El arte abstracto Nace de la necesidad del ser humano de expresar sentimientos y estado de animo que difícilmente puede representar de un modo figurativo. Esta presente desde el comienzo comienzo de los tiempos del arte pero no fue fue hasta el siglo xx cuando eclosiono dando lugar a una revolución dentro del mundo del arte.
El rayonismo Fundado por el pintor ruso mijail lanonov y nathalia goncharova en 1909 es un síntesis del cubismo, mezclado con el futurismo italiano y el orfismo. Su concepción pictórica era semejante a la futurista, no trata de objectos reconocibles sino los rayos de energía que estos emiten, lo que según larionov constituye la estructura del espacio. De hecho en moscu se conocía muy bien al grupo italiano. Visualmente las obras rayonistas son muy dinámicas los colores son como rayos perpendiculares o paralelas que faltan dentro del espacio de cuadro cruzándose y disolviéndose. El resultado es un conjunto completamente abstracto. El Rayonismo es un movimiento movimiento artístico artístico iniciado en Rusia en el Salón de la libre Esthétique Esthétique de Moscú, Moscú, en 1909, por Miguel Miguel Larionov y Natalia Goncharova, y profundizado en 1913. Es una síntesis de cubismo, cubismo, futurismo y orfismo. orfismo. Los “rayos de colores”, ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias, construyen el espacio pictórico. El cuadro debe parecer que flota en el tiempo y en el espacio, gracias a rayos de color paralelos y perpendiculares
Nathalia Goncharova Natalia Natalia Goncha Goncharov rova, a, autorr autorretr etrato ato con lilas lilas amaril amarillas las realiz realizado ado en 1907.N 1907.Nata atalia lia Sergeye Sergeyevna vna Goncha Goncharov rova a (en ruso ruso Наталь Натальяя Сергеевна Гончарова; 4 de junio de 1881 - 17 de octubre de 1962), fue una prominente pintora rusa del cubo-futurismo. Goncharova nació en el pueblo de Nagaevo, cerca de Tula, Rusia en 1881. Estudió escultura en la Academia de arte de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Fue inspirada por los aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlo en su propia obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a su marido Mikhail Larionov desarrolló el rayonismo. Fueron los padres del avant-garde ruso pre-revolucionario, organizando la exposición La cola del burro de 1912 y exponiendo con Der Blaue Reiter en Múnich el mismo año. La cola del burro fue concebido concebido como una ruptura ruptura intencional intencional contra el la influencia del arte Europeo y el establecimiento establecimiento de una escuela independiente rusa de arte moderno. Sin embargo, la influencia del futurismo ruso es evidente en las últimas obras de Goncharova. Inicialmente preocupada con los iconos y el primitivismo del arte folclórico ruso, Goncharova se hizo famosa en Rusia por su obra futurista, como El ciclista y sus trabajos rayonistas posteriores. Como líderes del Futurismo de Moscú, organizaron charlas provocativas al mismo modo que sus homólogos italianos. Goncharova también se había dedicado al diseño gráfico, habiendo escrito e ilustrado un libro en estilo futurista. Goncharova fue miembro del grupo avant-garde Der Blaue Reiter desde sus comienzos en 1911. En 1915 comenzó a diseñar trajes de ballet y decorados, en Ginebra. Se trasladó a París en 1921 donde diseñó varios decorados para los Ballets Russes de Sergei Diaghilev. Murió en París en 1962.
Natalia Goncharova, autorretrato con lilas amarillas realizado en 1907.
Jackson Pollock Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. Biografía: Jackson Pollock (1912-1956) ya desde sus inicios, con los dibujos de los años 1939 y 1940 traduce al lienzo el vocabulario de imágenes virtuales que todo individuo posee de forma inconsciente. El psicoanálisis de Jung y la obra de Picasso, un Picasso que Pollock conoce a través de la retrospectiva del MOMA de 1939, así como el descubrimiento del arte aborigen, en especial de la pintura de arena practicada por los indios norteamericanos, llevaron a Pollock a concebir la pintura como resultado de la experiencia vital del artista, casi como una radiografía del propio yo. No todo, sin embargo, era improvisación, rapidez. Después de una primera fase de automatismo, procedía a una fase de reflexión en busca de la coherencia y unidad que garantizaban la vida de la obra de arte. En todo el proceso creativo de Pollock, mucho más importante que las técnicas utilizadas, o incluso que el propio resultado, era el método de trabajo. El mismo Pollock ha descrito en más de una ocasión su peculiar manera de enfrentarse al cuadro; Pollock, por ejemplo, nunca trabajaba sobre el caballete, sino sobre el suelo, para poder así estar literalmente dentro de la pintura; además, eliminaba las herramientas típicas del pintor, como el caballete, la paleta y los pinceles, sustituyéndolos por varillas o cucharas, y usaba como material una pasta espesa mezclada con arena y vidrio molido. Además, Pollock fue el primer pintor de la época que trabajó por impregnación en la tela cruda, procedimiento que tuvo gran repercusión no solo entre los artistas de su generación, sino también de la generación posterior, la de la abstracción pospictórica. Pollock pasa por un inicial período figurativo —obras de 1936 y 1937, con una clara predilección por los valores matéricos y cromáticos— influido por la pintura mesiánica de Orozco y Siqueiros y, posteriormente, por Picasso y por los surrealistas (Ernst, Miró, Matta), pero alrededor de los años 1938 y 1939 renuncia a las influencias foráneas, especialmente las europeas. Por estos años descubre la forma de expresión irracional y primitiva; los ritos y las imágenes totémicas de los aborígenes americanos alimentan su obra, que queda imbuida de carácter mágico y simbólico. A partir de 1946, con la introducción del dripping, Pollock se impone como maestro de la concepción gestual característica de la action painting. Hasta 1951, coincidiendo con su período en blanco y negro, realiza un gran número de telas abstractas de gran formato; cuadros all over, sin centro, dominados por el color y por la inmediatez de ejecución, de gran tensión y dramatismo y de un poderoso ritmo vital, respuesta a sus emociones. Desde 1953 hasta su trágica muerte, en 1956, Pollock abandona el dripping y retorna a la primitiva figuración expresionista, con una adopción de antiguas temáticas relacionadas con los motivos totémicos de los años cuarenta. La influencia de Pollock, uno de los artistas de esta generación que con su obra ponía de manifiesto las preocupaciones estéticas de su tiempo, se dejó sentir en sucesivas generaciones tanto en América como en Europa.
El camino ya estaba abierto. Pollock había revitalizado la pintura abstracta americana en las vías del gesto, de la acción, de la energía y de la pasión dramática. Tanto él como los seguidores de esta corriente —De Kooning, F. Kline, Ph. Guston, J. Brooks, B. W. Tomlin— creían que era la propia necesidad interna, la misma que Kandinsky imploraba en su De lo espiritual en el arte, la que dictaba todo el proceso de pintar. . Pero en el caso de Pollock, hubo otras fuentes de inspiración añadidas. Así, la cultura de los indios de Norteamérica, con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Esto le llevó también a probar otros materiales, como el barniz, el aluminio o los esmaltes sintéticos. La Técnica
Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del “ Expresionismo Abstracto” como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. En esa epoca tambien conoce el celebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas tecnicas para pintar y despues de esa epoca siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes, por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional, realista; ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico.Esto es lo que finalmente se dará a conocer como “Action painting”. Como puntos a tener en cuenta de su trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado “Action paiting” , que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida, contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio; el “ dripping”. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro, usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el “ all-over ” que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper» , juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador », y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century. Como punto final para poder comprender la dimensión psicológica del autor ante la creación de la obra y la explicación de los términos anteriores, el siguiente testimonio del propio Pollock consigue aclararnos esta dimensión: Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de
hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien 2 De esta manera, lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen, sino un hecho, una acción». Jackson Pollock Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos. El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.
Analizis de la obra : .Pollock Número 1
Autor: Jackson Pollock (Cody, Wyoming,1912 – Long Island, 1956) Tipo de obra: Pintura al Óleo y pintura acrílica sobre tela. 2,69 x 5,30 m. Estilo: Espresionismo abstracto Cronología: 1950 Localización geográfica: Museo de Arte moderno de Nueva York Descripción y análisis de la obra: La Camposición nº 1 es una obra de dimensiones enormes, de una medida que quiere imitar un muro de obra. La tela está totalmente cobierta de color en expresión estilística de un absoluto horror vacui que será un elemento característico de la obra de Pollock y de otros miembros del expresionismo abstracto. Los colores son utilizados directamente tal como salen de los tubos. Pollock emplea colores puros, rojo, blanco, negro, con los cuales forma Iineas que se curvan sinuosamente unas sobre las otras, mostrando un ritmó paroxístico. No hay un motivo que centre la vista deI espectador, sino que se ha de limitar a p asar la mirada por toda la superficie de la pintura. Es una o bra total que se ha de
disfrutar integramente. Este cuadro es una imagen de una intensidad casi apocaliptica gracias a la rapidez y a la energía psíquica de su ejecución, que son palpables en el cuadro. Para llenar el lienzo escoge los materiales que le proporciona la industria, barniz, esmaltes, con colores de cualidades timbricas y potentes. La obra se realiza sin un plan previo y, «como el jazz, se construye al mismo tiempo que se interpreta». Lo importante es la inmediatez, el acto de pintar más que el resultado final. No existe, por tanto, un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración. Su acción responde a un impulso libre, automático, principio ya utilizado por los surrealistas, y el resultado es un espacio puramente óptico y totalmente cubierto («all over»). La pintura es un vehículo de expresión de sentimientos, pero no hay nada que descifrar. : Aspectos técnicos y estilísticos Para la elaboración de esta pintura, remarcablemente tranparente a pesar de las muchas capas de color. Pollock marca las líneas con un ritmo determinado que controla dejando caer la pintura encima de la tela, colocada directamente sobre el suelo, mediante una lata agujereada o unos pinceles rebosantes de pintura. Es la técnica del «dripping» (gotas y salpicaduras de color), que deja un amplio margen a la casualidad. La Pintura de Pollock deliberadamente improvisadora, está basada en una expresión irracional y primitiva, de carácter mágico y simbólico, de raices psicoanalíticas, que observa al artista en los ritos de los aborígenes americanos. Otros artistas se inspiran en otras teorías, como Mark Tobey en las enseñanzas del zen oriental. Este arte informal, el expresionismo abstracto, que como corriente estética es la negación de presupuestos figurativos anteriores, manifiesta una gran tensión y un dramatismo destinado a influir decisivamente en la pintura contemporánea americana y europea de entreguerras. Dentro de esta corriente, Pollock, es el creador del Actio Painting, producto de un automatismo violento y gestual, la pintura en acción, donde el hecho mismo de pintar es tanto o más importante que la obra que se realiza. Esta pintura es la expresión de una época marcada por profundos cambios sociales y políticos, por guerras lejanas, como las de Indochina y Corea, y por la experimentación atómica. Durante la Segunda Guerra Mundial el centro cultural artístico y comercial se desplaza desde Paris y Berlín a Nueva York, una ciudad cosmopolita, abierta a todas las influencias, que acoge a numerosos artistas vanguardistas exiliados del viejo continente. Las tendencias contrapuestas que imperan en Europa en esos años eran la abstracción geométrica y el superrealismo: será en Estados Unidos donde los pintores romperán esa polarización y crearán una pintura totalmente nueva a partir de la fusión de ambos movimientos.
Suprematismo El suprematistmo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kasimir Malevich.1 Surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malevich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte no figurativo, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se desarrolló entre los años 1915 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malevitch “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913. La primera exposición del suprematismo fue en 1915 en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kasimir Malevich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. En 1920 Malevich completa sus teorías escribiendo un ensayo El suprematismo (también conocido como El mundo de la no representación). Los suprematistas se juntaron en un g rupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malevich, entre ellos se encuentran Liubov Popova, El Lissitzky, Alexander Rodchenko. Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo. 2 La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
Kazimir Malévich Kazimir Severínovich Malévich, (en ruso, Казимир Северинович Малевич), (11 de febrero de 1878 - 15 de mayo de 1935) fue un Pintor ruso1 2 , creador del Suprematismo. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev. En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malévich conoce el trabajo de Iván Shishkin e Ilya Repin, dos pintores naturalistas pertenecientes a un grupo conocido como Los Itinerantes. Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malévich, la expresión de sus ideas esenciales (Sarabianov). En Muchacha con flor de 1903 se advierte un acercamiento al estilo de Bonnard. En esta etapa impresionista, Malévich reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela, concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa i mpresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias. A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kursk y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad Neoimpresionista. Vuelve a Moscú en otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Natalia Goncharova, Wassily Kandinsky y Mikhail Larionov. En 1907 tiene lugar la exposición Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte francés ( Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cézanne, André Derain, Paul Gauguin, Albert Gleizes, Henri Matisse, etc) y del español Pablo Picasso, que Malévich ve por primera vez. En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación); Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malévich evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen. En 1910 participa en una serie de exposiciones organizadas por Lariónov y Goncharova. En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En Abril participa en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Unión Joven, junto con Goncharova, Lariónov y Vladímir Tatlin. 1911 es también el año de su época cubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo. A finales de 1912, participa en una exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participa también en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras como En el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Una bofetada en el gusto público, de Maiakovski y Jlébnikov, donde afirman el derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos, formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoria sobre el sol de Matiushin y Kruchónij; los figurines contenían muchos de los esquemas compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras cubofuturistas.
En 1914 Tommaso Marinetti, el creador del Manifiesto Futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malévich y Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París. En 1915 participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna. Publica un pequeño folleto que titula Desde el Cubismo al Suprematismo en Arte, el Nuevo Realismo en Pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el Cubismo y el Futurismo al Suprematismo, El Nuevo realismo pictórico. Con el Suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich). Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo, “Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo”. El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: “Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo”. “Cuadrado Negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión” (Sarabianov). En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Ivan Puni, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo , el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo. En 1917 es elegido jefe del Departamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En los primeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisor de las colecciones del Kremlin . Sigue exponiendo su obra suprematista con la Sota de Diamantes y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a los artistas de vanguardia que apoyan la revolución. En 1918 es llevado a Petrogrado para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los decorados para la gran obra de Vladimir Maiakovski Misteria Bouff, dedicada a la revolución y representada en Petrogrado. En 1919, Lariónov y Goncharova se salen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que se le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro y participan, entre otros, Malévich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En esta muestra, Malévich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mikhaíl Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota de Diamantes y la Unión Joven. Ese mismo año (1919) participa en la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de Cultura Artística, museos sólo para el arte de vanguardia; participa en la X Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Alexander Rodchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vítebsk, donde trata de introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI Exposición Nacional de Moscú. En 1920 pone en práctica en una obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vítebsk, que titula con el nombre de Unovis (Utverdíteli nóvogo iskusstva - Forjadores del arte nuevo); también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo antes, Malévich había trasladado el énfasis creativo a la investigación teórica. En 1921 surgen diferencias en torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del Constructivismo.
En 1922 completa su texto Suprematismo, el mundo como No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum de Ámsterdam. En 1923 comienza sus investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del Museo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúa viviendo en su dacha de Nemchínovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923 participa en la XIV Bienal de Venecia con un Cuadrado Negro, un Círculo Cuadrado y una Cruz Negra. En 1925 asume la dirección del departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa por tercera vez. En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en abril visita la Escuela de la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos, entre ellos «Die gegenstandslose Welt» (El mundo noobjetivo); a través de la asociación de los arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto Estatal para la Historia del Arte en Leningrado. En 1929 los historiadores del Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarlo, pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas colectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunos amigos queman algunos de sus manuscritos. En 1932 se le concede un laboratorio para experimentar en el Museo del Estado Ruso. Su trabajo es ampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obra vuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo). En 1935 participa con cinco retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como regalos durante su viaje a Alemania son selecionadas por Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en Cubismo y Arte Abstracto.
Analizis de obra :
Cuadrángulo, 1915 Reseña: - Pintor abstracto. Sus primeras obras están influidas por el neoimpresionismo y el fauvismo y después por el cubismo, distinguiéndose por una gran claridad de líneas. En 1912 comienza a desarrollar su propio estilo, que le llevó a fundar el suprematismo con su famoso Cuadrado negro sobre fondo blanco (1913). Este movimiento buscaba la reducción de la pintura a elementos geométricos (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo), y son estos principios los que rigen la producción de Maliévich, quien aplica a los elementos geométricos el mismo color o el blanco y el negro. Malevich nos enseñó a mirar el infinito en un lienzo. Cuando te enfrentas a su “Cuadrado negro sobre fondo blanco” o a su “Blanco sobre blanco”, sientes que n o necesitas “leer” nada, interpretar una escena, analizar un símbolo, recorrer una composición teatral, en suma, una historia. Eso ya no cuenta. Estamos ante algo completamente distinto. Abstracción pura. Eso nos deja, como espectadores, muy solos, pe ro también más libres. Son tus emociones ante el enigma de sus formas geométricas, ante su misterio.
Kasimir malevich.deportistas, datada en 1912 pero realizada probablemente entre 1928-1932, oleo sobre lienzo de 142 x 164 cms. Museo estatal ruso de san petersburgo. El analizis de la obra posterior de malevich constituye una cuestión diferente.se puede decir que parece que la aspiración utópica para diseñar el mundo hubiera sido requerida;después de 1927, para representar la absurdida y la torpeza real de la existencia de la gente; tal y como esa existencia fue representada en las idealizaciones revales del realismo socialista.A finales de la década de 1920 y principios de 1930, encontramos a malevich combinando la forma y el color-suprematista- con unas figuras esteriotipadas. Si esta imagen de confrontación entre la abstracción y el realismo socialista representa una lucha históricamente real, esta no tubo un vencedor.En el mejor de los casos existio la posibilidad de que la propia lucha fuera continuada, como parece que asi fue, por lo menos intermintentemente hasta el final de la carrera de malevich como pintor.
