La Formula Del Exito

Nota de Responsabilidad: Responsabilidad: La información y recomendaciones contenidos en éste libro/reporte l ibro/reporte especial son para propósitos de información únicamente. Absolutamente ninguna parte de la información presentada por éste medio debe constituirse como una declaración precisa. Por esa razón, cualquier situación y/o circunstancia que involucre asuntos legales y/o formales deben ser consultadas por un profesional. Consulta a tu abogado, contador y/o mánager antes de iniciar cualquier proyecto de negocios. Latin Music Wire S.A. de R.L. se deslinda de cualquier c ualquier responsabilidad por por el mal uso de la información contenida en éste libro. Así mismo, Latin Music Wire S.A. de R.L. se apega a su política de proteger la privacidad de los usuarios, por lo que se reserva el derecho de revelar ciertos nombres, marcas y personas. ©2012, Todos Los Derechos Reservados. Es ilegal i legal copiar, distribuir o crear obras derivativas de éste libro. … Bueno, basta de rollos y sermones aburridos… Comencemos a aprender la Fórmula del Éxito… En la Nueva Industria Musical ;)

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Sin Música, los más grandes planes de marketing en el mundo no significan nada. Eddie Rosenblatt, Geffen Records

TIPS para antes de leer éste Reporte Especial: •

Para maximizar tu experiencia de aprendizaje, te recomiendo que imprimas y engargoles éste documento.

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¿Ya leíste la primer parte de éste Reporte Especial? Historia Especial? Historia Rápida de la Industria Musical… Y cómo encajas tú en ella. Hazlo ahora mismo.

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¿Ya leíste la segunda parte de éste Reporte Especial? Tu Especial? Tu Música Nunca Será Famosa… En la Industria Musical Actual. Hazlo ahora mismo.

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Sinceramente: Koly Siller 3


Tabla de Contenidos El Negocio De La Música: Más Fácil Que La Tabla Del Uno...................... 5 La Nueva Industria Musical...................................................................... 7 La Nueva Radio……………………………………………………………………………….…... 9 La Nueva Televisión…………………………………………………………………..………. 13 Los Nuevos Jugadores……………………………………………………………………….. 16 La Nueva Audiencia……………………….……………………………………………….…. 21 Tu Música Es Tu Marketing, Parte 1: Tu Música Como Herramienta de Promoción……………………………………………………………………………………….... 23 Tu Música Es Tu Marketing, Parte 2: La Nueva Agenda De Lanzamiento…………………………………………………………………………….……….. 26 Tu Música Es Tu Marketing, Parte 3: No Existe Demo Como Tal…………………………………………………………………………………………….……….. 29 Conclusión: La Fórmula del Éxito........................................................... 31

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El Negocio De La Música: Más Fácil Que La Tabla Del Uno Hace poco tuve la oportunidad de estar en una fiesta en el rancho de un artista muy conocido. Éste señor fue parte de una agrupación muy famosa en los años 80’s y parte de los 90’s. La popularidad de éste grupo era frecuentemente comparada con la de los Beatles, pero en su género. Y para mí personalmente ha sido un gran honor el compartir mesa al lado de ésta personalidad de la música mexicana que ha influenciado a muchas generaciones posteriores de artistas en toda América Latina. En un momento de nuestra conversación, éste señor me hizo el siguiente comentario: “Es muy admirable lo que haces por los músicos de hoy, Koly; en realidad no hay personas haciendo lo mismo que tú haces por la comunidad y el ambiente musical. Pero los artistas también deben entender que el asunto del negocio de la música es más sencillo que la tabla del uno. Si haces buena música, venderla no debería ser difícil .”

Conforme pasaron las semanas y éste señor se iba con dicha agrupación a una gira por América del Sur, yo reflexionaba sobre la veracidad de sus palabras y sopesando si concordaba con éste señor o no. Porque al final del día, es verdad; el asunto de los negocios musicales es en realidad cosa sencilla: • •

Haces buena música, solita debe venderse. Haces música mediocre, nadie te la va a comprar.

En palabras de Camilo Lara, presidente de EMI Music; “… Ni con 10 MySpaces podrás hacer que se mueva”. Pero por otro lado, el problema no es saber hacer 10 MySpaces. El problema es que muchos artistas no conocen la mejor manera de manejar sus carreras musicales y llevar a cabo sus lanzamientos y promoción de su música. Y sólo así, saber si su música es buena o mediocre, porque sólo hasta en el momento en el que dicha música sea expuesta masivamente a una audiencia, ésta será la que decida si es buena o no.

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¿Cómo lo sé? Porque en mi trabajo diario como consultor musical, recibo cientos de emails y llamadas de artistas que tiene excelentes producciones, pero que desconocen la mejor manera de dar a conocer su música. Si el negocio de la música es más fácil que la tabla del uno, ¿Entonces por qué no hay más artistas independientes con música de calidad teniendo éxito con sus canciones? Fácil: Porque nadie les ha dicho que lo tenemos hoy en una Nueva Industria Musical que nadie se ha encargado de explicar a esos artistas; una Nueva Industria Musical que ofrece enormes oportunidades de éxito a artistas como tú y yo. A través de ésta tercera y última parte de nuestro reporte especial Conferencia LMW Presenta, será mi tarea y responsabilidad mostrarte y explicarte de la mejor manera qué es la Nueva Industria Musical y de qué se compone, además de ofrecerte un nuevo modelo de carrera musical que deberás aplicar si deseas tener éxito en ésta nueva industria. Pronto sabrás que en realidad, y provisto de que tu música es excelente, el negocio de la música es de hecho, más fácil que la tabla del uno.

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La Nueva Industria Musical Para éste punto, ya debe ser muy claro que la industria musical se encuentra en un período de cambio y está entrando a zonas desconocidas. Existen aún remanentes de la vieja industria que probablemente sobrevivirán, pero lo que estamos viendo es un cambio de la vieja manera de hacer negocios hacia un nuevo modelo parcialmente descubierto. Esto hace de la nueva industria musical algo excitante y de miedo a la vez, pero solamente si alguna vez has tenido experiencia en la versión antigua de la industria musical. Echemos un vistazo a la nueva industria musical para saber cómo se ve. La Industria Musical No Está Muriendo

A pesar del discurso apocalíptico sobre la música que solemos escuchar de las grandes empresas de entretenimiento, cualquiera que crea que la industria musical como tal está muriendo está equivocado. La industria musical está evolucionando, ajustando, adaptando, reconfigurando, transformando, progresando y cambiando al fin, pero definitivamente no está muriendo y mucho menos en peligro de extinción. Considera las siguientes cifras: •

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Mientras que es cierto que las ventas de álbumes cayeron un 65% desde el 2000, eso todavía significa que 326 millones de discos fueron vendidos solamente en EUA durante el 2010. Esa sigue siendo demasiada música vendida. Durante el 2010, se vendieron 1.2 billones de descargas digitales. De nuevo, una cantidad enorme. El servicio de radio por internet, Pandora, tiene cerca de 80 millones de usuarios registrados y 30 millones de usuarios activos por mes, lo cual es uno en cada 10 americanos. Durante los primeros meses del 2010, más de 278,000 artistas vendieron su música por internet y más de 5 millones de discos de artistas independientes han sido vendidos por internet directamente a los consumidores. En tan sólo dos años, el servicio de streaming Spotify ha alcanzado una base enorme de suscriptores tan sólo en Europa y Estados Unidos. Van por Canadá y América Latina.

Estas cifras nos señalan que todavía hay mucha gente dispuesta a pagar por la música que ellos aman. 7


Para bien o para mal, más y más gente se encuentran haciendo más música que antes, gracias al poder de las herramientas de producción musical de bajo costo y que realizan funciones que un artista, productor o ingeniero pudieron haber imaginado durante la primer etapa de la industria musical. La parte positiva de esto es que si tú deseas hacer música hoy mismo, es mucho más fácil que antes. La parte negativa es que por supuesto, cada vez hay más música mediocre disponible que en cualquier otra época, debido en gran parte a que los filtros de los departamentos A&R de las disqueras han disminuido su poder o simplemente ya no se toman en cuenta. Aunque los hábitos de consumo y escucha de música de los fans han cambiado dramáticamente, existen pruebas en todos lugares de que ellos todavía están dispuestos a pagar por la música que les gusta, como lo evidencia la cantante británica Adele, quien vendió un millón de unidades de su álbum 21 en menos de un mes en el Reino Unido; un gran logro considerando que la población de Inglaterra y los países aledaños es tan sólo 1/5 de la población estadounidense. Esto demuestra que la gente SÍ está dispuesta a pagar por calidad musical, es sólo que ellos no han escuchado o visto lo suficiente en un buen tiempo que les excite comprar. Y a eso añádele que también existe demasiada competencia por ese mercado y la atención del fan, más en ésta época que en cualquier otra en la historia de la industria musical. Desde luego, la música deberá ser mejor que nunca para poder competir. Recuerda, la industria musical solamente muere cuando la gente para de escuchar música; ¿Has visto alguna prueba o evidencia de eso últimamente? Para Recordar • • • •

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Enormes cantidades de discos se siguen vendiendo Hoy en día, existe mucha más gente que escucha música que antes. Hoy en día, existe mucha más gente que crea música que antes. La gente siempre está dispuesta a pagar por música de calidad.


La Nueva Radio Como lo discutimos anteriormente en el tema de la radio tradicional, éste medio ha pasado de ser un jugador cultural clave en la promoción musical a ser un ente viejo. Aunque es necesario decir que nuevos formatos de la radio han energizado a éste medio al punto de resurrección. Veamos algunas de las nuevas maneras en cómo los radioescucha consumen música y contenidos hoy en día. Radio por Internet

La radio ha transcurrido a través de un proceso similar al de la industria musical en general, siendo el inicio de la radio su época de innovación, teniendo a los años 60's y 70´s como la época de los años dorados de los top 40's, pasando por lo que se conoce como la "Talk Radio" de los 80's y 90's y llegando al fin a la época actual, la de la radio por internet. De hecho, hasta podríamos añadir una sub-época en donde la radio pasó de los hogares a los automóviles. La radio por internet ha aumentado en popularidad rápidamente al mismo tiempo que un número enorme de estaciones virtuales exclusivas han aparecido en todo el mundo, así como las contrapartes de la radio terrestre, del mismo modo. De hecho, la radio por internet ha cambiado totalmente nuestros hábitos de escucha, de acuerdo con la firma de investigación Arbitron/Edison, una empresa líder en investigación de mercado y opinión utilizada por la industria de la radio. En su reporte Infinite Dial 2010, ellos declaran: • • • • •

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Aproximadamente 70 millones de personas al mes escuchan la radio online. 52% de todos los radioescuchas han escuchado la radio online alguna vez. 23% escuchan la radio por internet mientras trabajan (yo me incluyo aqui). Esta gente escucha este formato debido al control y la variedad que provee. Pandora es el líder indiscutible de los servicios de radio en linea, con un uso y penetración del 28% El reporte también arroja datos demográficos interesantes: La audiencia online es 55% hombres. Cerca de dos tercios de la audiencia es entre las edades de 25 a 54 años. www.LatinMusicWire.com

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La radio en línea atrae el siguiente perfil de personas; gente bien educada, trabajadora, con 55% que cuenta con estudios universitarios y 61% empleados. 30% de los de 12 a 25 años están interesados en escuchar la radio por internet en sus carros o en sus celulares. 27% de los radioescuchas están interesados en escuchar la radio online en sus carros (un punto que cubriremos más delante)

Muchas de las estaciones de radio independientes difieren de sus primos terrestres en que ellos utilizan la naturaleza vertical del internet para proveer programación muy segmentada a sus radioescuchas. Pero mientras que las estaciones terrestres tienen una fuerza de ventas para proveer espacios publicitarios, sus contrapartes independientes en internet requieren de un modelo de negocio totalmente diferente para sobrevivir, ya que ellos están relegados a modelos de monetización típicos de internet, tales como banners, anuncios contextuales, búsquedas pagadas y pago por click, ya que ellos no utilizan venta de publicidad al aire. Servicios de radio por internet como lo son Pandora, MOG, Slacker y otros similares son exitosos porque ellos han resuelto el problema de filtro; tú programas tu propio canal musical, las probabilidades son analizadas por medio de un algoritmo y las recomendaciones son arrojadas. Lo anterior es enteramente la antítesis de la transmisión tradicional, en donde la programación es hecha para ti por medio de "consultores" de radio, focus groups, requerimientos de publicitarios, o como en los viejos tiempos, por el mismo DJ. Esta es una de las razones por las cuales estos servicios de internet mencionados continuarán creciendo con el tiempo, ya que la competencia los hará desarrollar mejores algoritmos de recomendación. Uno de los mayores problemas de la radio en línea es el pago de tarifas a los artistas por performance y ejecución (Aunque esto podría cambiar muy pronto). Actualmente, una estación de radio paga en cierta medida, dependiendo del tipo de estación y el número de radioescuchas, pero las tarifas estarán creciendo gradualmente hasta el año 2015, poniendo en juego uno de los recursos verdaderamente grandiosos para los artistas. Y mientras el costo de hacer negocios para la radio por internet crece, para entonces muchas de estas estaciones habrán de virar hacia los modelos d publicidad iguales a sus primos terrestres. Es seguro que ésta situación solamente acarreará consigo con los mismos problemas que las estaciones terrestres hoy tienen que lidiar; presión de agentes externos en el desarrollo de sus playlists. 10


Aquí lo importante es que los fans de la música están hartos de los modelos de publicidad tradicionales, eso sin mencionar la falta de credibilidad en los charts musicales. Al final del día, la tecnología no cambia las lecciones en la historia de l a radio, o en el hecho de que siempre hay competencia intensa por dinero de publicidad. Existe muy poca diferencia entre la distribución electrónica y la transmisión por la cual antes tenías qué esperar hasta escuchar tu canción favorita. Radio Satelital

La radio satelital se consideró alguna vez como la siguiente revolución en radio, y mientras que éste formato provee de una experiencia de escucha muy superior para el consumidor en muchas maneras, este tipo de radio se ha estancado (aunque no por mucho tiempo). Los dos servicios competidores originales, XM y Sirius, se han unido de cara a los dolorosos costos tanto de inversión como administrativos, y mientras que la base de suscriptores de esta nueva compañía son alrededor de 20 millones de radioescuchas (al momento de escribir éste artículo) algunos contratos que ya tienen significarán un impedimento para la ganancia; entre esos contratos se incluyen la NFL, la MLB y el mega contrato de $80 millones de dólares con Howard Stern. Pero a pesar de las limitaciones por costos, Sirius XM provee programación muy diferente a cualquiera que encuentres en la radio terrestre, con más de 180 canales digitales de costa a costa, incluyendo 71 canales libres de comerciales con música original y talk shows proveídos por compañías de contenidos como Martha Stewart, Oprah, John Madden y Bob Dylan. Sirius XM está actualmente disponible en más de 200 modelos de automóviles (siendo los autos su principal target de servicio). Algunos críticos dudan sobre si Sirius XM podrá sobrevivir a pesar de sus fanáticos seguidores, ya que el eventual reemplazo de sus satélites requerirá inversiones cuantiosas que por el momento no pueden solventar. Esto simplemente pone en evidencia la ineficacia del nuevo modelo basado en suscripciones contra el viejo modelo de publicidad que resulta en el control férreo de los playlists. ¿Cuál Es El Futuro De La Radio?

Aunque podemos ver cómo se encuentra la radio hoy en día, es difícil predecir qué sucederá con éste medio.

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Pero un estudio hecho por la firma de investigación Edison Research llamado The American Youth Study 2010, el cual examinó los hábitos de consumo de medios y de tecnología entre los chavos de 12 a 24 años en Estados Unidos, arroja algunos resultados interesantes. La primera parte del estudio revisó los hábitos de descubrimiento de nueva música y de consumo de éste grupo demográfico y arrojó los siguientes resultados: •

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El grupo de 12 a 24 años en Estados Unidos utilizan la internet apenas 2 horas y 52 minutos por día, lo cual es el triple de lo que éste mismo grupo reportó en el 2000 (59 minutos). Sorprendentemente, la radio sigue siendo un medio de descubrimiento musical, con el 51% de éste grupo demográfico reportando que ellos frecuentemente encuentran nueva música en la radio, seguido de otras fuentes como los amigos (46%), YouTube (31%) y las redes sociales (6%) 20% del grupo demográfico citado han utilizado algún servicio como Pandora durante el último mes del estudio. Extrañamente, los gustos musicales han cambiado en 10 años, siendo la música pop y top 40 el doble de lo que fue y cada vez menos estaciones de rock fueron seleccionadas en comparación con el 2000.

Siendo conscientes de que no existen garantías en cuanto a cualquier estudio que se haga sobre la radio, éste medio se sigue escuchando más y tiene mucha más influencia que cualquiera pueda pensar. Mientras es cierto que la radio local está en un declive serio, y siendo el internet su obvio futuro, la radio terrestre todavía estará con nosotros un tiempo. La Nueva Radio; Puntos Para Recordar • • • •

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El internet ha energizado de algún modo el medio. El automóvil conectado es el siguiente paso evolutivo de la radio. La radio local está a punto de desaparecer. La radio satelital promete ser un excelente reemplazo, pero los problemas financieros hacen que su futuro se vea incierto. La gente todavía descubre música nueva en la radio.


La Nueva Televisión Así como los demás medios de comunicación, la televisión se encuentra actualmente en medio de una gran transición. Si la televisión por cable dominó durante los últimos 30 años con uno de los modelos de negocio más deseables de cualquier industria (el modelo de suscripción), dicho modelo muestra signos de deterioro debido a que cada vez más, los contenidos en video son consumidos a través del internet. De hecho, es posible que parte de ese contenido en internet sea restringido en el futuro en un intento de frenar el apetito voraz de las audiencias por contenido, y para prevenir que la gente deje de ver contenidos a través del cable. YouTube y su Impacto

En muchas maneras, YouTube podría ser considerado como la Nueva Televisión . Considera los siguientes números del 2010: • • •

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2 billones de videos se ven al día a través de YouTube. 35 horas de video son subidas a YouTube cada minuto. 186 videos online son vistos por el usuario promedio al mes, tan sólo en Estados Unidos. 84 por ciento de los usuarios de internet acostumbran ver videos online. 14 por ciento de los usuarios de internet han subido videos. La gente hoy en día consume más música al verla que escucharla. 57 por ciento han visto videos musicales en computadoras en los últimos tres meses a través de sitios como YouTube.

Hoy en día, YouTube se ha convertido en el mayor sitio de descubrimiento musical, y con una fuerza de impacto aún más intensa que MtV. A pesar de que las música en YouTube cuenta por tan sólo el 31 por ciento de los 1.2 billones de las visitas totales por mes (378,900,000 millones de visitas) esto es por mucho la pieza más grande del pastel. Otro servicio de videos en línea, Vevo, obtuvo 3.8 millones de visitas en diciembre del 2010, un 211 por ciento de crecimiento en el año, pero ni siquiera en la misma categoría que YouTube.

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El video musical se ha convertido en el medio primario de consumo de música. De acuerdo con el reporte de Nielsen Music del 2011, titulado Consumo de Música Digital y Acceso Total , 57 por ciento de los consumidores en todo el mundo ven regularmente videos musicales en sus computadoras y 23 por ciento en sus teléfonos móviles. Considerando que ese número es mayor al 48 por ciento que han descargado una canción de internet sin pagar por ella, el video musical ha llegado a ser el mayor jugador en la industria musical. Alternativas de Transmisión

La transmisión de contenidos por cable tradicional está siendo golpeada por otros medios de consumo como NetFlix y Hulu. Con las ventas de DVD’s decayendo aún más rápido que las ventas de CD’s, ahora hay probabilidades del 61 por ciento de que cualquier transmisión o descarga legal de películas provienen de servicios como Netflix, gracias a su inclusión en televisores nuevos y set-top boxes. De hecho, los suscriptores de NetFlix pueden transmitir videos prácticamente desde cualquier aparato popular disponible, ya sean gadgets de Apple, Andrid, Apple TV s, XBOX 360 y más. Y con una biblioteca de más de 120,000 películas y shows de televisión, Netflix se ha convertido en la primera opción entre muchos consumidores. Con 30 millones de usuarios mensuales que tienen acceso a más de 260 millones de videos al final del 2010, Hulu ya es un servicio grande, pero todo indica que crecerá aún más durante los siguientes años. Hulu tiene 672 patrocinadores y 250 socios proveedores de contenido al momento de escribir éste reporte, lo cual representa un crecimiento meteórico a través de los últimos 3 años. Cuando el sitio fue lanzado, solamente tenía 2 socios proveedores y una docena de patrocinadores. ¿Qué tiene qué ver el cambio en la televisión con la música? Cuando hace algún tiempo, un performance en televisión podía asegurarte un boost en l as ventas y nuevos fans, ese no es el caso hoy en día, debido a que la televisión se encuentra igual de fragmentada y estratificada que la música. De hecho, un performance en un programa de televisión nocturno es sólo para fans, sin que te resulte en nuevos fans o ventas de tu música y shows. 14


Y con la nueva naturaleza de On-Demand de la televisión (Lo opuesto total a “Televisión por cita” que era en el pasado), una aparición en la tele o en un programa ya no se considera como algo actual ni fresco. Para Recordar: • • • • •

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El futuro del consumidor de contenidos en video es a través de una conexión. YouTube es, en muchos sentidos, la nueva televisión. YouTube es, hoy en día, el mayor sitio de descubrimiento y consumo de música. YouTube es el nuevo MtV. Las apariciones en programas de televisión no garantizan fans o ventas de producto o shows.


Los Nuevos Jugadores El control de la industria musical ha pasado lentamente de ser del poder de las grandes empresas de entretenimiento a ser del control de los managers y los promotores. Dicho lo anterior, una nueva generación de empresarios del entretenimiento podría cambiar ese balance en el futuro. El Management

Los Managers (O Representantes Artísticos, como los conocemos en América Latina) siempre han sido jugadores clave con excelente posición de poder dentro del juego de la industria musical, especialmente con aquellos artistas grandes, pero siempre se han mantenido tras bambalinas. Después de todo, es el artista quien debería tener la atención. Y mientras que la música entra lentamente a un nuevo período en la industria, hoy en día, los mánager son más necesarios que nunca. Y la razón radica en que el ingreso monetario del manager está directamente relacionado con el del artista. Si el artista hace dinero, el manager también hace dinero. Si el artista se muere de hambre, el manager también se muere de hambre. Como resultado, el manager tiene qué creer en el artista y su música y representarlo con pasión. La visión singular del manager debe ser la de hacer que ese artista sea exitoso. Cualquier otro miembro del equipo del artista, desde el productor, el abogado, el publicista, etc. no tiene su ingreso atado al éxito del artista, y como resultado, la pasión que sienta por la música del grupo no debe tener expectativas altas. Y ya que el artista emplea contratistas independientes para los servicios que requiere, entonces tú nunca puedes estar seguro de con quién está la lealtad de estas personas, si contigo o con el dinero que se le paga por sus servicios a dicho contratista. Con un manager trabajando contigo, esa pregunta nunca debe estar en duda. ¿Por qué ha llegado a ser más importante el rol del manager en la nueva industria musical? Esto debido a que las opciones del artista se han expandido, por lo cual, también se ha expandido la influencia del manager. Durante las primeras etapas de la industria musical, el principal enfoque del mánager era el de negociar con la casa disquera y vender fechas del grupo o el artista. La disquera era el jugador de mayor peso, y el manager era la contención. Con la influencia decreciente de 16


la casa disquera, el manager ha ascendido a un rol de mayor importancia en la vida del artista. Una tendencia interesante es que el management se adapta poco a poco a la nueva industria (algo que las demás empresas de entretenimiento no han sabido o no han querido hacer), trayendo consigo múltiples talentos dentro de la organización para acceso instantáneo y atención por el artista. Dichos talentos incluyen promoción de conciertos, promoción de internet, dedicación a las redes sociales y a los street teams (o clubes de fans) y en asuntos legales, además de vender fechas. Si eres buen observador, te darás cuenta de que esos talentos son funciones sencillas y simples (Pero nadie dice que no tomen trabajo arduo) que pueden ser cubiertas por ti mismo o por miembros de tu propio grupo musical. Mi opinión personal es que antes de salir en la búsqueda de un mánager o representante, tú deberías primero desarrollarte artística y comercialmente de manera que llegues al punto en el que un representante profesional vea potencial en ti. ¿A qué se debe mi postura anterior? Esto debido a que a diario veo cientos de artistas que salen a la calle con el único propósito de encontrar a alguna tercera persona quien se responsabilice por aquellas cuestiones que hacen del cantante o de la banda un producto o servicio comercial, cuando éstos mismos artistas deberían estar mejor trabajando en la parte de desarrollo de sus audiencias y conectando con sus fans. Haciéndolo de manera correcta, los managers vendrán solos. No todos los artistas tienen la capacidad de conectar con éste tipo de management, pero no es algo de mayor importancia. Nadie dijo que el management debería ser externo; como ya lo mencionamos, tú mismo puedes ser tu propio representante artístico y hacer un excelente trabajo, porque después de todo, y en muchos de los casos, la pasión puede ser más efectiva que la experiencia. Puedes representar a tu grupo hasta que logres desarrollar lo suficientemente tu carrera y tu audiencia y por ende, ponerte en mejor posición negociadora con una empresa grande de management. El Promotor

El segundo jugador clave de la nueva industria musical es el promotor. Sin importar que sea un promotor que realice tocadas en un café, en el campus de una escuela o en una arena de 10mil personas, el promotor es necesario para mantener al artista haciendo lo que mejor saber hacer, que es tocar frente a la gente. 17


Los promotores siempre han sido importantes, ya que a pesar de lo que tú pudieras pensar, los artistas han obtenido la mayoría sus ingresos de las presentaciones en vivo más que las ventas de discos. Por lo tanto, en ésta nueva industria musical, los promotores son un eslabón crucial en la cadena. En el pasado, los artistas se iban de gira para promover las ventas de su último disco. En ésta nueva industria musical, es al revés; la música promueve la gira del artista. Durante los años de la vieja industria musical, se acostumbraba a que los promotores confiaran en las cifras de ventas de álbumes de SoundScan para determinar si un artista tenía potencial de ventas de boletos. Hoy en día, a los promotores les puede importar poco o nada éstas cifras, ya que las ventas de boletos son las únicas cifras que importan. Por la razón anterior, podemos asegurar que el éxito produce más éxito, ya que si probaste vender suficientes boletos en una plaza, es muy probable que un promotor de otra plaza cerca de donde estés va a querer contratarte, en vez de confiar ciegamente en el hecho de que tienes un hit número uno. Debido a los cambiantes gustos del público y la economía en general, el abordaje de los promotores y su relación con el talento ha cambiado drásticamente. En las primeras etapas de la vieja industria musical, el promotor estaba dispuesto a perder dinero en un artista realizando conciertos en clubes pequeños, puesto que confiaba en compensar esas pérdidas con las ganancias posteriores de la arena y los festivales. Desafortunadamente, ya no tenemos mucho de eso en estos días, ya que cada vez hay menos promotores regionales e independientes que antes debido a la intensa competencia contra empresas de conciertos como Live Nation y AEG. Como resultado, muchos de los promotores medianos y grandes se convirtieron en grandes corporaciones con bolsillos profundos (Te suena familiar, ¿Verdad?), lo cual deja al promotor pequeño sin la capacidad de experimentar con nuevos artistas debido al miedo de perder dinero. En resumen, mientras que antes los promotores se arriesgaban más con la esperanza de ganar en el futuro, ésta situación se ha hecho menos probable hoy en día. Pero los promotores todavía tienen la llave para una carrera exitosa de un artista. La verdad es que el éxito de una producción discográfica es el reflejo de las experiencias de una persona al disfrutar la música en vivo. Entre más música en vivo la gente experimente, será más probable que la gente compre esa música, en el formato que sea, y el promotor es una parte integral de ese éxito. 18


La Nueva Casa Disquera

Las casas disqueras, tanto multinacionales como pequeñas, se han transformado frente a nuestros ojos con el propósito de adaptarse a la nueva audiencia. Donde antes la casa disquera controlaba el talento y filtraba y separaba lo valioso de lo mediocre para las masas, hoy en día, la casa disquera está teniendo problemas para encontrar su lugar en la nueva industria musical. Mientras que las casas disqueras grandes son excelentes para exponer y explotar a los artistas mainstream, ellas ya no están en mucho del resto del negocio. Y como dijimos anteriormente, el desarrollo del talento y la profesión del A&R han ido decayendo en los últimos años. El problema es que es un juego de números, y los números no están de lado de las casas disqueras. Si solamente uno de cada 10 artistas genera dinero, pero solamente genera un décimo de lo que se generaba durante las mejores épocas de las disqueras, entonces ya no es un negocio muy bueno. La nueva casa disquera no es diferente de la casa disquera de los años 50’s. Está creada por gente que ama a la música y que está más preocupada con exponer verdadero talento que con hacer dinero. Sus ejecutivos no ganan salarios extraordinarios (O algún salario, en muchos de los casos), y ellos están dispuestos a realizar lanzamientos de los artistas en los que creen a pesar de las proyecciones de ventas. El marketing de éstas casas disqueras consiste, en su mayor parte, en campañas de medios sociales y promoción online, debido a que es lo que pueden pagar, y sus audiencias responden. Desde luego, estas personas están dispuestas a intentar diferentes cosas. Disqueras como Kill/Hurt, Not For Fun, Bridgetown Records y Burger Records maquilan cantidades limitadas de cassettes y vinyl, dos formatos que ya se habían dado por muertos hace tiempo, y éstas disqueras no sólo están vivas, sino que también están creciendo y reportando excelentes ventas. Las casas disqueras grandes del mañana son las disqueras independientes que el día de hoy son solamente una pequeña parte de la industria, y es probable que las grandes de hoy, quizás mañana lleguen a ser más pequeñas.

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Para Recordar: • •

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Los Managers tienen, hoy en día, más poder e influencia que nunca. El Management se ha ocupado, tradicionalmente, en realizar servicios de desarrollo artístico. Para un promotor cuentan solamente las ventas de boletos, no las ventas de discos. Los promotores están menos dispuestos a arriesgarse en un artista nuevo. La influencia de la casa disquera ha decaído. Las nuevas casas disqueras independientes están más interesadas en el talento y la música que en hacer dinero. Y además, estas disqueras nuevas están dispuestas a pensar fuera de la caja y probar cosas nuevas.


La Nueva Audiencia La nueva audiencia de hoy en día es una amalgama especial de gustos y deseos demasiado estratificados, a diferencia que en el pasado, cuando la gente era más homogénea en sus gustos. Sin importar si tus gustos tienen qué ver con música electrónica de Bantu o música alienígena espacial, si está allá afuera, la vas a encontrar. ¿Pero encontrar música que te guste y que te mueva? Esa es la clave y el dilema. Como dice Bruce Houghton, líder detrás del blog de música Hypebot: Cada vez veo más y más nichos de mercado encontrar audiencias coherentes con lo que ofrecen. Tu puedes ser fan del Death Metal Húngaro o fan del Bluegrass Centro Canadiense y llenar tu iPod con canciones de ese género particular; después, en tu tiempo libre, puedes leer blogs que tengan que ver con ese género.

Uno de los principales atributos de las audiencias de la nueva industria musical es cómo les gusta a ellos recibir y reproducir la música que ellos aman. Cada vez más gente de la audiencia actual elije escuchar su música en formatos ya sean descargables o de streaming. Con más de 1.1 billones de descargas digitales compradas durante el 2010, la música digital ha llegado a convertirse en el mayor método de distribución, aunque el crecimiento ha disminuido en 1% con cada año. Expertos analistas de la industria como Forrester Research han predicho que no será sino hasta el 2015 cuando las ventas se nivelen. De todas formas, la música digital ha causado cambios de hábitos en los consumidores y su relación con la música. La nueva demografía digital ha llegado a convertirse al consumidor de una sola canción (el “Single”), optando por comprar una o dos canciones, comparado con la práctica anterior, de estar obligado a comprar un álbum de 10 a 12 canciones, solamente por el hit. Mientras que los álbumes eran la vaca sagrada monetaria de la vieja industria musical, el consumidor de la nueva industria musical ha regresado a los hábitos de los años 50’s, cuando el single era el principal punto de interés. El consumidor de ésta nueva industria musical aún desea descubrir música nueva y está dispuesto a pagar por ella, pero no está dispuesto a pagar por un paquete de 12 canciones cuando sabe que solamente una o dos le gustan.

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Como resultado, y de acuerdo con Nielsen SoundScan, las ventas de álbumes cayeron un 13% durante el 2010 a comparación del año anterior, una tendencia que inició desde el 2002. La nueva audiencia también tiene más fuentes de entretenimiento que antes, y era obvio que la música tenía qué sufrir por eso, así como también han sufrido otros medios como la televisión por cable y la radio tradicional. Facebook, videojuegos, YouTube, y otro tipo de actividades de entretenimiento, ahora ocupan el tiempo que la gente acostumbraba a utilizar para escuchar música. Si bien la música continúa con nosotros, la misma ha pasado de ser una actividad que nos involucraba a simplemente música de fondo. Los gustos de la nueva audiencia son diferentes a los de la gente de antes. Simplemente, la atención de la gente es más corta hoy en día, además de que en los últimos años, la gente es más eficiente en el multitasking. Durante los años 60’s y 70’s, el lanzamiento de un álbum era un acontecimiento importante en las vidas de las personas, tan comparable como los lanzamientos de veranos de Hollywood, cuando la gente simplemente ya no podía esperar a consumir su contenido favorito. Eso rara vez sucede en la nueva industria musical. La nueva audiencia está más interesada en probar un poco de todo en vez de mucho de poco. Puntos para recordar: • • • •

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Los Singles son más importantes que el álbum. La gente rechaza el filler (música de relleno). La nueva audiencia tiene menos atención. La demografía de la gente está más estratificada que antes, cuando la gente era más homogénea. Existen más fuentes de entretenimiento que antes.


Tu Música Es Tu Marketing, Parte 1: Tu Música Como Herramienta de Promoción Un artista independiente requiere una manera enteramente nueva y diferente de promocionar su música que los artistas del mainstream y de casas disqueras trasnacionales, esto debido a que lo que era comúnmente utilizado y funcionaba en años anteriores simplemente ya no funciona en nuestros días, o al menos al grado de éxito que alguna vez tuvieron. Medios tradicionales como radio terrestre ya no son un factor mayor de marketing musical; ni siquiera la televisión, a menos de que seas un artista cuya imagen cuenta más que tu música. La mejor y mayor herramienta es tu música misma. La música de un artista ya no es el mayor producto que un artista tiene qué vender (aunque siga siendo un producto), por lo que debe ser utilizada y pensada de manera diferente como resultado. Quizás la música grabada nunca fue el producto que las disqueras nos llevaron a creer que era. En los días de los vinyles y los CD´s, el pedazo de cabrón y plástico (los contenedores de música) eran el producto. Es un hecho que las disqueras están en el negocio de vender contenedores, no música. Mientras que el compositor siempre ganaba dinero cuando una canción era tocada en la radio, el artista nunca ganaba nada, solamente de las regalías de los discos vendidos (en promedio, del 10 al 15%, pero la realidad es que ni eso). De hecho, el artista gana su dinero de la venta de boletos y honorarios base de sus conciertos y/o tocadas, sus giras y su merchandising. Por lo que la venta de discos no representa una ganancia ni siquiera para los artistas de disquera transnacional; de hecho, hasta podría resultar en pérdidas, puesto que los costos de manufactura del disco (el arte, maquila, producción, etc.) deben ser recuperados; la realidad es que de más de 100mil lanzamientos de discos al año, solamente 30 de esos discos generan ventas que resultan en ganancias para las disqueras. Pero si consideramos a nuestra música en términos de publicidad, veremos a la música en otra luz diferente. 23


Por ejemplo, si vas a vender jabón, el costo de producción de un comercial para la tv es trivial. En donde más dinero se gasta es en la compra del comercial (La agencia comprando el espacio televisivo al patrocinador). Aún en ese caso, como quiera es un costo considerado como parte del presupuesto de marketing para el producto, lo cual puede representar alrededor del 3% de las ventas totales. En éstos nuevos tiempos, y tomando en cuenta al artista independiente, si tú consideras los costos de producción de música como parte del presupuesto del marketing de la misma manera en cómo se toma a un producto nacional, entonces tu música toma un nuevo significado. Debido a que la música está considerada como la mayor herramienta de marketing para una artista, debería ser considerada como un producto gratis, un aliciente, un regalo, una muestra gratis. Regálala en tu website, ponla en los torrents o programas P2P, o deja que tus fans la distribuyan libremente. Todo estará bien, ya que de todas maneras los chicos nuevos de ahora ya sienten que la música debe ser gratis y han crecido en una cultura en donde nunca han tenido que pagar por música, así que ¿para qué pelear contra eso?. Go with the flow! Así como fue hace 60 años, el dinero real en la industria de la música se ha hecho en otros lados, de todas maneras. Ahora, toma muy en cuenta esto; no porque regales tu música no significa que no puedas cobrar por ella, ya sea al mismo tiempo o en cualquier momento en el futuro. Ha habido numerosos casos en los que las ventas de música por iTunes han bajado cuando los artistas eliminan los tracks gratis de tus páginas. Un caso de esos es el del cantautor americano Corey Smith. Después de 6 años, Corey Smith ha ganado alrededor de $4.2 millones de dólares en ventas de música, y la música gratis ha sido la piedra angular en su estrategia. Tu puedes comprar sus tracks en iTunes (Él ha vendido más de 400mil), pero cuando su representante hizo el experimento de quitar sus tracks gratis de su página, ¡sus ventas de descarga digital bajaron también! La música gratis permite que los fans probaran la música de Corey Smith. Si los fans de Corey quieren una canción en particular que no está disponible en la página, ellos le envían un mail a Corey pidiéndole dicha canción y éste se la regala. 24


Otro ejemplo de cosechar los esfuerzos por regalar la música gratis es del artista techno y electrónica Moby, cuya canción “Shot in the Back of the Head” llegó a ser el track más vendido de iTunes después de que éste lo diera gratis en su website por dos meses. ¿Más ejemplos de artistas? Trent Reznor y Radiohead con sus famosas campañas de música gratis. De hecho, muchas casas disqueras independientes como Vagrant Records y Saddle Creek Records han declarado que si no fuera por la música gratis, su negocio no sobreviviría. Desde luego, puedes cargar por tu música con productos mejorados como box sets, compilados, ediciones especiales, y otras ofertas con valor agregado. Pero los lanzamientos iniciales de un artista o banda de cualquier nivel (excepto para la megaestrella ya establecida) deben ser gratis para construir ruido alrededor del artista. Para recordar: • • • • •

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Tu música es tu marketing Tu música es una herramienta de promoción El dinero que ganarás con tu música vendrá de otras fuentes, de todos modos Regala tu música, pero véndela, también Productos con valor agregado son tu mejor fuente de ingreso


Tu Música Es Tu Marketing, Parte 2: La Nueva Agenda De Lanzamiento Los artistas independientes de la Nueva Industria Musical requieren una nueva manera de pensar el lanzamiento de sus producciones musicales. Si viajamos a los años 50´s, los singles de vinyl tenían un tiempo de maquila relativamente rápido, a pesar del proceso de labor intensivo para producir vinyles en aquella época. En aquellos años, era muy común tener un single (el pequeño disco de 45 pulgadas con una canción en cada lado) en las calles dentro de los primeros días de grabación de la canción (y a veces hasta dentro de los primeros días de haberse compuesto) Desde luego, el lanzamiento rápido lo favorecía el hecho de que en aquellos años una canción se grababa rápido, puesto que no se utilizaban muchos doblajes en las guitarras y voces. Por lo que era posible componer una canción en domingo, grabarse en lunes y tenerla en la radio en el miércoles de la misma semana. Quizás la última vez que vimos algo parecido así fue cuando en 1970 el grupo de Crosby, Stills, Nash and Young lanzó la canción “Ohio”, documentando la balacera de Ken State. Cuando el énfasis de los lanzamientos cambió de singles a álbumes, el período entre lanzamientos de un artista se incrementó, lo cual era natural considerando que ahora había qué grabar más canciones. Durante los años del vinyl había una limitación en cuanto al número de canciones a grabar debido a que había una limitación en el mismo vinyl. 23 minutos por cada lado era la meta ideal para obtener la fidelidad más óptima en los discos. Cualquier minuto más y el ruido y la mala calidad de audio hubiera crecido también. Como resultado, los artistas estaban confinados a grabar solamente 45 a 50 minutos por álbum, pero a los consumidores parecía no importarles ya que ellos aún sentían que como quiera estaban obteniendo valor por su dinero si les gustaban las canciones. El tiempo limitado estándar de canciones se eliminó con la introducción del CD en los 80´s.

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Cuando se lanzó al principio, el CD tenía una duración máxima de 74 minutos (se rumora que se eligió ese número para que pudiera caber la 9na Sinfonía de Beethoven). Ahora que los artistas ya no estaban confinados por las limitaciones de tiempo debido a la misma física del formato vinyl; los artistas ahora podían extenderse y añadir más canciones y de mayor duración en cada lanzamiento de álbum. Esto pronto probó ser una espada de doble filo, debido a que ahora tomaba más tiempo terminar un disco para incluir esas canciones extras. Pero resulta que tener más canciones no necesariamente se traduce en tener un disco mejor, y de hecho hasta estuvo en detrimento de los mismos artistas y su popularidad. Mientras que 40 a 45 minutos era un tiempo estimado fácilmente digestible para un fan, 60 a 70 minutos no lo eran. Las canciones extra no solamente no fueron apreciadas sino algo peor, consideradas como simple relleno, o filler , como lo conocemos. El consumidor comenzó a pensar (Y con derecho) que las canciones estaban ahí simplemente por meterlas, y se comenzaron a sentir engañados por sus artistas y/o sus disqueras. Con el paso de los años, el tiempo entre lanzamientos se incrementó gradualmente al punto en que el lanzamiento de una megaestrella puede tardar varios años. ¿Cuántos aquí no duramos mucho tiempo esperando los nuevos lanzamientos de Linkin Park, Guns´n Roses y Luis Miguel? Tan sólo por mencionar a algunos artistas que tardaron años en lanzar sus nuevas producciones. Mientras que esa estrategia de tardarse mucho pudo haberles dado resultado en los 80´s y 90´s, eso nunca daría resultado en estos nuevos tiempos, ya que los fans de ahora tienen un apetito insaciable por producto. Y lo que es peor, los fans se pueden disipar rápidamente si el producto no llega a intervalos regulares. Entre más corta la duración entre lanzamientos, mejor. Y con las ventas de discos cayéndose cada año, el formato de álbum mismo parece estar cediendo a la misma manera de los singles de vinyl en los 50´s y 60´s. Los consumidores de la Nueva Industria Musical compran solamente las canciones que a ellos les gusta y que quieren, y por lo tanto, compran singles, lo cual trae una nueva filosofía en cuanto a grabar música y cómo dicha música es lanzada al mercado.

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En la Nueva Industria Musical, los artistas deben grabar pocas canciones pero deben tener más lanzamientos frecuentes. Es mejor lanzar dos canciones cada 6, 8 o 12 semanas que esperar un año para un lanzamiento de 10 canciones. Esta nueva agenda de lanzamiento beneficia al artista de las siguientes maneras: •

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El artista mantiene a su público feliz y contento proveyéndoles una oferta constante de música nueva. Música nueva mantiene al público interesado y mantiene el diálogo y la popularidad del artista. El artista gana exposición incrementada por cada canción. En un álbum de 10 canciones, es fácil para un fan, editor de música o dj de radio enfocarse a una o dos canciones, mientras que el resto se quedan olvidadas y pierden prioridad. Cuando las canciones se lanzan de dos en dos, cada canción obtiene igual atención y tienen la habilidad de vivir y morir por sus propios méritos. El álbum aún puede ser compilado después de que todas las canciones hayan sido lanzadas individualmente. Al final del año o del ciclo creativo del artista, las canciones se pueden colocar en un formato de álbum y lanzarse posteriormente. La ventaja de esto es que el álbum ya tiene mucha exposición y publicidad previa y avanzada, gracias a los numerosos lanzamientos de singles. Y dicho lanzamiento de álbum puede ser manejado como un evento de marketing, el cual también tiene beneficios para la ventaja del artista. El artista gasta menos dinero en la producción de su música, puesto que en vez de desembolsar 5mil dólares para la grabación de un álbum, ahora puede gastar menos de $800 dólares para la producción de dos canciones a las cuales se les dedicará mucho tiempo necesario para enfocarse plenamente en su composición, producción y arreglos. El artista ahora tiene excusas para comunicarse con los medios de manera más frecuente; dicha excusa es el lanzamiento de sus singles. No te confundas, el formato de álbum no está muerto en nuestros días, pero el énfasis ha cambiado a la canción individual.

Para recordar: • • • • • •

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Lanza una o dos canciones cada 6 a 12 semanas Música nueva y frecuente mantiene a los fans interesados La exposición de cada canción se incrementa Los singles pueden ser compilados en un álbum después Los singles funcionan como publicidad previa y avanzada para el álbum El lanzamiento de cada canción puede considerarse como un evento de marketing www.LatinMusicWire.com

Tu Música Es Tu Marketing, Parte 3: No Existe Demo Como Tal Si eres un artista o banda que graba sus canciones propias, por favor, borra de tu vocabulario la palabra demo. Hoy en día, tenemos tecnología tan avanzada en cuanto a equipo de grabación y software a precios bajos, además de muchísima información en cuanto a cómo utilizar todos esos recursos, por lo que el concepto de “demo” como tal te va a mantener con la mentalidad de “suficientemente bueno”, y es mi deber decirte que todo aquello que sea “suficientemente bueno”, el público de hoy lo considera mediocre. Cada canción debe tratarse como si fuera un master final, por la simple razón de que en estos días, es más fácil que nunca crear excelentes grabaciones con muy poco dinero o nada, y eso es lo que todo mundo espera escuchar; canciones excelentes. Los días en los que el trabajo de un productor tenía que ver con escuchar el demo para tratar de visualizar el producto final han terminado. Así que olvídate de los demos, porque el concepto como tal es tan sólo una excusa para grabar todo aquello que sea inadecuado. La idea del demo poco a poco fue desechándose y dejándose fuera de toda practicidad, más o menos por el año 2000. Antes de ese tiempo, simplemente tu no tenías la posibilidad de escuchar una canción que se escuchara como un lanzamiento de casa disquera multinacional y que no proviniese de un estudio de grabación profesional. ¡Desde luego! Podía hacerse ocasionalmente, pero la vasta mayoría de las canciones que escuchabas en la radio estaban hechas por profesionales reales y equipo profesional caro. Lo más que podía suceder es que grabaras un “demo” que fuera lo suficientemente bueno como para hacer que una disquera o un productor se interesaran en llevarte al siguiente nivel. Debido a que grabar en un estudio era demasiado caro para el artista, músico o banda independiente promedio, (típicamente con precios de $100 a $250 dólares la hora, más los honorarios del productor, ingeniero, el costo de la cinta, etc.) era virtualmente imposible invertir suficiente capital para crear música de la misma calidad que la de una casa disquera. En aquellos tiempos, si no vivías cerca de un estudio profesional, entonces estabas obligado a utilizar lo que estuviese disponible en el momento, y como resultado, casi 29


todos los artistas hacían un demo antes de firmar con una casa disquera para que ésta les grabara su música en estudios profesionales con productores que sabían qué hacer. Por ésta misma razón, la cuestión del demo siempre ha sido vista como una herramienta no comercializable y con una función específica; la de demostrar tu trabajo. Ciertamente una idea muy de la vieja industria musical. Mucho de eso ha cambiado en estos últimos años, en donde cada vez tenemos mejores generaciones de equipo barato de grabación disponible. A eso súmale el hecho de que al público no le importa mucho la calidad y fidelidad de audio, tal y como alguna vez le importó. (O quizás en realidad nunca le importó a la audiencia la calidad de audio, pero las casas disqueras creyeron en eso. Ahí les falló su conocimiento sobre sus clientes.) Hoy en día, es muy fácil crear música de calidad por poco dinero y distribuirla también con poca inversión, pero la gente aún espera que cada grabación que hagas sea tan buena como puedas hacerla.

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Conclusión: La Fórmula del Éxito Para éste momento, ya debe ser obvio el nuevo modelo que deberás emplear para asegurarte una excelente carrera en la Nueva Industria Musical. Si leíste la segunda parte de éste reporte, Tu Música Nunca Será Famosa… En la Industria Musical Actual , probablemente recuerdes cómo es el proceso comercial-artístico de los artistas de la vieja industria y también recordarás que en estos nuevos tiempos, dicho modelo no puede funcionar para tus propósitos:

Tomando en cuenta los principios y sustentos de la Nueva Industria Musical, lo que requieres es un modelo que cumpla con las siguientes características: •

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Debe ser un modelo circular, que te mantenga activo, y no lineal, como el modelo anterior, en donde siempre debes estar esperando el siguiente paso, lo cual provoca que en un determinado momento de tu carrera te estanques tanto profesional como artísticamente. Esperar semanas para tu siguiente presentación no es nada cool. Debe ser un modelo que no te exija enormes cantidades de inversión, dadas las circunstancias personales y económicas de muchos artistas independientes. Debe ser un modelo que tenga énfasis en la producción continua de contenidos basados en música y videos, así como en la producción de singles y EP’s, más que de álbumes completos. Debe ser un modelo codependiente de tus propios recursos de promoción, publicidad, marketing y de desarrollo de audiencia, en lugar de ser dependiente de tener contactos con empresas de entretenimiento. Debe ser un modelo que le otorgue a tus fans un acceso inmediato y conveniente a tu música. www.LatinMusicWire.com

Modelo de Carrera Musical de Latin Music Wire

¿Cómo iniciaría un artista independiente su carrera utilizando éste modelo? I dealmente, el cantante solista, músico o banda llevaría a cabo un proceso comercial-artístico dentro del cual, siempre estará ocupado en las 4 funciones clave para la exposición de su música, las cuales se resumen en las siguientes: •

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Desarrollo de Audiencia: o El artista establece una conexión directa con los Fans, Clientes Potenciales y Socios. o Una excelente manera de establecer dicha conexión es mediante lo que llamamos Medio Ambiente Musical (MAM), el cual no es otra cosa más que una serie de recursos y herramientas (website, perfiles de redes sociales, etc.) que nos sirven para promoción y comunicación. o Además, el MAM funciona como una alternativa codependiente, en vez de la vieja idea de ser dependiente de una empresa de entretenimiento que maneje la relación del artista con sus fans. Producción Continua: o El artista siempre deberá proveer de manera continua contenidos en una base mensual, bimensual, trimestral, etc. como mejor le parezca. o Contenidos en orden de importancia: Video-Musical, Música, Video, Fotografía. o Tu propia originalidad y creatividad debe proveerte las ideas necesarias para la producción continua de contenidos. No deberás pasar largas temporadas sin que produzcas contenidos, de lo contrario, tu carrera se puede estancar. www.LatinMusicWire.com

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Promoción: Exposición de tu música y demás contenidos de manera masiva: Tu propia música; recuerda, Tu Música es Tu Marketing. o o El artista deberá considerar las nuevas formas de promoción a través de los nuevos medios de comunicación. o El artista debe poner en segundo plano de importancia las tradicionales maneras de promocionar su música, tales como la radio, televisión y disqueras. Como ya lo hemos visto de manera incesante, éstas maneras tradicionales son ineficientes. o El artista deberá considerar un nuevo tipo de promoción musical; una estrategia basada en la colaboración con otros artistas y empresas que se dedican a comerciar productos y servicios relacionados con la finalidad de beneficiarse de la exposición de su música a las audiencias y clientes de sus socios. Dicha estrategia de promoción se le conoce como Joint Ventures. Monetización: El artista siempre deberá monetizar sus esfuerzos si tener una carrera fructífera en la música es lo que desea, y los ingresos deben salir de las siguientes fuentes: o Honorarios y porcentajes de shows en vivo. Venta de música digital y física. o Publishing y venta de derechos musicales. o o Merchandising.

¿Cómo saber que el modelo presentado funciona? Fácil: Porque se trata de un modelo basado enteramente en la conexión Artista/Fan, siendo el fan el propulsor de la carrera del artista, como siempre lo ha sido a través de la historia de la industria musical; es sólo que durante muchos años, se nos hizo creer que el middleman (las empresas de entretenimiento, casas disqueras, radio, televisión, medios, etc.) era el real responsable del éxito de un músico. Por fin sabemos que no es del todo cierto. Quizás haya algo de verdad en ello, pero la Nueva Industria Musical nos ofrece a ti y a mí, querido lector, la oportunidad de triunfar en la música aplicando un nuevo modelo que nos permita estar en sintonía con nuestros fans, sin la necesidad de recurrir al middleman. ¿Por qué emular la manera tradicional de trabajar de los artistas del mainstream sabiendo de antemano que éste modelo antiguo y retrógrada no dará frutos a tus esfuerzos musicales?, y lo que es peor; bajo el modelo de la vieja industria musical, corres el riesgo de ver tu carrera en la música truncada. No es una exageración, mi querido lector, es un riesgo lamentablemente real y a través de los años he visto a cientos de artistas fracasar miserablemente por causa de esto. No seas uno de esos artistas. 33


De la misma manera, la Nueva Industria Musical te ofrece la increíble oportunidad de observar y emular maneras alternativas y diferentes de desarrollar una carrera musical, como lo han hecho cientos de artistas independientes exitosos como Tiffany Alvord, Boyce Avenue, Kina Grannis, Savannah Outen, Here Comes The Kraken y muchos otros artistas y músicos exitosos que no han esperado por nada a tener una carrera en la música. No es complicado, simplemente se trata de invertir tus recursos, esfuerzo, tiempo y dinero en el desarrollo de tu audiencia, en la producción continua de material audiovisual (videos y música), en la promoción constante y reclamar tu derecho a monetizar tu música por medio de honorarios por concepto de tus shows en vivo y decenas de otras fuentes de ingreso que probablemente no sabías que como músico puedes generar. De hecho, me atrevo a apostarte que probablemente y en éste mismo momento estás contribuyendo al estancamiento de tu carrera musical cometiendo los siguientes grandes errores: •

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No estás monetizando tu música y lo que es peor, estás contribuyendo al estancamiento de la misma tocando gratis a la primer oportunidad. Gran error. (Desde luego, tocar gratis tiene su lugar, pero debe ser una decisión consciente, inteligente y con propósito). No estás produciendo nuevos contenidos tanto de música como de video. De hecho, quizás la última vez que grabaste una canción fue hace meses, si no es que años. Peor aún, tienes la idea de que el propósito de grabar es solamente para tener material qué demostrar a empresas de entretenimiento y no a tus fans y audiencia. Y para colmo, crees que grabar y producir contenidos es caro. Pues déjame decirte que no necesariamente lo es. No estás desarrollando tu audiencia. ¿Fans?, de eso debería encargarse mi mánager, ¿no es así?. Pues no, de eso debes encargarte tú porque precisamente, la longevidad y éxito de tu carrera dependen de tus fans y no de tu mánager o de la estación de radio que toca tus canciones. No te estás promocionando continuamente. La última vez que tuviste un poco de exposición fue hace meses que un periódico local hizo una pequeña mención de ti y nisiquiera fue en primer plana. ¡Error! Al menos deberías realizar un esfuerzo de autopromoción una vez por día, y no tiene qué ser precisamente en los medios o en la radio. Para eso existen los recursos de tu medio ambiente musical, como Twitter, Facebook y Youtube.


Para concluir, si tuviera que resumir sin tantos argumentos cual en realidad es la fórmula del éxito en la Nueva Industria Musical, solamente me bastaría decir que se trata de establecer una conexión directa con tus fans. Probablemente ya lo notaste y te diste cuenta desde el principio, pero la esencia de todo este asunto se resume en este simple, pero poderoso concepto: La conexión Artista/Fan.

Y como lo dije anteriormente, no es complicado; hoy mismo podrías comenzar a tener mucho más éxito y trascendencia que un artista mainstream de casa disquera; he pasado años conviviendo con éste tipo de artistas y estoy convencido de que es una posibilidad muy real, y mucho más hoy en día que la tecnología de comunicaciones se encuentra en su punto álgido. Pero tampoco diría que es algo sencillo; se requiere que pongas de tu parte para aprender y entender éste nuevo mundo de oportunidades. ¿Cómo puedo establecer una conexión directa con mi audiencia?, ¿Cómo puedo aprender y entender la Nueva Industria Musical?

Para esa razón existe Latin Music Wire, cuyo propósito es contribuir a crear artistas independientes exitosos a través de nuestros programas de desarrollo artístico. Estaremos encantados de conocerte y trabajar contigo si en algún momento de tu carrera artística tomas la decisión de contactarnos para ayudarte a avanzar al siguiente nivel de tu carrera musical. Hemos ayudado a cientos de artistas, músicos y bandas independientes y no dudaremos de apoyarte en desarrollar tu carrera musical; nuestra misión personal es contribuir al éxito de tu música en la Nueva Industria Musical. Realmente te deseo mucho éxito en tu carrera musical. ¿Qué esperas para tener una carrera exitosa en la música? Puedes comenzar hoy mismo a trazar tu camino en la Nueva Industria Musical. Escríbeme a [email protected] para cualquier comentario que desees hacerme… ¡Y gracias por leerme! Koly Siller Latin Music Wire

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Sobre Koly Siller •

Publicista y Consultor d Latin Music Wire, agencia consultora de marketing musical para

úsicos, artistas y bandas

independientes en México, España, EUA y América Latina. •

Promotor de conciertos de diversos géneros que van desde el rock y el heavy metal hasta bailes gruperos, a través de sus propias compañías dedi adas a la industria del entretenimiento y la música en vivo.

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Especialista en Negocios de Musica y Marketing Musical por la Universidad de Berklee n Boston, Massachusetts.

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Licenciado en Relacione Internacionales por el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM, Tec de Monterre )

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Como Consultor de Mar eting Musical para cientos de artistas, músicos y b ndas independientes al reded or del mundo, Koly ha ayudado a sus clientes e n el esarrollo de sus carreras musicales en aras de un sólo objetivo mayor; que e l artista con cte con su público y su audiencia.

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Como músico, Koly ha p rticipado en agrupaciones de una amplia gama de éneros que van desde guitarrista de bandas Death Metal, pasando por cantante de bala da pop hasta bandas del género grup ro/norteño, además de ser productor y composito .

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Autor del libro Cómo Se la Banda Abridora de tu Artista Favorito… y otros conciertos no tan favoritos.

Respecto a su labor y desempeño como consultor musical y con una trayectoria en la música de más de 13 años, Koly comenta: “Básicamente mi misión es prov er a los músicos, artistas y bandas independientes l conocimiento y las herramientas necesarias para que puedan exponer su música de manera masiv a y que puedan hacer de su música, su negocio, y de esa manera, ofrecerles una opción alte nativa para que éstos magníficos artistas pu dan cumplir sus sueños y metas en la música.” “Yo por mi parte, lo hago todo p r el simple aprecio a alguien quien más me import ; el público. Realmente existe música magníf ica y artistas increíbles en México y America Latina, pero sería una tragedia que no pudieran conect ar con esa audiencia maravillosa que está deseosa e música de calidad; por esa razón, mi trabaj o es hacer que los músicos y cantantes conecten su música con el mundo; con el público y sus fans. ”

En la actualidad, Koly puede ser contratado para ofrecer seminarios, talleres, confe rencias y consultorías sobre negocios y m rketing de la música independiente para universid des, organizaciones, corporaciones y público en general. Para contratar a Koly, haga clic en la siguiente liga: http://www.latin usicwire.com/contacto.html 36


Programa de Ignición de Latin Music Wire Quiero invitarte a que aprendas paso a paso el nuevo modelo de desarrollo artístico mediante nuestro Programa de Ignición de Latin Music Wire, en donde vamos a prepararte para que avances al siguiente nivel. • •

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Conectarás con tus fans de manera directa. Expondrás tu música de manera masiva ante miles de personas y grandes audiencias. Te vamos a preparar de acuerdo a los estándares de la Nueva Industria Musical, por lo que tendrás mayor éxito que cualquier artista de casa disquera.

Revisa los detalles haciendo click en ésta liga: http://www.latinmusicwire.com/programa-de-ignicion.html Además, una de las mejores características del programa es que tendrás acceso total a mí (Koly) o a mis asistentes a través de sesiones semanales por teléfono, Skype o Facetime, para poder trabajar contigo de manera personalizada y resolver y discutir cualquier duda que tengas. Yo mismo me involucraré personalmente en los asuntos de tu desarrollo artístico y en la parte de promoción y marketing para que al final del programa, tu grupo o t ú como solista quedes preparado y con mayor ventaja sobre otros artistas y comiences a exponerte a miles de fans de manera masiva. Ojalá puedas acompañarnos, el programa tiene una duración de 9 semanas y es 100% en línea, por lo que no importa en qué lugar del mundo estés, estás invitado. Considera al Programa de Ignición como la mejor inversión para tu música en el 2012. http://www.latinmusicwire.com/programa-de-ignicion.html

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LM Music Consulting Llámame por Skype para ayudarte con soluciones para tu carrera musical mediante una sesión telefónica de una hora. Ya sea que te encuentres en una etapa temprana en tu carrera musical o que tengas experiencia de años, puedes contratarme como tu consultor musical personal para ayudarte a resolver esas áreas en donde necesites soluciones rápidas, personalizadas y efectivas para que sigas avanzando en tu carrera musical como artista independiente. A través de más de 13 años de carrera en la música como promotor de conciertos, publicista de música, representante y consultor de negocios musicales, he tenido la fortuna de ayudar a cientos de músicos y bandas como tú en el desarrollo de sus carreras artísticas. Mis clientes son, por lo general: •

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La Formula Del Exito

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