener algo rodeándolo para que no parezca descolocado. Hay unas pocas zonas, como el pelo, donde puede que no necesites un fondo alrededor, pero haz esta decisión sobre una base de proyecto-a proyecto. Otro ejemplo donde puede que no necesites el fondo es si la pieza ya tiene zonas oscuras por fuera y es más clara por dentro; entonces técnicamente, no necesita tener fondo, aunque a veces una pequeña cantidad de fondo puede hace que parezca más acabada. Simplemente mira lo que pide la pieza y haz lo cambios de acuerdo a ello. Sólo asegúrate de volver atrás y darle a tu tatuaje una apariencia y perspectiva completamente nueva para asegurarte que le estás dando todos los toques finales que puedas para que se vea increíble. FUENTES DE LUZ Se siempre consciente de las fuentes de luz y las sombras, ya que esto es lo que hace que el tatuaje realmente parezca realista. Las fuentes de luz que emplees pueden venir de cualquier zona en particular, pero normalmente estarán al lado de las sombras; por lo que la zona más iluminada estará al lado del punto más oscuro. Cuando contrastan, le dan a la pieza una fuente de luz general sólida. Por ejemplo, si tienes una fuente de luz naranja que está incidiendo un lado de la cara o la zona de la barbilla, si esa luz naranja está al lado de un marrón oscuro o un tono púrpura, hará que parezca más tridimensional y que ese brillo sobresalga de verdad. El buen uso de fuentes de luz alternas puede ayudar realmente a crear el ambiente y la atmósfera del tatuaje y me gusta añadir estas fuentes de luz adicionales para dar vida a una pieza y hacerla más atractiva al ojo. Puede que use un brillo naranja en un lado de la cara o quizás, una luz verde. Ser creativo utilizando las fuentes de luz también puede hacer que las cosas parezcan más redondas y añadir profundidad. LÍNEAS GIRADAS Usar el truco de las líneas giradas es una manera genial de ayudar al tatuaje a capturar redondez y tridimensionalidad. Si tienes líneas paralelas en el trabajo, esto puede hacer que el tatuaje parezca plano, así que simplemente gira un poco las líneas para que desaparezca la apariencia paralela, creando una apariencia tridimensional. En trabajos realistas, no hay líneas, así que tienes que pensar en los bordes del tema en el que estás trabajando como si fueran las líneas. Esto se hace evidente cuando estás haciendo la plantilla, ya que puedes hacer que parezca más redondo; incluso sin el valor, simplemente girando las líneas. Por ejemplo, si estás trabajando en una chica pin-up, asegúrate de que no hay borde o línea que sea paralelo al otro lado de la pin-up, o a su brazo, o a su pierna; o a cualquier otro aspecto de la pieza. Este es un pequeño buen truco para que el tatuaje no parezca
plano. Simplemente cambiándolo un poquito y girando la línea, ya no hay nada paralelo. Si ya has puesto el valor apropiado a la pieza, darle esa redondez extra puede ser un buen añadido. También asegúrate de que nada en la pin-up es paralelo al borde de la parte del cuerpo del cliente en la que estás trabajando. Si simplemente redondeas o curvas cualquier punto que pueda ser paralelo, esto creará profundidad y le dará la tridimensionalidad y la redondez que la pieza necesita. A veces, la rotación necesaria es muy poca, tan ligera que difícilmente se aprecia el cambio, pero es lo suficientemente sutil para que ayude a que la pieza parezca más redonda. También a veces me gusta bajar un poco los hombros (como hablamos en el Capítulo de Plantillas); muchas veces será 1/16 o 1/8 de pulgada. Esto empuja los hombros hacia atrás y la cara hacia delante, haciendo que parezca más real. Si miras a cualquiera de los grandes maestros del mundo del arte, verás que el método de las líneas rotadas es empleado a menudo en su trabajo. PELO Otra zona que siempre tiende a sobresalir si has creado un retrato prominente y memorable, es el pelo. Abordo el pelo como si de verdad estuviera peinándolo. Esta es una sección en la que tiendo a apartar la foto de referencia, porque me gusta conseguir la dirección y fluidez del pelo correctamente y muchas veces es difícil de conseguir si te apoyas en la imagen de referencia. A veces, me gusta usar el “caos organizado” cuando trabajo el pelo (especialmente si el pelo es muy desaliñado), ya que no quiero que parezca muy perfecto o no parecerá natural. Me gusta elaborarlo y ser creativo, usando bastantes colores y brillos. Por ejemplo, si miras la zona del pelo de mis tatuajes, notarás que no sólo uso el color base (p.e: marrón, negro, amarillo, y rojo), sino que también añado brillos con matices de rosa, púrpura, azul, amarillo, verde, etc. No te preocupes de tatuar el pelo exactamente como lo ves en la referencia, porque al igual que el pelo real se mueve y fluye de un minuto a otro, la posición del pelo fluctúa y cambia constantemente, por lo que puedes jugar con esto cuando trabajas la zona del pelo. No te sientas restringido a duplicar la pose exacta del pelo en la referencia, trabaja en él conforme avanzas, ya que es el momento de ser realmente creativo y de darle a la pieza tu propio talento. El mayor truco con el pelo es asegurarte de que tienes la dirección del pelo fluyendo correctamente y que lo estás tatuando en esa dirección. Ya sea recto, ondulado o rizado, simplemente asegúrate de que la dirección es correcta y que se mueve bien. Si el pelo es recto, tatúalo recto en la dirección correcta. Si es rizado, entonces “rízalo”, moviendo la máquina con movimientos rizados; y si es ondulado, entonces mueve la máquina de esa manera. Asegúrate de buscar formas en V, para que fluyan en la dirección en la que estás haciendo el pelo. Si miras pelo real (ya sea en una referencia o en la vida real), verás a lo que me refiero de la forma de V y el patrón que tiende a hacer. Estudia esto y aprende a verlo para que puedas tatuar el mismo patrón en tus retratos. Es una manera genial de añadir profundidad al tatuaje. También me he dado cuenta que un mínimo de tres colores en el pelo es esencial; uno De ellos una sombra oscura, para darle profundidad. COVER-UPS
Aunque hoy en día rara vez hago un cover-up, solía hacerlos a menudo y cuando los hacía, aprendí mucho sobre qué colores parecen funcionar mejor si estás intentando cubrir una pieza vieja y convertirla en algo nuevo y bonito. Me he dado cuenta que los mejores colores para trabajar en este campo, parecen ser el negro y los colores fríos: verdes, azules, violetas y lavandas. La razón principal por la que los colores fríos funcionan mejor es porque son más densos. Mientras que el esquema de color más difícil de utilizar para los cover-ups son los tonos cálidos: amarillos, naranjas y rojos; así como los marrones. Si quieres usar un color cálido para un cover-up sumerge el tono cálido en blanco. Esto lo hace más denso y puedes jugar con él hasta que funcione como un tono substancial que camufle la pieza de debajo. Sorprendentemente, el blanco es una elección excelente para los cover-up, cuando se usa correctamente; otra vez, por su densidad. Si estás haciendo un cover-up, planea el proyecto cuidadosamente. Busca un punto focal, la zona que distraerá el ojo y desviará la atención de aquello que estás intentando tapar. Trabaja con las formas y dimensiones de la zona que va a ser cubierta, para que el nuevo tema que reemplace al viejo esté situado en el punto ideal. Me he dado cuenta que los retratos no son a menudo el tema más adecuado para los cover-ups; aunque ocasionalmente, una camiseta, un sombrero o el pelo pueden usarse sobre ciertos puntos, mientras tengas cuidado de centrarte en usar los colores fríos cuando trabajes en esa zona. Los temas biomecánicos a menudo son buenas opciones para cover-ups, ya que tienen una considerable textura y tienden a ser más complicados, lo que distrae al ojo del trabajo viejo y hacen que se centre en lo intrincado del diseño biomecánico. Se generoso en el uso de brillos en los cover-ups, cuando estás definiendo zonas que harán que desaparezca el viejo tatuaje. Ya que la tecnología láser es ahora muy avanzada y excelente, a menudo sugeriría a los clientes que lo usaran antes de empezar un cover-up. Yo mismo he sido objeto de numerosas horas de láser y he obtenido resultados sobresalientes, así que me gustaría presentar esto como la opción más beneficiosa para alguien que quiera que una pieza existente se transforme en algo nuevo. TATUAJE MONOCROMÁTICO Una técnica divertida que he estado incorporando a mi trabajo es la de hacer tatuajes monocromáticos. Monocromático significa “poner tonos de un color en adición al matiz de fondo”. Aunque las piezas monocromáticas en gris son parecidas a las piezas en blanco y negro, son tatuajes a todo color completamente saturados en un tono específico que elijo para cada proyecto monocromático. He hecho en todo tipo de colores. Para este ejemplo, hablaré de tonos de gris. He creado mi propio apodo para este tipo específico de pieza, llamándola una pieza “gris/gris”, pero puedes reemplazar el gris por otros efectos monocromáticos, usando azules, púrpuras, verdes, etc. También date cuenta que no tienes que depender de un solo color. Por ejemplo, si haces un tatuaje monocromático verde, puedes añadir toques púrpura; o si lo haces en azul, puede que quieras añadir verdes u otros tonos que funcionen bien en ese proyecto. Es importante que trates un tatuaje monocromático como tratarías una pieza a todo color, la única diferencia es que estás usando sólo tonos grises, en lugar de un arcoiris de colores. Hay unas cuantas maneras de hacer esta técnica.
1) Prepara los tapones de tinta con un tapón de negro. La disposición de los tapones sería: -
1º tapón = 10 gotas de negro 2º tapón = 7 gotas o así de negro 3er tapón = 4 gotas de negro 4º tapón = 3 gotas de negro 5º tapón = 2 gotas de negro 6º tapón = 1 gota de negro
En lugar de hacer un tatuaje tipo blanco y negro, donde llenarías los tapones con agua, tienes que llenarlos con tinta blanca, de manera que tengas diferentes tonos de gris y luego simplemente aborda el tatuaje como si fuera una pieza normal de color. Me gusta coger una varilla y mezclarlos bien, para tener el esquema verdadero de grises listo para trabajar. A veces, mezclo un poco de azul bebé en el tapón, para darle un matiz diferente y hacer mi paleta un poco más diversa. Recuerda que nunca tienes que estar limitado con ninguna técnica. No hay “reglas” en el tatuaje, especialmente en los esquemas de color, así que usa lo que mejor te funcione. Si diez gotas de negro no funcionan tan bien para ti como lo harían siete gotas, trabaja en ello y encuentra la preparación ideal para ti y para cada proyecto en el que te embarques. 2) El otro método que puedes emplear es usar diferentes tonos de gris prefabricado, usando Talens como negro, Intenze Platinum (para gris oscuro), Eternal Gray, Starbrite Gray (para un gris claro); y para otros tonos fríos/azules puedes usar: Starbrite Steel Blue, Intenze Periwinkle o Intenze Baby Blue. Las combinaciones son infintas, así que moja entre varios colores diferentes para encontrar las mezclas adecuadas para cada pieza en particular. Si lo haces de esta manera, tienes la opción de añadir diferentes matices a la pieza, ya que estos grises parecerán un poco azulados, dando todos los diferentes tonos de gris que estás incorporando. Simplemente elabora lo que uses. En esta pieza de Bob Marley (abajo) utilicé tonos azul grisáceos. Usé el color complementario naranja incorporando un brillo naranja en el borde de la frente y algunos toques sutiles de naranja por la cara, que ayudan a que todo encaje, ya que el fondo naranja complementa las zonas azul grisáceas. TAMAÑO, LOCALIZACIÓN Y SUPERPOSICIÓN Cuando trabajas con técnicas realistas, existen otros aspectos fundamentales de los que debes ser consciente: tamaño, localización y superposición. Probablemente una de las técnicas mejor conocidas para crear ilusión es el uso del tamaño. Las formas grandes aparentan estar más cercanas, mientras que las formas pequeñas parecen más lejanas. Este principio es clave en el trabajo tridimensional; como la localización, que tiene componentes similares al tamaño. Los objetos que son dibujados o colocados más alto en una pieza tienen la apariencia de estar lejanos, mientras que ponerlos abajo da la ilusión de estar cerca, una aplicación excelente para usar en el tatuaje. Por la misma razón, se consciente de la superposición. Igual que en la vida cotidiana, cuando observas objetos que están delante o detrás de otro objeto, esta superposición crea profundidad; ya que la forma más cercana bloqueará parte de la forma distante.
Cuando los artistas ponen dos o más imágenes diferentes o incongruentes en la misma obra, hacen que el espectador piense en la conexión; a esto se le llama yuxtaposición. Cuando los objetos se superponen parcialmente a otros objetos, los percibimos más cercanos que los objetos cubiertos. Un excelente ejemplo para estudiar cuando trabajas con el concepto de la superposición es el pintor francés postimpresionista Henri Rousseau. Si examinas los cuadros de Rousseau notarás que su trabajo normalmente se puede dividir fácilmente en primer plano, plano medio y fondo. Esta ilusión de espacio la consigue sobre todo superponiendo formas. Muchas de las obras de Rousseau tienen un objeto que emerge desde abajo del plano de la imagen para meter al espectador en la escena, mientras que el cielo normalmente se rompe por la intrusión de plantas y hojas. Estas mismas teorías pueden aplicarse a un tatuaje realista, lo que añadirá ese elemento de profundidad y tridimensionalidad a tu proyecto. UNA OBSERVACIÓN RECURRENTE Durante los seminarios que he hecho o cuando me abordan otros artistas y me piden que critique sus portafolios, he encontrado interesante que algunos conceptos comunes que suelo dar, se repiten una y otra vez. A menudo me doy cuenta de que sugiero que “oscurezcan sus oscuros” o que “aclaren sus luces”. Muchas veces, las piezas parecen lavadas y suaves, así que emplear estos dos trucos normalmente cambia el efecto general dramáticamente. Realmente quieres que algunas cosas sean dichas conforme vas ojeando un portafolio y esta es un área que normalmente necesita toques extra de atención. Otro consejo común que suelo dar es que añadan fondo a cada pieza. Incluso si pones una pequeñita sombra donde sea, esto hace que la pieza en general parezca mucho más acabada y más impresionante. Una pequeña cantidad de color a lo largo del borde puede hacer que parezca que de verdad has hecho todos los pasos para hacer un producto acabado, así que lo de añadir fondo es algo que digo a menudo cuando me piden que critique. Creo que hay mucho espacio para el error en el tatuaje y a menudo les digo a mis colegas que si un contorno es tembloroso, vuelvan sobre él, y esculpan esa línea hasta que sea perfecta. Si hacen las líneas de una sola pasada, pueden difuminarlas. Esto hará que el ojo no vea una línea ondulada y al mismo tiempo añades fondo. A menudo observo que artistas que intentan hacer trabajo realista usan líneas, cuando en realidad no las necesitan. Les digo que simplemente aprendan a sombrear esas líneas para que parezca más completo y realista, lo que a la larga llevará a la eliminación del trabajo de línea. Muchas veces, la gente me pregunta si el método de la “no-línea” aguanta el paso del tiempo. Normalmente evado la cuestión y les pregunto qué es lo primero que notan cuando ven un tatuaje viejo; y casi siempre es que las líneas parecen reventadas, borrosas y que no han aguantado el paso del tiempo. Creo que esta es una buena razón por la que NO tener trabajo de línea visible en tatuajes con el método realista que yo uso, es una técnica importante de aprender. Incluso si tatúas con líneas negras gruesas, con contorno de color, estilo japonés, tribal, realista, etc., no hay duda de que en algún momento, todos los tatuajes necesitan ser retocados para mantenerlos vibrantes y bonitos. ¿DÓNDE ESTÁ EL FUEGO?
Un concepto más que creo que es muy importante cuando se trata de producir tatuajes geniales es la importancia de tomarte tu tiempo. No hay récords que ganar acabando un tatuaje rápidamente y ciertamente no hace daño el tomarte tu tiempo y darle a cada pieza toda tu atención y concentración. Creo que cuanto más tiempo y esfuerzo inviertas, el resultado final será un tatuaje incluso mejor de lo que sería si te hubieras dado prisa. Para mí siempre es mejor cobrar a los clientes por horas cuando haces trabajo de retrato. Puede que intentes estimar cuánto crees que tardarás y les digas una cantidad fija, pero lo más probable es que acabes cobrando de menos, ya que muchas veces, acabas teniendo zonas que necesitan atención y detalle extras con los que no contabas cuando empezaste el proyecto. Si esto ocurre, puede que subconscientemente te des prisa para acabar y mantener el margen de beneficios. La manera más fácil de evitar esto es simplemente cobrar contando desde la hora en la que empiezas, tomarte tu tiempo, y producir un trabajo ejemplar en cada proyecto que hagas, sin sentir que hay límites de tiempo. Como dijo el gran filósofo Epicteto, “Ninguna cosa genial se crea de repente”. FOTOGRAFÍA Una vez que has acabado el tatuaje, es esencial que saques fotos excelentes para que puedas capturar e inmortalizar tu trabajo y meterlo en tu portafolio. Las fotos de tus tatuajes son importantes e indispensables, porque lo más probable, es que la mayoría de tu audiencia nunca vaya a ver tus tatuajes acabados en persona, sino que los verá en tu portafolio. Después de todo el tiempo y trabajo invertidos en el tatuaje, tienes que documentar el producto acabado para que pueda ser compartido con un público global. Tener una selección impresionante de fotografías para tu protafolio que realmente documenten tu trabajo es un paso más en conseguir la atención de entusiastas del tatuaje, clientes potenciales que están pensando en hacerse un tatuaje, y de la industria del tatuaje en general. El portafolio también mantendrá a la gente pendiente de lo que vayas a hacer en un futuro. Si quieres crear una profunda impresión, necesitas que las fotos de tu portafolio sean impresionantes. Tomar fotos que estén enfocadas, sean nítidas y claras es extremadamente importante. Fotografiar tu trabajo no requiere enormes habilidades fotográficas o conocer a fondo la cámara, sino más bien, una cámara decente, una buena iluminación y una posición de la cámara adecuada. Para conseguirlo, hay dos rutas que puedes tomar cuando compras tu equipo de cámara. Las cámaras digitales de apuntar y disparar son una opción. Si vas a usar tus fotos principalmente online, no tienen que ser extremadamente grandes y las cámaras de apuntar y disparar suelen funcionar bien. Puedes comprar una por un precio relativamente bajo y que tomará suficientes fotos, especialmente para usarlas en webs y recomiendo un mínimo de 5 megapíxels. La otra opción es una cámara réflex digital SLR (single lens reflex), que te costará más que una digital compacta, pero hará fotos de gran calidad. Las cámaras digitales SLR también hacen excelentes fotos para publicarlas en la web y son preferibles para imprimir las fotos para tu portafolio. El número de megapíxeles en una SLR varía, pero también recomiendo un mínimo de 5 megapíxels si escoges la opción de la SLR. Por supuesto, el precio y las posibilidades varían con cada cámara. Ahora mismo uso una Nikon D300 de 12 megapíxels y es una elección excelente, que
me da bonitos resultados. Hablaré más adelante de algunas de las configuraciones recomendadas y trucos para cada tipo de cámara. Sin importar el tipo de cámara que uses para fotografiar los tatuajes, hay ciertos trucos que deberías conocer y que son aplicables a ambas. Siempre es recomendable tomar fotos del tatuaje acabado antes de que el cliente se vaya del estudio. Aunque lo ideal sería fotografiar el tatuaje el día después de acabarlo; muchas veces, los clientes no pueden volver al día siguiente. Incluso aunque te digan que volverán, muchas veces no lo hacen y habrás perdido completamente la oportunidad. Así que simplemente para asegurarte, siempre toma fotos inmediatamente después de acabar. Si vuelven al día siguiente, mucho mejor; pero por si las moscas, toma fotos el mismo día de acabarlo. Antes de tomar las fotos, me gusta esperar al menos quince minutos después de acabar el tatuaje, para que de tiempo a que deje de sangrar. Por supuesto, hay muchas variables a la hora de hacer la foto, pero lo ideal sería hacer las fotos en el exterior, de día. No es necesario usar el flash cuando puedes hacer las fotos de día en el exterior. Si por alguna razón, has tomado un montón de fotos y no estás consiguiendo el resultado que buscas, puedes activar el flash, pero primero intenta hacerlas sin flash. Cuando escojas la localización, ten en cuenta que el cliente tiene que estar en la sombra, para que no le de la luz solar directa. Aunque tienen que estar en sombra, no los pongas en el sitio con más sombra, sino en un trocito de sombra. Asegúrate de que el tatuaje está seco, limpio y libre de vaselina. Cualquier trozo de vaselina visible en la foto aparecerá como un brillo, lo cual quieres evitar. Asegúrate también de que no hay gotitas de sangre en la piel. Acércate al tatuaje y asegúrate de que está completamente limpio, ya que puede que no veas la sangre hasta que no metes las fotos al ordenador y hagas zoom en la zona. Si la sesión de fotos lleva varios minutos, asegúrate de ir limpiando la zona para que la sangre no aflore a la superficie. No hay nada más molesto que estar pasando las fotos al ordenador y ver que en todas sale sangre; puede arruinar toda la documentación fotográfica, asi que cerciórate de ser particularmente cuidadoso con esto. Otro elemento importante en la sesión de fotos es usar un fondo negro justo detrás del tatuaje. Si no hay un muro negro fuera de tu estudio, puedes hacer tu propio fondo negro con un pedazo de tela negra o comprando un bote de pintura negra mate y pintando una cartulina o una tabla de madera. Puede ser útil usar un trípode cuando hagas las fotos si es posible. Normalmente sostengo la cámara lo más quieto posible e intento no moverme cuando disparo. Si tienes acceso a un trípode, puedes probar de las dos maneras para ver qué metodo te da los mejores resultados. Si no tienes un trípode, simplemente se muy cuidadoso en sujetar la cámara lo más firme posible para que la foto no salga movida. Si ves que salen movidas, un truco que puedes intentar es pedirle al cliente que contenga la respiración mientras disparas la foto si el tatuaje está en la parte superior del torso, como las costillas o el estómago. Cámaras de Apuntar y Disparar (cámaras digitales compactas) Las cámaras de apuntar y disparar tienen muchas opciones, como una pantalla LCD y conectividad al ordenador. Este tipo de cámaras es muy fácil de usar y no tendrás que cambiar lentes o ciertas opciones, como tendrías que hacer con una SLR digital. Estas cámaras son más pequeñas y manejables que las SLR, muchas de ellas incluso caben en el bolsillo. Si usas una de éstas, empieza poniéndola en “auto” y con el macro activado (el pequeño icono de la flor) para que puedas acercarte y se vea más claro. La mayoría
de estas cámaras tienen una ISO, que deberías ponerlo en 100. La función ISO de una cámara regula la sensibilidad a la luz del sensor de imagen de la cámara, lo que es parecido a la categoría de velocidad de FILM. La opción ISO normalmente va desde 100, 200, o 400 y también llega tan alto como 800, 1600, e incluso 3200 en algunos modelos avanzados. Se usa una ISO baja cuando capturas zonas excesivamente brillantes, porque reduce la sensibilidad a la luz del sensor de imagen. Una ISO alta se usaría cuando disparas en condiciones más sombrías o nubladas, como un interior, en un día nublado o en áreas oscuras; porque incrementa la sensibilidad a la luz del sensor de imagen. Después, pon la cámara en “automático” y mira como reacciona a la luz. Muchas veces, esto te dará los resultados que estás buscando. Si no lo consigues, inténtalo poniendo el balance de blancos en “nublado”, que hará que la imagen parezca más vibrante; en lugar del blanco automático, que tiende a darle un tinte azulado. Si necesitas cambiar las opciones y jugar con ellas, hazlo; cada cámara es un poco mejor en unas cosas que otras cámaras y puede que necesites un poco de maña para encontrar la mejor configuración para cada una. Por ejemplo, si estás en un sitio sombrío, las fotos normalmente saldrán un poco rojizas. Si esto ocurre, cambia la configuración del balance de blancos y eso lo corregirá. Otro truco es hacer que el cliente se meta un poco más en la sombra y usar el flash. Si el flash da demasiado brillo, puedes intentar poner cinta adhesiva transparente encima del flash. Cámaras Digitales SLR Si disparas con una cámara digital SLR, tendrás más flexibilidad para controlar la iluminación. Las SLR ofrecen muchas opciones de configuración manuales que te darán más calidad en el control para tomar grandes fotos. Al igual que las digitales compactas, tienes que poner al cliente fuera y disparar con ISO 100, lo que te dará un resultado claro. La ISO es fácil de entender si sabes de película tradicional de fotografía. La película genera dos funciones principalmente: captura la luz y al mismo tiempo, almacena la imagen. La velocidad se mide en ISO y te dice cómo de reactiva es la película a la luz y por lo tanto, cómo de rápido se puede abrir y cerrar el obturador en diferentes niveles de luz. Los fotógrafos experimentados saben cómo usar una proporción de velocidad de obturación para su apertura, que es cuánto se abrirá el obturador; eso se mide en f stops. El mismo concepto se usa con una cámara digital, pero con una diferencia: la sensibilidad a la luz, que es lo que determina el análisis de velocidad ISO. Las cámaras digitales aprehenden la luz con un mecanismo de detección de imagen, llamado CCD (charge coupled device). La imagen adquirida se convierte entonces en información digital por el procesador de la cámara y esos datos se almacenan en la tarjeta de memoria. Si estás haciendo una foto de un objeto que está quieto, como tu tatuaje acabado, siempre querrás usar una ISO baja; lo que te permite una mayor velocidad de obturación y te da una imagen nítida. Una ISO alta es necesaria cuando fotografías un objeto en movimiento o en un interior. Es recomendable no ir más alla de 400 ISO o notarás algo de corrupción en la imagen, así que recuerda que cuanta menos ISO, más claro será el resultado. Otra idea básica que es útil entender es la velocidad de obturación. Cada cámara digital tiene un pequeño obturador que cubre el CCD. Cuando el obturador se abre, la luz pasa desde el exterior al CCD y esto permite que se tome la imagen. La cantidad de tiempo que el obturador permanece abierto es la velocidad de obturación. Cuanto más tiempo
esté abierto el obturador, más luz entra en la cámara. Al revés, cuanto más rápido se cierre, menos cantidad de luz entra en la cámara. Me gusta disparar a una velocidad de obturación de 60, para que la foto no salga movida. Si es necesario, ajusto la ISO y la apertura para compensar la falta de luz. Aprenderás que configuraciones funcionan mejor conforme practiques y saques fotos a tus tatuajes. Cada cámara SLR tiene un contador de megapíxels. Esto puede variar bastante, así que es bueno saber lo que quiere decir. Los megapíxels son básicamente la manera de medir lo clara y visible que es la imagen. La palabra “píxel” viene de “pix”, abreviatura de “pictures” y “element” (“imágenes” y “elementos”). El número de píxels individuales que hacen cada imagen están calsificados en términos de la cuenta de los píxels. Las cámaras están divididas basándose en esta cuenta de megapíxels, que puede ir de 1 millón, que es 1 megapíxel hasta 14 millones, o 14 megapíxels. Una cámara con muchos megapíxels es conveniente si tienes intención de cortar las fotos o aumentarlas. A menos que quieras hacer impresiones enormes tamaño póster, una cámara con 5 megapíxels te dará un resultado suficiente. Cuanto más megapíxels, mejor resultado. La Nikon D300 que uso tiene muchas opciones de calidad de imagen que encuentro útil ajustar y manipular. Otro término que puede que hayas oído a menudo es el de “apertura”. Esto es el tamaño/diámetro de la abertura por la que pasa la luz. Ya que la tarea principal de las lentes de las cámaras es la de recoger luz, cuanto más diámetro tenga la apertura, más luz alcanzará al sensor de imagen. La apertura se representa en términos de F stop. Verás F2.8 o f/ 2.8 en la lente. Algunas lentes pueden tener f2.9 3.7, que son la máxima apertura disponible. Cuanto menor sea el número de F stop o el número de apertura, más se podrá abrir el diafragma, por lo tanto más luz podrá entrar por la lente. Ahora que hemos hablado de los términos más comunes, es hora de encontrar la mejor configuración para las fotos. Yo la pongo en manual, en formato “bueno” JPEG (Joint Photo Experts Group). JPEG es básicamente un algoritmo que utiliza los datos de tu imagen y comprime esa información. Me gusta ponerla primero en “auto” y ver cómo quedan las fotos. Puedes utilizar el botón de “Compensación de Exposición” si tu cámara lo tiene; en la mía es un botón en la parte de arriba con un icono de +/- y esto se ajusta para la luz/oscuridad (+ la hace más luminosa, mientras que – la hace más oscura). Si bajas el número de la opción “por defecto” de 0.0 a -0.3 o -0.7, cuanto más bajo vayas, más oscura saldrá. Y viceversa, si lo pones en +0.3 o más, más brillante. Si necesitas otros ajustes, puedes poner el balance de blancos en nublado/sombrío (en muchas cámaras, es un icono de una casa con un rayo encima). La manera más simple de explicar el balance de blancos es en términos de “temperatura del color”, que es básicamente la manera en la que mides la intensidad y calidad de cualquier fuente de luz. Como humanos, nuestros cerebros están bien equipados para ajustarse a diferentes temperaturas de color con nuestros ojos; si vemos un papel blanco, sabemos por experiencia que es blanco sin importar bajo qué formas de luz lo estemos viendo. Pero las cámaras no lo tienen tan fácil y para ajustar esto, las cámaras digitales vienen con un sensor lamado “Auto White Balance” (AWB, Auto Balance de Blancos), esto mide la “temperatura del color” y entonces usa un algoritmo para procesar la imagen y ajustarla correctamente. Hay diferentes configuraciones de Balance de Blancos con las que deberías familiarizarte:
Auto: básicamente, con auto, tu cámara hace su mejor estimación basándose de imagen a imagen. Tungsteno: puedes encontrar el modo tungsteno en la cámara, normalmente indicado con una pequeña bombilla. Este modo es mejor para fotos en interior, especialmente bajo luces de tungsteno/incandescentes y esto “enfriará” los colores de la foto. Fluorescente: esto contrarresta cualquier fuente de luz fluorescente “fría” y “calentará” la foto. Luz natural: esta opción pone la cámara en el balance de blancos “normal”. Nublado: La opción nublado normalmente “calentará” la foto un poco más que el modo “luz natural”. Sombra: Este modo “calentará” un poco, ya que la luz cuando estás en la sombra normalmente es más “fría” y azul que cuando disparas a pleno sol. Tómate tu tiempo para leer el manual y familiarizarte con los diferentes modos de la cámara. Te acostumbrarás a los “puntos buenos” tanto para tu cámara como para las zonas ideales en las que tomar las fotos, pero es recomendable que estés lo más informado posible con tu marca/modelo particular de cámara para poder sacarle el máximo provecho. Hay muchas cámaras excelentes en el mercado en estos momentos y constantemente están actualizando y mejorando la tecnología. Como ya habrás notado, uso y recomiendo la Nikon D300; tiene un color excelente, capacidades de luces y sombras y toma fotos muy buenas para documentar mi trabajo tatuajístico. Siempre intento tomar un montón de fotos; normalmente entre 25 y 75 a cada tatuaje. Creo que es mejor tener un gran abanico de imágenes sobre el que escoger, ya que nunca sabes cuál será mejor al resto y no te hará daño tomarte tu tiempo en confirmar que tienes una foto bonita de la pieza acabada. La lente que uses con la SLR digital también es muy importante. Aunque la cámara viene con su lente, me gusta comprar el cuerpo de la cámara y luego comprar el objetivo aparte. He visto que la lente VR (Vibration Reduction, Reducción de la Vibración) es una buena lente. La Nikkor 18-200 mm es una buena lente todoterreno, así como la Nikkor 24-120 mm (que es la que uso ahora). El “punto bueno” de la lente normalmente está en el medio (en el rango 72 de la de 24-120mm que uso). Una vez que has tomado las fotos, querrás pasarlas al ordenador y examinar lo que tienes. Asegúrate de cortar todo el fondo que puedas, para que no distraiga de la belleza de la foto del tatuaje. Ocasionalmente, uso la herramienta de iluminar y la afino un poco en Photoshop antes de imprimirlas, para que parezca que lo he hecho antes de que el cliente se fuera del estudio. Si estás preparando las fotos para publicarlas en la web, córtalas a un tamaño manejable y asegúrate de que están limpias y nítidas. También querrás imprimir cada foto para meterla en tu portafolio. La mayoría de impresoras a chorro de tinta del mercado hoy en día son de excelente calidad y deberían imprimir buenas fotos. Aunque las impresoras de oficina domésticas funcionan genial, si quieres ir un paso más allá puedes transferir las imágenes a un disco, y llevarlas a una tienda de fotos, Costco, Wal Mart, etc. e imprimirlas en papel fotográfico, que definitivamente hará que tu portafolio sea impresionante. Hoy en día la tecnología es tan eficiente que la mayoría de productos en el mercado, en cuanto a
equipos de impresión y cámaras, te dará resultados suficientes en relación a lo que valen. Por supuesto, como en todos los aspectos de tu carrera de tatuador, recuerda que invertir en todo lo que puedas acabará convirtiéndose en beneficio. Porque capturar la esencia de tus tatuajes es tan importante, te recomiendo que gastes todo lo que puedas en lo que se refiere a equipo fotográfico. Compartir tu trabajo con una audiencia global es imperativo y tener un representación admirable de esto es vital. **Para lecturas más avanzadas sobre fotografiar tatuajes, por favor visita www.MarioRosena.com y échale un vistazo a su libro sobre el tema** PRESENTACIÓN Un portafolio comprensible y bien formado es esencial. Muchas veces, tu portafolio es la primera toma de contacto que los clientes potenciales tienen con tu trabajo e ilustra tu talento, habilidades y dedicación como artista. Esta presentación es una oportunidad excelente para hacer una impresión duradera. La manera en la que presentas tu trabajo no sólo refleja tu habilidades artísticas técnicas, sino también tu comprensión del aspecto de negocio del tatuaje y demuestra tu profesionalidad. Cuando preparas tu portafolio, es muy importante enseñar un buen puñado y variedad de ejemplos. Distribuye las obras de manera organizada. Puede que quieras empezar con una de tus piezas más impactantes al principio del portafolio, para capturar la atención del espectador; así como otra en medio, y por último, una de las mejores también al final. Esto es importante porque por donde quiera que esté abierto el portafolio cuando alguien lo examine, le dejará una impresión buena que permanecerá rato después de que se vayan de tu mesa o tu website. Agrupa los temas similares juntos de manera que las páginas fluyan bien y encajen al espectador. Esta unificación temática muestra un cuerpo de trabajo cohesionado. Por ejemplo, combina grupos de vida salvaje juntos: gatos/felinos, gorilas/monos, pájaros, reptiles, criaturas marinas, etc. Igualmente, unifica las composiciones de retratos en páginas adyacentes: películas/actores, temas musicales, piezas familiares (padres, niños, abuelos, esposos), etc. Un buen portafolio tiene continuidad y da al espectador una clara idea de tus diferentes estilos y competencias. A menudo veo portafolios llenos con grandes fotos de 8x10, pero muchas veces, este tamaño es demasiado grande y hace que el tatuaje se distorsione, emborrone o simplemente parezca como un detalle que muestra las pequeñas imperfecciones con demasiada claridad. Me he dado cuenta que muchas veces, las fotos se ven mejor en un tamaño de 4x6 o 5x7, para que la imagen sea clara y concisa. Ocasionalmente, una imagen de 8x10 se ve bien, pero recomiendo imprimir en tres tamaños, examinando cada uno y viendo cuál sienta mejor al tatuaje. Creo que tu portafolio siempre debería presentar calidad antes que cantidad. No tengas miedo de quitar fotos. Normalmente, si pongo una foto nueva en mi portafolio, saco una vieja; incluso si se trata de una pieza sentimental en un amigo o en un miembro de tu familia, intenta ir más allá de eso y mostrar tu trabajo actual que enseñe los mejores tatuajes que has producido. No quieres que parezca que el trabajo que hay dentro de tu portafolio es de muchos aritstas diferentes. Asegúrate de que es consistente y que parezca todo del mismo artista. Tienes que presentar una perspectiva única y demostrar lo que te aparta del resto de
artistas. Crea ese efecto duradero de manera que la gente que examine tu portafolio se acuerde de él. Una vez que has hecho el portafolio, puedes llevarlo a convenciones de tatuaje, donde tienes una excelente oportunidad para mostrar tus logros a coleccionistas que puede que aún no te conocieran. Debes aprovechar esta oportunidad no sólo llevando tu portafolio, sino también otros elementos esenciales; como un cartel visible y llamativo y tacos de tarjetas de visita para atrapar a clientes potenciales, que sin duda serán clientes cuando revisen tu increíble portafolio. Hoy en día en la industria, tener un portafolio virtual y una página web es vital. El ciberespacio permite a coleccionistas de todo el mundo ver tu trabajo con la facilidad de un click de ratón y que estén al día sobre una base constante de cada uno de tus logros. Otra clave esencial para tener éxito con este método es que la web sea profesional. Dar ejemplos accesibles de tu trabajo y mantener los gráficos a un nivel manejable para que la página cargue rápido, incluyendo información relevante, trasfondo y detalles de la situación de cada una de las piezas de tu portafolio online. También es útil incluir información biográfica en tu web, un calendario de eventos, convenciones próximas e información de contacto. He visto que www.TattooNow.com son unos diseñadores web preeminentes, sobre todo si estás en la industria del tatuaje. Fueron capaces de coger un website que construí yo previamente e importar la información existente a su formato, a la vez que renovaban áreas y le daban una apariencia única y molona que encajaba con mi estilo y mostraba bien mi portafolio. Un beneficio de usar www.TattooNow.com es que cuando quiera que añado un evento nuevo o nuevas fotos de tatuajes en mi web, también aparecen en la página principal de www.TattooNow.com, que tiene una enorme audiencia de entusiastas del tatuaje cada mes y provee una excelente fuente de visitas, al mostrar mi información en dos sitios simultáneamente. También he invertido mucho tiempo y trabajo en crearme una página en www.myspace.com. Es una potente herramienta de red y una oportunidad de promover mi trabajo tatuajístico entre una enorme audiencia de artistas del tatuaje, coleccionistas/entusiastas de los tatuajes y aquellos que están investigando para hacerse un tatuaje. Recomendaría crearse una página myspace, ya que es casi esencial hoy en día para cualquier artista del tatuaje serio. Mantén actualizada la página con fotos actuales y usa las herramientas de blog y de boletín, ya que puedes llegar a miles de personas en un instante haciendo buen uso de estas herramientas. Además de tu portafolio tangible y online, otro procedimiento importante de presentación es el arte de conseguir que publiquen tu trabajo. No titubees en tomar la iniciativa mandando tu trabajo acabado a revistas y foros online. Todo consiste en exponerse y habilidades como ésta son importantes de dominar. Hay muchas cosas periódicas relacionadas con el mundo del tatuaje para considerar cuando mandas fotos de tu trabajo. Investiga las publicaciones a las que planeas mandar algo. Los editores aprecian que te rijas por sus normas, así que antes de nada pregunta, ya que cada uno puede decir una cosa. Es buena idea tener un abanico representativo de fotos de tus trabajos para poder ofrecer constantemente lo más reciente. Ten cuidado de no correr y querer publicar antes de que estés preparado. Te recomiendo que te asegures que tu trabajo está a la par que el resto y en un nivel que aún te gustará cuando pase un tiempo, ya que muchas veces, las revistas guardan fotos durante años antes de publicarlas. Por ejemplo, si mandas fotos de un tatuaje de flores, las revistas puede que las guarden hasta
que hagan un número temático de tatuajes de flores; por entonces, puede que el trabajo que estés haciendo tenga un nivel muy superior y te arrepientas de no haber esperado a estar a un nivel en el que de verdad estuvieras cómodo. Me gusta meter mis fotos a un disco cuando las mando a una revista. Tengo una carpeta específica en mi ordenador con fotos que me gustaría mandar a revistas. De esta manera, mantengo la pista de ello y lo tengo organizado y cuando ya tengo suficiente, grabo la carpeta en un disco y la mando a varias publicaciones. Además de mi carpeta de “enviar para revistas”, también tengo otras carpetas organizadas; incluyendo una llamada “Upcoming Ink”, donde guardo las fotos de referencia y las ideas para futuros tatuajes. Tengo otra carpeta llamada “Fotos para Website” y otra llamada “Thumbs para Website” donde tengo miniaturas para la web en el formato específico correcto para la web. Tengo una carpeta de “Fotografías” con miles de fotos de tatuajes acabados y también tengo carpetas clasificadas y etiquetadas de material de referencia que encuentro cuando navego por internet que pueden ser buenas para futuros tatuajes, como: animales, películas/música, plantas/flores, etc. Si acabo usando una de estas imágenes, me gusta “retirarla” por respeto al coleccionista y no reutilizar ninguna flor, actor, músico, pin-up, etc. en el futuro. CUIDADOS POSTERIORES Es común en la industria del tatuaje que cada artista tenga su propio método de curación. Como dice el viejo refrán, “si no está roto, no lo arregles”, y esto se aplica también a las preferencias de cada artista en este tema. Si estás cómodo con tu técnica y funciona bien para ti, sigue con ella. En esta sección, sin embargo, compartiré con vosotros lo que mejor me ha funcionado a mí en lo que se refiere a los cuidados posteriores de un tatuaje. Una vez que acabo una sesión, tapo el tatuaje con film plástico y lo pego con cinta para asegurarlo, de manera que permanezca en su sitio mientras el cliente vuelve a casa. Recomiendo a mis clientes que lo dejen durante dos o tres horas; después de lo cual, deben ducharse y limpiar cuidadosamente el tatuaje con agua caliente y jabón (preferiblemente Dial o jabón suave). El agua caliente desprende cualquier residuo y abre los poros. Mientras que esto es importante cuando lo limpian, les recomiendo que después se echen agua fría en el tatuaje justo antes de salir de la ducha. El agua fría vuelve a cerrar los poros y encierra la tinta. Luego, hay que secar el tatuaje y darle instrucciones al cliente de que no frote. Me gusta dejar que se seque al aire durante 30 minutos aproximadamente, después de lo cual deberían aplicar una capa MUY fina de Polysporin en la zona. La limpieza y aplicación de Polysporin debe ser repetido varias veces al día durante los tres días siguientes. Recomiendo al cliente que deje de usar Polysporin después del tercer día, cuando empieza a curar y a desprender escamas, momento en el que deberían cambiar a una loción sin fragancia: Yo prefiero Lubriderm. Si has hecho una sesión especialmente intensa o larga, es recomendable que la primera noche, después de lavar el tatuaje, el cliente se aplique hielo en la zona aproximadamente una o dos horas, para bajar la inflamación y encerrar la tinta en los poros.
