“Todo está en constante movimiento. La inmovilidad no existe” Jean Tinguely, 1959
•
•
•
•
•
•
•
El arte cinético es un arte en movimiento, o que parece que se mueve. Según Umberto Eco, es una “forma de de arte plástico en el que el movimiento de las formas, los colores y los planos constituyen el medio para obtener un todo cambiante”. El arte cinético tiene diversas variantes que van desde: La incorporación de movimiento real a un objeto artístico de carácter bi o tridimensional Las obras bi o tridimensionales estáticas, pero que poseen efectos de carácter óptico, es decir, movimiento virtual. Esta tipología corresponde al Op art. (Optical Art) El arte que confía en el movimiento del espectador para crear la ilusión de movimiento. El arte que incorpora luces en constante variación, como las obras de neón del artista estadounidense Bruce Nauman y los miembros de Zero (hay quienes incluyen ésta úlima clase en la segunda).
•
•
•
•
•
•
•
El arte cinético es un arte en movimiento, o que parece que se mueve. Según Umberto Eco, es una “forma de de arte plástico en el que el movimiento de las formas, los colores y los planos constituyen el medio para obtener un todo cambiante”. El arte cinético tiene diversas variantes que van desde: La incorporación de movimiento real a un objeto artístico de carácter bi o tridimensional Las obras bi o tridimensionales estáticas, pero que poseen efectos de carácter óptico, es decir, movimiento virtual. Esta tipología corresponde al Op art. (Optical Art) El arte que confía en el movimiento del espectador para crear la ilusión de movimiento. El arte que incorpora luces en constante variación, como las obras de neón del artista estadounidense Bruce Nauman y los miembros de Zero (hay quienes incluyen ésta úlima clase en la segunda).
•
•
•
•
•
El primer ready-made de Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta (1913) constituye el primer ejemplo de esta clase de arte. En los años treinta Marcel Duchamp realizó los llamados Rotoreliefs, obras tridimensionales que gracias a un motor que el observador podía poner en marcha accionaba un mecanismo. De este modo, la pieza constituida por un c írculo, en el que están pintadas una serie de circunferencias conc éntricas, gira y genera una gran sensación dinámica. El interés por la ciencia y la tecnolog ía, que formaba parte del proyecto constructivista, fue un tema constante en el arte cinético. Ya en 1919, Vladimir Tatlin dise ñó un edificio que incorporaba componentes móviles (el monumento a la Tercera Internacional) y, el mismo a ño, su colega Naum Gabo empez ó a realizar construcciones cinéticas. Los dadaístas estaban más interesados en los elementos de juego y azar inherentes al arte cin ético. Sin embargo, el arte cin ético surge en los años cincuenta propiamente, pero las principales l íneas de desarrollo fueron aportadas por el constructivismo y el dada
Tatlin 1919
•
•
•
En los veinte y década de los treinta las obras de Laszl ó Moholy-Nagy (1895-1946) de origen húngaro y nacionalidad estadounidense y el estadounidense Alexander Calder (1898-1976) La exposición definitiva fue “Le Mouvement” en la galer ía Denise Ren é de Par ís , en 1955, en la que se incluían obras de predecesores históricos como Duchamp y Calder, junto a artistas contemporáneos como el israelí Yaacov Agam (n. 1928), el belga Pol Burry (n. 1922), el danés Robert Jacobsen (1912- 1993), el venezolano Jesús Rafael Soto (n. 1923), el suizo Jean Tinguely (1925-1991). En 1961, esta exposición fue ampliada en forma de gran museo internacional de arte cin ético y op art de setenta y cinco artistas, “el movimiento en el arte”, que se expuso para el gran público por toda Europa
•
•
•
•
•
•
Considerado el padre del arte cinético. Influenciado por la Bauhaus en su formaci ón en la escuela Mühely de Budapest. Aprendió allí la organización de la obra seg ún los principios geométricos, entre los que sobresalen las leyes de la proporción y ritmo creadas tanto a través de elementos compositivos como por la manera de tratar el color. Influido por Mondrian y Malévich. Su primer etapa, entre los a ños 1929 y 1939 se dedicó a realizar dibujos destinados a la publicidad. A partir de 1948 trabaja en la abstracci ón cinética y las obras pictóricas anteriores a ese año él las denomina “período cristal”.
•
•
•
•
•
•
De 1948 data su Homenaje a Mal é vich, y comienza su etapa “blanco-negro” donde podemos distinguir tres tipos de realizaciones: Los fotografismos. Realizaba peque ños dibujos constituídos por líneas perfectamente paralelas y después los aumentaba por procedimientos fotográficos. Obras “profundas cinéticas”, que consisten en superponer dos o más fotografismos pintados en planchas de pexigl ás, colocadas de manera que entre cada una de ellas quede un espacio de unos centímetros. La sensación de movimiento se obtiene debido al desplazamiento del espectador. Por último, se hallan las “unidades pl ásticas blancas y negras”, que son pinturas en las que las configuraciones como el cuadrado y su forma din ámica, el rombo y el c írculo con su correlato en perspectiva, la elipse, éstos constituyen los elementos básicos de sus composiciones. A partir de 1959, y hasta mediados de los sesenta, la obra de Vasarely se carga de color y la denomina “per íodo del “folclore planetario”. A partir de 1964 surge su “homenaje al hex ágono” en la cual amplía la gama cromática y recurre al juego de perspectivas opuestas para lograr la sensaci ón de máximo dinamismo.
•
•
•
Período de las series CTA, Vega y ONDCTA, es la palabra que utiliza la astronom ía para identificar las señales que provienen de otras galaxias. En estas obras el círculo es la base de la composición y se repite en un fondo dorado y plateado. No hay contrastes acusados y recurre a las gradaciones tonales; realiza sombreados en la zona de los bordes de las figuras, mientras que las zonas centrales aparecen iluminadas. Vega (nombre de la estrella de la constelación de Lira) es la serie donde emplea el cuadrado como elemento base, pero sometido a deformación. Al dilatar el cuadrado base surge una figura convexa. En cambio, al encoger el cuadrado base surge una figura cóncava, estas últimas obras pertenecen a la serie OND (palabra tomada de la mecánica ondulatoria).
•
•
•
•
Afincado en París desde 1950 donde se interesó por Mondrian y Malévich. En 1953 inspirado por sus conocimientos de música dodecafónica, Soto inició su pintura de carácter serial, basada en los tres colores primarios, sus complementarios, y el blanco y el negroA través de permutaciones con las series de puntos de colores pintados sobre la superficie, desarrolló un arte que ya poseía características cinéticas pues la repetición de elementos origina una fatiga en la retina que da lugar a que se produzca un desplazamiento, de carácter ilusorio, en el campo visual. En 1954 y 1955 empleo plexiglás pintado que, al ser transparente proporciona una serie de efectos interesantes.
•
•
Efectuó piezas tridimensionales, reuniendo mediante varillas de acero, diversas planchas pintadas con puntos o líneas e colores distintos, de tal manera que, cuando el espectador se desplaza siempre percibe aspectos diferentes de la misma pieza. A partir de 1958 Soto realizó obras colgantes, en las que empleó varillas muy finas, metálicas o de materiales plásticos, que se mueven con el aire. Este tipo se conecta con otras obras que el artista llama “penetrables” y que constituyen verdaderos environments, en donde el espectador-participante se puede introducir obteniendo múltiples sensaciones no sólo visuales, sino también auditivas y táctiles.
•
•
Durante los años sesenta Jesús Rafael Soto experimentó con otros materiales, sobre todo con planchas de acero pintadas con un finísimo rayado de muaré sobre las que disponía piezas clavadas en forma de cuadrados de colores puros. El contraste es tan fuerte que agrede la retina y se produce la sensación de que la obra se mueve. A fines de esa década y en la siguiente efectuó esculto-pinturas en las que usó un plafón de madera como soporte. Sobre él pintaba las líneas paralelas en blanco que constituyen el fondo del muaré y después situaba en la parte superior un clavo del cual suspendía un hilo de nylon. En este hilo ensartaba varillas de alumnio pintado de color que pesan muy poco y que oscilan al más mínimo soplo de aire.
•
•
A partir de algoritmos genéticos Jansen diseña artificialmente seres virtuales en su Atari que luego transformará en bestias-máquina en el laboratorio de viento. Dichos algoritmos simulan evoluci ón dentro de su código con lo que lentamente los strandbeest van perfeccionándose. Srtandbeest, o lo que es lo mismo, «Animales de Playa». Así llama Theo Jansen a sus criaturas de tubos amarillos y alas de plástico que vagan por la arena húmeda de las playas de Holanda. Tal vez ya conozcas a este escultor cinético que afirmaba el año pasado desde un anuncio para una lujosa marca de coches que “las barreras entre el arte y la ingeniería solamente existen en nuestras mentes”.