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DANTO “DESPUES DEL FIN DEL ARTE” Sheet Music
RESUMEN
El concepto de artista proviene del Renacimiento. Anteriormente no existía como tal e concepto de arte en la conciencia colectiva. colectiva.
Danto explica como el arte de los 80 se presenta extremadamente vigoroso y no parec mostrar signos de agotamiento.
Al igual que Descartes marca un hito y se considera el primer filósofo moderno; en l historia del arte, el modernismo marca un punto en el arte, antes del cual los pintores s dedicaban a la representación del mundo. Pintando paisajes, personas o pasaje históricos. El relato del modernismo reemplaza al relato de la pintura representativ tradicional definida por Vasari. Es el paso de la pintura mimética que emplea el plano la pincelada, el escorzo y el claroscuro a la pintura no mimética. Esto no significa según Greenberg, que la pintura se tuviera que volver abstracta sino que sus rasgo representacionales representacionales pasan a ser secundarios.
La secuencia Renacimiento-Barroco-Rococó-Neoclasicismo-Romanticismo se romp con el modernismo. Más que una evolución de estos es un salto a un nuevo nivel d conciencia. La pintura comienza a parecer extraña o forzada. Van Gogh y Gaugin sería los primeros pintores modernistas. En realidad los artistas que hacían arte moderno n tenían conciencia de estar haciendo algo diferente hasta que, de manera retrospectiva, s comenzó a aclarar que había tenido lugar un cambio importante. Algo similar ocurrió e el paso del arte moderno al contemporáneo.
El arte contemporáneo destaca además por haber sido concebido con una determinad estructura de producción no vista antes. Así como clásico, barroco o moderno se asocia con “estilos” o “períodos”, contemporáneo designa algo más que arte del presente.
La distinción entre arte moderno y contemporáneo no se esclareció hasta los años 70-80 cuando el arte contemporáneo mostró un perfil diferente y el moderno adquirió u up to vote on this titleun paroxism significado estilístico y temporal concreto. Los 70 seSign caracterizaron por Useful Not useful un objet de estilos. El arte conceptual demostró que no debía haber necesariamente visual palpable para que algo fuera una obra de arte. Esto significa que ya no pued
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deja de ser una ventana que no deja entrever nada más allá del marco (el surrealism podía resultar una una distracción visual visual y por ello fue reprimido). reprimido).
Lo visual desapareció con la llegada de la filosofía al arte. No hay imperativos. Para qu exista arte, no es necesaria la existencia de un objeto, y si lo hay; puede parecerse cualquier cosa. El arte contemporáneo (o posthistórico, según Danto) es demasiad pluralista en intenciones y acciones como para permitir ser encerrado en una únic dimensión. Es incompatible con los imperativos de un museo clásico.
Por ello muchos artistas evitan las estructuras museísticas. Los museos que s comprometan con este tipo de arte debieran renunciar en gran parte a la estructura y l teoría que lo define en sus otros modelos. Capítulo 2. Tres décadas después del fin del arte.
Otra de las grandes diferencias es el status del artista, que tras la década febril de los 8 asiste a una escena triste y castigada en el mercado del arte. Aquellos artistas qu pretendían un estilo de vida principesco acabaran luchando por conseguir un puesto d profesor para superar sus dificultades. Una tarea árida y tortuosa. Como sucedió en Holanda del s. XVII, durante los 80 se disparó el consumo de arte, como imagen de u estilo refinado de vida. Este apetito por las obras quedó saciado. El mercado del art continuó, con sus gustos y modas, sus alzas y bajas; pero el hábito de coleccionar art cambió significativamente. Según Danto se produce una disonancia entre sus propia tesis y el impetuoso mercado de los 80, alegando que el fin del arte no tiene nada qu ver con los mercados.
El colapso artístico de los 90 parecía sostener una tesis del fin del arte. Danto intent
explicar que este colapso es “causalmente independiente de cualquier cosa que expliqu
el fin del arte, y se puede pensar que un mercado deprimido es compatible con u
período de producción artística robusta”. Según Danto el fin del arte se produjo realidad dos décadas antes de que el mismo publicara “El fin del arte”. ar te”. No fue un even dramático y se mostró invisible a aquellos que lo vivieron. “¿Quién, enterado de qu
podrí Petrarca ascendía al monte Ventoux con una copia Sign de S. Agustín en title su mano up to vote on this
saber que el Renacimiento se iniciaba con ese suceso?”. Useful
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El fin del arte nunca se propuso como un juicio crítico, sino como un juicio históric
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“arte después del arte”. Para Danto la estética es una contingencia histórica y n forma parte de la esencia del propio arte.
Explica entonces la disonancia que se produce en su vida; cuando, tras escribir “El f del arte” comienza su carrera como crítico. Además, si las previsiones se cumplían,
práctica sería imposible por falta de tema. Evidentemente Evidentemente no se iba a dejar dejar de hacer art de la misma manera que ya se hacía arte mucho antes de la era del arte. Lo que cambia son los planteamientos, y aludiendo a Hegel, considera que como crítico ahora l correspondía no hablar del arte sino del espíritu en el cual el arte fue hecho.
En 1922 los dadaístas de Berlín celebran el fin del arte y los artistas de Moscú declara la pintura de caballete, sea figurativa o abstracta, perteneciente a una sociedad caduca. “El verdadero arte como la verdadera vida sigue un único camino” (Piet Mondrian)
“Declarar que el arte ha llegado a un fin significa que este tipo de crítica ya no e lícita”. Ningún arte está enfrentado históricamente contra ningún otro tipo de art Ninguno es más verdadero que otro. No puede haber ninguna forma de ar
históricamente prefijada.
Para Danto, los manifiestos son expresiones relacionadas con los movimiento ideológicamente retrógrados de los prerrafaelitas y los nazarenos. El manifiesto defin cierto tipo de movimiento, cierto estilo, que se pretende validar. Y este es proclamad como único arte que importa. El cubismo y el fauvismo abogaron por un nuevo tipo d
orden en el arte, descartando todo aquello que oscurecía su verdad. “Esta fue la razón explicaba Picasso, por la que los cubistas “abandonaron el color, la emoción, sensación y todo aquello que los impresionistas habían introducido en la pintura”.
El axioma de muchos movimientos es: arte es esencialmente X, y todo lo que no sea X no es arte. Así cada movimiento se apoyó en una filosofía. A Danto no le parec coherente identificar la esencia del arte con un estilo particular, con la implicación d que el arte de cualquier otro estilo es falso. Una vez que nos quitamos los disfrace todo el arte es el mismo. La crítica consiste en penetrar estos disfraces y alcanzar l Sign up to vote on this title pretendida esencia. En muchos casos, los argumentos de estas críticas se convierten
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“autos de fe” y aquellos que no lo suscriben deben ser suprimidos, cual herejes.
En la práctica, cuando los distintos movimientos no han escrito sus propios manifiesto
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Este nuevo orden iba a ser universal y por ello las primeras pinturas del cubismo era anónimas. Al no ir firmadas se consideraban antiindividuales. Por supuesto, esto n duró. La concepción filosófica de Danto va en esta línea, alegando que solo se hizo un lectura correcta de la historia del arte cuando la misma historia lo hizo posible y l
naturaleza del arte se alzó como pregunta dentro de la historia del arte mismo. “Cre que el fin del arte es el acceso a la conciencia de la verdadera naturaleza del arte”.
“El arte nos invita a la contemplación reflexiva, pero no con el fin de produc nuevamente arte, sino para conocer científicamente lo que es el arte” (Hegel).
Después de esta reflexión Hegeliana, Danto se plantea entonces, qué pasaría y cóm
quedarían sus teorías si el transcurso de la historia no acompañara a sus “previsiones “¿Parece entonces que la estructura del mundo del arte consistiera precisamente, no e “crear arte” arte” otra vez, sino en crear arte explícitamente para el propósito de sab filosóficamente qué es el arte?”. arte?”. La riqueza de la especulación filosófica fue una con
riqueza de la producción artística. A pesar de esto se sucedieron numerosas guerras d estilo como la que mantuvieron en Nueva York los liberales y la Academia.
Según Hegel, el arte visual del s XIX, especialmente el impresionista alcanza lo qu
denomina el “gozo inmediato”, es decir, que no viene mediado por una teoría filosófica
No se necesitaba una filosofía para apreciar a los impresionistas, sólo se necesi apartarse de la filosofía engañosa que evitó que sus primeros espectadores lo viera como eran. Hubo incluso pintores que trabajaron el expresionismo abstracto después d que el movimiento acabara.
No hay un arte más verdadero v erdadero que otro. El arte no debe ser de una única manera. manifiestos son un reflejo de una mentalidad que buscaba una vía filosófica par distinguir el arte real del pseudoarte. Los manifiestos utilizaban epítetos críticos com “Ilustrativo” o “decorativo” para definir algo al go que no llegara a ser arte.
¿Cuál es la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando n hay entre ellas una diferencia perceptiva interesante? (como sucede en la Brillo Box d Sign up to vote on this title Warhol). Dos cosas indiscernibles pueden pertenecer, al menos momentáneamente, Useful Not useful diferentes categorías filosóficas. Una definición filosófica del arte debe ser compatibl con cualquier tipo de arte. Debe capturar todo sin excluir nada. El arte puede ser lo qu
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quiere decir Danto con el fin del arte. Significa que cierto relato se ha desplegad en la historia del arte durante siglos, y este ha alcanzado su fin.
Para Danto hay dos maneras de liberarse de conflictos. Una es eliminar tod aquello que no se ajusta a nuestro manifiesto: donde no hay tutsis, no hay má conflictos entre hutus y tutsis. Donde no hay bosnios, se acaban los conflictos co los serbios. La otra forma es vivir juntos sin necesidad de discriminarse. pregunta es qué tipo de persona es usted. La crítica moral sobrevive en la era d
multiculturalismo como la crítica de arte sobrevive en la era del pluralismo. Capitulo 3. Relatos legitimadores y principios críticos.
La historia de la vida de cualquier persona no es nunca el mero desarrollo de un relat programado a través del tiempo. Los accidentes, casualidades casualidades o la suerte hacen posibl que una biografía merezca ser escrita y leída. De la misma manera, ¿quién podrí predecir la perspectiva de Masaccio en tiempos de d e Giotto? Giott o? Los chinos la conocieron través del misionero Castiglione, pero no consideraron oportuno incorporarlo a su art y utilizan un método deliberado; aun existiendo otras alternativas. En tiempos d expresionismo abstracto ¿quién predeciría que algún día los artistas pintarían latas d sopa y cajas de Brillo? No existía espacio para la asimilación precoz de las estrategia del pop.
La afirmación de que el arte ha terminado es una afirmación acerca del futuro: no s trata de que no habrá más arte, sino de que dicho arte será arte después del fin del arte es decir, arte posthistórico.
A lo largo de la historia del arte, se han producido discontinuidades que han id definiendo los distintos estilos. El fin del arte implica que ya no existe un estructura objetiva para definir un estilo, o bien, que se ha establecido una nuev estructura en la que todo es posible. No hay nada que reemplazar.
No todo es posible en todos los tiempos, y ciertos pensamientos sólo pueden pensados en en ciertos estados del desarrollo. Heinrich Heinrich Wolfflin. Sign up to vote on this title
Useful Not useful cerrado. Vivimos y producimos dentro de un período histórico Algunas limitaciones so técnicas otras son mentales, otras estilísticas. No se contempla a un artista africano e 1890 haciendo pintura de caballete. De la misma forma que no era posible para u
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Danto nos habla de estructuras históricas y modelos narrativos dentro de los cuale están organizados las obras de arte a lo largo del tiempo. Hoy en día se produce arte e un mundo artístico no estructurado por ningún relato legitimador.
Para Vasari, el arte fue la conquista progresiva de las apariencias visuales, a través d las cuales se puede duplicar mediante la pintura, el efecto de las superficies visuales de mundo.
La ciencia no deriva sus hipótesis por inducción de las observaciones sino a través d una intuición creativa probada. De la misma manera, el artista no empieza con un impresión visual, sino con una idea o concepto. Esta se va ajustando paso a paso hast que se encuentre una semejanza satisfactoria. La pintura como arte, se conviert entonces en un sistema de estrategias aprendidas para hacer representaciones cada ve más exactas. Fue este modelo de pintura el que hizo que le gente pensara que la pintur modernista no era arte.
Los postimpresionistas a su vez intentaban expresar ciertas experiencias espirituales co la forma pictórica y plástica. No buscaban imitar la forma, sino crear forma; no imitar vida, sino encontrar un equivalente a la vida.
La historia del arte es el lento despojarse de todo lo que no es esencial hasta que l esencial en el arte, brille para todo aquel que esté preparado para recibirlo. Kahnweile argumentaba que el cubismo podía llegar a ser tan legible como el impresionismo. Es no ha sucedido y estas pinturas se resisten a volverse transparentes. Pero nadie hoy e día tiene que entrenarse para leer telas impresionistas y parecen enteramente naturales El impresionismo es, después de todo, una continuación del proyecto vasariano.
La pintura postimpresionista y sobre todo la cubista conmocionó poderosamente a ciudadano de su época, hasta llegar a generar cierta revulsión. Roger Fry( gran defenso de la pintura francesa contemporánea, que denominó postimpresionismo) y Kahnweile (marchante y promotor de Picasso, Braque y Juan Gris) fueron los encargados d explicar o hacer asimilar en primera instancia las bondades del nuevo arte. Danto cre y que e que realmente ellos no estaban preparados para generar unto discurso Sign up vote on thisefectivo title único pensador que alcanzó ese nivel de visión fue Clement UsefulGreenberg. Not useful
Capítulo 4. El modernismo y la crítica del arte puro: la visión histórica de Clemen
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posibilidad de una historia con un desarrollo progresivo”. Belting propone a su escribir una historia de las imágenes devocionales de occidente “antes de la era del arte
(postura muy polémica entonces). Este intenta explicar la importancia de la image devocional en la religión cristiana desde los tiempos en los que se les prohibía produc imágenes, pero no constituye una historia propia en el sentido de desarrollo progresivo ya que son obras creadas antes de la era del arte y no se concibieron para el goc estético. El problema, según Danto, es concebir la historia de algo que carece de un historia “propia”.
Según Danto, parece ser que, hasta Vasari, la historia del arte está definida, acotada existe un orden narrativo. El problema se plantea desde el momento en que la estructur vasariana deja de tener vigencia hasta el momento actúa ; lo que él denomina “ modernismo”. Según Greenberg el modernismo comienza con Manet. Danto opin a qu la desviación radical se produce con Van Gogh y Gaugin, sobre 1880. El problema par
Danto es cómo continuar el relato de “desarrollo progresivo” con pinturas que ya n
parecían seguir la historia vasariana. La solución solución inicial (para salvar las apariencias) fu alegar que eso no era pintura, o que se realizaba con motivos subversivos (como lo dadaístas). Danto no desprecia estas valoraciones, pero explica como esto no sucedi antes; cuando era válida la estructura vasariana y se apreciaba cierta continuidad en l evolución pictórica: renacentista-manierismo-barroco-rococó-ne renacentista-manierismo-barroco-rococó-neoclásico-romanticism oclásico-romanticism e incluso (aunque pareciera radical) al impresionismo. Para Danto el cambio del art modernista al posmoderno es diferente y hay rupturas en el desarrollo . Los primer
que se dieron cuenta en este cambio de orden que no respondía al habitu desarrollo lineal fueron Roger Fry y Kahnweiler. Según el segundo “el rela concluyó y comienza un nuevo relato” “un nuevo sistema de signos hab reemplazado al viejo viejo y podría volver a cambiarse en su momento”. Planteamien similar tiene Panofsky: la historia del arte es una secuencia de formas simbólica que se reemplazan unas a otras pero no constituyen una evolución. Es un concept que no atiende a una perspectiva lineal sino a diferentes formas de organizar espacio. Son una especie de totalidades culturales (cultura, arquitectura, teologí metafísica) que se pueden estudiar mediante lo que denomina “iconología ”. Sign up to vote on this title
Useful Not useful Según Danto esto significa que, después de todo,no parece en la historia d que arte hubiera habido un desarrollo, porque el cubismo no se plantea, ni much menos, como un desarrollo del impresionismo. Atendiendo a la idea de Panofsk
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Según Roger Fry, los artistas ya no tenían interés en imitar la realidad, sino en da expresión objetiva a los sentimientos que la realidad les provocaba. Para Dan esto sería en sí mismo una evolución: el desarrollo progresivo de la expresión y sentimiento que en otro momento no tenía salida porque estaba reprimido oculto. Sería una historia de la libertad de expresión.
Danto explica el salto a un nuevo nivel, donde el problema es redefinir el arte. Se podr considerar entonces como un desarrollo, entendido como un progresivo grado d adecuación filosófica. Lo que no hay es la percepción de qué fue lo que causó el cambio a un nuevo nivel reflexivo. Para ello hay que recurrir a la obra de Greenberg. G reenberg.
“ El nivel de una ciencia se determina por su capacidad para experimentar una crisis d sus conceptos fundamentales” fundamentales” Heidegger.
El modernismo asistió a una postulación de manifiestos. Se planteó un cambio buscando nuevos nuevos fundamentos para para continuar. La filosofía del del s. XX hizo algo parec intentando reconstruir la filosofía desde cimientos firmes.
Greenberg escribió “La civilización occidental no es la primera en cambiar y cuestiona sus propios cimientos, pero es la que fue más lejos en esta tendencia autocrítica”. “L
tendencia autocrítica comenzó con Kant, el primero en criticar los medios mismos de l crítica. Veo en Kant al primer moderno verdadero” . Greenberg (seguramen
influenciado por Kant) deduce que cada arte, bajo la autocrítica, debería “volvers puro”. El mérito de Greenberg consiste en determinar que la historia vasariana carece d
autoexamen, cosa que sí hizo el modernismo al intentar descubrir su propia esenci filosófica. Es decir, intentó establecer una definición filosófica fi losófica del arte.
Para Danto, la historia del modernismo es una historia de purgación o purificació genérica; desembarazarse de cualquier cosa que no le sea esencial. La analogía polític del modernismo en arte fue el totalitarismo, con sus ideas de pureza racial y de expulsa expuls todo aquello que pareciera contaminante. Greenberg escribió: “cuánto más estrictamen se definan las normas de una disciplina, estas serán menos aptas para permitir la l a liberta en múltiple direcciones”
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Danto explica: “Me llama la atención que en la historia de la pintura occidental, pincelada haya sido durante mucho tiempo invisible, algo que uno podía saber
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estridentemente visibles, como un esbozo al óleo que se exhibe como pintura terminad puesto que el el concepto de pintura pintura terminada implica disimular las pinceladas. pinceladas.
Los impresionistas aplicaban pinceladas intentando que se fundieran en la percepció del observador. Ver cosas desde el punto de vista del artista podría significar verla como determinadas por lo que el artista suponía que podía ser el punto de vista de observador, si funcionaba la ilusión.
Decir “Manet comenzó el modernismo” equivale a “Petrarca abrió el Renacimiento”. E
problema es que ni Manet ni Petrarca sabían lo que había bajo estas descripcione históricamente cruciales. Hubo un ascenso a un nuevo nivel de conciencia sin que necesariamente, necesariamente, aquellos que lo l o ejecutaron tuvieran conciencia de ello. Revolucionaba un relato que creían estar continuando. Capítulo 5. De la estética a la crítica del arte.
“Sea música o filosofía, pintura o poesía, la obra del genio no es un objeto útil. L inutilidad es una de las características de las obras de los genios. Todas las obra humanas existen sólo para la preservación y alivio de nuestra existencia; en cambi aquellas existen para ellas mismas, y en ese sentido están para ser consideradas com la flor de la existencia. Nuestro corazón es por eso regocijado por su disfrute, por que nos elevamos de la pesada atmósfera terrena de la necesidad y el deseo
Schopenhauer.
Este autor sostuvo que la estética y la utilidad están disociadas entre sí: “raramen vemos lo útil unido a lo hermoso”.
“ El gusto es la facultad de juzgar un objeto o una representación mediante satisfacción o un descontento, sin interés alguno. Se llama bello al objeto de semejan satisfacción.”. satisfacción.”. Kant
En este aspecto, el modernismo no fue tan riguroso y aparecen objetos y mobiliari donde se fusionan utilidad y belleza Sign up to vote on this title
Explica Danto que esto es como si de repente hubiera salto en Useful Nottiempo useful y aparecier un el una bujía en la corte de Federico el Grande. Está claro que la tecnología de la época n permitía fabricar cerámicas de ese ese tipo, ni existían los motores de explosión. explosión. Este obje
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1.-Greenberg se creyó con buen gusto, un asunto en parte de temperamento y en part Sheet Music
de experiencia. “El ojo entrenado tiende siempre a lo definitiva y positivamente buen en arte, lo sabe, y no estará satisfecho con otras cosas ”.
2.-Estar seriamente interesados en el arte es estar seriamente interesados interesados en lo bueno d
arte. “uno no lo está por el arte Chino, occidental o representacional como un todo, sin sólo por lo que es bueno en ellos”.
Esto le sirvió para identificar anticipadamente a Jackson Pollock como un gran pintor. También es cierto que el crítico en busca de credenciales apuesta por lo desconocido lo poco reconocido, lo que en parte da esperanzas a la galería marginal, al talento fresco al comerciante atrevido, y evita la rigidez del sistema de producción. El trabajo crítico de Greenberg (que fue apoyado por otros críticos de la época) en s
defensa de Pollock y el arte abstracto estaba basado en el “ojo” como una clase d
séptimo sentido: el sentido de lo bello en el arte, sabiendo que eso lo era. El arte pop, o gran parte de él, estuvo basado en el arte comercial (ilustraciones etiquetas, diseño de envases, pósters). Los artistas comerciales responsables de esa coloridas imágenes tenían buenos ojos. Un caso instructivo lo tenemos en Watteau cuando ejecutó el cartel para la puerta de la tienda de su comerciante, Gersaint y qu colgó en la fachada de su galería. El cartel se vendió sólo dos semanas después y pas por las manos de dos de los personajes que aparecían en el cuadro, hasta llegar Federico II de Prusia. Este sería un contraejemplo del primer dogma de la estética qu reza que el arte no sirve a ningún uso práctico. Algo parecido pasa con la etiqueta de l sopa Campbell o el diseño de la caja de Brillo. Los artistas pop se apropiaron de lo diseños que ya habían pasado algún tipo de prueba estética: habían sido seleccionado porque se suponía suponía que atrapaban atrapaban al ojo, lo informaban informaban sobre el el producto, o lo que fuera Danto cree que el arte pop es un género tóxico, que no tuvo que ver con lo qu encontraba el ojo, porque lo que el ojo encontraba sólo explicaba su interés y valo como arte comercial. Y el ojo por sí solo no podía dar cuenta de la diferencia. Danto cree que Greenberg se muestra torpe, mordiente y sarcástico en su crítica d rechazo a la obra Box with the Sound ot its Own Making de Robert Morris (el cubo d madera que tiene dentro la cinta grabada con los ruidos grabados durante s que h confección). Danto dice que es el tipo de respuesta Sign queupreconocemos siempre to vote on this title ocurrido en el arte un momento revolucionario: los están Useful Not fuera useful de combat artistas olvidaron cómo dibujar o se están comportando como niñ@s malos.
En cuanto al segundo dogma kantiano de Greenberg, la “inmutabilidad del arte”, es
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afinidades entre obras de Oceanía y África y sus contrapartidas formalmente similare en el arte moderno. Los artistas modernistas fueron realmente influidos por el ar primitivo, y muchos críticos sintieron que esto tenía cierto olor a lo que podríamo llamar colonialismo cultural. El multiculturalismo estaba en ascenso en 1984 alcanzando proporciones epidémicas en los 90. Un artista, dentro de multiculturalidad, puede tratar de hacer entender al resto cómo es su propio p ropio arte. Lo qu no se puede, desde fuera de esa tradición, apreciar cómo es desde dentro, pero puede a menos intentar no imponer el modelo propio de apreciación a tradiciones a las que e ajeno. Esto se hizo extensible al arte de las mujeres, los negros y los artistas de la minorías incluso dentro de nuestra propia cultura. Por este tipo de exposicione Greenberg fue villanizado. Cuando el universalismo kantiano fue reemplazado por est especie de relativismo, el concepto de calidad se volvió odioso y chauvinista. Esto explica que pueda haber un criterio de calidad para obras como los números d Warhol, la caja parlante de Morris, las pinturas de Mondrian o Pollock pero a la ve para Danto, una teoría general de la calidad podría podrí a contener la virtud estética, esté tica, no com rasgo definitorio sino como un caso particular. Esto demostraría que la virtud estétic no nos puede ayudar en el arte después del fin del arte. Como existencialista, Danto cre que hay condiciones necesarias y suficientes para que algo sea una obra de arte, si importar el tiempo ni el lugar. Como historicista, también cree que lo que es una obra d arte en un tiempo puede no serlo en otro. Las pinturas rupestres, los fetiches, lo retablos fueron realizadas en una época fueron realizadas en una época donde la gent no tenía un concepto para hablar de arte, puesto que interpretaban el arte en términos d creencias que no se extendieron más allá de su tiempo. Hoy nuestra relación con eso objetos es primordialmente contemplativa. Danto hace referencia a un estudio realizado por Nature en 1994 donde se relacionaba e gusto de hombres y mujeres británicos y japoneses. La conclusión era que había má semejanzas que diferencias en los juicios sobre el atractivo facial de unas caras que era generadas por computadora. Los rostros que exageraban ciertos atributos curiosament eran los más atractivos, comparable a la cola de los pavos reales. Danto lo relaciona co
Schopenhauer y su idea sobre el “maravilloso sentido de la belleza” de los griego artística son una”. También se refiere a Kant, que opinaba “la belleza natural Sign upytolavote on this title
Algo tiene que haber cuando se ha demostrado que estos conceptos incluso l useful Useful Nottraspasan línea de las especies: la simetría está asociada con el deseo sexual. Las hembras d insectos, mamíferos o pájaros prefieren a individuos machos cuyas alas, cuernos
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de los condicionales que creemos verdaderos. Es una acción racional la que genera qu nuestras acciones tengan consecuencias razonablemente predecibles, pero siempr dentro de unos límites. Hay muchas cosas ante las cuales estamos ciegos. Un ejempl práctico es observar observar cómo difiere el modo en que construyeron construyeron los actores actores del pasado s futuro y cómo se ha desarrollado, desde nuestro punto de vista. Muchos ciudadanos del año 999 dedicaron su presente a rezar. Había poco que hace ante la llegada del fin del mundo. No guardarían comida en el granero para el inviern entrante, no repararían su casa ni sus aperos…. Es un hecho histórico que las artes visuales se empezaron a desviar hacia un tipo de art en el que la estética dejó de tener mucha aplicación. Un giro al que la crítica d Greenberg no se acomodaba fácilmente: se dio cuenta del giro, pero lo consideró un desviación de la corriente de la historia tal como él la proyectó. Comenzó considerand el expresionismo abstracto como parte de la historia del arte modernista, pero se fu deslizando más tarde por los rieles del destino histórico, desatendiendo los imperativo del modernismo con los que estaba totalmente comprometido. A los ojos de Greenberg el expresionismo abstracto se extendió más allá de sus propios límites definitorios hac el dominio de la escultura: “A cada uno lo suyo”.
Danto explica como el expresionismo abstracto se convirtió en una escuela, luego e una manera y finalmente en un conjunto de manierismos en el que sus líderes atrajero a demasiados imitadores y terminaron imitándose a sí mismos. No encuentr explicación a cómo consiguieron estos primeros artistas convertirse de un día para otr en maestros: Kline, Rothko, Pollock; pintores bastante modestos hasta que s identificaron como expresionistas abstractos. La respuesta es que, en contraste con l pintura tradicional, las telas abstractas sólo podían ser arte, no tenían una función soci en murales, no podían insertarse en el trabajo artesanal de la pintura tradicional. El ar expresionista abstracto y sus tendencias estaban reforzadas por las tendencias de mercado y sólo existía para ser coleccionado. Al pertenecer a una colección s apartaban de la vida, segregándose cada vez más del mundo del arte y acab eclipsándose por falta de estímulo exterior. La siguiente generación de artistas pretendió que el arte tuviera nuevamente contact con la realidad y la vida. Estos fueron los artistas del Sign pop.upPero Greenberg, to vote on this title encerrado e una visión histórica que ignoraba este arte, no pudo acomodarlo sus conceptos Useful Notauseful
categorías: “importa como un nuevo episodio en la historia del gusto, pero no llegó a s un auténtico episodio nuevo en la evolución del arte contemporáneo”. Sin embargo
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habían olvidado cómo dibujar, convirtiéndose en prestidigitadores. Era necesario u nuevo relato y esto dio lugar a su tesis sobre el fin del arte. El arte africano se puso de moda en la época del modernismo. Picasso se vio mu influenciado por este. El arte modernista es un arte definido por el gusto, y cread esencialmente para personas con gusto, específicamente para los críticos. Pero el art africano fue creado por su poder sobre las oscuras fuerzas del mundo amenazante. En e arte africano, el sentimiento más que el gusto define la forma. El arte de Duchamp triunfó ante la ausencia o desuso de consideraciones sobre el gusto demostrando que la estética no es una propiedad esencial o definitoria del arte Duchamp demostró que el proyecto consistiría en distinguir el arte de la realidad. Danto dice que la historia terminó una vez que el arte mismo se planteó la cuestión de l diferencia entre las obras de arte y los objetos reales. El momento filosófico se habí alcanzado. Capítulo 7.-Arte pop y futuro f uturo pasado
Si intentamos reconstruir el futuro, tal como se veía en el presente de los sesenta, parecía qu el futuro le pertenecía al expresionismo abstracto y a sus defensores. El paradigm renacentista había durado casi seiscientos años, ¿podría el paradigma de Nueva York durar l mismo? El argumento para su longevidad podría haber sido inducido por su diversidad o sus método artísticos peculiares: Pollock, de Kooning, Kline, Newman, Rothko, Motherwell: cada uno d ellos era particularmente él mismo, pero diferente al resto. Entonces debió parecer que podrí esperarse que emergieran estilos nuevos jamás imaginados, sin límite interno en cuanto número y variedad. Pero si la abstracción tuvo el futuro en su mano, ¿qué pasó con los realistas, quienes todaví existían en gran número en Estados Unidos, e incluso en Nueva York? Los realistas n estaban preparados para ceder el futuro al expresionismo abstracto, lo que significaba que s presente era de protesta y batalla estética. El expresionismo abstracto (Kandinski, Pollock estaba sacudiendo la infraestructura institucional del mundo del arte y parecía que l abstracción era un enemigo a ser derrotado, o al menos repelido. Sign up to vote on this title
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Picasso y Matisse fueron presencias marginales, demasiado salvajes a su manera par constituir una amenaza seria al arte. Pero en la era de Hopper, el expresionismo abstract
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mujer está naturalmente desvestida, como en Girlie Show de 1941 o Morning Sunshine 1952, donde uno siente que la mujer está fantaseando
Pero el modernismo es un concepto que tuvo un desarrollo. El modernismo alrededor de 193 era muy diferente del modernismo alrededor de 1960, cuando Clement Greenberg escrib su ensayo canónico «Modernist Painting». Pero entonces el modernismo estaba demasiad cercano a ellos, y su legado tenía que ser distinguido del legado del expresionismo abstracto Greenberg obtuvo cierto placer al advertir su muerte en 1962. De cualquier manera, en 1933 lo «moderno» implicaba una tremenda diversidad en el arte impresionistas, postimpresionistas, surrealistas, fauvistas, cubistas. Y por supuesto, estaba los abstraccionistas, los suprematistas y los no objetivistas. Pero sentían que eran merament una parte de la modernidad. Pero en los años cincuenta, y especialmente como consecuenci del inmenso éxito crítico del expresionismo abstracto, el tipo de arte del que Hopper er ejemplo estuvo en peligro de ser aplastado por un modernismo definido estrechamente e términos de abstracción. Lo que había sido una parte amenazaba convertirse en la totalidad. E futuro parecía desprotegido para el arte tal como Hopper y sus pares lo entendían. Est definió su presente como un campo de batalla. bat alla. Gail Levin narra el compromiso de Hopper en la campaña contra la abstracción, o e gobbledegook, como lo llamaban. Ellos apoyaron la acción tomada por un grupo de pintore realistas contra el Museo de Arte Moderno, que favorecía a la abstracción y al «arte n objetivo» excluyendo al realismo. Se juntaron con otros artistas, Sign up «para to vote preservar on this title la existenc del realismo en el arte y contra la usurpación al por mayor deUseful lo abstracto parte del Muse useful Notpor Moderno. Sentían sinceramente sinceramente que si no persistían en sus esfuerzos, la pintura realista estab condenada.
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El conflicto había terminado esencialmente en cinco o seis años. Greenberg es un cas interesante para ser examinado bajo esta luz. En 1939 vio la abstracción como históricament inevitable: un «imperativo que viene de la historia. Continúa Greenberg, «las pinturas representacionales son esencialmente mejor apreciada cuando la identificación de lo que representan está sólo secundariamente presente en nuestr conciencia.» Insiste en repetir que la «pintura modernista en su última fase en principio n abandonó la representación de objetos reconocibles. Lo que abandonó en principio fue l representación del tipo de espacio que los objetos reconocibles pueden ocupar». Pero po 1961 ascendió a un nivel desde donde pudo decir que hay bien y mal en todos nosotros, por que incluso la abstracción había perdido su carácter de destino histórico: «Hay malo y buen en el arte abstracto». Hacia 1962 el expresionismo abstracto abstracto había terminado, aunque no fuer inmediatamente evidente para nadie en ese año.
En solo unos pocos años Greenberg pudo decir que no hay una diferencia básica entre l
abstraccionistas y los realistas; dado que había un nivel en el cual lo que importaba importaba e la calidad, no la manera, la cual es en parte la situación actual. Hoy tiene mucha meno
importancia la diferencia entre figuración y abstracción (dado que ambas son formas d pintura) que la diferencia entre cualquier tipo de pintura y el vídeo, digamos, o el performativo.
Se identificó el futuro del arte con el futuro de la pintura, y el futuro, como sucedi repentinamente puso fin a la pintura . La formulación íntegra de la historia del arte hab
sufrido un cambio, aunque fuera difícil de percibir a principios de los sesenta cuando el arte la pintura eran virtualmente sinónimos. Es sorprendente que ni los defensores de expresionismo abstracto como Greenberg, ni sus oponentes fueran capaces de percibir e presente histórico en el que vivían., porque cada uno de ellos concibió el futuro de manera ta que las cosas como eran realmente parecieran irrelevantes. La causa del cambio, fue la emergencia de algo, infortunadamente llamado arte pop, que fu el movimiento artístico más crítico del siglo.
Capítulo 8.-Pintura, política y arte posthistórico. Danto denomina a la fase que acontece después del fin del arte, fase posthistórica. Sign up to vote on this title En esta fase existen múltiples caminos para la producción artística, más privilegiad Useful ninguno Not useful que el resto. Esto significaba además que la pintura ya no era el vehículo principal de desarrollo histórico. Era uno de los posibles medios que incluía instalaciones, performance
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con su propia realización histórica. Algunos pintores afirmaban que estaban haciendo su últimas pinturas y que permitían que estas se contaminaran por las imágenes fotográficas. Los dadaístas en Berlín, los comités moscovitas encargados de determinar la función del art en una sociedad sociedad comunista, los muralistas mexicanos, mexicanos, todos en sus denuncias denuncias de la pintur fueron dirigidos políticamente (algunos llamaron a la pintura de caballete “el fascismo d
arte”). Dalí, en un gesto de surrealismo provocador, se declar ó listo para matar la pintura. “El arte en su sentido tradicional está fuera de lugar en nuestra época, no hay razón para qu exista, se ha convertido en algo grotesco”. Casi todos pensaban que la pintura sería sustituid
por el fotomontaje, la fotografía, la pintura mural, el arte conceptual o cualquier otra diferente. Comienza la era Reagan en los 80 y aparece una enorme cantidad de pinturas de caballete d gran tamaño que son adquiridas por grandes capitales como inversión y como forma de vida
Era arte para los que querían permanecer “con los pies en el suelo” porque ya no podía
acceder al impresionismo abstracto, que había disparado sus precios. No importaba qu alguien hubiera criticado los valores del capitalismo con sus pinturas. Greenberg no creía qu fuera una repetición de una época anterior, pero el relato había terminado, el arte abstract también se había agotado y sólo aparecía la pintura neoexpresionista como respuesta (Munch ¿por qué no olvidar la importancia económica y utilizar la pintura sencillamente como u medio para expresarse?. Es una época en la que departamentos de filosofía americano acogieron a muchos filósofos refugiados en los años de guerra, cuya filosofía era radicalment inaceptable para el fascismo. Apareció con fuerza el positivismo y su afán empírico po verificarlo todo. Estos planteamientos daban pocas opciones a los filósofos: abandonar dedicarse a la ciencia o dedicarse a la aclaración lógica del lenguaje de la ciencia. Al busca una formulación rigurosa, comenzó a hacer agua el criterio y poco a poco el positivismo s fue diluyendo. Cuando aparece la fotografía, Benjamin se permite pensar la fotografía en términos d reproducción mecánica, lo cual no coincide con la edición artificial y restringida qu corresponde al concepto de museo. Desde que la fotografía como reproducción mecánica h reemplazado a la pintura, el museo perdió su rumbo. No se trata de pintura versus fotografía en todo caso modernismo versus otras formas de crítica. La fotografía es vista como un ataqu del museo concebido como el bastión de cierta clase de política. Sign up to vote on this title La crítica modernista continuó siendo la base de la práctica por comisarios Useful Utilizada crítica. Not useful profesores de historia del arte, siendo reemplazada masivamente por el discurso posmodern importado de París, a finales de los 70. Este discurso posmoderno no fue generado por un
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excelencia del grupo autorizado por las instituciones en cuestión. Empezó a considerars políticamente incorrecta y los museos se estigmatizaron por ser depositarios de objeto opresivos que tenían poco que decir a los oprimidos. En resumen, la pintura fue politizad indirectamente. Y cuanto más pura era su aspiración parecía más política. El museo no es una institución muy antigua. El Museo Napoleón fue concebido para exhib los trofeos adquiridos en las victorias militares de Napoleón. El Altes Museum de Berlín fu elegido para recibir las obras robadas de los alemanes y proclamar el poderío del Imperi Prusiano. En Estado Unidos el museo se ha considerado primordialmente educativo, pero n ha sido concebida aún una alternativa clara al museo. Los artistas que entran en la categorí oficial de oprimidos, ven la exclusión del museo como una forma de opresión, pero s propósito no es evitar ni permitir que el museo se disuelva por sí mismo. Un ejemp paradójico es la Guerrilla Girls que se expresa radicalmente con acciones directa empapelando empapelando las paredes del Soho para para denunciar la falta de representatividad de las mujere en los museos, grandes exposiciones y galerías. Sus medios son radicales y deconstructivos pero sus metas metas son conservadoras. conservadoras. Hegel dijo que el arte nos “invita a la contemplación reflexiva”, específicamente sobre
propia naturaleza. Los artistas de finales de los 60 y principios de los 70 sintieron
habiendo alcanzado este punto, era tiempo de regresar, no a estilos agotados, sino a la “verda y la vida genuinas ”. Danto percibe un final que sugiere una evidencia: el relato d Greenberg estaba terminado y el arte había entrado en lo que puede denominarse u estadio post-narrativo. post-narrativo. Donde otros ven evidencias de la “muerte de la pintura” debido la contaminación de la fotografía, Danto ve el fin de la exclusividad de la pintura pur como vehículo de la historia del arte. A partir de aquí se ofrecen multitud de opcione (performances, instalaciones, fotografía…) pero de ningún modo se coarta al artista en
momento de elegir qué le interesa y sigue habiendo espacios para la pintura, sea abstracta monocroma. Como dijo Philip Gustan, la pintura liberada del modernismo tiene tanta funciones y puede adquirir tantos estilos como finalidades imaginables pueda alcanzar: l realización de objetos bellos o la realización de objetos que muestren los tenues hilos de l estética materialista. Un mundo pluralista del arte requiere una crítica pluralista del arte, lo que significa, un propio crítica que no dependa de un relato histórico excluyente, y Sign queup tome cada obratitle en sus to vote on this términos, sus significados, sus referencias. Useful Not useful Capítulo 9. El museo histórico del arte monocromo
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Nadie en la época de Giotto pudo imaginar el progreso de la pintura que culminó Rafael. La posición de Ryman implica que dentro de la historia de la pintura abstract estamos en una situación similar. ¿Podemos imaginar que la pintura abstracta sea e resultado de los esfuerzos internos de una historia progresiva y evolutiva? Es posib pensar dentro de 3 siglos que habrá algún artista abstracto cuya obra se refiera a la obr de Ryman como la de Rafael refiere a la de Giotto. Aunque el blanco de los cuadros d Ryman no implica un desarrollo progresivo de su obra, sino la manifestación de s personalidad. El hecho de que las pinturas sean blancas y cuadradas no dice mucho: posibles interpretaciones interpretaciones quedan indeterminadas. indeterminadas. Pero la crítica desempeña un papel papel e el arte de la pintura que no tiene, por ejemplo, en la literatura. El arte monocromo ofrec poco que hablar, pero facilita la discusión sobre la “muerte de la pintura”.
Danto habla del peligro que supone basar una atribución de estilo en lo que salta a l vista de inmediato, en especial en la pintura monocroma, donde es necesario busca mucho más que datos ópticos. La “comunicación” está en la obra más que entre la ob y el observador. Cuando los historiadores del arte no encuentran cadenas cadenas de influencias para explicar un trayectoria artística, invocan afinidad de clases. A veces, no importa que esta cualidades tengan fácil definición, basta con que sean fácilmente reconocibles. Es deci podemos decir que una obra es Q si atiende a unas determinadas características. Habr obras que puedan distinguirse claramente como Q y, atendiendo a la lógica, todas la que no se reconozcan como tal serán – Q. Q. A partir de aquí podemos añadirle u predicado estilístico y decir que todas aquellas que correspondan a un determinad estilo serán P. Podríamos definir entonces una matriz de términos y sus negaciones: un obra puede ser P y Q, P y – Q, Q, -P y Q ó – P y – Q. Q. Salvo algunas exzcepciones, exzcepciones, podemo decir por ejemplo, que un pintor será quattrocento y pictórico, otro será pictórico, per no quattrocento. Ryman no sería ni pictórico ni quattrocento. Si vamos añadiendo términos estilísticos, la matriz se tovuelve mástitlecompleja. L Sign up vote on this importante es, independientemente del tamaño de lamatriz, colocar Useful saber useful cada pintur Not en un lugar de la misma. Lo más interesante de todo consiste siempre en preguntar po qué determinado artista produjo en el estilo que lo hizo. De esta forma podemo
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El estilo de Correggio era difícil de definir. Carraci lo vio como un temprano barroco En el s. XX Correggio es reinventado, cuando se establece el manierismo com concepto. De esta forma Seurat o Archimboldo pueden aparecer como surrealistas.
La dura crítica que sufrió la exposición de 1984 “Primitivismo y Arte moderno” s
debió precisamente al etiquetamiento casual de piezas de arte primitivo en clases afine al arte moderno, ignorando las profundas diferencias entre un tipo de arte y el otro, pesar de poder poder apreciar algunas algunas similitudes. El arte abstracto representaría, en las posibles matrices generadas con elemento estilísticos de la historia del arte, la suma de negaciones. Cuando se añade a la matriz nuevo estilo, todas se enriquecen con una propiedad. Danto se refiere a partir de este punto a un ensayo de T.S: Eliot que explica: Ningú artista de cualquier arte adquiere sentido completo por sí solo. No se le puede valora individualmente, se le debe comparar y contrastar con los muertos. Este es un principi de la estética y no sólo de la crítica histórica. Danto explica entonces que para percibir algo como arte es necesario un conocimient de las obras junto a las que se ubica una obra dada, un conocimiento de cómo otra obras hacen posible una obra determinada.
*Por pintura “monocroma”, Danto no se refiere a un solo color único, sino a un
superficie cromáticamente uniforme. A partir de aquí fluye la imagina ción y podemos titular a un cuadro blanco: “Vírgene
vestidas de comunión caminando a través de la nieve” o como definió Kierkegaard ant
una pintura totalmente roja: la superficie del Mar Rojo después de que los israelitas l cruzaran y se ahogaran las tropas egipcias. Este es uno de los fundamentos del Suprematismo; movimiento artístico enfocado formas geométricas fundamentales (sobre todo cuadrado y círculo) que promovía l abstracción geométrica y el arte no figurativo. Nació en Rusia en 1915.
A partir de aquí, podemos imaginar dos cuadros rojos, uno hecho con el espíritu de la bromas de Kierkegaard y otro con el espíritu del suprematismo. Son tan parecidos qu intentaríamos ubicarlos en la misma posición de la matriz, pero sus interpretaciones está po significados son diferentes. Según Danto, la historiaSign de la up pintura to vote onmonocroma this title
ser escrita: Rodchenlo, Yves Klein, Robert Ryman… Useful Not useful Danto presenta la exposición de la pintura monocroma como modelo de cóm pensar en la crítica, una vez que nos damos cuenta de que debemos pensar en su
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arte. La adaptación constituye la clave para sobrevivir en un mundo del arte en el cua todo vale.
Capítulo 10. Los Museos y las multitudes sedientas El arte es algo que revela y al mismo tiempo ti empo redime la frialdad de la vida ordinaria. Danto cuenta varios ejemplos de experiencias vividas por distintos personajes e museos. La posibilidad de generar estas experiencias, aunque no se llegue a materializa en muchas personas justifica para Danto la producción, el mantenimiento y l exhibición de arte. arte. La misma obra obra no afecta del mismo modo a diferentes personas personas incluso a la misma en distintas ocasiones. Por eso volvemos una y otra vez a las la s grande obras: no porque veamos algo nuevo en ellas cada vez, sino porque esperamos que ella nos ayuden a ver algo nuevo en nosotros. No hay condiciones especiales que una obr de arte deba satisfacer para catalizar la reacción. El museo está justificado porqu permite esas experiencias experiencias aunque aunque podamos experimentarlas también también fuera de él. Una gran pintura es una extraordinaria concentración y orquestación de impulsos informaciones artísticas, filosóficas, religiosas, psicológicas, sociales y políticas. Cuant más grande es el artista, más se convierte cada color, línea y gesto en una corriente y e un río de pensamiento y sentimiento. Las grandes pinturas condensan momento reconcilian polaridades, sostienen la fe en el inagotable potencial del acto creativo. Danto lanza varias ideas acerca de los museos y el arte público, diferenciando lo espacios cerrados y los espacios abiertos. Entendido como arte público tambié diferencia aquellos en los que el público asiste como mero espectador y aquellos en lo que puede participar. (En USA el público está muy habituado a las consecuencias de l censura de un arte con contenido sexual). El arte extra-museístico abarca ciertos géneros no fácilmente considerado pertenecientes a los museos: el arte performativo o el arte directo, dirigido a comunidad particular definida según pautas raciales, económicas, religiosas, sexuale éticas, nacionales, o cualquier otra pauta que identifique comunidades. comunidades. En referencia a una golosina denominada “We got it”, creada por Ba -kery, Danto cre que una golosina que sea una obra de arte no necesita ser una golosina especialment buena y sólo debe ser producida con la intenciónSign de up serto vote arte one this incluso title uno pued comérsela pues su propiedad de comestible es coherente con susatributos Not usefulcomo obra d Useful arte.
Del mismo modo, es fácil ver que la “calidad” no tiene relación con las consideracione
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dimensión humana. Las obras de arte son soportes de sentidos., pero deben considerars más que fuentes, vehículos del conocimiento.
Capítulo 11.-Modalidades de la historia: posibilidad y comedia. Hay dos formas de pensar en la esencia: con referencia a la clase de cosas denotadas po un término (extensionalmente) o por el conjunto de atributos que el término connot (intencionalmente). Durante un tiempo la heterogeneidad del término “obra de arte sentó un precedente, que rechazaba el hecho de que una clase de obras de arte que teng t eng un conjunto de atributos definido, debe ser definida en términos parecidos de familia. La contribución de Danto consistió en no dejarse confundir por la heterogeneida radicalizada por Duchamp y Warhol y en encontrar una definición que sea coherent con la disyunción radical en la clase de las obras de arte, explicando además cómo fu posible esa disyunción. disyunción. Danto opina que otorgarle el término de arte a Brillo Box y Urinario fue más u descubrimiento que una declaración. Los expertos realmente son expertos de la mism manera que un astrónomo es experto al opinar que algo es una estrella. Se trata de obra simplemente hechas hechas para terminar con el arte. Intento de convertir el arte en filosofía. Sin embargo, esos objetos no podrían haber alcanzado la categoría de obra de arte e 1865 ó 1765. No todo es posible en cualquier tiempo y ciertos pensamientos sólo son pensados ciertos estadios del desarrollo. Heinrich Wolfflin. El término “obra de arte” alude a objetos que no tienen que parecerse entre sí, pero
definición debe ser coherente con todos ellos y deben ejemplificar la misma esencia. S ampliamos el concepto a través de las distintas culturas, hay que tener en cuenta que ha un modo de hacer arte: el concepto de arte debe ser coherente con todo lo que es arte. Cuando buscamos una definición de arte filosóficamente adecuada nuestra tarea s
facilita porque el término “obra de arte” es hoy totalmente abierto, aunque hay que ten
en cuenta a Wolfflin: la nube de contradicción debe ser disipada, distinguiendo entr todo lo que es posible y todo lo que no. Esa es la tarea de este último capítulo. Que todo es posible implica que no hay constricciones (no se ha establecido un artista dirección) a priori acerca de cómo se debe manifestarSign unaupobra deonarte. Para los to vote this title es posible apropiarse de formas del arte del pasado (pinturas retablo Notcavernas, useful Useful de paisajes, etc.). ¿Qué no es posible?: relacionar esas obras con la forma en que fuero hechas (no somos hombres de las cavernas, medievales devotos o nobles barrocos). N
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Podemos estudiar y saber mucho del barroco, pero siempre estaremos fuera de s período. Seríamos como Don Quijote, burlado o explotado por individuos que comparten su forma de vida. “Imaginar un lenguaje es imaginar una forma de vida” Wittgenstein.
Lo mismo puede decirse de una obra de arte: imaginar una obra de arte es imaginar un forma de vida donde esta tiene un papel. Se puede imitar una obra y el estilo de un obra de un período anterior, pero no podemos vivir el sistema de significados logrado por la obra al ser concebida en su forma de vida original. Nuestra relación con ella totalmente externa. Sabemos que artistas posteriores no podían haber pintado como sus predecesores po razones de destreza sino porque no había lugar en la forma de vida que llevaban. En referencia a una estadísticas sobre los colores y el gusto de los americanos dependiendo de su edad y su poder adquisitivo, Danto concluye: ”la pintura más buscad es incompatible con lo que la mayoría de la gente busca en una pintura. Aunque pued ser diferente de lo que la mayorí a de la gente quiere en una pintura”. En cualquier cas no siempre un “best -seller” es la novela más vendida. “Estilo” es lo que gusta a todos.
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