GIACCHINO ROSSINI 1822 Rossini está en Viena, es contemporáneo de Weber. (Biografía graciosa de Rossini por Stendhal**) Compositor muy popular y famoso en la época. Decían que Mozart no se había muerto, sino que continuaba escribiendo bajo la identidad de Rossini. ¿Por qué era tan famoso f amoso Rossini?
Sus óperas cómicas reúnen lo mejor de la ópera buffa italiana y mozartiana. Trabaja a ritmo frenético , componía sobre 4 óperas al año. Aunque se retira joven, su última ópera es de 1829. Se componía con mucha rapidez, había gran demanda de obras nuevas en los teatros por eso se componían tantas (ahora hay demanda de unas pocas, no existe la necesidad necesidad de óperas nuevas). nuevas). La forma de componer componer va a favorecer el desarrollo de óperas con estructura determinada. Mucha música y escenas se repetían, pero esto no influía influía en la calidad: calidad: había operas buenas y malas. malas. Orquestación brillant e, recoge la tradición de la ópera italiana pero de gran color. En su estética, la música no describe algo, es bella por sí misma. Al escuchar música en el estreno, música electrizante. Efecto de sorpresa, de frescura en el público.En ese sentido, refleja el comienzo de la l a revolución industrial, por la mecanización, la repetición constante. Ej: Obertura Gazza Ladra Rossini. Pequeñas células rítmicas que se repiten, forma brillante.
La música está apartada de cualquier significado, no describe emociones . Por eso usa muchas de sus melodías, arias, oberturas en varias obras, recicla su música sin que este altere las obras. Si la melodía es buena, como no va ligada al argumento se repite. Ej: Obertura del Barbero de Sevilla, es también la obertura de Aureliano in Palmira y en la opera de Elisabetta Regina.
Escritura vocal se identifica con la época de los castrados, por su vocalidad y ornamentación ornamentación virtuosística de gran dificultad. Asimila el estilo de las l as antiguas arias da capo. Texto tiene un valor onomatopéyico , pero da igual. El mensaje de lo que se quiere decir llega a través de la música. Los papeles son escritos para cantantes determinados , para voces a las que les venía bien hacer determinadas determinadas cosas. Los Los compositores sacaban sacaban partido de los cantantes (ahora ocurre al revés, los cantantes cantantes se amoldan a los papeles papeles ya escritos). Ej: Ah il pie lieto ( final final del Barbero), esta misma aria aparece interpretada por La
Cenicienta en el final de la opera homónima. Italiana in Algeri: primera ópera de Rossini que triunfa. triunfa. Todo aquello que que sorprendiría de su música en el momento está reunido en el finale primo que es impresionante. En
aquel entonces no había nada parecido. Un auténtico gallinero. La música era sorprendente, el virtuosismo también. En Londres se hará de oro, comienza una gran fiebre por su música a partir del estreno de esta comedia.
De sus óperas serias , aunque poco representadas en la actualidad de igual importancia a sus operas cómicas en la época, destacamos Otello. Escrita para una compañía concreta de cantantes, compone para dos tenores de primera línea, por eso encontramos dos personajes con voz de tenor importantes. En el resto de producciones que hizo con la misma compañía se puede detectar para quién fueron escritos lo papeles. La ópera seria se hace poco porque la música da poco sentido dramático. Hay escenas tristes pero están tan centradas en la l a espectacularidad y exhibición vocal que supone una interferencia en el sentido dramático de lo que se representa. Sus últimas obras cogen un carácter más romántico. Los temas empleados son más asociados a ese estilo. Entre estas óperas está por ejmplo La mujer del lago (basada en novela homónima de W. Scott, escritor romántico) y Guillermo Tell, con música mucho más descriptiva y sinfónica, dimensión de 5 actos y argumento patriótico y pasional. /29/03/2016
Bel canto: gran exigencia vocal pero pensado para el desarrollo de la voz, para su expansión. Pensado para la exhibición de las cualidades que la voz posee. Rossini casado con prima donna madrileña, la Galbrán, del teatro de San Carlo. Escribe mucho para ella. Su personalidad vocal vocal se ve en los papeles que le compone, las arias de los personajes que interpreta poseen por ello un punto de vista literario y dramático determinado. La tipología de voces actual (ligero, lírico, espinto) es posterior. En estos años la relación entre interprete y compositor era diferente, este componía para el otro. Otro ejemplo es el que tenía Bellini con J. Batista Rubini, su tenor preferido. Las compañías no eran estables, cambiaban de cantantes cada temporada más o menos. Los compositores iban por libre. Aria prototipo belcantística: A te, o cara. I puritani.
BELLINI Nos encontramos encontramos en pleno romanticismo. Puritani: plena escocia.
Norma: influencia clásica, estilo de Medea. Los celos de la mujer ocasionan la muerte
de sus hijos para vengarse de Jasón. En Norma está presente además un punto de sentimentalismo, de emoción, instinto maternal a la hora de matarlos. Consta del final romántico ideal : Norma, vestal virtuosa virgen, se enamora de Pollione oficial romano. Se encuentra en secreto, tiene hijos hij os con él.Norma será condenada a morir en la hoguera por lo que ha hacho, y él decide morir junto a ella. In mi man. Prototipo belcantístico. Estilo ornamentado, lento, canto elegante, dicción de
las palabras clara, sencillez orquestal. Norma, Ah non vorrei. Es típoco las escenas finales de Diva de soprano. Ej. Norma, Ah
Crescendo a cámara lenta de intensidad, sublimación de los sentimientos . Conversión de un sentimiento negativo, la muerte, en placentero. La muerte de ambos se convierte en la ocasión para vivir su amor en otro mundo. Wagner admira a Bellini, capacidad de melodía infinita con desarrollo inesperado inesperado . Isolda también muere en felicidad infinita.
G.DONIZETTI No es tan elegante elegante como Bellini, no tiene un estilo tan depurado pero sus obras están más comprometidas con el romanticismo. Las tramas de sus obras son más románticas, por ello más sentimentales, potentes. I Puritani: lieto fine que viene del s. XVIII Lucia de Lammermoor (W.Scott) (W.Scott) (1835)
Muchas de sus óperas tienen una ambientación oscura , en escocia o Inglaterra, tienen el estilo del goticismo inglés fantasmal . El libreto de Lucia se extrae de Bridge of Lammermoor de de W. Scott. También está presente su gusto por lo inglés en el retrato de historias sobre las reinas inglesas: Ana Bolena, María Stuarda… Lucia es un interesante ejemplo de adaptación de la novela original a la dramaturgia operística. 200 páginas de novela son resumidas en un libreto. Se usan recursos como la supresión de personajes secundarios. También se eliminan elementos mágicos en la adaptación teatral (ej: Alisa, doncella de Lucia en la novela original en la obra de W. Scott es un personaje mágico). El libretista justifica los cambios para dar la forma dramática a la obra original.
La obertura es ambiental , en ella desde el principio encontramaos un elemento fúnebre, noble (vientos metal y timbal inicial). La música está cargada de elementos atmosféricos: pone en situación. Encontramos en ella topai: elementos significativos que se repiten en la música.
Salatore lammaram, libretista de ópera. Ópera posee un color romántico en las palabras que son cantadas, sin embargo estas no importan tanto por su forma concreta como por su función atmosférica. Lucia de Lammemoor puede describirse como una ópera en negro y rojo: el ardor del
amor, la muerte, el misterio, el horror, la sangre…
Solita forma: estructura típica de la ópera italiana del s. XIX. Todas las óperas las escenas poseen la misma estructura:
Recitativo.
Tempo d’attacco* Más
presente en las escenas de conjunto. Tiempo de ataque, golpe de escena momento de intensidad que favorece la distensión del cantábile. Cantabile (canto spiaghatto) Tempo di mezzo. Cabaleta (canto florido )
En el libretto se pueden ver cómo se diferencian las partes recitadas de las secciones de escena de aria, los recitativos poseen versos de métrica irregular mientras que estas últimas los tienen regulares. Regnava nel silenzio: arpa función atmosférica.
Solita forma Cavatina: similar a un aria, especie de concepto histórico, aria introductoria. Sextetto de Lucia de Lammermoor. Quartetto mas coro
Preludio ed coro, scena y cavatina (solita forma) Scena e duetto . Finale I (solita forma) Finale primo adaptado a la tragedia, Lucia di Lammermoor se trata de una ópera seria, esta es casa con quien su hermano la obliga. En esta escena encontramos en vez de un recitativo un número de coro y aria introductorio y después un recitativo, en el que consersan el hermano y el novio. Gol d’attacco: momento de intensidad, acontecimiento inesperado. El amante
despechado, Edgardo, aparece de repente y ve a la escena.
Cantabile: momento central de la escena. De pronto tnto en el cantábile como en la cabaletta se para el tiempo dramático. Lo que en la realidad tomaría 2 s, en el cantábile toma 5 min. El cantábile funciona como un paréntesis temporal en el que se desarrollan las emociones producidas en el recitativo. Destaca el efecto de crescendo armónico, el retardo de llegada a la tónica (algo característico de la Norma de Bellini que Donizetti integra en Lucia)
El aria es el momento de suspensión en el tiempo.En el tiempo di mezzo vuelve la acción y el dinamismo. La Cabaletta, es una escena de conjunto. En ella se da un cambio de vocalidad, una forma de cantar más directa, menos ideal en el sentido del bel canto de los castrati, la voz de tenor que protagoniza Edgardo anuncia este cambio en la estética, el tono spinto con peso, empuje. Este papel fue escrito para Gilber Ruprez. A este se le atribuye tradicionalmente la inveción del Do de pecho, el hecho de cantar los sobreagudos con voz plena. Falsetto Falsettone. Tenores cantaban con falsete. Duprez pasado estode moda, canta plenamente los agudos. Es un tipo de voz y personalidad distinta a la de G. Batista Rubini. Cantabile acostumbra a ser moderadamente lento y corresponde al canto spiantto: canto elegante. Corresponde a un estilo de canto spianato: canto elegante y sencillo en el que se aprecia especialmente la capacidad del legato y la calidad de la emisión 1. Roberte devereux ficale: Vive ingrato. Cantabile, aria final de la soprano. Isabel I de
Inglaterra, enamorada de Roberto que no la quiere. Ejemplo de educación sentimental. Los cortes en las escenas no son una moda tan antigua, tienen su origen en la época del disco, época que coincide con el rescate musical de las óperas de Donizetti que por entonces eran una reareza. Las obras se recuperaban y se grababan pero se cortaban fragmentos. Antes y aún hoy en día (por ejemplo con Il Trovatore) hay improvisación, hay cortes, hay cambios de tonalidad..etc. El director está condicionado por el intérprete. Los compositores componían para cantantes concretos llegando a cambiar arias o a adaptar la música al intérprete. Estas modificaciones son parte de la tradición de intercambio de arias barroco y del espectáculo operístico. Este no puede entenderse sin la práctica La música no es solo un soporte escrito, en ópera italiana esto cobra todavía más valor pues hay todavía más espacio para la improvisación y la autorización de cambios. Hay que hacer lo que uno quiera. Ser astuto y explotar tu habilidad como intérprete y ofrecerlo al público en ver de obligarse a hacer algo que no puede quedar bien. Chi dipezzo gli infelici. Sophie
Daneman. Ejemplo extremo de lo que hacían los compositores para favorecer las cualidades vocales del intérprete. Rossini tenía una segunda donna horrible, la cual solo impostaba bien una única nota. Sobre esta construye todo un aria. La exigencia vocal hace posible que en la interpretación domine la realidad. Todo es susceptible en el canto. Se tiene que tener muy presente qué es lo que tienes y qué es lo que puedes hacer, hacia dónde vas a llega.
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Divas and scholars. Gossett. Edición crítica de las óperas de Rossini a Donizetti.
Don Pascuale L’elixis d’amore
Representan una última época de la ópera buffa, que concuerda muy mal con el Romanticismo. Proliferan mucho más las óperas serias porque encuadran con la estética romántica que da poco espacio a la comicidad. La música cómica de Donizetti está impregnada de cierto punto sentimental. Si bien la música de Rossini se caracteriza por el efectismo vocal y la de Bellini por la elegancia son músicas acorde con la sensibilidad romántica. Los compositores, también Donizetti, tienen dentro de los parámetros musicales personalidades diferentes.
06/04/2016 GIUSEPPE VERDI Artista italiano por excelencia vinculado con la nación italiana. Artista del Risorgimento. Contribuye a la idea de nación italiana. El tema nacionalista está muy presente en su obra. Estudia con el director de la escala de Milán de forma privada, no lo admitieron en este conservatorio, que irónicamente lleva hoy su nombre. Hay una diferenciación muy grande entre sus primeras obras y las últimas. Distinguimos dos periodos. Arias de galeras: primer periódo, producción de las primeras obras. El tema político muy importante. Composición frenética, atendiendo al mercado operístico de la época. Esto se traduce musicalmente en el fiel seguimiento en sus obras de la sólita forma, que permitía un trabajo más rápido a la hora de componer puesto que la obra está preconcebida estructuralmente pro convención. Este periodo encontramos gran cantidad de títulos desde 1839 hasta 1859, una o dos óperas por año, lo que equivale a 17 obras: Oberto, Un Giorno di regno, Nabucco, I lombardi alla prima crociata, Ernani, I due Foscari, Giovanna d’Arco , Alzira, Attila, Macbeth, I masnadieri, Jérusalem, Il corsaro, La battaglia di Legnano, Luisa Miller, Stiffelio, Rigoletto,
Cuestión dramatúrgica implicados con el tema nacionalista. A partir de Nabucco, se convertirá en un icono. Va pensiero, coro judíos prisioneros en
Babilonia. Convierte en himno italiano. Coro patriótico abarca saliendo en todas sus óperas.
Ernani: r evuelta castellana Carlos V. Macbeth: lucha contra la opresión. Attila: romanos contra hunos.
Hasta el 1848: revolución de los pueblos. Intento de Italia de independencia frustrado. Austria reprime una represión. Marcha Radetzky de Strauss (radetzky sería general austríaco que repirmió la
revuelta italiana) Metternich, congreso de Viena: ‘Italia solo es una expresión geográfica” Represión política muy fuerte cotra el nacionalismo italiano, que Verdi hiciera este tipo de cosas en sus obras era muy polémico.
Attila: ejemplo prototípico de ópera construída siguiendo la
sólita forma.
Aria: Santo di Patria. Odabella, prisionera romana de los hunos, canta resaltando la fiereza de las mujeres italanas. Se trata de un aria solista sin tempo d’attacco. Muy potente y exigente vocalemente. Verdi desarrolla un estilo vocal diferente a lo anterior. Esta vocalidad empieza a cambiar a partir de Donizetti. Empieza a demandarse más expresividad, un canto más fuerte y directo, más declamado. El estilo vocal es bel cantista pero con una nueva fuerza expresiva. Duetto Attila-Ezio. La ópera retrata la decadencia del estado, Ezio es un traidor, pacta
con Attila para ayudarle a conseguir el imperio a cambio de quedarse con Italia. Se estrena hacia 1845, A pesar de que los personajes de forma individual no son muy interesantes el mensaje colectivo tiene gran carga social, en aquel momento Italia estaba sometida a Austria.
Segundo periodo de obras: personajes individuales cobran más fuerza, la imagen del pueblo pasa a plano secundario. Empieza a presentar unos personajes que a nivel individual son más complejos e interesantes en comparación con las obras de su primer periodo. Ayuda a esto el hecho que a partir de Rigoletto, empieza a componer con más calma. Le da tiempo a pensar mejor las obras. Esto se ve reflejado también en la forma de las óperas, irá dejando de lado la estructura preconcebida de sólita forma. Il trovatore, La traviata, I vespri siciliani, Simón Boccanegra, Aroldo (revisión Stiffelio), Un ballo in maschera, La forza del destino, Don Carlos, Aida, Otello, Falstaff.
Empieza a interesarse por personajes marginales.
Rigoletto: bufón jorobado de la
corte de Mantua. Personaje desagradable choca
con el primer romanticismo. Il trovatore: mezzo gitana, Manrrico perroflauta-trovador que no se compromete a luchar durante la guerra, perdedor. La traviata: puta parisina.
Abandona el tema político, el coro no cobra tanta importancia como antes en representación de la sociedad. A partir de ahora protagoniza escenas más decorativas.
Se cuestiona la solita forma, supone un corset expresivo para Verdi que va necesitando una nueva forma para un nuevo tipo de expresividad. Cammarano: libretista de oficio no le convence la idea de cambiar de forma.
Tendrá problemas con la censura de sus obras. La Traviata 1854. Verdi es un progresista para su
época. En varias ocasiones tiene que cambiar aspectos del argumento, cambiar otras arias, como en Rigoletto (cambian el lugar original de la trama para que la crítica al poder no fuese tan evidente y le hacen añadir un aria para atenuar la fuerza negativa del personaje del conde). La Traviata es otro ejemplo de los problemas que le supondrá. Esta se basa en La dama de las camelias de A. Dumas hijo, en concreto de la versión teatral que circulaba sobre la novela en los teatros de bulevar de París.
El argumento es contemporáneo, muy polémico porque no solían presentarse ambientaciones contemporáneas en las óperas. Tiene gran crítica social, se trataba de un tema conflictivo que se potenciaba, criticaba la situación del momento y acercaba al público a ella presentándola en el mismo tiempo. Tuvo que cambiar de época y ambientarlo en el s. XVII. Era ofensivo hablar así de la contemporaneidad, sin embargo muestra de que es un cambio obligado es el waltz. Elemento musical unificador de toda la obra, danza de moda de la época. El waltz muestra la búsqueda de unidad de Cerdi, a quien le interesa la unidad dramatúrgica. Coro actúa como el coro del teatro griego, anónimo. Papel importante de poner en evidencia la presión sexual sobre la protagonista. Un di felice ( Traviata)
Frivolidad y la sinceridad de la soprano y del tenor retratados por el tipo de canto: spiaghato y otro más artificioso. Él tiene un carácter más adolescente, más inocente, vive el amor. Ella está curtida por la vida que ha llevado, no cree que pueda enamorarse. En el cantábile se vuelve a para el tiempo. La banda interna de la orquesta toca música de baile que suena en la fiesta que tiene lugar en la casa de Violetta. Sempre libera:
La parola scenica : palabra clave que todo el mundo retiene, resume la situación. ‘En este populoso desierto que llaman París’
Cantabile: amor Tempo di mezzo: realidad social Cabaleta: frivolidad del personaje
Ditte a la giovinne si bella e pura Tempo d’attacco muy largo.
Duetto, transformación de la Traviata de puta a virgen. El Padre de Alfredo quiere que deje a su hijo para salvar la reputación de la familia y poder llevar a cabo el matrimonio de su hermana. El papel del padre de Alfredo cobra una importancia que no tiene en la trama original o de la que se puede prescindir. La razón de que Verdi hiciese ese largo recitativo es que en el estreno estaba el barítono que también protagonizó Rigoletto y Macbeth: Felici Varise. Este era un gran barítono, un fuera de serie, aprovechando la calidad como cantante que poseeía le escribió un papel en el que pudiera exhibirse aunque fuese secundario. Escenas con mucha contemporaneidad. Las gitanas y toreros estaban presentes en la sociedad de Napoleón III, ya que estaba casado con Eugenia de Montijo y lo español estaba de moda por aquella época. La fiesta sigue la convención, escena de coro. En esta escena se da la humillación pública del personaje. Tu m’ami
Convenciones adaptadas a la dramaturgia musical de forma impecable. Se entiende sin subtítulos. El mensaje se explica de forma muy clara a través de la música.
13/04/2016 WAGNER Wagner más propiamente wagneriano empieza con El holandés errante, en la que aparecen laivmotivs a lo largo de la ópera como elemento constructivo. Transhauser o Lorengrin. Temática de componente medieval que tiene que ver con el
origen del pueblo. Lohengrin: Amberes, imperio romano-germánico, el discurso nacionalista impactante. Castillo de Wast: trovadore medieval que vive entre el amor puro y el carnal. Hay un personaje histórico, una intención historicista. Gran importancia del coro. Destacando la intervención del coro de peregrinos.En ambas óperas presencia significativa de leivmotivs. Componente de Ego, de identificación con todos los personajes. Transshauser, el trovador-artista, Loherngrin: la fidelidad,profeta como Wagner. Línea continua melódica y dramática era la aspiración de Wagner, rechaza por completo la solita forma.No se para la acción. Se pueden identificar diferentes personajes per en una trama continua. Concepción de la ópera como espectáculo total. Gestualidad muy simbólica y sugerida por la orquesta, gran sincronización entre los gestos de la música instrumental con el discurso dramático. Tistan e Isolda 1865. Wagner pasa un tiempo en el exilio. El Rey le paga sus deudas y empieza a estrenarle obras. Esta época es un parántesis en la escritura del anillo del Nibelungo. Tristan: leivmotiv de Tristán por cromatismos expresa la insatisfacción sexual entre los personajes, angustia que se resuelve al final de la ópera.
Duetto Tristan e Isolda: O sinkest nieder Nacht und liebe . Influencia de Bellini, de su forma de tratar el canto mediante largas melodías. En la manera de concebir el drama de Wagner hay bel canto, aunque armónicamente es muy diferente, no hay tónica. En 1874 acaba el Anillo del Nibelungo . Supone una interpretación política, crítica al capitalismo y sociedad del s.XIX. Wagner tiene unas raíces socialistas, anarguistas. También es una persona muy religiosa, cristiana. Escoge una temática medieval, pero critica el sistema de su época. Los dioses representan las monarquías absolutas, crean leyes que van en tu contra.
Alberich: roba el oro del río. Corresponde a la imagen del judío tópico. Renuncia al amor por el oro, símbolo de la idea de capitalismo como motor del mundo: renuncia al amor humano a cambio del dinero. Con el dinero encarga a los Nibelungos (obreros) a trabajar el oro para hacer el anillo, que simboliza el poder. Siegfried es un salvador, alguien que se propone restaurar el sistema, pero muere, acaba muriendo. Wagner impregnado de sus ideas progrsistas cristianas empieza a escribir la tetralogía, sin embargo irá cambiando su manera de ver las cosas cuando es rescatado por Luis II de Baviera, que estaba enamorado de Wagner mientras la corte le desprecia al ver cómo el rey gasta su dinero con el estreno de sus obras. El argumento toma inspiración de las leyendas medievales, las Eddas germánicas mitológicas y también el Nibelungen lied. El anillo tiene gran componente nacionalista germánico. Las cuatro óperas le permiten desarrollar un entramado infinito de leivmotivs. Intervienen muchísimos personajes y temas.Estos motivos aparecen en todas las óperas del anillo, también las cuatro comparten motivos que son iguales. Su intención era hacer una ópera que fuese sobre la muerte de Siegfried, per despúes pensó en hacer un díptico sobre la muerte y la juventud de Siegfred. Y al final también quiso hacer una sobre sus padres, y luego sobre el comienzo del mundo y del poder, que sería el ocaso de los dioses. El texto se hace en orden contrario al argumento de las obras. La última sería la primera que escribió, y la primera la última por lo que el estilo de esta es más contemporáneo. Primero elaboró el libreto de todas, luego les va poniendo música2.. Das rheingold Los Leitmotiv, van apareciendo a lo largo de la obra, pero se pueden
variar, de tonalidad, modalidad, y de ritmo. Es mucho más complejo que “una tarjeta de vistia” (Debussy dixit). La construcción de leitmotiv, es ductil. Die walküre En ningún momento Wagner habla de Leitmotiv
en sus escritos. temas muy claros, como la espada, o los personajes, pero los temas como el Anhelo, el Deseo...
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Libro: El perfecto wagneriano. Núcleo básico para la interpretación de la tetralogía
25/04/2016 GRAND OPERA FRANCESA Gracias a los acontecimientos políticos del París del XIX alcanzaría un auge tremendo la ciudad, lo que le convertiría en la capital cultural del momento. Los ideales de libertad y justicia se correspondían con los nuevos géneros. Era la ópera seria con recitativos y arias que se funden dramaticamente. Ejemplos de esta obras de Meyerber Los hugonotes o Roberto el diablo. Giacomo Meyerbeer fue muy popular en su época y posteriormente olvidado. Al igual que Gioccondo de Ponchielli (1º danza de las horas ) Refleja este tipo la conciencia burguesa así como la nueva monumentalidad. se combinan ambientes con grandes masas de personas y coros con fuertes contrastes entre escenas íntimas y populares. En ópera francesa está siempre presente el ballet. Los autores que representan este tipo de ópera en París por ejemplo, añaden danzas a la obra preexistente, como es el caso de Tanheurser de R.Wagner. Los tema no se toman de la antigüedad, sino de la Edad Media en adelante. Como elementos que la integran tenemos Grandes coros, arias, concertantes ballets, etc. El teatro donde se representaba era la gran ópera. Grand Opera Francesa
Opera comique Destacamos Benvenuto Cellini, de Berlioz. Ópera cómica tiene menos pretensiones que
la grand opera, y los pasajes musicales se intercalan con diálogos, en ese sentido es similar a la zarzuela. Es un espectáculo muy burgués, para todos los públicos. Azucarada. Todo acaba bien. Se ve en este tipo de obras la influencia de la opera buffa rosiniana. Opereta francesa.
Es la ópera representada en los teatros del Bulevar, teatro de gran vida, esfera un poco underground. Los autores en estos teatros se pueden permitir realizar crítica social moderada y añadir a las escenas momentos de connotación sexual que en otro teatro estaría mal visto. Ejemplo de opereta: La belle Helene o Orfeo en los infiernos de Offenbach a la cual pertenece su famoso Cancán. En ambas se río de la tradición clásica, hace referencia a personajes contemporáneos como Apolph Sax. Eran óperas ligeras con carácter mucho más sencillo y adornadas por danzas de la época como el can-can, la polka, el vals, etc. Este tipo de opereta se exportaría a América y al resto de países europeos lo que supondría un primer germen en el surgimiento de lo que se conoceremos posteriormente como musical y cabaret. Esta forma de hacer teatro llegará a Viena. Destacamos de Offenbach tambnién los Cuentos de Hoffmann, una ópera carísima y expectacular. En esta escena destaca también C.Gounod por obras como Faust o Romeo y Julietta. La primera será extremadamente popular, en parte por su gran melodismo. Se trata de drama Gounod va a ser un buen compositor técnico, como muchos de los compositores franceses que mencionamos tuvo una muy buena formación. Como muchos estudió en el conservatorio de París, viajo por europa y ganó premios.
Estas obras, de 4 actos no llegaban a cuadrar en la forma de la Grand ópera, estas excepciones se estrenaban en el Teatro lirique y se denominaban drama lirique. Nace hacia 1850. Al igual que la grand ópera utiliza temas trágicos pero sin emplear el efectismo de grandes masas, antes bien, una atmósfera mas íntima es la protagonistas de estas obras. El esquema formal de la Grand opera estaba bien definidio: 5 actos, el primero de caracter introductorio y sin importancia pues la gente llegaba cuando quería y la historia empezaba verdaderamente más adelante. Recogen también cierta influencia wagneriana, que Gounod hace funcionar muy bien en su música Jules Massenet, tampoco inventará nada pero trabaja muy bien y tiene gran facilidad para elaborar buenas melodias. Destacamos su Werther y su Manon. Esta última recoge
elementos que apuntan al verismo. Está basada en una nobela del s. XVIII pero se retrata a una mujer seductora que lleva al hombre al abismo, arquetipo que se representa mucho en las obras de esta época y que vemos también en personajes como el de Carmen. Otro de los rasgos característicos en la ópera de este estilo es el orientalismo. Muchas obras recogen elementos orientales de pasíses lejanos coloniales. Ejemplos: Thaïs (J. Massenet) , El pescador de perlas (George Bizet), Samson y Dalila (Camille SaintSaëns) , Lakmé de L. Delibes. Orientalismo excusa para introducir elementos indecentes, de sexualidad prohibida. Señoras seductores, exóticas, danza del vientre. Carmen de G. Bizet
Retrata Sevilla como si fuese una de estas colonias europeas, un lugar donde todo es posible. Carmen es una gitana seductora que no se rige por una moral burguesa convencional. Argumento proviene de Prosper Merimeé de su novela Revre des Deux Mondes. Trata del viaje que lleva acabo un señor burgués civilizado a Sevilla, cuenta en primera persona las anécdotas que va viviendo y las historias que encuentra. Es una ópera cómique, se estrena en este teatro. La ópera se estrenó en la OpéraComique de París el 3 de marzo de 1875, pero su estreno fue criticado negativamente por la mayoría de los críticos. Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique que había permanecido estático a lo largo de medio siglo, sino que virtualmente puso fin al mismo. En unos pocos años, desapareció la tradicional distinción entre la ópera (seria, heroica y declamatoria) y opéra comique (ligera, burguesa y con diálogos hablados). Más aún, Carmen alimentó un movimiento que iba a ganar tanto celebridad como notoriedad, primero en Italia y luego en el resto del mundo: el culto por el realismo conocido como verismo. Argumento: gitana de temperamento fiero. Carmen, libre con su amor, seduce al
cabo don José, un soldado inexperto. La relación de Carmen con el cabo motiva que éste rechace su anterior amor, se amotine contra su superior y como desertor se una a un grupo de contrabandistas. Finalmente, cuando ella vuelca su amor en el torero
Escamillo, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen. El personaje de Carmen , que es interpretada por una mezzo o soprano de voz carnosa, no lleva a cabo ninguna ópera, sus intervenciones al representar a un personaje marginal no siguen el esquema común. Es micaela la soprano, representante de lo puro y lo bueno la que canta arias mientras el canto de Carmen está lleno de seducción, motivos de arie folklórico intentados, en solo 3 intervenciones que no siguen la estructura típica de aria sino de canción más popular. El resto de cantantes sí siguen la estructura y tradición. La música que porta el personaje mientras está lleno de esta idea de seducción, orientalismo, erotismo... Son pasajes en los que se exhibe. El torero también tiene el caracter chulesco que tiene Carmen. Hay algo de verismo en estos personajes y su forma de cantar. Son personajes aparentemente reales. En el preludio se dejan translucir los elementos de la opera comique, adelantan el desarrollo argumental de la seducción y la muerte mediante una melodía oriental que representa a Carmen. Carmen se va a inspirar en más de una cantante de Bulevar, el personaje tenía una gran carga de negatividad. Fue un personaje polémico y tuvo problemas para llegar a ser interpretado pues mucha gente no quería actuar siendo Carmen. Otra interferencia en la puesta en escena de la obra fue el papel del coro, este interactua de una manera a la que no estaban habituados los coros de opera comique. También tuvo problemas con la censura, Micaela, la soprano, no existía. Le obligaron a inventar al personaje como contrapunto a Carmen, la mujer fatal. Otra obra que tuvo gran polémica fue Samson y Dalila de Saint-Saëns. Bacchanale. No querían estrenarla por el tema polémico. La orientalidad de la bacanal, la gran carga erótica del elemento visual del baile todo ello en un tema bíblico. También por la espectacularidad escénica. En una escena por ejemplo, Samson tira las columnas de un templo, algo que es dificil de escenifica y que tiene un efecto muy magnífico. La trama se situa en Gaza, Palestina. Destacamos: Mon coueur s'ouvre a ta voix. Samson y Dalila Voz de mezzo como voz de seductora connotación negativa reflejada en los papeles que interpretan las voces graves. Gran erotismo, tema polémico, argumento bíblico. Al final de la época de Verdi, muchos intentan imitar su estilo sin llegar a superlarle esto pasa igual con Wagner. Un cambio significativo en esta tendencia está presente en Meristófeles de Pauchielli, a medio camino entre ambos autores es una obra en la que se ve reflejada la crisis y la necesidad de cambio presente. Escapillatura: crítica de la cultura contemporánea, cierta influencia alemana, obra larguísima. Cinc P. Mascagni consigue mostar algo diferente a lo que venía. Se hará muy famoso a partir de su Cavaglieria Rusticana, que dará origen al V erismo.Esta busca un tema social,
trata de una histora de venganza entre personajes cotidianos. Musicalmente recoje la tradición wagneriana, la vemos en la continuidad. Está presente la voluntad de continuidad teatral evitando cualquier parecido con la solita forma.
Junto a este se suman a esta nueva corriente estilísitca de los años 30 a Umberto Giordano, Ruggero Leoncavallo, Francesco Cilea y F. Puccini.
27/04(2016 VERISMO La ópera italiana después de Verdi pasa por un periodo de cambios. Se buscan nuevas salidas estilísticas. La nueva manera de hacer ópera llega con Caballería Rusticana de Mascagni. Se abandonan los temas historicistas por los realistas, temas relacionados con lo cotidiano. Influencia presente del realismo y el naturalismo francés. Naturalismo estilo acuñado por Emile Zola, predomina la crítica social tratada de manera científica y determinista, tratando temas de carácter social: la explotación del trabajador, la decadencia de la época. El verismo toma influencia del naturalismo francés en versión italana, retrata la vida del campo. La obra de Giovani Verga, Vita del Campi es de la que toma Mascagni una de sus narraciones para su Caballería Rusticana. Hace creer que la ópera puede ser cotidiana. El relato original tiene unas 10,12 hojas. Ideal para escribir la ópera, de tan sólo un acto, que presentaría al concurso que proponía la editoria Sonzogno, nueva editorial que quería competir con Ricordi. La ópera se puede decir que desde el punto de vista musical es una combinación para todos los públicos de wagnerianismo y tradición italiana, cosa que ya realizaba Verdi en su obra. Por ejemplo en Nesun Norma: la versión de concierto va hacia la tónica, la de verdad no. El tren diferencial de la música Italiana; el aria, momento de expansión solística debe estar presente pero ensalzado con música continua. La solita forma queda atrás. F. zeffirelli, alumno de Visconti.
El estilo que propuso Mascagni con esta ópera es imitado en Addio, tinta Asil, de Rebeus Tedeschi. El argumento rústico, con el tema central de los celos, pero en el fondo no hay ningún elemento que hable del fondo social que da lugar a la situación no existe esa perspectiva, no se da un por qué de lo que da lugar a la situación en la que se encuentran los personajes.
Desde el punto de vista estilístico el verismo es contrastante con lo anterior; la potencia de la voz, la gran fuerza expresiva, recuerdan al estilo directo del habla. La orquestación es más densa también, lo que supone un esfuerzo vocal extra. Caballería rusticana fue un éxito inocente, una obre de temas muy bonitos que el autor recolecta de otras obras, por lo que la opera está llena de melodías bellas. Br indis del final (58’14’’) Se ve una escena costumbrista, retrato de lo tópido de la idea arquetípica, aparentemente es una idea auténtica de lo que ocurre. Presentación del tópico resaltando los elementos folklóricos. Le muerde la oreja, símbolo del duelo, y antes del duelo va a ver a mamá. Comprobamos que no hay recitativo-aria, no se sabe cuándo empieza uno u otro. En 1890, no se mueren así los Sicilianos, es el hambre por lo que pasa esa gente en aquel momento, sin embargo a esto no se hace referencia. El tema real a tratar no son los celos, si es cierto que pretende hacer una ópera realista pero tendría para eso que retratar el trabajo, el qué cómo, de quién son las tierras… No se habla de los problemas reales de Sicilia en aquella época, la mafia que surge con la unificaicón italiana, el hambre. Emile Zola Je acuse, articulo crítico. Cavaglieria Rusticana
Je acuse artículo periodístico crítico sobre la condena a muerte de un soldado por ser judío, declaración, manifiesto de intenciones de los realistas. Es así no es un verdadero realismo pero tampoco explica una histora de amor convencional. Carmen será un personaje híbrido (soprano-mezzo) pero Santuzza en comparación la hace una soprano y mezzo con la vocalidad de Carmen. ??? Grito en la opera verista: representación de autenticidad.En carmen en el duetto al final hay un grito, en cierta manera puede ser. Estas obras recogen muchos personajes secundarios. Il pagliacci. Leoncavallo viendo el éxito de Mascagni con su ópera intenta imitarle,
presenta al concurso otra ópera en Milán, de dos actos siguiendo muy de cerca el modelo de Cavaglieria e incluso superándolo, pues es una obra que fluye más dramáticamente. El autor entiende de literatura. El arugmento trata el tema de la violencia de género, y se basa en la historia real de un judio. El prólogo de la obra está considerado un manifiesto de intenciones del verismo. Es una obra de metrateatro, presenta a una compañía de actores que realizan comedia del arte, pero reivindica que no son solo actores son personaes. Estos interpretan comedia mientras su vida es una trageia. El teatro dentro del teatro está presente también en Tosca, que es cantante de ópera. Pagli acci L eoncavall o.
Prólogo declaración de intenciones verista. Del Wagnerianismo toma la técnica, no el estilo. Trata temas muy concretos. Recuerda al público que los actores también tienen sentimientos, y que esta función es sobre seres humanos de verdad.
Pagliacci, mín 57' (Placido Domingo) acto II. Se ven a los personajes en escena interpretando comedia del arte. Colombina y Arlequín son amantes en la obra, también en la realidad. En la sonoridad y musicalidad y el fondo de comedia se trata de recuperar espíritu de la ópera buffa. La llegada de Taddeo, bufón enamorado de Colombina, devuelve al primer acto respecto al encuentro de Tonio y Nedda. El pequeño dúo amoroso-jocoso culmina con las mismas palabras que Nedda dijo a Silvio, lo que acelera la furia en Canio. Cuando Canio entra interpretando a Pagliaccio, oye a Nedda, intenta continuar con la obra pero pierde el control y se sale de su papel exigiéndole que revele el nombre de su amante. Nedda trata mantenerse en su rol de Colombina y seguir con la obra, llamando a Canio por el nombre de su personaje, "Pagliaccio" para recordarle la presencia del público. Él contesta con su arietta: "No! Pagliaccio non son!" ("¡No! ¡No soy Pagliaccio!") El público, impresionado por esta interpretación tan realista, lo vitorea. El aria está incluída dentro del discurso musical continuo. Hay dos públicos el que va a la representación a ver a los personajes actuar y no saben que sucede y el real. Aunque no sigue la solita forma si hay momentos de expansión, cantabiles, de urgencia lírica. Silvio ha sido el único entre el público que entendió que la escena no era de ficción y empieza a preocuparse por Nedda. Intenta abrirse paso hacia el escenario. Canio, cogiendo un cuchillo de la mesa, apuñala a Nedda. Al morir, ella grita : "¡Ayuda, Silvio!". Canio entonces apuñala también a Silvio y con un terrible e irónico "La commedia è finita" (La comedia se acabó). El gran dramatismo hace del final algo magnífico. Tiene un cariz cinematográfico, los detalles hacen que la obra cobre un gran impacto y credibilidad. La duración ayuda, las óperas veristas no durarán más que una peli. Mascagni y Leoncavallo son famosos solo por una obra. Umberto Giordano compone Andrea Chénier ,de caracter historicista, trata sobre un poeta decapitado en la revolución francesa. Fedora (1898) fue también un éxito,
y es representada en la actualidad. Su trabajo posterior es menos conocido, aunque ocasionalmente representado. Ambientada en la época previa a la revolución rusa, historia de amor que tiene de trasfondo los atentados revolucionarios. Gran criticada por Joquin Pena , critico catalan wagneriano.
Esta no da a ver cómo vivían los ricos durante esa época sino cómo piensan los pobres que viven los ricos, da una imagen muy acartonada. Tipo de obra que evoluciona en drama burqués pasteloso/ culebrón típico. No se trata de un verismo auténtico. Todas estas obras aunque presenten la intención de hacer algo realista, no lo consiguen, ya porque la ópera por naturaleza no muestra cosas reales nadie en la realidad, después de matar a alguien se pone a cantar con urgencia lírica.
El verismo tiene su marketing, maneja el control de tratro por editoriales comercial, los empresarios compraban los derechos. El público prefería este tipo de obras, por su acción trepidante y sus temas y ambientación Los alemanes son los primeros consumidores de operas veristas, no solo hay representaciones wagnerianas.
02/05/2016 ÓPERA NACIONALISTA EUROPEA S. XIX Ya hay espíritu nacionalista en las obras de Weber o Wagner. A finales del s.XIX todos los países van a reivindicar una opera en lengua propia. La óperan será un elemento identitario muy importante para el estado. Los teatros forman parte de los edificios más emblemáticos de las ciudades, y estos estarán presentes en todas las grandes ciudades europeas. Se empieza a hacer ópera en checho, en ruso, en castellano, catalán... Todos los países desarrollan una ópera nacional en la que no solo hay reivindicaicones linguísticas también argumentales.
Escuela rusa. Siempre hubo una gran tradición italiana, pero en el s.XIX se reivindica la ópera nacional. Mijail Glinka, Una vida para el zar. Heroe se sacrifica por el Zar. De los primeros que intentaron producir una música distintiva de Rusia, escribiendo operas de temas rusos, pero Los Cinco fueron el primer intento consignado Grupo de los 5: Balakirev, Borodin, Mussorgsky , Rimski-Kórsakov y Cesar Cuí En el fondo toods hacen opera nacionalistas incorporan diferentes tecnicas e influencias pero bajo argumento. El lenguaje musical que desarrollaron Los Cinco los situó lejos del Conservatorio .Escuela rusa parecida a la española. Antiacadecismo, dejarse llevar por la música, sobrevivir. Ellos trataron de incorporar a su música canciones típicas rusas, danzas cosacas y caucásicas, llenaron su música con sonidos imitativos de la vida rusa. E incorporan una serie de recursos armónicos para crear un estilo distintivo ruso, de color
diferente a la de la música de occidente. Este estilo exótico de Rusia fue autoconsciente y enteramente inventado.
Borodin, Príncipe Igor. Influencia de la gran opera y el orientalismo. Korsakov , es el más académico. Influencias de Wagner en la armonía. Mussorgsky, el más original de todoas, desarrolla un estilo propio. Boris Gudonov, ópera para bajo por excelencia. Una ópera histórica, sin historia de amor, que consigue el caracter original ruso sin recurrir al folklore tópico. Representa al pueblo desgraciado, y su desgracia. Musicalmente y dramatúrgimanete muy intresante, resulta muy moderno. Influencia del Don Carlo de Verdi y Simon Boccanegra . El gobernante accede al poder a través del crimen, quiere ser un buen zar pero no podrá por la culpa, su interior. Critican a Chaikovski por su estilo europeísta. Resulta un autor tratral muy interesante. Pero la formación que recibió fue orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista Una de sus mejores composiciones será Eugenio Oneguin , basada en la novela homónima de Alexandr Pushkin. El libreto sigue muy estrechamente el original de Pushkin, conservando gran parte de su poesía, a la que Chaikovski añade música de naturaleza dramática. La historia se refiere a un héroe egoísta que vive lo suficiente para lamentar su displicente rechazo del amor de una joven y su descuidada incitación a un duelo fatal con su mejor amigo. Se puede leer de forma autobiográfica.La psicologia de los personajes está muy estudiada. Letter's scene Dama de Picas: protagonista atormentado, ludópata que pretende garnar dinero para
poder casarse con la chica de otra clase superior, se mezcla con el elemento fantástico. La escena de la carta, en las palabras s ebusca la emocion, usa los versos directos de autor 'literatur oper'Coro ortodoxo, wagnerianismo en el empleo de leivmotivs... Influencia de la gran opera, de Carmen en la aparición de coro infantil. Teatro emocionante y creíble.
Berich Smetana La novia vendida. Buffo y sentimental: chica comprometida con señor feo y rico, enamorada del joven. Al final resulta ser su hermano y pueden casarse. Caracter buffo, música orquestal muy bonita.Coro: elogio a la cerveza. Obertura muy alegre... Dalibor. trascendeltal y nacionalista. Punto wagneriano y serio. Rusalka .Antonín Dvořák .
Rusalka es, como las ninfas y las ondinas, un espíritu elemental, ligado con el cuerpo y la sangres al reino de los hombres, pero también a causa de su falta de alma, al mundo de los espíritus. Su anhelo es convertirse en ser humano y poder amar como una mujer terrenal, hasta el precio del sufrimiento y de la muerte. No hay tanta influencia de música checa, basada en una histora de la Sirenita, toque wagneriano.
Janácek más interesante desde el punto de vista nacionalista, no se queda en el tópico de añadir danzas populares. Final del s.XIX principio del XX. Muere en 1928 Jenufa. cierta
influencia verista, ambientación rural. Mujer embarazada y abandonada, retrato de presión social sobre ella. Ópera del s.XX va a tender a lo fantástico. Janacek intenta incorporar el lenguaje hablado en checho a sus óperas. Intenta introducir en la música la forma de hablar de la gente en el canto. Funcionan teatralmente muy bien, aunque han sido mucho tiempo vistas como una rareza. Castillo de barba azul Bartok (Hungría), Vida breve, Pepita Gimenez, Fada...
En todos los países surgen óperas en lengua vernácula y en estilo nacionalista, en contra de la ópera italiana que ejerce un poder de atracción muy fuerte en el público. Estas eran de difícil acceso: Vida Breve, Pepita Giménez, Fada...
09/05/2016 G. PUCCINI. Dentro del verismo, de entre la generación de compositores que lo compone: Giordano, Leoncavallo, Francesco Cilea, Adriana Lecouveur... Es el que mayor importancia acaba cobrado. Se convierte en heredero de Verdi. Es más joven que el resto, el marketing le va a favorecer mucho, es imagen de Ricordi. Es un compositor moderno, de espíritu competitivo. Su primera ópera importante será Manon Lescaut . Escoge argumentos musicalizados ya previamente y se propone mejorarlos. La Boheme, Tosca, Madame Butterfly...Todas eran óperas preexitentes.
Manon: mujer seductora que tienta al hombre. Versión popular de Wagner, gran empleo del cromatismo, que simbolizan la pasión por Manón. Puccini es un compositor conmucha intuición teatral, muy competitivo y escrupuloso con la música y el libreto de sus obras, Manón va a ser su primera obra importante, se estrena en Turín. Triunfan después La Bohéme, más consolidada se acerca más qe el resto a la temàtica del verisme: intenta retratar una vida dura, golfas, frio... Una pobreza que sin embargo no es real, no hay crítica socail profunda es más bien una visión edulcorada. Es un compositor que controla las técnicas contemporáneas, las conoce y està al tanto. Se sirve de scalas pentatónicas, de control wagneriano de la continuidad y la armonía, tamnién conoce que es lo que hace Strauss, del quien es contemporáneo. No hay tencnica contemporània que no conozca, escuchará el Pierrot Lunaire tamnbién, y en muchas ocasiones también busca los límites de la armonía en su músic.a
Destaca la cantidad de personajes secundarios que aparecen en las obras, algo típioc de estas operes. También està llena de objetos concretos: la còfia, el manguito, el fuego, la lave que se pierde, lvela que se apaga... Todo està lleno de objetos cotidianos. Tienen un caràcter costumbrista. Los protagonistes tienen solo dos arias, y ambas están intregradas en el discurso musical coqueteando el uno con el otro.Ambas van seguides y son la presentacion de él y de ella. Che gelida manina No hay distinción entre recitativo y aria, No se para la acción, Las melodies son geniales, muy melódicas y belles.Se intercalan momentos más sencillos con otros de desidad armónica y lmelódica ma´s wagnerianos.Se desarrolla en espacios muy concretos, todo es aparentemente real. En 1900 hace Tosca, estrenada en Roma. El argumento tiene un tinte histórico. La acción se desarrolla en plena guerra napoleònica, un día antes de la victoria de Marengo (victoria de Napoleón frente a los austríacos). El libreto lo realiza Sardou.. El conflicto en Italia entre los republicanos y los realistas toma cuerpo en la persecución de Angelotti y Cavaradossi, pintor amante de Tosca, ambos de ideas liberales, por parte de Scarpia, que es instrumento de la autocracia realista. Si bien Puccini descarta algunos elementos del subargumento histórico de la obra de Sardou para concentrarse en el melodrama mismo, el conflicto político es el disparador de la acción dramática, y se incluyen referencias al equívoco del resultado de la contienda, así como el brillante "Te Deum" del final del primer acto para conmemorar la supuesta derrota de Napoleón. Está ambientada en Roma, en tres espacios concretos: primer acto en Inglesia de Sant’Andrea, segundo en el Palacio Farnese , tercero Castillo de Sant Angelo. La obra teatral original fue hecha para Sarah Bernard, la actriz del momento, diva del teatro del s. XIX. En Tosca, una diva hace de diva de la ópera. Es un caràcter operístico, apasionado, sentimental, muy potente. Alberto Franchetti, otro compositor quería usar este argumento, Puccini lo quiere y Ricordi le compra los derechos de la historia para que haga su ópera con este hilo. Uno de los momentos más impresionantes es el Te deum, final del primer acto en la Iglesia de Sant’Andrea. La melodia del cantus firmus crea un contraste muy fuerte entre música religiosa y deseoo carnal. En el segundo acto Scarpia, un personaje malvadísimo, acaba torturándo a Carvadossi por no revelar el esconditi de Angelotti. Tosca que estaba cantando una cantata, lo que se puede escuchar de fondo. Al escuchar los gritos de su amante acaba confesando. Van a condenar a muerte a su amante, a soles con Scarpia este le propone salvarle la vida si se entrega a sus deseos. Ella acaba cediendo: Visi d’arte visi d’amore. Esta escena es completamente cinematogràfica, en el despacho de escapia se escucha de
fondo la cantata y la voz de Tosca hasta que enfadado cierra la ventana. Al final le clava un cuchillo. Sin embargo la falsa ejecución sale mal su amante muere, y ella ante la situación se tira al vació. Esto ocurre en el tercer acto. En estas escenes Puccini luce su estilo ecléctico, wagnerianismo siguiendo la técnica del leitmotiv, muy utilizada por Puccini en esta ópera, ambos temas aparecerán, con diversas transformaciones, a lo largo de los actos primero y segundo, para subrayar distintos aspectos de la trama, música sagra.,. sonoridades de Debussy.. Sabe qué recursos usar para crear gran atención dramàtica, tiene gran control psicológico de los personajes. Madame Butterfly. Componente oriental, exótico presente. Muy bien
explicada musicalment la evolución psicològica del personaje, muy conmovedor. Cierta autenticidad aunque es una obra de costumbrismo verista. Duetto inicial de ambos viendo las estrelles.
Gran cambio de la Madame Butterfly adolescente y sumisa a la mayor. Se casa con un americano, que la deja embarazada se va a americà y vuelve para llevarse a su hijo, en realidad solo quería un niño para su mujer. Madame Butterfly se suïcida.
Fanciulla del West Marketing de Puccini en New
York, que la estrena con Caruso. Acción dramàtica muy rápica, muchos personajes secundarios, es muy cara de muntar. Retrata todos los tópicos americanos.Discurso audible con técnica moderna que atiende a la situación dramàtica, de muchso cambios. Anticipa estilo cinematográfico, bandes sonores de los 30 y los 40, llenas de sinfonismo. Escenas llenas de objetos coidianos y costumbrismo.
El tríptico (Il Trittico). Cada una de las tres óperas de El tríptico sería una alegoría de
una de las partes de la Divina Comedia, de Dante Alighieri. Se componen por il Tabarro(el infierno), Suor Angelica (el purgatorio) y Giani Schini (el cielo). Se estrenó junto a las otras dos, en la ópera del Metropolitan Opera House de Nueva York el 14 de diciembre de 1918.
En Turandot no se puede hablar de verisme, el mundo que aparece no es un mundo notidiano. Ella es una princesa legendaria china. El final no es suyo, se estrenaria despúes de su muerte. En el estreno participó Miguel Freta. El libreto sale de una lechenda que rondava desde el s.XVIII. En la historia hay voluntudad de autenticidad. Hay canciones típicas incluídas, orquestación colorística estilo Strauss.
Nessum dorma .Esta es una ópera que marca un final, el de entender la opera de manera
popular. Comienza una modernidad, esta se puede decir que es la última opera del repertorio que todo el mundo conoce. Es espectacular, cuadra en el teatro de pasiones, tiene ese componente de grandiosidad, marvelleux. Vocalmente es igual que Salomé, pone la voz de la soprano al límite: gra masa orquestral, interválica complicada, cambios de registro extremos y de gran potencia. Este estilo musical requiere voces de mucho peso y fuerza. La relación entre compositor-cantante cambia. A partir del final de Verdi, se empieza a pensar primero en el papel y después en el cantante, en quién puede afrontarlo bien. Se piensa desde el punto de vista dramático, no en realitzar algo adaptándose a la vocalidad del cantante. . 11/05/2016 Pelleas y Melisande Debussy.
Estilo busca algo nuevo al wagnerianismo, algo diferente. La vocalidad es muy distinta, más similar a un recitar cantado, discurso continuo, no hay ningún aria. La emoción llega de forma sutil, de forma intermitetne. Parte de la obra literaria original de Maurice Maerterlink. La obra es un ejemplo de cómo se va a entender la m´úsica dramàtica, va a influir en el resto de la oepra del nuevo siglo. Aunque el estilo de Strauss es diferente recibe también este tipo de influencia. El Pelleas no tiene la carga emocional que tiene otras obras, la manera de hacer de la opera como teatro de las pasiones aquí està atenuada.
RICHARD STRAUSS Paralelamente a Puccini, Richard Straus s, heredero de Wagner, comparte con Puccini muchas coses. Es un hombre de mentalidad burguesa, Sociedad de autores... Comienza su carrera como compositor de poemas simfónicos le da gran control y domino del colo orquestral, se podria decir que su música orquestral tiene cierto modernismo. Se puede decir que a partir de esta técnica adquirida empieza a componer ópera, la primera serà muy wagneriana y floja. Pero sus otras dos obras de juventud son muy interesantes y modernes. Se interessarà por Salomé. Hace lo mismo que Debussy, coger una obra de teatro y
ponerle música directamente sin adaptar el texto, no elabora despúes un libreto.Parte directamente de la obra original, practica que se conoce como Literatur-oper, según Dalhaus. Salomé, es una historia
bíblica que despertó gran inspiración en muchos escritores y artistas, entre otros Oscar Wilde. La obra de Oscar Wilde es la que utilitzarà, originalment encargaría un libreto que desecharía decidiendo trabajar directamente sobre la obra original. La adaptación consistirà en cortar cuatro escenes, lo demàs es todo el texto del escritor traducido al alemán. Es un acierto, no es de extrañar que resulte muy buena elección, el componente irreal y simbolista se apoya muy bien en la música, resulta más atractiva la música así. Ocurre en un tiempo breve. Es muy difícil de interpretar el personaje de Salomé, es una voz wagneriana potentíssima en un cuerpo de chica de 16 años, nunca se es fiel del todo en la interpretación. Posee una vocalidad parecida a la de Turandot, la orquesta es brillante y colorista, de mucho peso.
Salomé es una femme fatale, gran afiliación a la obra francesa de Faubert, y a la iconografia de Gustave Moreau ‘Samson y Dalilda’, orientalisme, mujer tafal. Esta opera junto a Elektra son muy alabades por autores como Schönberg o Berg, ven a Strauss en aquel momento como profeta de la modernidad. Lleva la armonía al límite, bitonalidad. Resulta una paradoja que sus ultimes obras resulten menos modernas. La escena de Salomé besando la cabeza, esta fuera de la realidad. Soldados después pasan a aplastarla bajo sus escudos. Manifiesta su amor en público, refleja el machismo presente en la cultura de cambio de siglo y la crisis de valores a principio de la 1ªG. Mundial.La sexualiad està preente tod el tiempo, se podria elaborar un discurso freudiano muy grande, hay un poco de este presente Para Elektra coge la obra de un autor coetaneo muy Bueno, Hugo von Hofmannsthal, de primer orden en la literatura alemana. A partir de esta obra comienza una colaboración especial entre ambos. La obra dura 1’45 min. Se desarrolla en un único acto, de forma continua. La orquesta està llena de color, no tanto como en Salomñe, però el argumento también se situa al limite de lo contundente. La obra se basa en la tragèdia griega de Sófocles, trata sobre la vengaza de hija de Agamenón contra su madre, se mata a este y comienza a vivir con un amante. Aunque està muerto, Agamenón es el detonante de toda la histora, su leivmotiv aparece de forma constantmuye.
Hofmannsthal serà un hombre conservador, austríaco, elegante. Incluye el contraste entre Hermanas, la primera solo es motivada por la vengaza, la seguida quiere pasar págnica, es más humana.
Danza dionisíaca: mi vida no tiene sentido, matar a
mi madre era su objetivo vital, ahora puede morir en paz y reunirse con su padre en otro lado Esta es la ópera más arriesgada de Srauss, gran complicación armónica. De un tema literiario potente al que siempre suele sacarle jugo. Después de la opera comenzará una relación muy importante entre ambos. Hofmansthal pasa por aquel entonces por una crisis existencial, poeta muy brillante en su juventud en ese momento de adulto siente que no tiene nada más que decir, no sabe captar las coses, no se siente atraído por su poesia. Encuentra en la música de Strauss, una manera de inspirarse, le motiva. Strauss va encontrar en él a un guia intel·lectual. La relación es fructífera, compariteron una larga correspondència.
Strauss da un cambio radical. Fue muy criticado por los autoes de la segunda escuela de Viena. Regresión desde el punto de vista tonal, elabora una obra de tinte mozartiano, de espíritu buddo, tiene un color armónico muy interesante y personal però clásico.
En RosenKavalier , el estilo de
En el argunmento encontramos elementos historistes, el caballero es representado por una mezzo como en el Cherubino de Le Nozze, el tenor canta un aria muy breve en estilo italiano de linea belcantista, la orquesta no es grande ahí se ve también la intención mozartiana, la marisala representada por una soprano lírica equivale al personaje de la contesa... Revive los arquetipos de la comedía clàssica y de la tradición buffa. Se trata de una obra divertida pero que también te lleva a reflexionar sobre el paso del tiempo y la imposibilidad del amor. La Mariscala de 30 años, tiene un amante de 17 mientras vive un matrimonio estèril. El Chico jóven, Octavian, al se enamorarà de la prometida del Barón. La mariscala decidí ayudarle a que viva la experiencia que ella no a tenido. La orquestación es contemporània per recrea un espíritu Mozartiano, intenta recuperar las bodes de Figaro.El libreto se elabora en constante colaboración e intercambio con el compositor. El aria de tenor es muy exigente, a pesar de ser muy breve, se mueve por un registro
muy incomodo todo el tiempo. La escena en la que Octavian lleva la rosa de plata es muy colorista, se intentan reflejar el reflejo plateado de la rosa a través de una sonoridad pentatònica, colorista. Lleva a cabo un anacronismo histórico muy repetido, incluye el Waltz la danca del momento en la música cuando intenta revivir un el espiritu buffo del s.XVIII. Esto lo suele hacer, lo que le valío la critica de muchos. El trio final es espectacular.
La carrera de Strauss da un giro espectacular, de moderno a paradigma del conservadurismo.
Ariadna auf Naxos: una especie de Gentil
Homme, pero acaba siendo una obra metateatral. Dramaticamente es muy interesante. Combina comèdia del arte con tragèdia clàssica, la ópera se funde con la comèdia. Ariadna es abandonada y siente que no puede rehacer su vida, Servinetta, mienbro de una compañía teatral la anima diciendole que lo major que puede hacer es escoger a otro amante y pasar pàgina. Bacco se la acaba llevando, a pesar que ella no tenia intención de ser su amante. En la vida las situacions ocurren mediante equívocos, las persones y los caminos que uno acaba tomando llegan de forma no predeterminanda. Diferentes mundos se unen a través de la incomprensión. Servinetta tiene un aria en medio de la opera de coloratura con la que se representa la vanidad, superfialidad, lo cómico y ligero del personaje.También posee una orquestación pequeña, que hace guiño a una ambientación clàssica.
18/05/2016 ÓPERA DEL S.XX, AÑOS 20-30 Aparición del cine, cambia el perfil psicológico del público que va a escuchar ópera. Esta empieza a competir con el cine y otros entretenimientos y espectáculos emergentes. El concepto de mervelleux se piedene en parte en e cine. Este tiene más facilidad para llegar a la gente y pasa a ganar gran espectacularidad y realismo, eclipsando a la opera. Se lleva a la masa, la nueva classe social del s.XX industrializado. Es la época gloriosa de los espectáculos del paral·lel, la Zarzuela, el bulevar, el cafèconcierto... Todos estos espectáculos también acaban haciendole competència a la opera, se se empieza a convertir en un espectáculo anticuado y elitista, de clases elevades. La classe media acaba en otos teatres. Esto causa una importante crisis y una sèrie de preguntes a los compositores del genero: cual es el espacio de la ópera, qué posibilidades tiene en realidad el genero? Qué le hace diferente? En este momento se produce la ruptura entre los dodecafonistas y el público. Hay una gran sensación de pérdida. Se empiezan a representar títulos antiguos, algo que no había ocurrido nunca. Debido a la falta de demanda de música con nuevas técnicas. La ópera había sido un espectáculo en la época de grandes conservadores, Veristas, Strauss... Ante esta situación se desarrolla el teatro alternativo en ciudades como Berlín, todas las novedades artísticas se cuecen allí y se extienden al reasto de Europa. Empiezan a emergir espaciones pequeños en los que se puede desarrollar la nuevas composiciones, puesto que los grandes teatres se cierran a estas.
En estos espacios se empeza a desarrollar la Zeit oper, concepto con el que se designava a las opera del tiempo, aquelles que intentaban conectar con el ambiente de la época y nuevas músicas emergentes, con la modernidad immediata El aire innovador dodecafonista se plasma en Erwatung, op. 17 de Arnold Schönberg. Consiste en un monologo que evita a toda costa la gesticulación romàntica, en ella se da un estilo de recitativo nuevo y distaciado del sentimentalesmo decimonónico, el Sprechgesang. En el monologo, una mujer espera en un bosque a su amante, que al final nunca llega porque està muerto. En la obra se reducen a la mínima expresión los elementos que participal. Era muy dificl realitzar grandes produccions y nuevas, por su gran coste y el escaso interès de los grandes teatres en promocionr esto proyectos. Interesante tambén su Moisés y Arón. Otra muestra de las llamadas Zeit oper es Wozzeck de Alban Berg. Estas son una versión nueva de la situación en la que se desarrolló el teatro buffo. El argumento gira en torno deun soldado con el que que los médicos experimentan durante la guerra, acaba loco y comete violencia de género. Alban Berg, hace muy bien la elección del tema. Es una l iteraturoper, toma directamente una obra de teatro bastante torbulenta del s.XIX sin adaptar un libreto.. Cada una de las escenas responde a un movimiento musical, como si fuera una suite (una sonata, un largo, un scherzo...). Evita la emotividad, a través de la música angustiosa, busca un distanciamiento del romanticismo. Tensión dramática muy en sintonía con el dramatismo operístico. También destaca Lulú, como ejemplo de literatur oper, está protagonizada por una mujer de moral distraída que muere en manos de Jack el destripador , es muy inverosímil.
Hindemith asesinato en clave de comedia. Aunque este no se adhiere al dodecafonismo como los anteriores, cultiva un estilo moderno e individual y compone esta obra experimental, que constituye un palíndromo. Parodia el cine, dura 10 o 12 minutos.Narra un asesinato y luego lo retrograda todo desde el final al principio. Pasa la acción y después hace el retroceso en el tiempo. Los movimientos y la voz van hacia atrás.
Hin und Zurück de
Ernst Krenek - Muy popular en su époc, aire de músicas del momento, repeticivo, innovación.
Jonny Spielt de
Otro ejemplo de Zeitoper, son las operas de Kurt Weil a partir de los textos de Bertolt Brech, de carácter político y crítca social. Robar un banco es un delito, pero más delito es fundarlo. Die Dreigroschenoper (1923) y Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny Moritat von Mackie Messer
(1930). Die
Se caracterizan por su técnica teatral de alejamiento, no se identifica con las historias llaman a la reflexión no a la emoción. Son de gran sencillez armónica, intento de
alejamiento operístico. El resto de sus obras tienen menos carga social a partir de su emigración a los EEUU, época en la que acaba su relación con Brecht. De entre su producción americana destaca Strites sehn , que tiene mucho de musical y refleja un verismo real. Está ambientada en un barrio de Brookling, argumento muy actual, describe la situación económica, la alienación. Se integra en la realidad. Disociación entre el público que quiere ir al molino y asocializar y el burgués que quiere reflexionar. Por otro lado está la ópera que conecta con lo fantástico y lo onírico . Algunos compositores escojen argumentos fantásticos. No tiene carga social.. Busca excusas para poner los elementos operísticos, así justifican que los cantantes cantint de manera operística. El amor de las tres naranjas de Prokovief. En francés, situación irreal que imita al
canto. La zorrito astuta de Janacek L’enfant et les sortilèges de Ravel. El canto operístico tan fuera de la realidad encuentra
el momento idóneo para desarrollarse en est tipo de situaciones dramáticas que lo justifican. El Segreto di Susanna, Ernando Wolf Ferrari mirada al pasado. Intermezzo. Hombre
que sospecha que su mujer le es infiel pero en realidad lo que le oculta es su adicción por el tabaco, él cree que huele a hombre pero en realidad ella fuma. A final acaba bien y él empieza a fumar junto a ella. Tema muy actual, pero mira al pasado, la opera tiene un estilo bastante tradicional.
23/05/2016
ÓPERA S.XX, años 50- 90 Conflicto: la ópera se ve desplazada por los nuevos entretenimientos de masas, el cine. El espectáculo convencional adopta nuevas técnicas contemporáneas. En el s.XX comiencia el problema con la música atonal y dodecafónica que rompe con las convenciones de un espectáculo muy previsible. Es difícil encontrar a alguien acostumbrado a las convenciones que a la vez sepa jugar con este nuevo lenguaje.
Benjamin Britten tiene gran habilidad para combinar convención con nuevas técncias. Era visto en su época como un señor clásico aunque las incluye dentro de su lenguaje, no es que no sea moderno, si no que más bien tiene necesidad de integrar recursos del pasado en el presente.
Peter Grimes va a ser su obra maestra. En su obra uno de los temas que vemos reflejados esla homosexualidad encubierta de su propia vida. El tema en muchas de sus óperas aparece de forma ambigua. Peter Grimes es un pescador que tiene un aprendiz que se va a pescar con él, estos siempre acaban muriendo. De alguna manera siempre está latente el conflicto entre un ser inadaptado y la sociedad.
Peter Pears su pareja tiene una relación a la antigua con él. Britten compone para él como protagonista en casi todas sus óperas, se reestablece la convención del compositor que se adapta a la voz del intérprete en este caso. Melville (Moby Dick) trata sobre el conflicto amoroso en la relación tortuosa entre un marinero y el capitán.
Billy Budd , obra de los hermanos
Gloriana trata sobre Isabel I de Inlaterra, la reina que nunca se casaría. The Turn of the Screw , traducido como otra vuelta de tuerca, es una de sus obras
maestras. Se basa en una novela de Henry James, una novela de fantasmas. Se ambienta en un espacio fantástico idóneo para desarrollar el canto, fuera de la realidad. Frente al realismo del cine, el canto pasa a justificarse en situaciones irreales. Una institutriz va a la cuidad a cuidar de unos niños sin conocer al tutor en ningún momento. Cuando llega a la casa se encuentra con que los niños ven a los fantasmas del antiguo mayordomo y ama de llaves. De las dos parejas, la que tiene una relación interesante y ambigua es el niño y el Mayordomo. El fantasma es protagonizado por Peter Pears. En la Intenta integrar muchos elementos del mundo cotemporáneo. Teatral y musicalmente compleja. Reconcilia las convenciones del pasado con el lenguaje contemporáneo. Tiene una estructura muy clara, en la que exhibe el dominio técnico, cada escena está en un tono diferente. Estas acaban guardando gran simetría. “Pròleg” de The Turn of the Screw . Tenor amb piano (instrument victorià per
excel•lència). Apareix el tema de dotze notes.Tiene un tema serial que aparece a lo larga de toda la obra, 12 notas de carácter cromático. Es el leivmotiv del tema Malo. Audició: “La lliçó de Llatí ”. Els instruments van tocant a mode de fuga. Juga amb la ambigüetat. Cançó de “Malo ”. Component d’explicar, o no explicar... es veu que a Britten li agradaven els nens (sexualment parlant). És una òpera de cambra, però amb molts espectes de mervelleux, ja que ha d’apareixer el fanstama i s’ha de veure un fantasma. La orquestració està formada per instruments solistes. També hi ha molta percussió per donar un element fantasmagòric, com també la celesta.
Destacamos por último su Muerte en Venecia, de la novela homónima de Thomas Mann. Reflexiones atisticas y tema de la homosexualidad. Un hombre se enamóra del adolescente apolíneo.També hi ha ballet. Escena de la gondola, símil amb el mite de Caront. L’estat de somni també és una convenció de l’òpera. Britten juga molt bé les cartes de les convencions. No és tan modern com els compositors contemporanis a Britten, però també juga al mateix terreny. És ambigu musicalment parlant, com sexualment. Otro compositor que sabe reconciliar lo contemporáneo con la convención tradicional es F. Poulenc. También es homosexual aunque el tema no es tan recurrente en su obra como en la de Britten. Es un personaje ecléctico y de amplios contrastes. Entre sus obras destaca La voix humaine (1958) Con libreto de Jeran Cocteau, monólogo durísimo de una mujer abandonada por el amante. Solo escucha lo que le dice ella a través del teléfono. La estrena la cantante fetiche de Pulenc, Denise Duval, aunque en un principio el papel iba a ser protagonizado por María Callas. Las tetas de Tiresias, es en cambio una obra
surrealista divertidísima, parodia de la
maternidad Dialogos de Carmelitasescena final. Obra de George Bernanos, genial per a
l’òpera de
Francis Poulenc. El principal problema de la ópera contemporánea es el aspecto económico. Las producciones son caras, y el público es relativamente bajo.
Operista: Independement del discurso contemporáneo se quiere hacer una ópera, porque aquello que se quiere explicar el mejor camino para hacerlo es la ópera, porque lo explica mejor. El género implica jugar con el pasado, jugar con las tradiciones para reír, ironizar, una constante del s. XX. “ Le Grand Macabro” de Ligeti. 1977 Tiene un componente que sólo la puede hacer una ópera = espectacular, surrealista, pero con la maquinaria (concepto) de Lully. La ópera conecta muy bien con las nuevas tendencias artísticas. Así se recuperan autores olvidados, como Händel, o Donizetti... Don i zetti Renassance (años 60), movimiento que recupera raíz de la necesidad de encontrar nuevos repertorios (o bien mirando adelante, o bien mirando al pasado). Rossi ni Renassance (1970), el mismo pasa. En el siglo XX también se recupera las óperas de Mozart. Hay toda una recuperación de un repertorio que hasta aquel momento era impensable. Actualmente el repertorio de ópera es inmenso, no había agudo nunca tanto de repertorio activo. A partir de los 60 y 70, la ópera empieza a ser interesante por directores de teatro muy importantes. Todo el mundo se suma. Ahora el que tocaría hacer es la recuperación de
