HISTORIA DE LA MODA
25-11-2009
Índice
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Origen de la moda como práctica social Origen de la ropa y los complementos Origen de la ropa y los complementos Costumbres de ayer y hoy Historia del traje de baño Historia de la moda Hip Hop Historia de la moda Gótica El diseñador Max Chaoul El diseñador Mariano Fortuny El diseñador Giorgie Armani El diseñador Mainbocher El diseñador Christian Dior El diseñador Karl Lagerfeld El diseñador Tom Ford El diseñador Yves Saint Laurent
Origen de la moda como práctica social
Principalmente me centraré en la etapa postmoderna y contemporánea de la moda y en la concepción que se tiene de este fenómeno en la sociedad actual, para abordar este tema desde un punto de vista más interno es necesario recurrir a sus orígenes y trayectoria o evolución a lo largo de los tiempos. La moda, a nivel más global, se ha convertido en un factor definitorio de la cultura de cada país y de la modernidad, entendida como un movimiento histórico, cultural y conceptual cuyo nacimiento se debe, sobre todo, al nacimiento de la sociedad burguesa. Por este motivo, y como la modernidad no es un hecho global a todas las culturas, la moda tampoco es un fenómeno que se da en todas las épocas ni en todas las civilizaciones, no es consustancial a la sociedad y es siempre un proceso ornamental y artificial, por eso podemos localizar un inicio. Pero, ¿qué es la moda?. Podemos definirla como un sistema de signos que se caracteriza por una constante transformación; de hecho, no existe la moda sin cambio, es efímera. Surge cuando determinadas clases sociales, evidentemente las clases privilegiadas de la sociedad, tienen como tendencia la renovación de las formas de su vestuario. A partir de este momento, la indumentaria se convierte en el escenario privilegiado de las transformaciones y cambios producidos a lo largo de las épocas, trascendiendo incluso de las prendas textiles a objetos, mobiliario, complementos, lenguaje, gustos e incluso ideas filosóficas. En esta primera etapa de aparición, la moda funciona en grupos restringidos de la sociedad en los cuales los aristócratas se llevan toda la responsabilidad y monopolizan todo el poder de creación. Ya en esta época, por tanto, la moda actúa como un elemento transmisor al poder de la aristocracia para exaltar su poder, riqueza y distinción mediante signos de artificialidad con la que pretenden resaltar o hacer más visible su condición de clase poderosa. Origen de la ropa y los complementos
El hombre es el único animal racional, y no sabemos si esa será la explicación de que sea el único que se viste. Desde el principio de los tiempos hasta nuestros días, su vestimenta ha sufrido numerosas transformaciones que en la mayoría de los casos han sido debidas al descubrimiento de nuevos tejidos y materiales e, indudablemente, a las tendencias que dictan los diseñadores y la moda en general. Bolso: Usado por los romanos, que lo llamaban bursa, en el siglo I a. de C., era una simple bolsa. Con el paso del tiempo fue convirtida en un accesorio exclusivamente femenino. Tras la Segunda Guerra Mundial, cuando la mujer comenzó a incorporarse al mundo laboral, se pusieron de moda las bandoleras para tener libres las mano. Botones: Utilizado desde la prehistoria pero fabricado en serie desde le siglo XII. Siempre presente en el vestuario masculino. Durante la Edad Media eran de cuerno o de cristal. Perdieron su rigor útil y ganaron en estética cuando la alta costura lo feminizó y a partir de 1930. Resinas sintéticas fueron las culpables de poder fabricar botones de cualquier forma y color más insospechados. Blusa: En el siglo XV a. de C. las mujeres ya utilizaban blusas ceñidas con un cinturón. Durante varios siglos fue la prenda de las campesinas, y en este siglo se relevó por otra más ligera para acompañar a los primeros trajes femeninos. La aparecieron de las blusas escotadas, en 1913, hizo que se llamasen camisas de neumonía. Bragueta: Inventada en Francia en el siglo XV, originalmente no llevaba botones; se trataba de un triángulo de tela que se ataba con un lazo y que servía para guardar las monedas. Calzoncillos: Hasta 1920 los hombres los llevaban largos. En el año 1939 nació el slip en Estados Unidos. Curiosamente, el 70 por 100 son comprados por mujeres. Camisa: Creada por los griegos en el siglo V a. de C. Desde entonces sus formas, tejidos y colores han ido cambiando constantemente. Fue la prenda de los proletarios durante muchos tiempo, por lo que los burgueses la ocultaban, pero actualmente su uso está asociado a la respetabilidad y la elegancia. Como curiosidad, IBM obligó a sus empleados llevar siempre camisa blanca como símbolo de la honestidad de la compañía. Corbata: Su origen se encuentra en 1668, cuando Luis XIV hizo llegar a Francia un regimiento de tropas mercenarias croatas que transportaban una tira alrededor del cuello. A los franceses les gustó y continuaron esa moda integrándola en su vestuario; dos siglos después, los dandis ingleses crearon el nudo. Símbolo de la respetabilidad burguesa hasta los años cincuenta del siglo XX, después eclipsada por los jerséis de cuello vuelto, pero en la década de los ochenta volvió con todo su esplendor. En la actualidad 600 millones de hombres se la anudan diariamente. Chaleco: También surgió bajo el reinado de Luis XIV. En sus comienzos llevaba encajes con escenas inspiradas en la actualidad política y social del momento. Tras decaer su uso en los años cuarenta, la moda a finales de los ochenta regresó tímidamente. Chaqueta: Nació en el siglo XVIII en Francia como una prenda para montar a caballo, de ahí la raja situada en la espalda. En 1860, Napoleón III la hizo más sobria, y en los años cincuenta los modistos la liberaron de la rigidez de su corte inicial. Falda: La primera falda, de piel, pareció hace ya 600.000 años y desde entonces esta prenda nunca ha abandonado a la mujer. En el año 1915 la moda enseñó los tobillos femeninos, pero la auténtica revolución llegó en 1965 gracias a Mary Quant, con el lanzamiento de la minifalda.
Foulard: Con una finalidad función higiénica en sus orígenes, servía también para protegerse del frío. Durante el imperio bizantino alcanzó una finalidad estética y eran lucidos sobre el hombro o el brazo izquierdo. Durante la Edad Media, su color reflejaba la condición social de quien lo llevaba. En la época del Renacimiento las italianas lo utilizaban como un objeto exclusivamente ornamental y comenzaron a ser muy estimados los que estaban confeccionados en seda. Guantes: Los mitones, primera prenda para proteger las manos del frío, apareció en el norte de Europa hace diez mil años. En las pirámides egipcias se encontraron los primeros guantes, cuya finalidad era, fundamentalmente, estética. En su origen eran un accesorio dedicado al mundo masculino, pero más tarde fueron imprescindibles para el femenino ya que hasta el siglo XIX una mujer decente nunca salía a la calle sin llevar guantes puestos. Medias: Las mujeres las usan desde el siglo XVI. Eran de lana o seda hasta la invención del nylon, en 1939. En 1968 llegó un duro rival con los leotardos confeccionados en nuevos materiales, como lycra y poliamida. Pantalón: Su nombre se le atribuye a San Pantaleón, médico, mártir del siglo IV y patrón de Venecia. Ya hace 4.000 años los nómadas de Centroeuropa llevaban bombachos atados a la cintura. Pero el pantalón, tal y como lo conocemos hoy en día, apareció en 1830. Y en 1860 se creo el vaquero o jean por el bávaro emigrado Levi Strauss, en San Francisco, durante la fiebre del oro. Paraguas: Su uso comenzó a realizarse en Mesopotamia hace 3.400 años como parasol. Y en la antigua Grecia las mujeres ya lo usaban para resguardarse de la lluvia. Los hombres lo empezaron a utilizar en el siglo XVIII. Sujetador: Las primeras en utilizarlo fueron las mujeres cretenses unos 1.700 años a. de C. Pero el sujetador, tal y como lo conocemos hoy, es reciente; nació en 1914 pero su uso se generalizó en los años cincuenta. Después, con la influencia del movimiento beatnik y la moda de lo natural, tuvo cierto retroceso, recuperado en los últimos años, para convertirse convertido en la estrella de la lencería femenina. Últimamente ha habido innovaciones con de esta prenda como el Wonderbra. Traje de chaqueta: Inventado por un sastre inglés en París en 1881 y en 1914 se convirtió en el uniforme urbano de las mujeres. En 1954 Coco Chanel creó un modelo idóneo para todas las situaciones, con lo que se convirtió en la versión masculina. Zapatos: Unas sandalias de papiro en Egipto y que datan del 2000 a. de C. son el antecedente encontrado más remoto. Los primeros zapatos como tales son unos de tipo mocasín hallados en Babilonia que tienen una antigüedad de 3.600 años. Innovaciones de la moda en 80 años: 1914: Llega el primer sujetador. 1934: Se comercializa el slip masculino. 1939: Comercialización del nylon. 1939: La mujer comienza a usar pantalón. 1955: El jean causa furor en Europa. 1959: Du Pont de Nemours inventa la lycra. 1965: La minifalda enseña la rodilla. 1975: Moda punk. 1980: Se crea la moda yuppy. 1985: Auge de la moda interior. 1989: Los japoneses inventan la microfibra. 1994: Aparecen las prendas vivas. 2000: Llega la ropa inteligente. COSTUMBRES DE AYER Y HOY
Peinetas, miriñaques, corset, amplios vestidos, abanicos, chalequillos, calzones cortos, casacas y coletas, todos aspectos de la moda colonial utilizados como símbolo de diferenciación social, alejar el cuerpo de posibles roces espurios condenados públicamente o para adaptarse a los rígidos patrones costumbristas fijados por el calendario eclesiástico. Una estética renovada de los vestidos se da a mediados del siglo XIX y las piernas comienzan a ser mostradas recién a comienzos del siglo XX, ni que hablar de la revolución de los años 60” con las minifaldas condenadas por algunos retrógrados y glorificada por una generación que pretendía liberarse de tantas ataduras. En el siglo XIX los colores oscuros eran los que prevalecían; el blanco, gris y el negro –como sinónimo de dignidad, austeridad, sobriedad y pureza- por sobre todo, se reservaba para las clases mas pudientes los colores brillantes como el púrpura, pero durante mucho tiempo predominó la sencillez sobre la excentricidad y los tonos sombríos. Las vestimentas debían reflejar una estética del autocontrol y el ocultamiento de la silueta de los cuerpos con pesadas y gruesas telas, abanicos, guantes, etc. Para las mujeres primaban los códigos éticos ligados a la pulcritud, el encanto y la discreción. Cuando el General Belgrano ordenó cortar las coletas a los patricios –acontecimiento conocido como el motín de las trenzas-, se impuso entre los jóvenes el uso del pelo rebajado y el reemplazo de los calzones cortos por las botas de campaña. El clavel estaba de moda, junto al velo y las mantillas andaluzas o francesas, para las reuniones las enaguas eran de tafetán de varios colores y ricamente decoradas con encajes, las medias de seda con bordados amarillos, las chaquetas de terciopelo muy armada y con botones o lazos largos. Las mujeres populares impusieron la moda del llamado rebozo –prenda de bayeta con mucha frisa y de color uva-. Los trajes de iglesia eran de seda negra con medias blancas y medias de satén. Mariquita Sanchez nos ilustra sobre muchas de éstas costumbres: Según su opinión los géneros mas baratos no llamaban la atención ya que eran ordinarios pero eran muy comunes ya que en la mayoría de los casos no había otra cosa que ponerse, la gente pobre usaba una bayeta -picote cordobesa- muy ordinaria, de color blanco y que solía teñirse para vestir a los criados, sus relatos sobre los invasores ingleses son mas detallistas: “…En la calle, siempre de basquiña, éstas eran a lo más de dos varas, por lo regular de vara y media era todo el ancho pues se llamaban medio paso, todo el pliegue recogido atrás, de largo al tobillo. Para que no se levantase, se les ponía de guarnición, una hilera de municiones, que se achataba con un martillo y esto se ocultaba con el ruedo. De modo que marcaba todas las formas, como si estuvieran desnudas, a lo que se agregaba dos o tres flecos o una red de borlitas que acababan en picos, con una borla en cada uno de ellos. Debían verse las enaguas, había lujo de encajes y bordados y bordados. Los brazos desnudos, en todo tiempo, y escote, una mantilla de blonda y un aire, que se llamaba gracioso, de cabeza levantada que ahora se diría insolente y todas eran muy inocentes…”. Me pregunto como hubiera sido la descripción de Mariquita sobre las tropas nepalesas – los mercenarios gurkas-, que portaban sus cuchillos corvos para asesinar a nuestros valientes soldados en Malvinas… escrito por: Licenciado Diego Abel Sánchez
Historia del traje de baño
El traje de baño ha sufrido una gran evolución a lo largo del tiempo, del vestido de baño de seis piezas del siglo XIX, pasando por el bikini de los años cuarenta y el monokini reivindicador de los setenta, hasta el más audaz y provocativo de los de hoy en día. Las playas son los terrenos sociales en los que se llevan a cabo estos juegos de seducción y exhibición o de vestido desvestido que establecen a los veraneantes como autenticos objetos de deseo. Pretexto de desnudez o accesorio de moda, el traje de baño nos ayuda a ejercer esa libertad nueva tan de moda en el siglo XIX. SUS COMIENZOS Desde la antigüedad el hombre ha asociado la limpieza y la higiene con actos mágicos o religiosos, ha buscado en el agua la fuente de la belleza o simplemente un instante de relajación... - El primer traje de baño, fue un taparrabos velado que utilizó una cortesana egipcia, de nombre Tais, para darse un chapuzón junto con Alejandro Magno y todo su ejercito, estando todos los hombres en cuestión desnudos. - En tiempos de Griegos y Romanos se crearon baños y termas, edificios de grandes dimensiones dedicados al aseo y al desarrollo de la vida pública. Además, en estos recintos se podían practicar ejercicios como la natación, o recibir masajes con aceites especiales. Tenemos conocimiento de la existencia de este tipo de instalaciones también en Egipto, en la ciudad de Tell el amarna, o en el palacio de Knosos, en la isla de Creta. - Unos mosaicos del siglo IV de la villa siciliana de Plazza Amerina representan a diez jóvenes de familias acomodadas bañandose en una piscina, jugando a juegos de pelota o practicando ejercicios físicos con un traje de dos piezas: calzón y banda sostén (llamado strophium) no podemos estar seguros de si estos atuendos cotidianos habían sido creados especialmente para el disfrute de juegos náuticos. La gracia de los movimientos corporales de estas figuras hace pensar que se trata de una exhibición coreográfica. Desde la Edad Media hasta finales del siglo XV la gente se bañaba desnuda, siendo este un hecho bastante inusual, ya que la limpieza corporal perdió toda su importancia, al ser considerada más importante la limpieza de espíritu, esta desaprobación de la higiene fue la causante de que se produjeran gran cantidad de enfermedades e infecciones, llegando a ser cerrados los baños por epidemia de sífilis. Solo subsistieron los baños terapéuticos, como las termas de Pozzuoli en Italia o las de Baden en Suiza, estas termas estaban frecuentadas por mujeres adineradas que acudían a curarse de sus enfermedades ataviadas con una especie de camisa muy corta y escotada, los hombres vestían calzoncillos o un albornoz cruzado. La gente que carecía de medios económicos para ir a estos edificios se conformaba con bañarse en el mar o en el río que atravesase su ciudad de residencia. - Con la Reforma protestante, los paises holandeses se alzaron contra las exhibiciones en público, y visto que la gente no obedecía a estos mandatos terminaron prohibiendo el baño. - En el siglo XVII, Madame de Maintenon consiguió que los parisinos no se privaran del espectáculo que suponía ver a las jóvenes bañistas a lorillas del Sena, en tanto que los caballeros seguían el ejemplo de soberanos como Enrique IV o Luis XVI, y preferían bañarse en las orillas de la aún no contaminada Ille de France. El traje de baño de las fiestas campestres era una camisa de baño, la cual guardaba las apariencias, al menos mientras no se entrase en el agua. - En el periodo revolucionario antes del siglo XVIII, resultaba muy tentador para los nudistas el darse un baño en un río, las repetidas ordenes y prohibiciones policiales llevaron a más de uno a ser incluso azotado al ser detenido en pleno chapuzón. Al final, se optó por crear unos baños públicos controlados, en los cuales se colocaban una especie de barreños de tela agujereada que se introducían en los ríos.
HISTORIA DE LA MODA HIPPIE HINDU Y RETRO 1960-1980
Los 60's fueron años en que la juventud reclamó su intervención y se posicionó de un espacio que antes les estaba prohibido. La liberación fue producto de una serie de cambios económicos, políticos y sociales, pero fue la música la que principalmente libertó las mentalidades juveniles reprimidas durante tanto tiempo. Fueron años de diversión y de una constante búsqueda de identidad. La siguiente década empezó con la entrada del crecimiento de esta generación que de a poco fue perdiendo el resplandor de años anteriores. Esta tranquilidad se reflejó en un regreso hacia la naturaleza y la utilización de materiales nobles y sencillos como el algodón y la lana. En ese momento se produjo un furor hacia lo "retro". El no estar conformes con un mundo lleno de conflictos y ambiciones conflictivo los llevó a mirar hacia oriente, específicamente hacia la India y su religión el Hindú. Numerosos artistas como The Beatles y Jane Fonda entre otros, profesaron este culto y lo expandieron por occidente, de cuya experiencia se extrajo una moda que más que una manera de vestir, fue todo un movimiento social: el Power Flower Hippie. Asentados en la ciudad estadounidense de San Francisco, los jóvenes vivían en comunas, consumían comida macrobiótica y fumaban sin restricciones marihuana. Bajo esta forma de vida nacieron los clásicos "patas de elefante", las camisas hindú, el pelo largo y un pacifismo cuyo principal centro de ataque era la Guerra de Vietnam y el gobierno norteamericano. La música también jugó un papel fundamental. La experimentación y los sonidos más radicales y disonantes de artistas como Janis Joplin, Jimmy Hendrix y el destructivo Jim Morrison, hacían enloquecer a las drogadas masas y se transformaron en mitos vivientes de toda esta generación. Entre tanto las flores, símbolo de la época, se usaban en la ropa, en el pelo y representaban la ideología ilusoria que los guiaba en la llamada "Revolución de las Flores" En el transcurso de estos años se mostraron dos polos bien concretos de jóvenes: aquellos que sólo querían divertirse y aquellos que buscaban una participación activa en el país. Estos últimos participaban en movimientos estudiantiles y políticos y aspiraban a lograr un verdadero cambio social, profundo y comprometido. A diferencia de las épocas anteriores en las que existía una supremacía mundial en cuanto a moda y actitud, esta realidad correspondía principalmente a la latinoamericana en general y a la chilena en particular. A esto se sumó la creciente popularidad del feminismo, que implicó en una marcada masculinización de la vestimenta. Las mujeres buscaban la comodidad más que la belleza y la ropa ya no tenía sexo, eran prendas unisex. El pelo tampoco era ya un signo de distinción; caminando de espalda, muchos hombres parecían mujeres de eternas cabelleras. Ya entrados los años 70's se desató una diversidad de formas y estilos. Como en toda época, una parte del cuerpo femenino llamaba la atención por sobre el resto y los trajes y vestidos se encargaban de resaltarla. Esta vez fue el turno de las nalgas, las que se lucían con ajustados pantalones. El ser enormemente delgada, sin pechos ni caderas prominentes, eran la herencia dejada por el culto a una belleza anoréxica cuya principal exponente fue la modelo inglesa Twiggy. Ya a finales de la década, la llegada de los brillos y bailes de "Fiebre de Sábado por la noche", transportó la vida hacia las horas nocturnas. La diversión, la música con ciertos toques electrónicos, las discoteques y las luces hiperkinéticas hicieron de la moda una fiesta. El algodón fue destronado como rey por la lycra y se dio paso a las botas y zapatones de tacón tipo sueco, con una altura exagerada. La sencillez del maquillaje y el pelo lacio y suelto, se transformó en una producción multicolor y estrafalaria de estilos y formas más complejos y despampanantes. El pelo crespo y voluminoso tipo Donna Summer y el de Farrah Facewtt moldeado con rollos y laca, guiaban la estética mientras la música "disco" de grupos como "ABBA", "K.C and The Sunshine Band" y Gloria Gaynor entre otros, hacían estremecerse a una generación que quería pasarlo bien. Proviniendo de este estilo, nació una corriente que fusionó los colores de ésta con el la inadaptación de los primeros años. Fue así como a principios de los 80's el "Punk" invadió en las calles de Gran Bretaña. Representantes del anarquismo en su propuesta estética y musical, rompieron con una moda "políticamente correcta" y sacaron a relucir artículos y peinados con un marcado significado violentista y anti-monárquico. Un poco después, los colores fuertes, los estampados y las hombreras gigantes pusieron de moda los "excesos". Todo era rebuscado; los peinados y la superposición de prendas rodeadas por un grueso cinturón, llevaron la moda a su peor momento histórico.
HIP HOP
En los ’90s y antes, muchos de los artistas de Hip Hop y los ejecutivos empezaron sus propias lineas de Ropa de Hip Hop y de moda. Ejemplos notables de esta tendencia incluyen a Wu-Tang Clan con Wu-Wear, Russell Simmons con Phat Farm, Kimora Lee Simmons con Baby Phat, Diddy con Sean John, T.I. con AKOO, Apple Bottom Jeans de Nelly, Damon Dash y Jay-Z con Rocawear, 50 Cent con G-Unit Clothing, Eminem con Shady Limited, Tupac con Makaveli y OutKast con OutKast Clothing. Otras prominentes compañias de Ropa de Hip Hop y empresas que diseñan para esta moda Hip Hop, incluyen a Karl Kani, FUBU, Eckō, Dickies, Girbaud, Enyce, Famous Stars and Straps, Bape, LRG, Timberland Boots, y Akademiks. Hoy en dia, la Ropa de Hip Hop es producida por populares y exitosos diseñadores. La moda y la Ropa de Hip Hop es usada por un porcentaje significativo de jovenes alrededor de todo el mundo, con un importante numero de vendedores dedicados exclusivamente a la Ropa de Hip Hop. Ademas son cada vez mas los sitios de internet dedicados a vender Zapatillas y Ropa de Hip Hop dificil de encontrar.
GÓTICOS
La moda gótica es un estilo de ropa que usan los seguidores de la subcultura gótica, un estilo oscuro, a veces morboso y erotizado. La ropa es generalmente negra, así como el pelo, y los labios brillantes. Tanto mujeres como hombres góticos a veces usan delineador de ojos y uñas oscuras. Los estilos son muchas veces tomados de los punks, victorianos e isabelinos. Algunos diseñadores de alta costura, en particular Alexander McQueen y John Galliano, se han inspirado en la estética gótica. Este estilo surgió a mediados de los años 80, acompañando al rock gótico. Palidez mortal, pelo negro, camisas con volantes, sombreros de copa, prendas de vestir de cuero, accesorios de joyería religioso, mágico o macabro (pendientes de hueso, rosario, cráneos, etc), normalmente hechos de plata, botas de cuero negro. Las mujeres en particular usan maquillaje de bruja, encajes, medias de rejilla, cuero rojo o púrpura, corsés, guantes, tacones aguja y joyas de plata que representan generalmente temas religiosos y ocultismo. Los góticos surgen como una forma de protesta contra la era disco de los años 70 y principios de los 80, y los colores pastel y extravagancias de los 80. El aspecto gótico de ropa oscura, volantes en los puños, maquillaje pálido y cabello teñido de negro son una versión moderna de finales del período victoriano que a veces se confunde con el estilo heavy metal.
Las estrellas con mayor encanto van de compras a las tiendas de Lyon y de París, donde pueden comprarse los trajes de novia y de vestir del mejor creador actual, el lionés Max Chaoul. Retrato de una historia coronada por el éxito... Hace más de treinta años, sin ánimo de ofender, que Max Chaoul está a la cabeza de la moda de Lyon. Incluso ha formado a alumnos suyos, entre los cuales un tal Nicolas Fafiotte, que le sigue los pasos muy de cerca, haciendo honor al buen nombre de la moda de Lyon. Siendo aún muy joven, Max descubre que la costura es algo más que una herencia (ha nacido en un ambiente de talleres creativos), es un auténtico destino. Su éxito es fulgurante. Se forma a los veinte años con Agnès B., Nicole Farhi y Castelbajac, y en 1976 crea su propia firma, con el nombre de su musa, Clémentine, que le dará chispa a la creación lionesa y será la precursora que introduzca a la ciudad en la vía de la modernidad Años más tarde, sigue estando a su lado y se ocupa de la marca Max Chaoul Couture en París. Es ella, entre otros, comunicadora impenitente, la que le abre las puertas del mundo del cine. Hoy en día, en cuanto a trajes de novia, no hay nadie como Max Chaoul. Ha recibido muchísimos premios en todo el mundo, en 2000, en Venecia, como Mejor Creador de trajes de novia europeo; se le ha concedido cuatro veces el Wedding Trends Awards, en Nueva York; se le invita a los platós de televisión y es el preferido de las estrellas internacionales. Fiona Gélin, su Egeria personal, Corinne Touzet, que ha exhibido una de sus creaciones en tafetán de seda roja sobre la alfombra del Festival de Cannes, Keira Knihtley, la actriz británica en ascenso, Hélène Ségara, Laura Presgurvic y su vestuario realizado ex profeso para la comedia musical "Lo que el viento se llevó", Kylie Minogue y, muy recientemente, Beyonce Knowles. Pese a estar cubierto de honores en todo el mundo, Max Chaoul participa en todos los eventos que se celebran en Lyon. Apadrinará, por ejemplo, la operación "Creadores de Tendencia" en el Village des Créateurs, del 22 al 24 de marzo, y todas las chicas románticas sueñan con sus modelos para celebrar el día más bonito de su vida
Mariano Fortuny Aunque no era modisto consiguió crear el único vestido que se ha ganado un sitio en la historia: el Delfos, un traje de seda plisada inspirado en los chitones de la Antigua Grecia. Como el chitón, caía desde los hombros hasta los pies sin costuras que le dieran forma, relleno o tela recogida. El modelo, creado en 1907 fue calificado de inmediato por los entendidos de obra de arte. El Delfos era un vestido, que, sin mostrar nada, tampoco lo escondía y proporcionaba a la mujer la libertad de movimientos que anhelaba. Así, esta túnica se convirtió en el último grito entre las estrellas de la danza moderna, como Isadora Duncan o Martha Graham. Fortuny nació en Granada en el seno de una familia de artistas. Se consideraba únicamente pintor, aunque desarrolló talentos de lo más dispares. Fue ingeniero, fotógrafo, inventor, impresor, coleccionista y descubridor. Su interés por las telas y los colores le llevó a trabajar con terciopelos, sedas y a experimentar con las técnicas de estampado. Su primera creación fue el chal Knossos, una túnica de corte similar a un sari confeccionada con seda estampada. Este modelo fue usado entre otras por Mata Hari. El Delfos nació de un simple retal de seda que Fortuny consiguió plisar de forma permanente con un método secreto que todavía no ha logrado aclararse. Otro misterio lo constituyen los sutiles matices cromáticos de la tela. Todos estos detalles convirtieron al vestido de Fortuny en una pieza de museo
… se ha convertido en uno de los puntos de referencia fundamentales dentro del mundo de la moda. Y es que este hombre, definido por quienes le conocen como una persona culta, reservada y amigo de sus amigos, ha conseguido encarnar, como ningún otro diseñador, la moda made in Italy, proyectándola a nivel internacional a través de tiendas repartidas por todo el mundo. Giorgio Armani nació en 1934 en Piacenza, un pueblecito cercano a Milán, y aunque su fascinación por el cuerpo humano le llevó en un principio a interesarse por la Medicina, muy pronto cambió de idea para dedicarse a lo que le ha hecho famoso en el mundo entero: el diseño de ropa. Comenzó diseñando para Cerrutti y Hugo Boss, pero su gran aventura comenzó en 1975 junto a su buen amigo Sergio Galeotti, que le animó a abrir una pequeña tienda en Milán, desde donde se empeñó en recuperar una prenda como la chaqueta para convertirla en una seña de identidad de la Casa Armani. En 1980 vistió a Richard Gere en la película American Gigoló y en 1985 la revista Time le dedicó una portada, hechos que le abrirían de par en par la puerta del mercado de Estados Unidos. Clásico, minimalista, sexy, elegante y sencillo son los adjetivos que mejor definen su estilo y las cualidades que le han hecho ser uno de los modistos preferido por las estrellas de cine. Diane Keaton -una de sus musas preferidas-, Sofía Loren, Claudia Cardinale, Gwyneth Paltrow o Robert de Niro, Russell Crowe, Benicio del Toro, Joaquin Phoenix o el director Ang Lee son algunas de las estrellas que se han sentido fascinadas por su estilo, que se ha convertido ya en un clásico de Hollywood. Si se diera un dólar por cada esmoquin Armani que se ha lucido en la Meca del Cine, Giorgio Armani hace muchos años que habría sido multimillonario. Y es que el modisto italiano siempre ha mantenido una estrecha colaboración con el mundo del cine, hasta el punto de que ha diseñado el vestuario de películas como Los intocables de Elliot Ness (Brian de Palma, 1987), Belleza robada (Bertolucci, 1996) y Algo que recordar (Don Roos, 2000). Pero Armani no sólo viste el glamour de la Meca del cine, los equipos de fútbol de Italia e Inglaterra, así como el personal de las líneas aéreas de Alitalia, tienen el honor de llevar en sus uniformes el sello de este gran diseñador italiano. Conocido en el mundo de la moda como Maximus Armani, el emperador, ha inaugurado su propio teatro en Milán y se ha lanzado al mundo de la cosmética y a la producción de cine.
La moda de la época estuvo muy influenciada por un triunvirato, que por pura simpatía, convirtió la suma de sus nombres y apellidos en su marca: Mainbocher, Louiseboulanger y Augustabernard. Man Bocher se estableció en París como modisto en el año 1930 y, como muestra de respeto hacia Augustabernard y Louiseboulanger, se hizo llamar Mainbocher. Fue el primer modisto norteamericano que triunfó en París gracias a su estilo elegante y a la comodidad de sus creaciones. Antes de que estallara la guerra presentó modelos ajenos al momento histórico: cinturas de avispa, faldas anchas... un estilo precursor del New Look de Dior. Esta fue la última oportunidad para muchas mujeres de comprar ropa a medida ante la amenaza de la guerra. En 1940 Mainbocher abandonó París y abrió un salón en Nueva York, donde se mantuvo como rey indiscutible de la moda para la alta sociedad norteamericana durante treinta años.
(Granville, Francia, 1905-Montecatini, Italia, 1957) Modisto francés. Tras la quiebra de la empresa familiar, se convirtió en dibujante de modas para Agnès y Schiaparelli, de donde pasó a trabajar como diseñador de modelos en la casa Piguet. En 1947 fundó su propia firma de alta costura, que llevaba su nombre y que tenía su sede en París. Fue así como lanzó la moda de lo que se llamó el new look, vestidos de hombros estrechos y faldas hasta media pierna. Un año más tarde abrió una sucursal en Nueva York, lo que da prueba de su fulgurante éxito en el mundo de la moda, que le permitió consolidar su casa como una de las más prestigiosas de los últimos tiempos. A su muerte, con salones en 24 países, continuaron con su firma primero Yves Saint-Laurent y luego Marc Bohan, que supieron mantener la reputación del apellido.
Coleccionista, fotógrafo, diseñador de interiores e ícono de la moda, Karl Lagerfeld es el diseñador alemán con mayor prestigio. Sus creaciones como director creativo de Chanel son testimonio de su enorme talento. Desde 1983 se instaló en la casa Chanel donde por más de 20 años ha sido gestor de sus mayores aciertos. Con su inconfundible look, Lagerfeld ha conquistado las pasarelas más importantes del mundo y ha puesto su nombre en un pedestal entre lo clásico y lo moderno.
Tom Ford (27 de agosto de 1961 en Austin, Texas) es un diseñador de moda y director de cine norteamericano. Es considerado uno de los más famosos e influyentes diseñadores de la historia. Después de graduarse de la Escuela de Diseño Parsons en 1986, estudiando en un principio arquitectura, eligió trabajos de diseño con Cathy Hardwick y Perry Ellis. En 1990 el director creativo de Gucci, Dawn Mello lo reclutó para diseñar la ropa de mujeres de prêt-à-porter, y más tarde Ford continuó y se convirtió en el director en jefe de la firma. Para 1999 Ford había transformado a Gucci de un negocio casi en bancarrota a un imperio de la moda valuado en 4.300 millones de dólares. Cuando Gucci adquirió la casa de Yves Saint Laurent, Ford también fue nombrado director creativo de la marca. En el 2004 Ford dio un paso atrás en ambos puestos, con pláticas acerca de querer dirigir filmes. Abiertamente homosexual, Ford se considera a sí mismo casado con su amante gay de casi dos décadas, Richard Buckley (1948- ) un periodista de moda y estilo que renunció el 4 de febrero del 2005 a su puesto de editor en jefe de la revista "Vogue Hommes International". Ford ha mencionado en una entrevista que le gustaría tener hijos, pero que Buckley se opone a esa idea. Conocido por su interés en la arquitectura moderna, Ford ha encargado casas del arquitecto español Alberto Campo Baeza y el arquitecto japonés Tadao Ando.
Nacio en Argelia, un país del norte de África y viajó hacia Paris El 15 de noviembre de 1957 es nombrado diseñador jefe de la Casa Dior. A los 21 años se convierte en el gran diseñador más joven de mundo. Nacido en Argelia en 1936, llegó a París con 17 años dispuesto a comerse el mundo. Y pronto demostró que su empeño iba en serio, pues el mismísimo Christian Dior se rindió ante su talento al convertirlo en su mano derecha. Primero en la casa Dior, de la que fue director a la muerte del creador francés, y después con su propia marca, Yves Saint Laurent ha dado a luz creaciones como el traje pantalón, la sahariana, los shorts... Este gran modisto dio su último adiós a la moda en enero de 2002.
