52 - Descubrir El.arte.Agosto.2011.Sfrd

DESCUBRIR EL

     E      T      N      E      R      F      L      A      S      A      D      A      R      I      M  ,      S      A      N      A      C      I      R      F      A      S      A      R      A      C      S       Á      M     •      S      A      L      O      C      N      I      S      S      O      E      S      U      M     •      A      Z      E      L      A      R      U      T      A      N      A      L      A      O      T      L      A      S      A

     0      5      1      º      N      E      T      R      A      L      E      R      I      R      B      U      C      S      E      D

PRESENTACIÓN

MUSE MUSEOS OS “TO “TOTALIT ALITAR ARIO IOS” S” Y OTRAS TRAS OPCI OPCION ONES ES RAFAEL SIERRA, director

Paisaje con Psique y el águila de Júpiter,

por Paul Bril y Pedro Pablo Rubens, 1610, Madrid, Museo del Prado.

Los Los árbol árboles, es, en ocasio ocasiones nes,, nos impide impiden n verel er el bosque bosque.. Si repasamos repasamos la historia historia del arte, descubriremos un sinfín de arquitectur arquitecturas as y paisajes que quedaron quedaron ensombrecidos ensombrecidos por escenas de personajes sagrados, mitológicos o de la vida cotidiana. cotidiana. El pintor y fotógr fotógraf afo o José Manuel Ballester Ballester lleva algunos algunos años despojando de personajes, personajes, mediante photoshop, fotografías de lienzos firmados por Leonardo da Vinci, Fra Angelico, El Bosco, Boticelli, Patinir, Patinir, Brueghel, Brueghel, Claudio de Lorena, Lorena, Wermeer Wermeer,, Velázquez, Goya y Picasso. Picasso. Gracias a las nuevas tecnologías, tecnologías, que permiten permiten borrar borrar y reconstr reconstruir uir fragmento fragmentos, s, Ballester ha focalizado nuestras nuestras miradas sobre arquitecturas arquitecturas y paisajes eclipsado eclipsados, s, por ejemplo, ejemplo, por la trucule truculenta nta historia de Nastagio degli Onesti, la compleja escena cortesana de la familia de Felipe IV, el delirante batiburrillo de El Jardín de las Delicias  o la sangrienta y desoladora desoladora secuencia de los fusilamientos del 3 de mayo. Hasta el siglo XVI, los paisajes fueron fueron considerados un género menor menor. A partir partir de este momento momento,, los paisajistas paisajistas rompen las ataduras y adquieren adquieren plena autonomía. La exposición Roma.

en ocasiones, como con los árboles que dificultan la visión del bosque. Las grandes instituciones instituciones y sus potentes muestras muestras provocan que nos olvidemos de los pequeños museos, donde siempre es posible encontrar encontrar algo nuevo. Recientemente viajé a Washington, donde además de visitar visitar la National Gallery, Gallery, cuajada de obras de los grandes maestros, tuve tuve la oportunidad de conocer la Phillips Collection, en la que descubrí, en una suntuosa mansión de principios del siglo XX, cómo convivían en perfecta armonía los maestros maestros europeos (Cézanne, Bacon...) y estadounidenses (Hopper, Rothko...). Los museos han ejercido sobre mí, desde siempre, una fascinación irresistible. Naturaleza e ideal. Paisajes, 1600-1650, Conforme Conforme me voy voy haciendo mayor mayor ya no muestra en el Museo del Prado, a través de un busco museos “totalitarios” que intenten centenar de obras, cómo los artistas artistas que ordenar ordenar la historia, sino pequeños centros centros fijaron su mirada en la naturaleza fueron donde poder disfrut disfrutar ar de algunas obras obras con buscando su sitio, afianzando su lugar, calma. El sueño de Malraux Malraux de intentar intentar desarrollando, en definitiva, un género concentrar concentrar todas la obras obras de arte en un pictórico pictórico de altísima altísima calidad. Los museos, imaginario espacio sin paredes se ha como pueden ver, están abiertos por convertido convertido en la pesadilla posmoderna. posmoderna. Los vacaciones. Con los grandes centros ocurre, centros de arte siguen almacenando obras de forma compulsiva, muchas de las cuales no veremos nunca. Como creo que es casi casi imposible evitar evitar la tentación tentación de visitar visitar algún museo durante durante las vacaciones, hemos seleccionado para ustedes seis centros donde disfrut disfrutar ar de buen arte sin morir en el intento. Tras Tras la Bienal de Venecia, que este verano agoniza sin remedio a orillas de los canales tras los varapalos que ha recibido de la crítica, Argentina prepara una Bienal, con sede en Usuahia, que profundizará, a través del arte, en los problemas que acechan al planeta. El arte, afortunadamente, también se cuece al margen de los circuitos dominantes. Las verdaderas emociones se agazapan muchas veces en la periferia, a la T espera de que alguien las descubra. 3

Grupo Unidad Editorial, Revistas S.L.U. Presidenta: Carmen Iglesias Director General Editorial: Pedro J. Ramírez Director Editorial: Miguel Ángel Mellado Director General Publicidad: Alejandro de Vicente Director General: Luis Enriquez Director de Arte: Rodrigo Sánchez Director: Rafael Sierra Jefes de sección: Arturo Arnalte y Óscar Medel Coordinación: José María Solé Redacción: Rafael de las Cuevas, Ana García Piñán, Sara Puerto y Ángela Sanz. Secretaria de Redacción: Isabel Vicario Dirección de Arte: Enrique Ortega Maquetación: Ángel de Marcos Publicidad: Unedisa Publicidad. Director Comercial: Jesús Zaballa. Directora de Área: Cristina Esquivias. Directora de equipo: Natalia García. Directora de Publicidad: Charo Pozuelo. Jefes de publicidad: Eva de Lombas, Myrna Tuico, Ignacio Bofill. Cristina Pascual, Vanessa Catalá (Barcelona). Coordinación: Feli Calvo Suscripciones: Félix Carpintero Teléfono de información al cliente para suscripciones, números atrasados y libros: 902158997 www.revistaarte.com Colaboran en este número: Arturo Arnalte, Kosme de Barañano, Antón Castro, Fernando Castro Flórez, Leila Crewn, Rafael de las Cuevas, Juan Carlos Chirinos, Rafael Doctor, Pablo Andrés Escapa, Francesc Fabrés, Daniel Gascón, Javier Goñi, Manuel Hidalgo, Kristian Leahy, Julio Martín Alarcón, Carlos Marzal, José Riello, Juan Ignacio Samperio Iturralde. COMITÉ ASESOR Javier Villalba (presidente fundador), Isidro G. Bango, Kosme Barañano, Gonzalo M. Borrás, Eduard Carbonell, Eugenio Carmona, Fernando Castro Borrego, Francisco J. R. Chaparro, Fernando Checa, Enrique Domínguez Uceta, Francesc Fontbona, Daniel Giralt, Tomàs Llorens, Fernando Marías, Pedro G. Martín, Alfredo J. Morales, Víctor Nieto, Pedro Navascués, Mercedes Peláez, José Riello y Joaquín Yarza. Edita: Unidad Editorial Sociedad de Revistas, S.L.U. Avenida de San Luis, 25. 28033 Madrid Tel. 91 443 63 58 Fax: 91 443 65 33 Márketing: Pedro Iglesias Gerente: Massimo d ’Angelo Director de Producción: Fernando Gil Imprime: Altair Impresia Ibérica S. A. Tel. 918957915 Distribuye: Logintegral S. A. U. Printed in Spain. Depósito Legal: TO-0732-2008 ISSN: 1578-9047 E-Mail: [email protected] Promociones válidas sólo para España Esta publicación es miembro de la Asociación de Revistas de Información asociada a la Federación Internacional of Periodical Press (FIPP) Publicación controlada por Esta revista ha recibido una subvención de l a Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas para su difusión en bibliotecas, centros culturales y universidades de España para la totalidad de los números editados en el año.

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AGOSTO 2011

ARTESUMARIO 30 ¿Museos al margen? La visita en verano a los grandes museos puede convertirse en una pesadilla, pero en estos seis centros de arte es posible ver grandes colecciones y obras maestras sin sufrir la masificación turística veraniega. 34. Museo Nazionale del Bargello, la Casa de Donatello 36. Musée National du Moyen AgeThermes de Cluny, un jardín medieval 38. Liechtenstein museum, en torno a Rubens 40. Frick Collection, junto a Central Park 42. Museo Franz Mayer, no solo pintura 44. Museo de Shanghái, la unión entre el cielo y la tierra

46 Miradas de frente, el yo de la máscara El MET ha seleccionado obras procedentes de África, Europa y los Estados Unidos de artistas contemporáneos que

22 EN PORTADA La eclosión del paisaje Nacido como género independiente a fines del XVI y principios del XVII, cuando el ser humano buscó en la naturaleza un modelo para poner orden en el mundo, El Prado invita a admirar las visiones de los mejores paisajistas de la época, como Velázquez, Claudio de Lorena o Poussin, en Roma:  Naturaleza e Ideal. Paisajes, 1600-1650. Tras su paso por el Grand Palais de París, la exposición de Madrid incluye una serie de paisajes encargados por Felipe IV para la decoración de su nuevo Palacio del Buen Retiro, en la que participaron los más relevantes artistas residentes en Roma entre 1635 y 1640, cuya influencia fue trascendental en el devenir del género.

han utilizado la máscara africana como un catalizador para la exploración creativa.

54 El nuevo arte joven español El siglo XXI despega con una generación de artistas nacidos en los setenta y ochenta cuya obra se desliga de la posmodernidad para indagar en el individualismo y la conflictividad social.

74 San Petersburgo, el sueño barroco de Pedro I Viajero instruido y amante de Europa, el zar de Todas las Rusias concibió una urbe ideal inspirada en los principios racionalistas, que transformó una tierra inhóspita y cenagosa en el fastuoso corazón del arte ruso.

62 Arquitectos de cuento Cuatro escritores imaginan, a partir de cuatro fotografías únicas, los microcuentos literarios que sugieren cuatro edificaciones de Europa, África, América y Asia.

7 Al día 82 Periscopio 86 Antigüedades 88 Diseño 90 Cine: Visconti inicia con Senso  su brillante ciclo sobre la decadencia 92 Libros 94 El autor: Paloma Polo 98 Delirios bajo control: Buen chico el chico malo, por Carlos Marzal.

AL DÍA

LAS10CITAS [ ] DE AGOSTO

1 MÁLAGA

LA CARA MÁS VANGUARDISTA DE DIEGO RIVERA EL MUSEO DEL PATRIMONIO MUNICIPAL RECUPERA LA PRODUCCIÓN CUBISTA DEL MURALISTA MEXICANO CON OBRAS INÉDITAS EN EUROPA

Icono cultural de la Revolución Mexicana, junto a José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera es conocido en todo el mundo por sus mastodónticos murales de cromatismo intenso y fuerte carga ideológica. Aunque, como sucede con todos los grandes artistas, lo que queda bajo el iceberg del etiquetado masivo es tanto o más interesante para conocer la idiosincrasia del creador. Diego Rivera tuvo una importante etapa cubista que el Museo de Patrimonio Municipal de Málaga recupera en esta reducida pero jugosa muestra. Y cómo no iba a tenerla, si cualquiera nacido en la generación de Picasso no podía pasar cerca de Europa sin caer en el torbellino de ese arte

Jacques Lipchitz, por Diego Rivera, 1914.

degenerado y genial que arrastraba irremediablemente a todo sujeto pertrechado con un pincel a las calles de Montparnasse. Rivera pasó por allí, y conoció al maestro malagueño en persona. Pero ya se había empapado previamente del credo cubista y del resto de vanguardias europeas (tuvo sus coqueteos con el

futurismo de Marinetti y es de suponer que tampoco era ajeno al vorticismo de Wyndham Lewis). El pintor mexicano viajó durante casi quince años por el viejo continente, y esta etapa fue la más fructífera en su aprendizaje pictórico. Aunque, como se vería más tarde, los antojos abstractos se cortarían en seco en

MADRID

MODERNIDAD SOBRE PAPEL LA FUNDACIÓN MAPFRE ENSEÑA SUS DIBUJOS

Joven dormida, por Egon

Schiele, hacia 1909.

Contenedor de la idea que germina en la mente del artista, el dibujo no siempre ha sido el elemento más apreciado en el ámbito de la creación pura. La Fundación

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Mapfre pone de relieve su valor intrínseco con más de un centenar de obras sobre papel. Dibujos de Rodin, 7

favor de la figuración posterior de sus murales. Su primera parada tras cruzar el Atlántico fue, como no podía ser de otra manera, la vieja metrópoli española. Aquí asistió a la academia de pintura de Eduardo Chicharro y se maravilló con la obra de Goya y El Greco. En 1910 se instaló ya en la capital francesa donde seguiría estrechamente a Picasso, Braque, Modigliani y el resto de vanguardistas. La guerra mundial le hizo refugiarse de nuevo en España, y ya traía la técnica de partición del plano bajo el brazo. La exposición se compone de unas treinta obras, entre las que destacan cinco no expuestas en territorio europeo y una en especial, Retrato de M. O. Voloshi , inédita hasta hace relativamente poco tiempo. Como no imaginamos un muro del Palacio de Bellas Artes de México arrancado de cuajo y viajando a Málaga –aunque cosas más raras se han visto–, regocíjense los incondicionales de Rivera por esta oportunidad única para admirar sus lienzos.

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Hasta el 28 de agosto. T

Schiele, Matisse, Barradas, Delaunay, Dalí y Chillida, entre otros, procedentes de los propios fondos de la institución, ofrecen un recorrido en trazos a través de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX. Hasta el 27 

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de agosto. T

AL DÍA

MADRID

Metanoia 6,

PROCESOS MATEMÁTICOS EN PAPEL CONTINUO COMPUTACIÓN Y TEORÍA DE LA INFORMACIÓN APLICADA A LA EXPRESIÓN DE LA IDEA

Elena Asins, 1988.

“Cultivad la ciencia de los números, porque nuestros crímenes no son más que errores de cálculo”. Esta frase atribuida a Pitágoras da la bienvenida a los visitantes de la muestra de Elena Asins en el Reina Sofía. Un asertivo muy apropiado para acompañar los procesos de esta creadora (sustantivo que ella prefiere al de “artista”) que lleva desde los años sesenta expresando un lenguaje propio que surgió de la programación informática en la época en que las computadoras eran todavía algo extraño e

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inaccesible. El circuito integrado acababa de nacer y los pocos ordenadores que existían se encontraban en centros de cálculo como el de la Universidad Complutense. Allí empezó Asins a estudiar el lenguaje de la máquina, a

BURGOS

ARTE EN LA CATEDRAL: COMPENDIO RECAPITULACIÓN DEL PROYECTO CONTEMPORÁNEO DEL CABILDO

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Arte en la catedral de Burgos  fue un

proyecto arriesgado cuando comenzó su andadura en el año 2005. La idea de poner uno de los templos cristianos más antiguos y venerables al servicio del arte contemporáneo parecía

desarrollar sus dotes de programación y a aplicar este lenguaje para vislumbrar una realidad perfecta regida por irrefutables teoremas matemáticos. “El reino de dios”, lo llama ella, que además está versada en teología. Las construcciones

chirriar, pero todos los que han formado parte de la iniciativa han alumbrado piezas de honda espiritualidad que han servido de contrapunto perfecto a los retablos, cruces y demás joyas de arte sacro. La organización hace ahora un ejercicio de recapitulación mostrando todas las obras participantes. Hasta el 4 de  septiembre. T

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por

geométricas impresas con agujas de tinta sobre papel continuo nos hablan de este proceso, como también lo hacen sus instalaciones y piezas con madera, nylon o metal. Pero lo importante en su proyecto conceptual es la idea, un mundo surgido de su mente cifrada casi en líneas de código. Manuel Borja-Villel pone de nuevo las salas del MNCARS a disposición de una creadora que, sin ser marginal, ha trabajado al margen de modas y estilos. Hasta el 31 de octubre. T

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Javier Pérez en su

instalación para Arte en la Catedral, 2009.

PALMA DE MALLORCA

UNA HISTORIA DEL GRABADO LOS MEJORES ARTISTAS DEL MUNDO Y SUS TÉCNICAS , EN CAIXAFORUM

La historia del grabado y sus diferentes técnicas desde sus inicios –en las ediciones de la Biblia en el siglo XVI– hasta la actualidad, de la mano de artistas de primerísima línea, como Durero, Rembrandt, Canaletto, Piranesi, Lorrain, Goya, Degas o Morandi. Ése es el núcleo de esta soberbia exposición, que reúne 120 obras procedentes de la Fundación William Cuendet & Atelier de Saint-Prex. Una oportunidad única para adentrarse en la técnica del grabado, cuya evolución está íntimamente vinculada a la del libro y la impresión y que, de hecho, nació para ilustrar almanaques y calendarios, textos religiosos, atlas científicos o geográficos y, más tarde, novelas históricas. La muestra incluye siete secciones: El grabado al  La melancolía, grabado

de Alberto Durero, 1514.

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servicio del libro, El vedutismo y Venecia, El clasicismo francés, Intimidades, Paisaje, Investigaciones técnicas y Taller. De  Durero a Morandi. Hasta el 25 de septiembre. T

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AL DÍA

MADRID

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PARA GOURMETS DEL DISEÑO GRÁFICO LA CASA ENCENDIDA MUESTRA LAS MEJORES PORTADAS DE RODRIGO SÁNCHEZ

La cabecera de una revista es su seña distintiva, la hace reconocible a un primer vistazo aunque a veces quede semioculta por un trozo de silueta o se cambie de color. Pero jugar con ella, malearla, cambiar la tipografía, deconstruirla o, incluso, eliminarla por completo sin que se pierda un ápice la identidad de la publicación es algo que sólo está al alcance de unos pocos elegidos. Rodrigo Sánchez es uno de ellos y la prueba es que ha sido galardonado dos veces el premio de la Society for News Design (los Pulitzer del diseño gráfico) por sus revolucionarias portadas en el suplemento Metrópoli. Busquen cualquiera de ellas e intenten encontrar dos iguales

a lo largo de las dos décadas de vida de la publicación. Es imposible. Unas están elaboradas totalmente a mano con trazos de lápiz, otras tienen un abigarrado estilo art nouveau ; aquí aparece una ilustración vintage , allá una expresión minimalista de pixel art ; los titulares pueden aparecer con tipografía clásica o estar hechos con patatas. Nada se da por supuesto y nada queda tampoco al arbitrio del azar. Todas tienen una carga informativa clara y poderosa, y es que Rodrigo fue monaguillo antes que fraile; su condición de periodista siempre se ha complementado a la perfección con su labor gráfica. Hasta el 7 de  Portada de Metrópoli  del 10 de octubre de 2003, por Rodrigo Sánchez.

septiembre. T

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MADRID

EL PALACIO DE LIRIA: MUSEO Y HOGAR

LA CASA DE ALBA REHABILITA SUS SALAS Y REORDENA LA COLECCIÓN PERMANENTE

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En los centenarios muros del Palacio de Liria, duermen desde que éste fuera levantado en el siglo XVIII, las obras de grandes maestros del arte de todos los tiempos. Fra Angélico, El Greco, Velázquez, Goya, Zuloaga.., todo un compendio de incalculable valor viste de gala el orgullo de la Casa de Alba. La reciente rehabilitación de algunas de sus 200 salas y la reordenación de la colección que las preside, muestra el empeño de sus titulares en conservar su legado, y brinda una ocasión especial para visitar uno de los edificios más T personales y enigmáticos que atesora el Patrimonio Histórico español. -

Retrato de Cayetana de Alba, por

Francisco de Goya, 1795.

VALENCIA

EL QUERUBÍN FUMADOR DE PINAZO LA TEMÁTICA AMOROSA DEL ARTISTA VALENCIANO VISTE LOS MUROS DEL

Cupido, por Ignacio Pinazo,

1892.

La exposición permanente de Pinazo en el Instituto Valenciano de Arte Moderno es de visita obligada para locales y viajeros, aunque no está de más destacar en temporales como ésta algunas facetas interesantes de su

producción. El cuadro Cupido , pintado para la exposición Universal de 1895, es uno de los más singulares en todo su catálogo: un pequeño dios del amor con el carcaj vacío (ya ha repartido flechazos de carnalidad a diestro y siniestro) 10

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IVAM

reposa en el regazo de una tierna muchacha que le enciende un cigarrillo. Junto a él se exponen bocetos preparatorios y cuadros de temática similar. Hasta el 6 de  noviembre. T

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MADRID

MISTERIO MISTERIOS S DE TEOTIHU TEOTIHUACÁN ACÁN

CAIXAFORUM EXPLORA A FONDO LA CIUDAD MEXICA

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Sexta ciudad más grande del mundo en su época y maravilla arqueológica en la actualidad, Teotihuacán fue centro centro cultural, político y religioso de la potente civilización mexica durante ocho siglos (150 a.C.650 d.C.). Un larguísimo período en el que se sumerge ahora la exposición Teotihuacán, ciudad de  los dioses, a través de 400 piezas que dan idea de la riqueza, sofisticación sofisticación y espíritu espíritu cosmopolita que llegó a tener esta urbe, urbe, Patrimonio Patrimonio de la Humanidad desde 1987. Organizada por el Instituto Nacional de Antropología Antropología e Historia de México, la muestra estudia la antigua metrópoli –cuyo –cuyo nombre nombre significa “el lugar de los dioses”– a través través de seis apartados: La 

construcción de la ciudad, Política, Jerarquía y  comercio, Culto religioso, Vida de palacio, Arte  y Relaciones con Mesoamérica. La Pirámide del Sol  y la Pirámide de la Luna , el Gran Gran Jaguar de Xalla y el Disco  de la Muerte  destacan entre cientos de objetos

bellísimos: esculturas esculturas de piedra y obsidiana, figuras de animales animales mitológicos mitológicos como como el jaguar y la serpiente, máscaras máscaras rituales, joyas y objetos de cerámica, que ilustran el estilo de vida de una ciudad cuyo final sigue siendo un misterio. Un fin que quizá se debió a un gran incendio, como sugieren las capas de ceniza encontradas en sus ruinas, o que pudo ser consecuencia de revueltas revueltas sociales contra jerarcas jerarcas político-religiosos, como apunta el hallazgo de múltiples esculturas decapitadas. La muestra reúne fondos procedentes procedentes del Museo Nacional de Antropología de México, Zona Arqueológica Arqueológica de Teotihuacán, Museo del Templo Mayor y colecciones privadas, privadas, entre entre ellas, la del gran gran T muralista Diego Rivera. Hasta el 13 de noviembre. -

Dos piezas de arte precolombino

procedentes de Teotihuacán.

BILBAO

ARTFUTURA DESFRAGMENTA SU DISCO DURO

LA ALHÓNDIGA EXPONE LO MEJOR QUE HA PASADO POR EL FESTIVAL A LO LARGO DE SUS 21 AÑOS DE EXISTENCIA Son tantas las cosas que han cambiado en la sociedad actual por mediación de la tecnología en sólo dos décadas que da vértigo enumerarlas. Hace veintiún años ArtFutura era una propuesta vanguardista, una curiosité  para los elitistas del arte y un reducto de outsiders  en tierra de nadie para otros. Ni específicamente diseñado para artistas artistas al uso, ni tampoco para fans de la animación, la programación

o los l os videojuegos, sino un amasijo de todo, era difícil asignarle una etiqueta. Y quizá gracias a ese carácter inquieto y multidisciplinar ha sobrevivido y se ha expandido a lo largo de sus 21 ediciones. Hoy existen muchas propuestas similares, e incluso centros centros de arte (LABoral, Matadero, MUSAC) con una programación fuertemente marcada por las nuevas tecnologías o

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Doll face, por Andrew Andrew Huang,

2005.

directamente centrada en ellas (en el caso de LABoral). Uno de estos centros, La Alhóndiga, rinde tributo al festival con una selección de las piezas más interesantes 12

de su catálogo. Hay de todo: cortos animados de artistas artistas que luego han entrado en la nómina de Pixar, proyectos de creadores visionarios como Sachiko Kodama o Josh Harris, que luego han sido imitados hasta la saciedad; ejemplos fehacientes de que el videojuego es un arte con mayúsculas; predicciones sobre las redes sociales que se han ido cumpliendo con escalofriante exactitud... El futuro se ha convertido en presente a velocidad absurda. Hasta el 2 de septiembre. T

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PUBLIRREPORTAJE

Eugenio Recuenco, el fotógrafo de moda más destacado en el panorama actual español, autor de conocidas campañas de moda para marcas nacionales e internacionales, es uno de los cuatro reconocidos fotógrafos quecolaboran quecolabor an comomaestr comomaestros os de exc excepci epción ón en el proy proyect ectoo FOT FOTOAC OACTITU TITUDES DES organizado organi zado por Keep Walking Project (www.keepwalkingproject.com (www.keepwalkingproject.com), ), la iniciativa de con la que Johnnie Walker premia la actitud de superación de aquéllos que luchan por cumplir sus metas, y Notodo.com. Junto a él, otros tres grandes nombres en esta disciplina como Chema Madoz, Gervasio Sánchez y José Manuel Navia, promueven el progreso  y aprendizaje en la fotografía a través de unas series audiovisuales de clas clases es mag magistr istrale aless onli online, ne, dis disponi ponibles bles en www.johnniewalker.es/  fotoactitudes hasta septiembre.

dando lugar a divers diversas as interpretaciones interpretaciones por el público público.. La atmósfe atmósfera ra de sus imágenes y su detallismo barroco, tan próximos a la pintura, hacen que su estilo sea reconocible en un solo golpe de vista. UNA VISI VISIÓN ÓN DIST DISTINT INTA  A 

Además de conv Además convert ertirs irsee en mae maestr stro, o, con FOT FOTOAC OACTITU TITUDESEugen DESEugenio io Rec Recuen uenco co nos invitaba a seguir sus pasos. En la última de sus clases online, lanzó al público seguidor un reto, asociado a su capacidad de contar historias, desafiando a transformar nuestro entorno con la fotografía y crear un nuevo contexto para un personaje u objeto para tener visión distinta sobre el mismo.

“La respuesta, más de 2.000 imágenes recibidas en un solo mes.”  “Anteriormente, Recuenco y Madoz habían coincidido como miembros del   jurado del concurso Fotoactitud en el que se seleccionaron a los fotógrafos  oficiales de ARCOmadrid_2011, junto con el director de la feria Carlos Urroz.”  UN FOT FOTÓGRAFO ÓGRAFO AU AUTODI TODIDA DACT CTA  A 

En su serie, estrenada en marzo y aún accesible en la web, Eugenio Recuenco nos acerca a su forma de ver e interpretar el mundo a través de su cámara, desvelando detalles de su carrera, proporcionando en exclusiva reflexiones y consejos personales sobre este arte, así como sus  fuentes de inspiración y estilo. Un fotógrafo autodidacta, que como él reconoce, también ha aprendido a base de equivocarse, sacando provecho del error e investigando hasta donde nos puede llegar. Tal vez un camino más largo que recorrer, pero en el que cada escalón que se sube no se vuelve a bajar. Gran creador de espacios y escenas sugerentes, Recuenco nos confiesa quee má qu máss al allá lá de re retr trat atar ar mo mode delos los,, bu busc scaa na narr rrar ar un unaa hi histo stori riaa en ca cada da obr obra, a,

Los autores de los mejores trabajos recibidos (Marta Ceniceros Gimeno, Robertoo Corral Robert Corraloo Galvá Galván, n, Raúl Rosillo, Pedro Pablo Salvador Hernández, Hernández, Rebeca Saray Gude Martínez y Gabrie Gabriell Soler Soleraa Barber Barbero) o) tendrá tendránn la gran oportunidad de trabajar mano a mano con él, en una singular sesión magistral a finales de este mes de julio. Colaborarán con Recuenco en la producción de una de sus obras para su proyecto personal de un libro exposición “365”, 365 fotos en un mismo espacioo que se trans espaci transforma formará rá mínima mínimamente mente,, única únicamente mente cambiando el personaje y lo que ocurre en él, buscando una relación entre lo que ocurre fuera y dentro de ese espacio. Un gran premio para todo  fotógrafo  fotógra fo con c on actitud actitud..

LA SEMI SEMILLA LLA DEL DEL 15-M 15-M

AL DÍA

NOT NOTICIAS [

]

RAFAEL RAFAEL DOCTOR

NACIONAL

su nuera Christine Ruiz-Picasso Ruiz-Picasso ha denunciado con visible enfado que algunas de sus obras, como Sueño y mentira  mentira  de Franco , se hayan usado en una muestra sobre arte y Guerra Civil que, en su opinión, es una exposición oportunista y partidista en momento electoral, que traiciona el espíritu apolítico del Museo Picasso de Málaga. Los baños reales

La tabla de Luini antes de su restauración.

Bernardino Bernardino Luini, discípulo de Leonardo da Vinci, que se encontraba en un estado de deterioro deterioro “preocupante”, “preocupante”, ha sido restaurada restaurada y está expuesta expuesta al público en el Museo de Bellas Artes de Sevilla hasta el 17 de julio. La obra pertenece a la iglesia de Utrera desde 1679. Su llegada a esta localidad es un enigma, pero parece probable que la comprara comprara la familia Montes de Oca, muy poderosa en el el siglo XVII y con fuertes relaciones comerciales con Italia.

del Palacio de

Comares.

EL MEA CULPA DE LOS CHILLIDA Después Después de romper la baraja y

LA ALHAMBR ALHAMBRA, A, AL DESNU DESNUDO DO Las estancias que permanecen cerradas al turismo del monumento más solicitado de España, La Alhambra, tres millones de visitas al año, se podrán podrán conocer gracias gracias a una guía virtual –La Alhambra  turistas podrán oculta – que los turistas alquilar alquilar en el palacio para saber saber qué hay hay más allá allá de las puertas cerradas: baños, alcobas, corredores y decoraciones perdidas revivir revivirán án en 3-D por un acuerdo entre el Patronato de La Alhambra, el World Monuments Fund Fund y American Express.

PICASSIANO ENF ENFADO EN MÁLAG MÁLAGA A Durante la Guerra Civil española, Pablo Picasso tomó partido partido por el bando republican republicano o y su denuncia denuncia de la violencia en el Guernica  hizo del cuadro el icono por excelencia del conflicto, pero

ALT ALTAMIRA, BAJO LA LUP LUPA DE LA CIEN CIENCI CIA A La reapertura reapertura de la cueva original de Altamira, una meta por la que luchó luchó el ex presidente presidente cántabro Miguel Ángel Revilla, está siendo estudiada estudiada por un equipo

El Chillida-Leku quiere reabrir.

anunciar el cierre cierre del ChillidaChillidaLeku por desacuerdos desacuerdos de financiación con el G obierno vasco hace tres meses, los herederos herederos del escultor Eduardo Chillida han anunciado su buena disposición para empezar “desde cero” a renegociar fórmulas fórmulas que permitan la reapertura del museo al aire libre de este artista en San Sebastián. Todos los partidos vascos apoyan una iniciativa que rebaje tensiones y conduzca a la reapertura del parque-museo.

Bisonte

científico científico de la UNESCO. Las pinturas de Altamira han sufrido un progresivo deterioro debido a la gran cantidad de visitantes que tenía el lugar, pero la réplica no atrae igual cantidad de turistas que el original. La UNESCO considera que si no se dan las condiciones para permitir el acceso físico físico a la gruta, se podría podría diseñar diseñar una visita virtual complementaria. complementaria.

RESTAURADO UN LUINI, LUINI, DISCÍPULO DISCÍPULO DE LEONARDO La tabla datada en 1521 Christine Christine Ruiz-Picasso Ruiz-Picasso

descontenta .

está

fuera fuera de circulación.

Madonna con el Niño, san  Roque Roque y san Sebastián  Sebastián , de

-T 14

A. ARNALTE

He simpatizado con todo lo que ha sido el movimiento 15-M. Vivo Vivo cerca cerca de Sol y eso me ha permitido ser espectador, espectador, más que partícipe, de diferentes cosas que allí se movieron. Asistí, como oyente, oyente, a diversas diversas asambleas de la Comisión de Artes que se organizó en el corazón de la acampada. acampada. Allí pude escuchar escuchar cómo se discutía sobre la forma de dar visibili visibilidad dad al movimiento que se había formado. No se discutía sobre nada que tuviese que ver ver con el arte que que nosotros podemos recono reconocer cer como tal sino con la expresión directa de un movimiento que no parecía parecía precisar precisar de nuestros nuestros artistas y menos de gestores como yo. De hecho, no me topé nunca con ningún artista conocido ni con algún otro profesional en esas reuniones. Los que hablaban en estas asambleas eran esencialmente artistas sin espacio espacio y que lejos de reclamar reclamar un lugar lugar puntual puntual para para dar visibili visibilidad dad a sus obras, se ponían a trabajar trabajar en conjunto para reconducir reconducir a través través de carteles la energía de protest protesta a que allí había. había. Tal y como estamos estamos en este país, sabemos que lo que nació nació allí es sólo una semilla, un brote que marcará nuestro futuro. Quedarán para la historia visual visual esos miles y miles de lemas superpuestos y muchas de las imágenes efímeras como ese gran cartel con la imagen de Paz Vega en la que se desplegaban frases e imágenes que convertían convertían aquel L’oreal   en lo real. T

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C O N

V I A J E S

E L

C O R T E

I N G L É S

ESCAPADA DE 3 DÍAS AL TERRITORIO ROMÁNICO NORTE, VIVIR UNA EXPERIENCIA ÚNICA

EXPERIENCIA ROMÁNICO NORTE 3 DÍAS

Paquete alojamiento + Excursiones desde 350 € MP Incluye: 2 noches de alojamiento en el Molino de Salinas o en la Posada Santa María La Real + una comida con gastronomía típica + excursiones según itinerario: visita nocturna a iglesias románicas, ruta guiada por espacios naturales, etc. Precio válido de viernes a domingo. MP: Media Pensión.

Llegada al alojamiento y cena en el restaurante de La Posada Santa María la Real, con la degustación de un exquisito menú micológico. A continuación  visita nocturna “El Románico de la Luz”, deteniéndonos en las iglesias de Santiago de Cezura y Santa María la Real de Cillamayor.

El segundo día se realizará una ruta guiada por el Espacio Natural de las Tuerces y Cañón de la Horadada. Por la tarde, ruta guiada por la Iglesia monástica de Santa María de Mave y la Iglesia de los Santos Justo y Pastor de Olleros de Pisuerga, además de las iglesias de San Pedro de  Albacastro y la de San Julián y Santa Basilia de Rebolledo de la Torre.

Cena en La Posada de Santa María la Real y  visita teatralizada a medianoche por el monasterio de la mano del último  Abad, Anastasio de Hircio.

El último día, los que lo deseen podrán  visitar la Mina  Visitable de Barruelo de Santullán, la Villa Romana de Olmeda  y la Cueva de los Franceses de Revilla de Pomar.

Precios por persona y estancia en habitación doble y régimen de media pensión. Consulta condiciones, programaciones y otras opciones. Gastos de gestión no incluidos (6 € por reserva). Plazas limitadas.

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REALMENTE INADECUADO

AL DÍA

NOTICIAS [

]

FERNANDO CASTRO

INTERNACIONAL

MUSEO VAN GOGH: VINCENT ERA THEO

UN CARAVAGGIO  MUY SERENO

Tan unidos en vida y en aventura intelectual como parecidos físicamente, hasta el punto de que uno de los más célebres autorretratos de Vincent van Gogh no era tal, sino el retrato de su hermano Theo, receptor de una gran cantidad de su correspondencia. El hallazgo lo han hecho los expertos del Museo Van Gogh de Ámsterdam con la ocasión que les proporcionaba el análisis de 93 cuadros para una

Caravaggio legó una obra corta, densa y muy cargada de la que se conocían 50 piezas.

Retrato de Theo van Gogh en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.

exposición. Fechado en 1887, desde hace unos días Vincent es Theo oficialmente, como reza la nueva cartela que se ha fijado junto a la obra.

SCHIELE, DIBUJOS ROBADOS De Goering para abajo, los jerarcas nazis fueron aficionados a quedarse con las obras de arte de las familias judías acomodadas que huían del régimen o eran directamente deportadas a campos de exterminio. Desde 1998, Austria ha tenido que devolver más de 10.000 piezas a los herederos de las víctimas. Las tres últimas han sido otros tantos dibujos de Egon Schiele, propiedad de Karl Mayländer, un marchante judío asesinado en el campo de Lodz. Los dibujos estaban en el Albertina, que compró las obras en 1949 y hoy valen entre tres y cinco millones.

Dale que dale en el Pabellón “patrio”, porque aunque Dora García, en plan irreverente institucional, pretenda ir de marginal no es sino la representante española en la Bienal de Venecia. Lo inadecuado 

Chica con gafas de sol, uno de

los dibujos de Egon Schiele.

San Agustín, nuevo caravaggio .

PORTAZO AL RÉGIMEN SIRIO DE LA ROYAL ACADEMY

Hasta ahora, que un grupo de expertos de la Universidad de Yale le atribuye un San Agustín  procedente de una colección privada en Gran Bretaña, en torno a 1600, cuando Caravaggio tenía 28 años.

La Royal Academy de Londres ha cancelado una exposición de arte antiguo con cerca de 200 piezas procedentes de museos de Damasco, Alepo y Palmira, en Siria, por la represión desatada por el régimen contra la oposición democrática que reclama reformas en la calle. La inauguración de la muestra estaba prevista para septiembre de 2013, pero la sangre derramada por el Gobierno convierte en indeseables sociales a los altos cargos sirios que tramitan el

EL PRADO VIAJA A LAS ANTÍPODAS ACCIONA, compañía española de infraestructuras, energías renovables, agua y servicios,

Marte, por Velázquez, verá por

primera vez Australia.

ha promovido la exposición Un Retrato de España , que llevará un centenar de cuadros del Museo del Prado a Australia el verano de 2012, en la Queensland Art Gallery de Brisbane. Unos 80 lienzos y 20 obras en papel ofrecerán una síntesis de la historia de España y los mejores creadores españoles desde el siglo XVI hasta principios del XX. T A. ARNALTE

La Royal Academy no quiere tratos con el régimen de Damasco.

préstamo y se beneficiarían de la propaganda implícita en una operación cultural de ese nivel. “Desgraciadamente, debido a la acción del Gobierno, no nos parece el momento de seguir adelante”, declaró Kathleen Soriano, directora de exposiciones de la Royal Academy.

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(magnífico título) de su propuesta es la conjunción de pedantería plúmbea e infinita pretenciosidad. Citacionista medular, dispuesta a camuflar una supina ignorancia con una escenificación pseudoperformativa, convierte en archivo fósil lo que toca. Algunos llevan años abducidos con sus juegos insulsos con libros, pensando que a falta de capacidad narrativa basta con unos relatos fragmentarios o penosos. La brigada crítico-curatorial hispánica beatificó a Dora porque el tono desanimado de sus acciones y textualidades abarca mucho y aprieta poco. Lo importante es la pose conceptual, publicar todo en inglés y desmarcarse del “centro” para pillar un presupuesto que quita el hipo. No me quita el sueño este despliegue de acciones veraniegas, porque no tengo que soportar ese patatal instalado en el epicentro bienalístico. Lo que lamento es la mistificación incuestionada, la comunión colectiva con algo no ya insustancial sino estrictamente bodrioso. Esta “columpiada” conduce al borde del ridículo, a la monumental pedestalización de lo intrascendente. T

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NUEVO COLECCIONABLE

LOS MEJORES PINTORES

DE LA GRAN PANTALLA D ESCUBRIR EL ARTE  APUESTA POR LA VIDA DE LOS GRANDES MAESTROS EN EL CELULOIDE CON UNA SELECCIÓN DE PELÍCULAS QUE RETRATAN LA CARA OCULTA Y MÁS DESCONOCIDA DE LA OBRA DE IMPRESCINDIBLES DE LA PINTURA.

EL GRECO, REMBRANDT, VAN GOGH , GUSTAV KLIMT,

INTERPRETADOS POR ESOS OTROS GENIOS COMO JOHN MALKOVICH, CHARLES LAUGHTON O TIM ROTH Y SEGÚN LA VISIÓN DE CONSAGRADOS CINEASTAS COMO

ROBERT ALTMAN O ALEXANDER KORDA

JULIO MARTÍN ALARCÓN

LOS ARTISTAS no son gente corriente, incluso se podría decir que “todos están locos”, como responde Paul Gaughin a Van Gogh en la película de Robert Altman Van  Gogh  (1990). Es posible que sea así o sólo que sea la pasión de unas vidas tan intensamente dedicadas a la pintura y al arte que acaban por consumir cualquier vestigio de realidad, de la aburrida existencia del resto de los comunes mortales. Locos o simplemente extravagantes, difíciles y temperamentales o también introvertidos, absortos, depresivos y encantadores. Los pintores no son normales y a menudo sus vidas tampoco lo son, lo que impele a saber más sobre la persona detrás del genio, los sentimientos y las vivencias que esconden las pinturas. En definitiva, conocer las historias que están detrás de cada cuadro. Descu-  brir el Arte  recupera las mejores películas sobre los pintores más influyentes, retratados por otra clase de artistas, que les admiran y, en ocasiones, tratan de emular los principios

de su arte. Los cineastas beben a menudo de la inspiración que proporciona el ambiente, estilo, colores, composición y luz que transmiten los lienzos, dotan de movimiento sus imágenes y dan sentido o interpretan los motivos de sus vidas, que explican y desvelan algunos de los misterios que envuelven la personalidad y los acontecimientos de su existencia. La muerte de Saskia, la acaudalada mujer de Rembrandt, punto de partida del biopic  de Alexander Korda con el gran Charles Laughton en el papel de Rembrandt, la obsesión del inquisidor español en Toledo Fernando Niño de Guevara –que da vida un irreconocible Juan Diego Botto– con la pintura de El Greco. La difícil convivencia de dos genios temperamentales como Paul Gauguin y Van Gogh –Tim Roth– en Arlés, y que acaba con la pretendida automutilación del segundo, comienzo más visible de su determinante locura e imagen de uno de sus míticos autorretrato... El cine devuelve la capacidad de soñar y comprender a través de otro arte, 18

la esencia de los genios de la pintura, enigmáticos y obsesivos, marcados por acontecimientos y circunstancias de muy variada procedencia que acaban por determinar un estilo, una dedicación y al fin, una obra. A diferencia de los ensayos, biografías y demás libros sobre pintura, las películas que ahora propone Descu-  brir el arte  –una cada mes a partir del próximo número– cuentan con la ventaja de acercarse con el cine al origen más profundo de la pintura de los genios que retratan. Desde la primera entrega, en septiembre, de Rembrandt  (1936) –el riesgo del cambio, el rechazo de la sociedad–; la segunda, en octubre, Van Gogh  (1990) –incomprensión, locura y fracaso comercial–; la tercera, en noviembre, Klimt (2006) – enigma, confrontación e inestabilidad–, y la cuarta, en diciembre, El Greco  (2007) –pasión religiosa, luz y oscuridad del alma–, un torrente de las emociones que inundaron a los más grandes pintores y conformaron su T obra y su vida. -

Rembrandt (1936). Charles Laughton con Elsa Lanchester, en su estudio y en una imagen promocional.

Van Gogh (1990). Tim Roth encarna al atormentado pelirrojo en la versión de Robert Altman.

Klimt (2006). El desconcertante John Malkovich interpreta al pintor vienés.

El Greco (2007). En el primer fotograma, Nick Ashdon (El Greco) junto a Juan Diego Botto (Niño de Guevara).

NUEVO COLECCIONABLE NÚMERO

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SEPTIEMBRE

REMBRANDT El asombroso parecido y genio creativo del actor británico Charles Laughton dotan a esta recreación del pintor holandés de un valor especial. El productor, director y mecenas Alexander Korda, auténtica alma mater del cine británico entre los treinta y los cuarenta, se atrevió con la vida de Rembrandt van Rijn (16061669) a partir de un momento determinante en su vida que habría de marcar un punto de inflexión en su trayectoria personal y profesional. La muerte de su esposa Sakia van Uylenburgh en 1640 y la relación que comenzó con la que había sido asistenta doméstica de la casa, la mucho más joven Hendrickje Stoffels, hizo que cambiara su estilo, se apartara de sus mecenas y viviera un período distinto al que había conocido hasta entonces: paulatinamente relegado al ostracismo por su relación con la j oven Hendrickje y prácticamente en bancarrota. Fruto de aquellos cambios fue quizás una de las obras más famosas y reconocidas del pintor, Ronda de noche (1640-1642), que inauguraría una nueva etapa del pintor con contornos más difuminados y mayor preocupación por el color y la luz. La maestría de Alexander Korda sirve para conseguir dotar a Rembrandt  de gran espectáculo, mientras que la enérgica figura de Charles Laughton consigue la imagen definitiva del genio holanREMBRANDT dés del siglo XVII: extravagante, bebedor, impul- Dirección: Alexander Korda / Producción: Alexander Korda / sivo y al mismo tiempo entregado a sus mujeres Guión: Carl Zuckmayer / June Head /Lajos Biró / Fotografía: a las que amó con pasión, quizás uno de los me- Georges Perinal / Intérpretes: Charles Laughton, Gertrude Lawrence, Elsa Lanchester, Roger Livesey, Sam Livesey, Herbet jores rasgos del pintor, a veces desapercibido, que Lomas, John Brynning / Música: Geoffrey Toye / Duración: 85 nos brinda la adaptación de Alexander Korda. minutos.

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NOVIEMBRE

KLIMT La revolución del desnudo, la Secesión Vienesa y la última etapa de un artista que, al contrario que Vincent van Gogh, gozó de éxito, reconocimiento e influencia en su entorno casi de la misma manera que sufrió también la polémica, la envidia y el descrédito de los academicistas. La arriesgada apuesta del director Raoul Ruiz, para acercarse a la figura de Gustav Klimt (1862-1918), no lo es menos que los desnudos y actitudes eróticas que plasmó el pintor vienés saltándose las reglas de los círculos artísticos del momento. Klimt  describe una Viena libertina y a un tiempo apocada en apariencia, e impregnada de los ecos oníricos y eróticos propios de una novela de Arthur Schnitzler (1862-1931). Los delirios agonizantes de Gustav, postrado en la cama de un hospital con el también pintor Egon Schiele como mudo espectador del sueño-recuerdo del maestro, trazan una increíble historia alrededor de la Exposición Universal de París, La Secesión, los desnudos y las modelos del artista, y el enigma de una película de George Meliés, en la que no todo es lo que parece. Conviene conocer bien la figura del pintor vienés, su época y su entorno para adentrarse en la potente pero también enrevesada visión de Raoul Ruiz, ya que renuncia desde el primer momento a contar una historia lineal sobre la vida del artista. Sin embargo, todo esta ahí: su KLIMT relación con las modelos que le proporcionó mul- Dirección: Raoul Ruiz / Producción: Paul Branco, Mathew Justitud de hijos, su cercanía con la clase dirigente, tice, Dieter Limbek, Helene Moio Limbek / Guión: Raoul Ruiz / su madre y su hermana enfermas mentales y su Gilbert Adair / Herbert Vesely (Idea) / Fotografía: Jorge Arriagada / Intérpretes: John Malkovich, Verónica Ferreres, Stephen dienigmática compañera Midi, asesora y amiga pe- llane, Safron Burrows, Sandra Cecarelli, Nikolai Kinski / Música: ro no amante. Ricardo Aronovich / Duración: 97 minutos. 20

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OCTUBRE

VAN GOGH Un artista sin éxito a pesar de su gran talento y de pertenecer a un círculo bien relacionado. El comienzo de la cinta de Robert Altman lo dice todo sobre un drama paradigmático del genio incomprendido por la sociedad de su tiempo: sus cuadros a finales de los ochenta alcanzaban precios astronómicos en las subastas; sin embargo, en vida, ni su propio hermano, Theo (1857-1891), empleado en una galería de París y enamorado de los trazos posimpresionitas de su hermano, pudo conseguir que sus lienzos se vendieran o se expusieran con cierto éxito. Theo mantuvo económicamente a Vincent con el objeto de que pudiera desarrollarsu talento estableciendo una autoría, en cierta medida, de la obra de Vincent van Gogh (1853-1890) casi conjunta, aspecto en el que profundiza con maestría Robert Altman. ¿Existe el artista sin el público? ¿Habría podido Van Gogh aplacar sus demonios sin el constante apoyo de su hermano Theo? La progresiva inestabilidad mental que fue mostrando Vincent es en la película de Altman fruto de una obsesión que surge del artista que se sabe sólo contra sí mismo y contra su arte, mientras que la progresiva inestabilidad emocional de Theo es la del experto que se sabe relegado a la misión de lograr un legado por encima de las modas y los pobres gustos de la burguesía del momento. Sin duda, ambos VAN GOGH lo lograron a su manera y ambos enloquecieron en Dirección: Robert Altman / Producción: Ludi Boeken, Ted Childs, el intento. Ligados indisolublemente a la consecu- David Conroy, Jaques Fansten, Emma Hayter, Harry Prins / Guión: ción de una obra que les consumió, Altman logra Julian Mitchell / Fotografía: Jean Lépine / Intérpretes: Tim Roth, Paul Rhys, Adrian Brine, Yves Dangerfield, Hans Kesting, Peter un retrato perfecto de la pasión artística enfrenta- Tuinman, Marie Louise Stheins, Oda Spelbos / Música: Gabriel Yada a las convenciones burguesas. red/ Duración: 133 minutos.

DICIEMBRE

EL GRECO ¿Puede un cuadro mal intencionado cambiar la vida de un pintor? Así al menos lo interpretó el escritor griego Dimitros Siatopoulos con el famoso retrato sobre el inquisidor Fernando Niño de Guevara (1541-1609) que realizó El Greco (1541-1614) entre 1596 y 1601 y que se encuentra actualmente en el Museo Metropolitan de Nueva York. Una imagen de la Iglesia que raya en la burla sarcástica, que destila una falsa devoción y que acaba por devolver la imagen de un poder fatuo, pueril, estúpido. Muy distinto a un biopic  al uso, El Greco, la mayor producción griega de la historia, apuesta por una posible sucesión de los acontecimientos de la vida del pintor y su relación con la Santa Inquisición durante su vida en Toledo, que fue la etapa de madurez de la pintura del cretense y donde encontró su hogar después de la estancia en Venecia, donde supuestamente aprendió del maestro Tiziano. La magnética relación de ambivalencia entre Niño de Guevara, el inquisidor que trata de convertir el talento y poder de comunicación del pintor en instrumento del Santo Oficio, y El Greco, devoto religioso y cuya amistad inicial con el sacerdote se acaba convirtiendo en un tormento de su espíritu, redunda en un potente y tenso drama. Excelente ambientación de época, una banda sonora destacable y EL GRECO (EL ÚLTIMO DESAFÍO A DIOS) una recreación de escenarios en sus localizacio- Dirección: Yannis Smaragdis / Producción: Raimon Masllorens / nes originales otorgan a esta historia de un atrac- Guión: Yannis Smaragdis / Jackie Pavlenko / Dimitris Siatopoulos tivo que permite imaginar el contexto de obras (Novela) / Fotografía: Aris Stavrou / Intérpretes: Nick Ashdon, Juan Diego Botto, Laia Marull, Dimitra Matsouka, Roger Coma Paracomo El Entierro del conde de Orgaz (1586) o El  vicino, Sotiris Moustakas, Fermí Reixach / Música: Vangelis / Duretablo de doña María de Aragón  (1596). ración: 119 minutos. 21

Vista del jardín de la Villa Medici en Roma, por Diego Velázquez, óleo sobre lienzo, 48,5 x 43 cm, Madrid, Museo del Prado.

LA EXPOSICION

LA ECLOSIÓN

DEL PAISAJE NACIÓ COMO GÉNERO INDEPENDIENTE A FINES DEL XVI Y PRINCIPIOS DEL

XVII,

CUANDO EL SER HUMANO

RECURRE A LA NATURALEZA QUE LE RODEA PARA PONER ORDEN EN EL MUNDO. EL PRADO INVITA A ADMIRAR LAS VISIONES DE LOS MEJORES PAISAJISTAS DE LA ÉPOCA JOSÉ RIELLO

LA PINTURArealizada en Italia y en particularen Roma durante el siglo XVII ha sido objeto siempre de la atención de los especialistas, de manera que si se pudiera hacer una estadística de las exposiciones que se celebraron durante el siglo XX y los primeros diez años del XXI, es muy probable que se comprobara que ha sido uno de los asuntos más estudiados y, en cierta manera, explotados por los profesionales y los organizadores de esos eventos. Durante los últimos años ha despertado un enorme interés que se ha materializado en la celebración de varias exposiciones dedicadas a la revolución que Caravaggio y sus seguidores pusieron en marcha a finales de la centuria anterior para transformar decisivamente la práctica pictórica europea, y también han proliferado las que nacieron con una evidente vocación temática que, por lo general, giraban en torno al caravaggismo de comienzos de siglo, seguramente por lo que tenía, al menos en cierto punto, de avanzadilla de lo que se enten23

día como la modernidad pictórica y porque, como han demostrado las últimas citas, el artista lombardo se ha convertido en marchamo del éxito asegurado; de hecho, no importa tanto lo que las exposiciones dedicadas al artista pudieran aportar al conocimiento de su pintura o de sus consecuencias como el número de visitantes que acudieran a verlas. En todo caso, varias han sido las muestras que han focalizado su atención en la pintura de paisaje y se me ocurre que tal vez la causa está en que, al tratarse de un tipo de pintura que no existía como género autónomo en la historia de la pintura europea anterior, su análisis podría plantear sugerentes interrogantes sobre la tradición artística occidental y su devenir. Como demuestra la exposición que, tras celebrarse en el Grand Palais de París, ha llegado al Museo del Prado el pasado 5 de julio, la definitiva eclosión de la pintura de paisaje como tal género independiente tuvo lugar a finales del siglo XVI y a comienzos de

LA EXPOSICION

la centuria siguiente, pero las raíces de la cuestión son anteriores, quizá tan antiguas como la epístola que Francesco Petrarca envió a Dionisio de Borgo San Sepolcro a mediados del siglo XIV para contarle su ascenso al Mont Ventoux. La carta es todo un manifiesto del Humanismo incipiente y no sólo porque Petrarca emprendiera la travesía “impulsado únicamente por el deseo de contemplar un lugar célebre porsu altitud”, sino también porque en ella se revelan algunas otras cuestiones esenciales que caracterizan, según creo, nuestra relación con la naturaleza y, por tanto, también con el paisaje: al comienzo del texto, Petrarca relaciona su particular ascenso con el del rey Filipo de Macedonia al monte Hemo narrado por Tito Livio,

luego el paisaje pasa a considerarse como el lugar en que la historia ha tenido lugar y, por tanto, donde puede manifestarse una y otra vez. Además, la experiencia sirve a Petrarca para, al leer un pasaje de las Confesio-  nes  de san Agustín, caer en la cuenta de que “no hay ninguna cosa que sea admirable fuera del espíritu, ante cuya grandeza nada es grande”. En los años en que Petrarca escribe, el ser humano vuelve a convertirse en medida de todas las cosas, pero esta circunstancia no sólo afecta al hombre como tal, sino también a su relación con esas cosas y a las cosas mismas, es decir, condiciona todo aquello que lo rodea y que es materia de su atención. Entre ellas, por supuesto, también está la naturaleza, o sea el 24

paisaje, que comienza a ser reconocido en todo su esplendor. El hombre situado en el centro del universo otorga una importancia nueva, a la inversa, a aquello que lo circunda. PINTAR EL NUEVO ORDEN

Al menos en lo que atañe al asunto de la exposición de París y Madrid, quizá lo más relevante de esa nueva relación que se establece entre el ser humano y el mundo es la necesidad que, a partir de ese redescubrimiento del que hablo, habrá de dar un orden, una perspectiva a eso que nos rodea, a la naturaleza circundante, para lo que no había otras herramientas más adecuadas que la descripción literaria o, en su defecto, la pintura. Ambos medios no responden sino a una misma

LA PRIMERA VEZ QUE LA PALABRA “PAISAJE” APARECE EN ITALIANO ES EN UNA CARTA ESCRITA POR TIZIANO DIRIGIDA AL REY FELIPE II PARA COMUNICARLE EL ENVÍO DE ALGUNOS CUADROS

Paisaje fluvial, por

Annibale Carracci, hacia 1599, óleo sobre lienzo, 88,3 x 148 cm, Washington, National Gallery of Art, Samuel H. Kress Collection (izda.). Paisaje con funerales de Foción, por Nicolas Poussin, óleo sobre lienzo, colección particular, depositado en Cardiff, Amgueddfa Cymru-National Museum.

centivaron una corriente de neovenecianismo que afectó a los más destacados pintores del momento. Con esas sólidas bases y con algunas otras más, el nuevo y autónomo género del paisaje nació y se desarrolló en Roma durante los primeros años del siglo XVII gracias a la confluencia fortuita y afortunada de varios factores. Para empezar, los pintores contaban con el propio atractivo de la Ciudad Eterna, tanto por los parajes sugerentes que la cercan o las transformaciones urbanas contemporáneas que modificaron su aspecto de forma definitiva como, sobre todo, por las ruinas de la Antigüedad que caracterizaron siempre su perfil, fundamentalmente porque ellas eran los vestigios de aquellos lugares donde la historia había tenido lugar y, por tanto, porque estaban cargadas de memoria, una memoria emotiva pero también material que, a su vez, era el testimonio arquitectónico de la historia misma. Por ello, los artistas recorrieron y es-

preocupación: otorgar un orden al mundo y, así, explicarlo. Por ejemplo, eso es lo que pretendió un par de siglos después un pintor tan relevante como Tiziano. Como demostrara Gianfranco Folena, la primera vez que la palabra “paisaje” aparece en italiano es en una carta que el pintor escribe a Felipe II para comunicarle el envío de algunos cuadros. Como dice Folena, “parece significativo que el neologismo salga de la pluma del máximo inventor del paisaje en sentido moderno” y por ello no sorprende que en el catálogo de la muestra se haga hincapié en la influencia de Tiziano en el desarrollo del paisaje a mediados del siglo XVII, cuando algunas de sus obras más importantes se expusieron en Roma e in25

tudiaron, ordenaron en definitiva, el espacio romano, quizá a la búsqueda de aquella unidad perdida de la que hablaban los libros antiguos y cuyo testimonio visible eran las ruinas que jalonaban el paisaje romano. Sus pinturas, por tanto, revelan no sólo lo que se ve a simple vista, de por sí ya suficientemente abrumador, sino también lo que esos paisajes inspiran, lo que tienen de materialización de los lugares donde la historia ocurrió. Además, poresos años coincidieron en Roma pintores de muy diferentes orígenes que, en cambio, compartieron su interés por la pintura de paisaje gracias a una feliz coincidencia y, de hecho, una de las cuestiones en que se hace más hincapié en la muestra es en el carácter internacional de la pintura de paisaje que se hizo en Roma durante el siglo XVII: resulta especialmente revelador que más de la mitad de los artistas cuyas obras se han congregado en esta ocasión nacieran fuera de Italia. De Annibale Carracci a Adam Elsheimer, de Paul Bril

LA EXPOSICION

Ninfa y sátiros, por Nicolas Poussin, 1644, óleo sobre lienzo, 66,4 x 50,3 cm, París, Museo del Louvre.

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Paisaje con bañistas (El baño de Diana), por Guercino (Giovanni Francesco Barbieri), hacia 1618, óleo sobre lienzo, 36 x 53 cm, Rotterdam.

a Rubens, de Claudio de Lorena a Nicolas Poussin o a Gaspard Dughet e incluso a Velázquez –cuyas dos bellísimas vistas del jardín de la Villa Medici son hitos esenciales de la historia del paisaje–, algunos de los más notables pintores del siglo XVII contribuyeron a esta eclosión de la pintura de paisaje concediendo a aquello que veían un orden y una nobleza, una armonía, en suma, ideal y “arquitectónicamente” estructurada que pasa por ser la característica esencial de eso que ha dado en llamarse, un tanto ambiguamente, paisaje clasicista sin que sepamos muy bien a qué nos referimos. DIBUJO DEL NATURAL

Muchos de esos artistas favorecieron la consolidación del dibujo del natural como una práctica artística aceptada y extendida. Algunos de los que llenan los taccuini  de los artistas desde mediados del siglo XVI en adelante muestran pequeños personajes que se esfuerzan en dibujar sobre el papel

los paisajes que tienen delante, explorando el mundo antes de traspasar esos primeros apuntes al cuadro definitivo en la calma tensa del taller. Esos dibujos, y en la exposición se han reunido más de una treintena, fueron modestos instrumentos, pero muy excitantes, que servían para fijar el categórico pero cambiante aspecto de la ciudad. Roma, que en sustancia era sus ruinas, no comenzó a existir hasta que no fue representada sobre el papel, es decir, hasta que no fue reducida a una idea, o lo que es lo mismo, hasta que no fue ordenada. Finalmente, también hay que contar con la nueva inclinación de los aficionados al arte a apreciar las características del nuevo género, un gusto que tuvo su natural consecuencia en el gran éxito comercial que el paisa-

je pintado tuvo por esos años y que tuvo una de sus consecuencias más importantes en el fastuoso encargo de pinturas de paisaje para el palacio madrileño del Buen Retiro, como ha estudiado en los últimos tiempos Andrés Úbeda, responsable de la exposición en el Prado. Como es habitual y particularmente necesario en exposiciones de carácter temático, la del Prado explora el nacimiento del paisaje en varias secciones, subrayando el papel que desempeñó Annibale Carracci en la creación del género. El Paisaje fluvial  de Washington que, fechado hacia 1599, es “de una modernidad desconcertante” según Silvia Ginzburg, manifiesta una de las características básicas de sus paisajes: la aparente espontaneidad de lo representado –el

ROMA, QUE EN SUSTANCIA ERA SUS RUINAS, NO COMENZÓ A EXISTIR HASTA QUE NO FUE REPRESENTADA SOBRE EL PAPEL, ES DECIR, HASTA QUE NO FUE REDUCIDA A UNA IDEA, O SEA ORDENADA 27

LA EXPOSIC EXPOSICION ION

La toilette de Venus (izda.) y Venus y Francesco Albani, hacia 1617, Adonis, por Francesco

paso de la barquichuela, barquichuela, los cambios cromá cromátic ticos os que produ produce ce la llegada llegada del otoño, la bruma que vela la ciudad al fondo– ondo–se se suste sustent nta, a, en realida ealidad, d, en un férreo rigor compositivo que organiza también la superficie de la Huida  a Egipt Egipto  o de la Galleria Doria, sin duda una de las obras más determinantes en la consolidación del nuevo género. Pintada como parte de una serie de seis seis lunetos lunetos con episod episodios ios de la vivida de la Virgen destinada a una capilla que el cardenal Pietro Aldobrandini dini tení tenía a en su pala palaci cio o de via del del Cor Corso, es paradigma paradigma de esa perfecta perfecta imbricación entre historia narrada y el paisa paisaje je que ser sería explo explorrada ada por por los disdiscípulos de Annibale, entre ellos Francesco Albani, Sisto Badalocchio, Giovanni Lanfranco Lanfranco y, y, en menor medida, Domenichino. Las obras de estos pintores, tores, todas todas con sus peculiar peculiaridad idades es –de –de la dulzura de Albani en La toilette  de Venus  Venus o Venus enus y Adoni Adonis  s a la mesura de Domenic Domenichino hino–, –, marcar marcaron on la evoevolución de lo que se ha llamado “paisaje boloñés” por ser la mayoría de sus cultivadores, como el propio Carracci, rracci, oriundos oriundos de Bolonia y, y, por tanto, también el progreso del género y en particula particularr de los paisajes paisajes de dos dos de los más desta destacad cados os pinto pintore ress en estas lides: Claudio de Lorena y Nicolas Poussin. A todo ello han de de unirse unirse los hallazgos de pintores que procedían del norte de Europa. En ese sentido, fue-

óleo sobre lienzo, 154 cm de diámetro, Roma, Galleria Borghese.

ron fundamentales Paul Bril, cuyo taller ller fue fue punt punto o de encu encuent entrro de los pinpintores tores nórdic nórdicos, os, y Adam Elsheime Elsheimerr. AmAmbos, con una concepción más pintoresca y más detallada del paisaje, influyeron en el desarrollo del género a partir partir de la segunda segunda década del siglo. siglo. Una de las cuestiones de la exposición que más llama la atención es cómo los asuntos de las pinturas fueron progresivamente progresivamente miniaturizándose o quedando relegados a los márgenes, como si a los pintores lo que en realidad les hubiera interesado siempre hubiera sido justamente lo que antes antes quedaba quedaba en en los bordes, bordes, esa

naturaleza naturaleza que asomaba, por ejemplo, a los lados de la Madonna de los  arbolitos de Giovanni Bellini… Siempre pre me ha par parecid ecido o que que lo que que en reaealidad lidad inter interes esaba aba a los pinto pintorres eran eran los esos asunto asuntoss secund secundar arios ios que parerga , esos ya aparecen en la pintura antigua, o sea no tanto la historia como los lugares gares donde donde ha aconte acontecid cido o o aconte aconte-ce y por eso también los árboles, los animales, las flores, las nubes, las brumas. La naturaleza no se convirtió en un “tema” hasta que Jean-Jacques Rouss Rousseau eau no comenz comenzó ó a explo explota tarl rla a como asunt asunto o cardin cardinal al de sus escr escrit itos os;; los paisajes congregados en el Prado hablan de ese progresivo y anterior redescubrimiento descubrimiento del mundo natural. Durante Durante estos días días he leído leído Una habi-  tación en Holanda , un librito donde Pierre Bergounioux narra las circunstancias en que Descartes concibió El  discurso del método  y la necesidad que tuvo, tuvo, para para escribir escribir esa obra obra de radical introspección, de escapar a los Países Bajos para poder disfrutar del “eclipse del mundo exterior”: ese exterior que se ofrecía en Italia y particularmente en Roma y sus entornos en toda su benevolencia, en todo su esplendor. T

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DATOS Roma. Naturaleza e Ideal. Paisajes, 1600-1650 Museo del Prado

Bartholomeus Breenbergh, Breenbergh, Vista del Foro, por Bartholomeus

Hasta el 25 de septiembre 

lápiz, lápiz, pluma y tinta, tinta, 321 x 229 cm, Viena. Viena.

www.museodelprado.es

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A MEDIO CAMINO ENTRE LOS TEMPLOS Y DISNEYLANDIA, LOS MUSEOS SE HAN TR TRANSF ANSFORM ORMADO ADO EN UNA PA PART RTE E ESENCIAL ESENCIAL DE LA INDUSTRIA INDUSTRIA DEL ENTRETENIMIENTO. LA VISITA EN VERANO A LOS MÁS GRANDES PUEDE CONVERTIRSE, SIN EMBARGO, EN UNA AUTÉNTICA PESADILLA. PAR ARA A

¿MUSEOS AL ESCUBRIR EL ART RTE   E  HA SELECCIONADO SEIS NO MORIR EN EL INTENTO, D ESCUBRIR

CENTROS, CON GRANDES COLECCIONES, EN LOS QUE SE PUEDEN VER OBRAS MAESTRAS SIN QUE DECENAS DE TURISTAS DIFICULTEN SU VISIÓN JOSÉ RIE RIELL LLO O

MARGEN? Tres visitantes contemplan, en el Prado, la serie de fotografías que Thomas Struth

realizó en el interior de la pinacoteca Fotografía: Javi Martínez.

Contemplar obras como Retrato de Laura da Pola, por Lorenzo Lotto, 1543, en las salas de la Scuderie del Quirinale, en Roma, es un deleite por la poca afluencia de visitantes.

DURANTE una mañana de comienzos del mes de mayo pasado, tan soleada como las que conseguían arrebatar a Stendhal, tuve ocasión de visitar la exposición que sobre el pintor Lorenzo Lotto se acaba de clausurar en las Scuderie del Quirinale de Roma. En la segunda planta, y mientras miraba uno de sus estupendos retratos, oí a un señor reclamar a voz en grito a los vigilantes de sala que invitaran a algunos de nosotros a quitarnos deen medio para que él, a más de cinco metros del cuadro, pudiera verlo según le dictaban sus manías. Me pareció que sus extravagancias bien podrían resultar tan atendibles como las mías, que observaba el cuadro a poco más de un metro de distancia, con una salvedad: si ese mismo señor hubiera reclamado lo mismo justo un

año antes y en el mismo sitio pero cuando se celebraba la muy exitosa (en cuanto a público) exposición sobre Caravaggio, no sólo nadie le habría oído gritar sino que porsupuesto nadie habría atendido sus peticiones de tan ruidosa y atestada como estuvo la muestra durante todos los días en que se mantuvo abierta. La exposición sobre Lotto era a ratos extraordinariamente bella y, en general, muy interesante a pesar de que algún trasto se había colado a los organizadores de la muestra, pero Lotto no es Caravaggio y fue un placer verla porque apenas había una docena de personas en la misma sala (espaciosa en todo caso) en el peor de los casos. Sin embargo, para ver algunos cuadros de Caravaggio el año pasado tuve que tumbarme en el suelo o des32

cuajaringarme espalda y cervicales para poder ver tan sólo un retazo de algunos de ellos, y esto a fuerza de competir con el resto del personal para lograr el mejor sitio, como si fuéramos un banco de carpas dispuestas a conseguir la ración diaria de manduca (en este caso, espiritual). Todos lo sabemos ya a estas harturas: lo de ir a ver exposiciones de arte se ha convertido en una muy bien considerada costumbre, de forma que uno tiene que dedicar sus mañanas de sábado a visitar algunas si quiere formar parte del grupo de los distinguidos; es como flipar bebiendo gintonic con flores, licuarse saboreando muselinas de yogur o alucinar yendo de vacaciones a Birmania: son cosas chic, pero las hace todo el mundo. Los británicos, que para eso son imperio y lo llevan demostrando unas cuantas centurias, se han dado cuenta antes que nadie y van a restringir la entrada a la exposición que sobre Leonardo da Vinci se abrirá en la National Gallery el próximo otoño; además, el billete costará sólo 16 libras, con lo que uno puede hacerse una idea muy certera de los pingües beneficios que sacarán en Londres al amparo de Leonardo. Lo que parece claro es que, en estos tiempos, si se quieren rentabilizar los esfuerzos de museos y galerías poniendo sobre la mesa el número de visitantes (metáfora un tanto burda, hay que decir por si alguien no se ha dado cuenta), lo suyo es montar exposiciones asociadas sólo a cuatro o cinco de los nombres más destacados de la historia del arte, pero no muchos más: Caravaggio, Rembrandt, Van Gogh, Picasso.

DEMOCRATIZACIÓN CULTURAL No es que haya sucedido lo mismo con las visitas a las colecciones permanentes de los museos, sino que es la otra cara de la misma moneda, fruto de la democratización generalizada de la cultura (aunque sigue habiendo sectores de la sociedad a los que esto les suena a chino) y de la conversión de los museos en una parte esencial de la industria del entretenimiento, ésa que Mijaíl Piotrovsky, director del Ermitage de San Petersburgo, ha resumido

diciendo que los museos están a medio camino entre la iglesia y Disneylandia. Ahí radica una de las claves del asunto: uno puede pasar un día divertido en un museo y encima salir con un lustre cultural que lo cualificará a ojos de los conocidos como si fuera un santón laico. Así las cosas, lo de visitar museos se ha convertido en un entretenimiento generalizado y deseable que ha tenido como consecuencia la masificación de los más destacados y que ha convertido la experiencia de la visita, para algunos, en una pesadilla eludible. Las salas del Prado, el MoMA, el Ermitage, la National Gallery, el Metropolitan o el Louvre, están continuamente atestadas y es casi imposible ver nada en ellos con un ápice de deleite, pero por fortuna esto, unido a la desidia y la falta de imaginación de las que adolecemos para organizar nuestros ratos de ocio, han permitido que otros museos que no están en el circuito turístico internacional vean el jolgorio de público de los demás desde la barrera y con la tranquilidad de saber que fundan su prestigio en sus inestimables colecciones, óptimamente expuestas en edificios que, por El Museo Guimet lo general, son el es uno de los cien marco perfecto para centros que se subrayar su excelen- pueden visitar en cia, y en los muy cua- la capital francesa. lificados servicios En sus salas, dedicadas al arte que ofrecen a sus vi- oriental, nunca hay sitantes, pues sin du- aglomeraciones de da incentivan la con- público. templación y el deleite. La Wallace Collection y la Dulwich Gallery de Londres, la Stadtische Galerie de Múnich, el Jacquemart-André o el Guimet de París, la Gulbenkian de Lisboa o los seis que se proponen más adelante han quedado un tanto al margen de los recorridos habituales, pero por eso mismo son los reductos donde uno puede, todavía y con un poco de suerte, encontrarse a sí mismo y resucitar su entusiasmo por las cosas del arte si es que todavía no se ha sido presa de la gallery rage o “rabia de los museos”, como dicen mis admirados ingleses. T

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[MUSEO NAZIONALE DEL BARGELLO] FLORENCIA

LA CASA DE DONATELLO SI UNO tiene la mala suerte de pasearporlos caminos transitados por los turistas, que son los de siempre, cuando ha viajado a Florencia y encima lo hace en los meses en que el calor aprieta y anima así a los mosquitos del Arno a invadir todos los rincones de la ciudad, incluso aquellos más alejados del río, se llevará la impresión de que la capital es inhóspita y que, más que acoger al viajero, lo que hace es invitarlo a salircorriendo para despejarse por la campiña toscana, que está llena de lugares milagrosos. Por fortuna, incluso en una ciudad atestada de turistas siempre hay ocasión de encontrar lugares tranquilos. En general, en Florencia ocurre en la otra orilla del río, en Oltrarno, donde por supuesto hay aglomeraciones pero no tan agobiantes como en la parte de acá, pero también hay, en el centro neurálgico y borboteante, sitios donde coger aire y reconciliarse con la ciudad. Para escapar del bullicio de la piazza della Signoria, donde

los turistas que descansan bajo la Loggia dei Lanzi se confunden con los que intentan entrar al Palazzo della Signoria o a los Uffizi o con los que deambulan sin rumbo por la propia plaza, basta sólo con aprovechar el muy placentero desnivel de la via de’Gondi para ir a parar a la via del Proconsolo; girando a la izquierda, a unas decenas de metros se topa uno con la mole del antiguo Palazzo Pretorio, un edificio que comenzó a construirse a mediados del siglo XIII, al parecer bajo la dirección de Lapo Tedesco, padre del escultor Arnolfo di Cambio. Pasó después a ser sede de los Podestà, máxima autoridad civil, y, con el tiempo, del Consejo de Justicia; de hecho, el encantador ambiente del patio no sugiere que en el lugar donde hay hoy un brocal de pozo antaño se elevaba un patíbulo donde se celebraran algunas ejecuciones, y un recorrido por las salas no permite sospechar que en algún momento fueron convertidas en cárceles, circuns-

De arriba a abajo, Busto de Niccolò da Uzzano, por Donatello; Patio del edificio, antiguo consistorio y cárcel en la que hasta el siglo XVIII se celebraron ejecuciones, y busto de Daniele da Volterra, por Miguel Ángel. Sobre estas líneas, Madona y niño, del círculo de Lorenzo Ghiberti, 1425-1449. Página derecha, David, por Donatello. 34

tancia que degradó la construcción a límites insospechados hasta que fue progresivamente recuperada a partir del siglo XVIII, cuando el interés erudito por los orígenes de la ciudad y el descubrimiento de las maravillas del arte medieval ayudaron a focalizar el interés en el antiguo palacio. HISTORIA DE LA TOSCANA

Sin embargo, la historia de la construcción está sobre todo íntimamente unida a la del Museo Nazionale del Bargello, institución que fue fundada el 22 de noviembre de 1859 con el ánimo de que se convirtiera en un “museo de monumentos antiguos a través de los que, de cualquier modo, se ilustre la historia de la Toscana en todo aquello que se refiere a las instituciones, las costumbres y las artes”. El impulso definitivo fue su conversión en Museo Nacional en 1865, el mismo año en que Florencia sustituyó a Turín como capital de Italia, y la celebración en 1887 de una exposición conmemorativa del quinto centenario del nacimiento de Donatello, que mostró cómo el subyugador salón de la primera planta podría convertirse en el lugar idóneo para exponer algunas de las esculturas más importantes del Renacimiento. Aunque fue destinado después a otras funciones, el enorme salón sigue siendo fulcro central de las colecciones del Bargello, pues en él se exponen los dos David  (de mármol y de bronce), el San Jorge, el fascinante Atys  o el busto de Niccolò da  Uzzano, todos ellos de Donatello, acompañados nada menos que, por ejemplo, las formelle  con el Sacrificio  de Isaac  que Ghiberti y Brunelleschi presentaron al concurso para elaborar las segundas puertas del baptisterio de Florencia. Para continuar la visita hay que atravesar el Verone, una logia que da al patio habitada por algunas obras estupendas de Giambologna (fantás-

ticas las de animales) o Baccio Bandinelli, antes de bajar a las salas donde se muestran, entre otras cosas, varias esculturas muy destacadas de la juventud de Miguel Ángel, como el Ba-  co  o el Tondo Pitti, u otras de la madurez, como el David-Apolo  o el busto de Bruto . Allí puede verse también el pedestal original del Perseo  de Benvenuto Cellini, sin duda la escultura más bella de la Loggia dei Lanzi. Si el visitante ha decidido subir a la segunda planta se topará con el David  de Andrea Verrocchio o con su enigmática Dama del ramillete , cuyas manos pudieron ser labradas o pulidas por un joven Leonardo y más adelante con el busto de Costanza Bo-  narelli  que, procedente de los Uffizi, Bernini esculpió en 1636: el movimiento del cabello, las ropas descompuestas, la mirada turbada y la boca entreabierta, como escribió Wittkower, abren “el camino a la historia del retrato moderno en escultura” y hacen creeren “el tempestuoso amorío que Bernini tuvo con esta mujer apasionada y sensual”. El Bargello guarda otras sorpresas como la Cappella della Maddalena, cuyos frescos son atribuidos a Giotto por Vasari, entre los que destaca un supuesto retrato de Dante. Por lo demás, sucesivas donaciones de particulares como Louis Carrand, quien en 1888 legó una extraordinaria colección de artes suntuarias, o la llegada de colecciones como la Ressman de armas o la Franchetti de textiles, lo han convertido en uno de los museos más fascinantes de las llamadas “artes menores”. Basta con echar un vistazo a las vitrinas con extraordinarias placas de marfil, mayólicas o esmaltes de Limoges para percatarse de que “menores” de ningún modo lo fueron T nunca. -

[MUSÉE NATIONAL DU MOYEN AGE–THERMES DE CLUNY] PARÍS

UN JARDÍN MEDIEVAL NO CABE DUDA: el Ba-

De arriba a abajo, Cruz

votiva visigoda proveniente de Guarrazar; Vidriera de la Sainte-chapelle, y Tríptico de la iglesia de Saint-Sulpice-du-Tarn, hacia 1300, marfil de elefante.

rrio Latino es uno de los más animados de París. No sólo tiene uno de los parques más bonitos de la ciudad, el Luxembourg, que es uno de los preferidos por los propios parisinos para ir a tomar el sol en las cómodas tumbonas de hierro que hay por doquier, sino que está lleno de bares y restaurantes con comidas de lo más variopintas; lo más recomendable es echar un vistazo en la Shakespeare&Company, que es de esas librerías donde te dan unas ganas repentinas de leer todos los volúmenes que hay en las baldas de las estanterías, incluso el fastidioso Finnegans Wake, de Joyce, en versión original, antes de parar a ver cómo atardece en la fachada de Notre-Dame, cuya superficie pasa del blanco refulgente al anaranjado de las Tullerías primero y al violeta definitivo cuando la noche se posa suavemente sobre París. Quizá sea la mejormanera de terminar una tarde que bien ha podido comenzar en el propio Luxembourg para después continuar, bajando por el Boulevard SaintMichel, en los amenos jardines del Museo Nacional de la Edad Media, fundado por el Estado francés en 1843 para evitar la dispersión de las pertenencias de Alexandre du Sommerard (1779-1842), quien había vivido en las dependencias de la futura institución desde 1833 y había recopilado allí una copiosa y muy interesante colección de arte medieval que están en el origen de la actual. El museo está instalado sobre dos construcciones que definen, como por azar, la cronología de las obras expuestas en sus salas. Por un lado, sobre unas termas galorromanas fechadas hacia el año 200 d.C. que pertenecían a la antigua provincia de Lutecia y que no sólo se encuentran en un excepcional estado de conservación, sino que son uno de los vestigios más contundentes 36

de la arquitectura romana en Francia. En sus estancias, entre las que destaca el antiguo frigidarium o baño de agua fría por su bóveda de 15 metros de altura, se exponen algunas obras que testimonian el proceso de romanización de la Galia, como el llamado Pilar de los marineros  que, con la combinación de divinidades romanas y galas en sus relieves, manifiesta la tolerancia religiosa que practicaron los romanos como elemento esencial de sus conquistas y como estrategia fundamental del proceso de romanización de los territorios ocupados. Por otro, el museo se alza sobre el hôtel  o residencia de los abades de Cluny, fundado a finales del siglo XV por el abad Jacques d’Amboise al amparo del crecimiento de la universidad parisina, cuyo edificio fundamental se encuentra a escasísima distancia del museo. Junto con el Hôtel de Sens, que se halla en el barrio del Marais al lado de la orilla del Sena, el antiguo hôtel  es el mejor ejemplo de arquitectura civil gótica de la ciudad con la particularidad de que ha conservado, más o menos, su disposición interior original.

EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA La reorganización de las salas del museo en 1977 dio una especial preferencia al arte medieval. En ellas se expone una riquísima colección que no sólo se extiende en el tiempo (desde el siglo I al XV), sino también en el espacio, pues se muestran obras procedentes de Italia, Inglaterra, España o el norte de Europa, otorgando un natural protagonismo a la producción francesa. En ese sentido, el visitante puede hacerse una idea bastante exacta de la evolución de la escultura en Francia, ya que se conservan piezas procedentes de las más importantes iglesias o capillas de París: Sainte-Geneviève, Sainte-

Chapelle, Saint-Denis, Saint-Germain des Près o Notre-Dame. Muchas de ellas sufrieron daños irreparables durante la Revolución de 1789, pero en las salas del museo medieval se han reunido algunos importantes vestigios medievales. Destaca también la colección de orfebrería, pues el museo cuenta con, por ejemplo, las coronas de Guarrazar procedentes del Toledo visigodo, o una cantidad significativa de los preciosos esmaltes de Limoges. La colección de textiles y tapices es extraordinaria; entre los últimos destaca la serie dedicada a La dama y el unicornio, tejida a finales del siglo XV en los Países Bajos del sur y expuesta en la sala 13 del primer piso. La

Sobre estas líneas, La dama y el unicornio, hacia 1485-1500, lana y seda, 300 x 330 cm; abajo, Relicario de santo Tomás Becket, hacia 1190-1200.

complejidad y la belleza de cada una de las piezas que conforman la serie apenas tiene parangón con otras y eso ya es motivo suficiente como para visitar este delicioso museo que, además, está rodeado de jardines. Inaugurados en el año 2000, establecen una relación asombrosamente sugerente con las colecciones del museo y, en particular, con estos tapices: se da la feliz circunstancia de que el visitante puede asistir a la prodigiosa continuidad que se da entre las plantas, flores y especies animales que han sido representadas en los diferentes tapices y la vegetación y la fauna de los jardines que rodean el museo, especialmente el llamado Bosque del Unicornio. T

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[LIECHTENSTEIN MUSEUM]

EN TORNO A RUBENS EL MOVIMIENTO vertiginoso, el cromatismo encendido, el análisis detenido de la escultura y la literatura antiguas, la influencia de los maestros del Renacimiento italiano, el estudio de la anatomía y de las fuerzas que rigen el movimiento del cuerpo humano, el fragor y la violencia de la guerra, los ideales de virtud de los

que está preñada la historia de Roma... Rubens puso en juego todas estas y algunas otras cuestiones cardinales en la primera serie de obras que se le encargó, entre 1616 y 1617, como conjunto, ocho pinturas al óleo de gran formato que servirían, finalmente, como modelos que serían traspasados a tapices. Inspirados en la his-

Venus frente el espejo, por Rubens, hacia 1613-1614. Las obras del pintor flamenco conforman hoy el vórtice de las colecciones del museo.

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toria narrada por Tito Livio sobre Decio Mus, el cónsul romano que no dudó en inmolarse en la batalla con tal de que el ejército romano lograra la victoria definitiva contra los pueblos del Lacio, los cuadros fueron adquiridos por Johann Adam Andreas I de Liechtenstein a finales del siglo XVII y conforman hoy el vórtice de las colecciones del Liechtenstein Museum en el que se hallan, además, otras obras maestras de Rubens como Ve-  nus frente al espejo , El llanto sobre  Cristo muerto , los retratos de Albert  y Nikolaus , hijos del pintor, y, tal vez sobre todo, el de Clara Serena , la niña que Rubens tuvo con Isabella Brandt y que fue retratada por él, con una indecible franqueza, cuando tenía apenas cinco años. RETIRO REAL Para poder verlos, el viajero ha de dejar atrás la agitación de tráfico, tranvías y gentes que pululan por el Ring vienés y, caminando hacia el norte o tal vez mejor usando el metro, llegar a una de las zonas residenciales más taciturnas de la ciudad. Desde 1806, las más destacadas obras de arte de los Liechtenstein, sin duda una de las más justamente célebres familias de coleccionistas europeos, puesto que lograron conformar una de las más importantes colecciones privadas que existen hoy a nivel internacional, se encuentran en el palacio que el propio Johann Adam Andreas I encargó primero a Fischervon Erlach y después a Domenico Martinelli a finales del siglo XVII para poder escapar, sin hacerlo del todo, de los afanes que lo mortificaban en la ciudad. Llevó allí buena parte de la colección Liechtenstein, que ya entonces constituía una de las atracciones artísticas más sugerentes de Viena más allá de las colecciones imperiales, trasladándola de la residencia que la familia tenía en el Bankgasse, muy cerca del Rathaus, y, por tan-

De izquierda a derecha, Retrato de María de Tassis, hacia 1629-1630, por Van Dyck, y otras dos obras maestras de Rubens: Los hijos del artista, Albert y Nicholas, hacia 1626-1627, y Clara Serena, hija del pintor e Isabella Brandt, retratada a los cinco años.

to, en pleno meollo metropolitano, sus puertas al público, en su sede viecon el ánimo seguramente de poder nesa gracias a los desvelos del príndisfrutar a placer de un cómodo reticipe Hans-Adam II (nacido en 1945), ro y de la estupenda colección. quien, además, ha retomado el afán coleccionista que caracterizó siemFue después, durante la regencia pre a los miembros de su dinastía y del príncipe Johann II, entre finales del que ha conseguido recuperar para la siglo XIX y comienzos del XX, cuando el repertorio adquirió su personalidad, colección algunas de las piezas que esa que también lo distingue respecfueron vendidas por sus antecesores. A la obras de Rubens que antes cito a otras colecciones particulares, puesto que mandó colocar las piezas taba se unen algunas preciosas tablas no según criterios cronológicos o hisitalianas del Gótico y del Renacimientoriográficos, sino siguiendo los dicto, entre estas últimas un precioso San  támenes de su propio gusto. TodaJuan Bautista, atribuido a Giulio Rovía hoy tiene uno la sensación de entrar en una galería cuyas obras han sido dispuestas con exquisitez, pues cada una de ellas mantiene su carácter pero se relaciona y dialoga perfectamente con las que la rodean, ya sean pinturas, tablas de piedras duras, pequeños bronces, esculturas, marfiles o muebles y eso a pesar de la dispersión que muchas sufrieron durante la pasada centuria cuando fueron vendidas para comprar otras obras o, sencillamente, para mantener las arcas familiares a flote. Tras la Segunda Guerra Mundial, las obras de la colección se guardaron en Vaduz, capital del principado de Liechtenstein, y hace apenas siete años, el museo volvió a abrir Gabinete, 1580, sur de Alemania, 238 x 216 x 75 cm. 39

mano, y un retrato de desconocido de su maestro Rafael; un precioso Va-  lentín, y un sorprendente David con  la cabeza de Goliat, de Girolamo Forabosco, uno de esos artistas poco conocidos que en ocasiones reserva algunas sorpresas más placenteras que las de los grandes maestros consagrados; preciosos retratos de Van Dyck, entre los que destacan los de María y Antonio de Tassis; bodegones, marinas y escenas de cocina nórdicos y un supuesto Cupido con una pompa  de jabón, de Rembrandt, que avisa de las veleidades y la fragilidad del amor. Además, en la misma sala que los cartones de la serie de Decio Mus hay dos esculturas bellísimas del holandés Adriaen de Vries, un Cristo de la Pasión  y un San Sebastián  que son testimonio de la calidad que alcanzó la escultura en bronce a caballo de los siglos XVI y XVII, y en otra estancia se halla el célebre Badminton  Cabinet, un enorme armario de ébano y piedras duras que en 2004 se convirtió en la más cara pieza de mobiliario vendida en subasta al superar los 36 millones de dólares y que atestigua, también pecuniariamente, las aspiraciones de Hans-Adam II para devolver a su colección el prestigio que siempre tuvo. T

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[FRICK COLLECTION] NUEVA YORK

JUNTO A CENTRAL PARK GRACIAS a un documento

ría su impresionante colección de fechado en 1644 se saben alguobras de arte, y en particular nas de las circunstancias que conde pinturas, con planos del arquidicionaron a Velázquez a la hora tecto Thomas Hastings, de la firde pintar el retrato de Felipe IV ma Carrière & Hastings, autortamdurante la jornada de Aragón, bién de la NewYork Public Library. cuando el monarca en persona Frick no contaba con una formación previa más allá de la que en acudía a aliviar a los leridanos de Pittsburgh podría haber recibido las tropas francesas con su sola a través de la lectura de libros espresencia y sin necesidad de participar en los enfrentamientos. Sepecializados, y es por ello que gún aquéllos, hubo de adecuarse asombra aún más al visitante la la estancia donde el monarca pocolección que logró reunir a parsó, además tuvieron que practitir, al parecer, del viaje que hizo carse dos ventanas para que la luz por Europa cumplidos los treinta entrara en ella y se llamó a un cary acompañado, entre otros, por Andrew Mellon, quien a su vez y pintero para que montara el cacon el tiempo sería el gran facballete que Velázquez empleó patótum de la National Gallery de ra pintar el retrato. Dice el docuWashington. El viaje debió de ser mento que el pintor tardó apenas Soldado y muchacha sonriente, por Johannes Vermeer, óleo sobre lienzo, 50,5 x 46 cm. una revelación para Frick porque tres días en hacerlo, y cualquiea partir de entonces comenzó a ra podría dudarlo si se pone delante de él en una de las salas más yen la Seventeenth-Street y la Quinta adquirir pinturas y otras obras de arte, acogedoras de la Frick Collection, de Avenida, a apenas dos minutos del parpero fundamentalmente las primeras, la que es una de sus más señeras que. Fue allí donde Henry Clay Frick a un ritmo regular que se tornó espeobras. (1849-1919), un empresario que hacialmente frenético a finales del siAntes o después uno podrá pasear bía conseguido hacer fortuna con las glo XIX. Sin embargo, las grandes obras por Central Park en Nueva York, pues industrias del carbón y del acero en maestras que forman parte de la colección comenzaron a ingresar en ella al fin y al cabo el edificio de la Frick se Pittsburgh, mandó construir entre a partir de 1905. construyó en la esquina donde conflu1913 y 1914 el edificio que alberga-

Izquierda, La purificación del templo, por El Greco, hacia 1600. Derecha, El jinete polaco, discutida obra de Rembrandt, hacia 1655, óleo sobre lienzo, 116,8 x 135 cm.

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A la hora de crear y organizar su colección neoyorquina, Frick siempre tuvo en mente la Wallace Collection de Londres, una galería que bien hubiera podido formar parte de esta selección, y que fue el modelo europeo que lo inspiró. Al fin y al cabo, la Wallace era una exquisita colección que, formada por los marqueses de Hertford y en particular por Richard Wallace, asumió un destacada función pública cuando fue donada al pueblo británico en 1897 por lady Wallace, viuda de Richard. BIBLIOTECA DE ARTE

El edificio cercano a Central Park fue durante cinco años la vivienda habitual de Frick y su esposa Adelaida. El deseo de Frick, en todo caso, fue que, tras su muerte, la colección se convirtiera en una galería de arte con el fin de “alentar y desarrollar el estudio de las Bellas Artes para uso y beneficio de todas las personas”, y, sobre todo, aquéllas especialmente interesadas en el arte europeo. Pese a ello, esto no ocurrió del todo hasta 1931, cuando la mujer de Frick murió; el 16 de diciembre de 1935 la galería abrió definitivamente sus puertas al público tras la adecuación de sus habitaciones en salas de museo; de hecho, en los años siguientes se sucedieron algunas modificaciones arquitectónicas con el añadido de dos nuevas galerías y un

El rey Felipe IV de España, por Velázquez,

1644, óleo sobre lienzo.

Autorretrato de Rembrandt van Rijn, 1658, óleo sobre lienzo.

jardín que, diseñado por Russell Page, fue inaugurado en 1977. Desde entonces, la Frick es una institución sin ánimo de lucro que, además de la extraordinaria colección, cuenta con una de las bibliotecas especializadas en arte europeo más destacadas del mundo. Por imperativa orden de Frick, la institución es gestionada porun patronato que vela por los intereses de la colección y por mantener intacto los deseos de su fundador, que consiguió atesorar obras como San Francis-  co en el desierto, de Giovanni Bellini: el retrato de Tomás Moro, según Hans Holbein; el de Ludovico Capponi, de Bronzino; el muy discutido Jinete po-  laco, de Rembrandt, además de uno de sus autorretratos, y tres estupen41

dos vermeers, entre ellos Señora y sir-  vienta, que fue el último cuadro que compró Frick antes de morir. Por lo demás, el mecenas poseía una muy buena colección de obras de los mejores retratistas ingleses del siglo XVIII (Gainsborough, Hogarth, Reynolds, Romney, Raeburn o Lawrence) y uno de los más delicados ingres:  el de la condesa de Haussonville. Además, la colección incluye mobiliario francés de los siglos XVII y XVIII, muestras de la ebanistería inglesa en la biblioteca y en lo que fue la sala de estar y algunos muebles diseñados ex profeso para la residencia de los Frick. Así las cosas, a dos pasos de Central Park es fácil encontrar un reposo distinto pero igual o quizá más satisfactorio. T

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[MUSEO FRANZ MAYER] MÉXICO

NO SOLO PINTURA SIEMPRE me ha llamado mucho la atención la persistencia con que los museos han sido construidos en lugares rodeados de agreste y alegre vegetación, como si ésta anunciara o perpetuara muchas de las sorpresas que encontramos en sus salas. En el caso específico del Museo Franz Mayer, que apenas está a tres pasos de la Alameda Central de México, esa relación feliz parece recordarnos también la pasión por la flora y en especial por las orquídeas que tuvo su fundador, un alemán enamorado de México que llegó a la ciudad después de pasar su infancia en su país natal y tras

sendas estancias en Londres y en Nueva York, y cuya devoción por la metrópoli y por el país culminó nacionalizándose mexicano en 1933. Franz Mayer (1882-1975) hizo dineros como agente de bolsa y dedicó buena parte de sus réditos a formar una destacadísima colección de las llamadas artes decorativas (siempre me he preguntado cuáles no decoran el mundo y lo hacen, de esa manera, más habitable), pero también de pintura y escultura, que reunió guiado por su obsesión por recopilar todos aquellos objetos que pudieran atestiguar los modos de vida y las cos-

tumbres de la sociedad mexicana a lo largo de la historia. Ese deseo primigenio de Mayer, de hecho, otorga un marcado carácter antropológico, si se quiere, al museo, que ocupa un edificio histórico que primero fue la casa del peso de la harina y después un hospital que, fundado en 1582, estuvo destinado a la curación y al amparo de la población marginada. Previendo el interés que su colección podía tener para la sociedad en general y, sobre todo, para la mexicana, Mayer estableció un fideicomiso en 1963 para asegurar la formación del museo y la creación de una biblio-

Galeón pintado sobre un cuarterón de un

armario mexicano de tipo orientalizante, y dignatario chino representado en una Jarra de Puebla, siglo XVIII.

El sentido de la vista, por José de Ribera, óleo sobre lienzo, 114 x 89 cm. El Españoleto es,

junto a Zurbarán, el estandarte de la colección pictórica del museo.

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Plaza del Zócalo, por Carlo de París, 1800-1861.

teca adjunta donde se reuniría su librería, que había formado con los volúmenes que había ido comprando a la par que adquiría las piezas de su colección, con las que los libros se relacionaban estrechísimamente. En ella dio cabida, además, a otra de sus obsesiones: las más variopintas ediciones del Quijote, de las que llegó a reunir más de ochocientas. En definitiva, atesoró más de diez mil piezas y un número similar de libros, además de una cantidad considerable de fotografías, pues, no en vano, era muy aficionado y llegó a ejercer como amateur. CANTIDAD Y VARIEDAD

La del Franz Mayer es, así, una de las más importantes colecciones hispanoamericanas de cerámica tanto por la cantidad de piezas como porsu variedad. Hay numerosos ejemplares de la llamada talavera de Puebla y otros procedentes de los centros de producción españoles más destacados;

es decir, Talavera de la Reina, Alcora o Sevilla. Pero también hay porcelanas chinas que atestiguan los contactos con Oriente y la imitación de modelos que se produjo en Nueva España, así como ricas y muy bellas cerámicas holandesas. Por lo demás, el museo posee una de las más relevantes colecciones mexicanas de platería, tanto de uso litúrgico como civil, y es igualmente riquísima en lo que se refiere al mobiliario, pero, tal vez sobre todo, lo que destacan son los textiles, esos que desempeñaron y aún hoy lo siguen haciendo un importante papel en la sociedad novohispana que ha repercutido en la enorme demanda que ha habido siempre de ese tipo de telas. En el Franz Mayer hay ejemplos de la tradición previa a la colonización y de los realizados con la técnica del telar de pie importado por los españoles; sobresalen los rebozos para llevar a los niños u otras cosas y los sarapes, que atestiguaban el estatus social de su propie43

tario. En las salas del museo también se explicita la curiosidad de Mayer por otros tejidos como los mantones de Manila, los tapices flamencos o las sedas persas. No podían faltar las esculturas, pues fueron un cardinal instrumento de aculturación de la población indígena; son muy curiosas las realizadas con pasta de caña de maíz molido. A pesar de la importancia del resto de colecciones, la más conocida gracias a los préstamos de obras para la celebración de exposiciones temporales es la de pintura europea y novohispana. Entre las obras más conocidas están El sentido de la vis-  ta, de José de Ribera, que puede verse en la exposición que el Museo del Prado tiene abierta aún sobre las obras de juventud del pintor, y las de Francisco de Zurbarán, cuyos modelos fueron esenciales para el desarrollo de la pintura en Nueva España; las imágenes religiosas son lógicamente las más abundantes. T

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[MUSEO DE SHANGHÁI]

LA UNIÓN ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA CUANDO uno visita el Museo de Shanghái tiene la sensación de haber penetrado en uno de los muchos trípodes de bronce que podrá ver en el interior, de manera que allí también parece darse esa prodigiosa continuidad que seguramente se ha podido adivinar en el resto de estos museos encantadores y que señala algo que a estas alturas debería ser casi incuestionable: que el arte, al fin y al cabo, no es nada más que una celebración de aquello que está más allá de las paredes del museo, sea éste cual sea. El Museo de Shanghái fue fundado en 1952 en una sede distinta a la actual; situada en la céntrica plaza del Pueblo, la definitiva fue inaugurada en octubre de 1996. Esa forma tan curiosa, que ya de por sí atrae al visitante, es una referencia simbólica a la filosofía china, pues las variaciones paralelográmicas de la parte inferior se transforman en circulares en la parte superior como sutiles metáforas, respectivamente, de la Tierra y del Cielo en una sagaz combinación entre la tradición

del pensamiento chino y la modernidad de las formas constructivas que puso en juego el arquitecto local Xing Tonghe para dar cabida a las once galerías en las que se disponen las piezas de la colección y las tres salas dedicadas a las exposiciones temporales. Las colecciones del Museo de Shanghái, el más grande de China, dan idea del desarrollo artístico del país a lo largo de su larguísima y muy fructífera historia. Una de las cuestiones que más llaman la atención al que lo visita es la delicadeza con que se han expuesto las piezas, de manera, porejemplo, que la extraordinaria colección de bronces se muestra en vitrinas de madera que imitan mobiliario antiguo con diferentes y muymatizados niveles de iluminación que resaltan la calidad de las obras. Porsu parte, se ha dadoa la galería de pinturas la forma de un largo corredor construido según las normas y la decoración de la arquitectura china tradicional, e igualmente el sistema lumínico ha sido minuciosamente regulado y cuidado; se exponen en ella

Sobre estas líneas, exterior del museo: las variaciones paralelográmicas inferiores se transforman en circulares en la parte superior, como metáforas de la Tierra y del Cielo. Izquierda, de arriba a abajo, vasija para vino, llamada Bianhu, época de los Reinos Combatientes, siglos V-III a.C.; vasija de vino You, principios del siglo X a.C., y jarra-trípode de vino Yia, siglo XIV a.C., todas realizadas en bronce.

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pinturas fechadas desde los tiempos de la dinastía Tang (618-907) hasta hoy. Para mostrar la colección de cerámicas, en cambio, se ha optado por crear una atmósfera relajada que, en parte, libera al que mira de ese conato de síndrome de Stendhal que amenaza ante la vista de más de quinientas preciosas piezas cuya cronología abarca desde la dinastía Shang (1600-1046 a.C.) a la Qing (1644-1912). Algunas salas están dedicadas al especial arte de la caligrafía y en ellas se hace un repaso minucioso por buena parte de las escuelas y los estilos; las obras han sido dispuestas según un orden cronólogico que permite hacerse una idea del desarrollo del arte caligráfico, trascendental para la cultura china.

EL MÍSTICO JADE Finalmente, sobresalen las salas dedicadas a esas otras artes chinas menos conocidas: los jades, en los que la belleza propia de la piedra se une al carácter místico que se le ha otorgado siempre, relacionado a su vez con el poder y el estatus social y la salud; la numismática y la medallística, que atestiguan la historia china y los intercambios culturales y comerciales continuos que existieron entre Oriente y Occidente y en las que destacan las piezas donadas por Roger y Linda Doo, pues todas proceden de los lugares más notables entre los que jalonaban la Ruta de la Seda; los sellos, cuya importancia en la cultura china lo demuestra la proliferación de marcas que pueden verse en grabados, pinturas o documentos escritos, y el mobiliario. Por lo general, las vitrinas fueron diseñadas ex profeso e iluminadas apropiadamente a tenor de las piezas que fueran a ser expuestas en ellas, pero en el Museo de Shanghái destaca, además, la recreación de espacios o ambientes que permiten mostrar las obras en unas óptimas condiciones para que así el visitante aproveche la experiencia recreando el contexto para el que las obras fueron creadas. En cierto modo, así se pueden soslayar un tanto las imposiciones de la moderna museología que descontextualiza la obra en pro de su sacralización como objeto museable. T

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Vasos para alimentos Gui, dinastía Chou del oeste, siglos XI-X a.C., bronce, 23,9 y 18,8 cm de altura, respectivamente.

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MIRADAS DE FRENTE

EL YO DE LA

MÁSCARA EL MET HA SELECCIONADO OBRAS PROCEDENTES DE ÁFRICA, EUROPA Y LOS ESTADOS

UNIDOS DE ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS QUE HAN UTILIZADO LA MÁSCARA

AFRICANA COMO UN CATALIZADOR PARA LA EXPLORACIÓN CREATIVA.

CADA AUTOR

APROVECHA LA CAPACIDAD DE TRANSFORMACIÓN DE MATERIALES NO CONVENCIONALES PARA LOGRAR LA REINTERPRETACIÓN INESPERADA DEL LENGUAJE PLÁSTICO

KOSME DE BARAÑANO

Heviosso, por Calixte

Dakpogan, 2007, chancletas, chatarra, tornillos, cajas de CD, 74 x 55 x 28,5 cm, Ginebra, cortesía de CAAC-The Pigozzi Collection © Calixte Dakpogan.

LA MIRADA de la máscara es siempre una mirada frontal, a pesar de que es la mirada de otro que se oculta o de otro que se representa. Es una mirada frontal y a la vez es una mirada encubierta. ¿Es la mirada del arte del siglo XX la del otro? ¿O es la mirada del que se esconde detrás de una forma, que en principio no le corresponde? Esta pequeña exposición en el MET propone un nuevo camino que trasciende la linealidad discursiva de las presentaciones histórico-artísticas. Esta muestra es transversal en el sentido de que no recorre la visión europea de la máscara como rescatada de África sino que la asume como motivo desde la visión de artistas actuales, confrontando esta visión con la de los años veinte, por ejemplo de Man Ray. Titulada Re- 

Pensemos que la historiografía del arte del siglo XX, desde Alfred Barr y su canon en el MoMA hasta Werner Schmalenbach y su museo de Düsseldorf (la Nordrhein Westfalen Sammlung), ha sido devota admiradora del arte negro. No sólo los directores-fundadores de los museos de arte contemporáneo sino también los otros agentes del mundo del arte, coleccionistas, galeristas y los propios artistas. Desde Alfred Barnes y su colección en los EE UU o el médico Joseph Müller en Ginebra; desde los galeristas franceses como Paul Guillaume o los suizos como Hans Coray, el mundo del arte contemporáneo ha crecido junto a la apreciación por el arte africano. Muchos ga-

configuración del icono africa-  no: odas a la máscara de artis-  tas contemporáneos, expone

a la vez una máscara tradicional, una máscara Baule de principios del siglo XX, la fotografías de Kiki de Montparnasse en 1926 hechas por Man Ray y máscaras actuales de artistas vivos. Está instalada en un pasillo antes del Michael RockefellerWing, como introducción a lo que se llamó arte primitivo. No es una exposición usual o típica en el MET ni tampoco es una muestra densa en número de obras pero es muysignificativa en cuanto abre interrogantes sobre el futuro de los temas y los arquetipos del gran arte y de la historia del arte, reconsiderando el icono de la máscara. En cualquier caso, el origen, comienzo, o primeros pasos del arte contemporáneo y la visión del arte africano van de la mano desde su infancia. Ambos tienen la misma edad; portanto, es natural que haya influencias del hermano sin vida sobre el vivo. El arte primitivo ha sugerido respuestas pictóricas (o de pensamiento visual), aspiraciones artísticas, nuevas teorías estéticas y un debate cultural en los últimos años, no ajeno a la historiografía del arte actual: cien años no precisamente de soledad.

leristas fueron coleccionistas y también los primeros analistas históricos, incluso algunos directores de museo como Schmalenbach hicieron su tesis doctoral en la universidad, no sobre el arte moderno sino sobre el arte negro. La historiografía del arte moderno o contemporáneo del siglo XX tiene el mismo recorrido que la historiografía del arte negro, exactamente cien años. Ambas historiográficas son coetáneas, aunque sus caminos de investigación paradójicamente pocas veces han ido paralelos. Como ha sucedido en casi toda la ciencia del siglo XX se han hecho campos autistas, aunque el comienzo del camino viene abierto y desbrozado juntamente por los artistas y los pro48

fesores universitarios que se comprometen, asimismo, con la constitución de los nuevos museos. Pienso, por ejemplo, en el médico alemán Karl von Steinen (1855-1929) que renuncia a su cátedra de Etnografía en la Universidad de Marburg en 1890 con una carta al Rectorado explicando que no se podía enseñar sin tener a mano una colección museística. No es posible explicar el expresionismo alemán desde Ernst Ludwig Kirchner hasta Max Beckmann sin la presencia de los museos de Volkerkünde, de arte primitivo, en Dresde, Leipzig o Berlín. VUELTA A LA NATURALEZA

Si el arte de finales del siglo XIX estuvo influido por el mundo oriental, especialmente por la estampa japonesa y por la filosofía visual oriental difundida por los hermanos Goncourt y por las colecciones y el interés en Asia de un amplísimo número de artistas, de Millet a Monet, de Van Gogh a Mary Cassat, el comienzo del siglo XX lo estuvo por el arte primitivo, prèmier, arcaico, salvaje o no-europeo. Elijamos la palabra que nos parezca políticamente más correcta, pero todos sabemos a qué nos referimos. Es el camino de una nueva mirada, un camino abierto (topográfica y conceptualmente) por Paul Gauguin y su huida a los mares del sur. Gauguin, como explicaré más adelante, buscó no tanto liberarse de la herencia estética de los griegos y del canon occidental sino “volver a la naturaleza”, a la sencillez original, que era la lección de Jean Jacques Rousseau (1712-1778), especialmente las ideas de su obra póstuma Rêveries du promeneur solitai-  re, publicada en 1782. Gauguin fue a la búsqueda no del santo Grial sino de aquellas islas donde aún el estado natural del ser humano era el estado anterior a la civilización y a la sociedad, donde no había desigualdad sino puro state of nature  y puro noble savage  o bon sauvage, cu-

Máscara Gba gba,

Costa de Marfil; pueblos Baule, antes de 1913, 26 x 12,4 cm, Nueva York, The Metropolitan Museum of Art, legado de Adrienne Minassian, 1997. A la izquierda, Negro y blanco, por Man Ray, 1926, gelatina de plata de impresión, 22,2 x 27,3 cm, Nueva York, colección privada © 2011 Man Ray Trust / Artists Rights Society (ARS), NY/ADAGP, París.

ción por Gauguin viene acompañada por el lanzamiento de un naïf urbano como el de Henri Rousseau Le Douanier (1844-1910), el amateur como modelo frente a Nicolas Poussin (1594-1665). Hagamos un pequeño repaso. El descubrimiento del arte negro en la historia del arte entra dentro de un big-bang  cultural que incluye el arte de otros pueblos (lo que entonces se llamó arte primitivo), es decir, los dibujos de las cuevas del Paleolítico, como Altamira o Lascaux, la reconsideración de los dibujos de niños y de locos, y la del folk art. Todo ello consolida el asentamiento universitario, académico y museístico de la etnografía y de la antropología. La vanguardia no escapa a este campo de interés como no escapa al de la nueva tecnología, como, por ejemplo, la vista que proporciona el avión y el automóvil a mucha velocidad, así como la visión espacial de las nuevas matemáticas. Todo va en la misma longitud de onda que exige a la vez una renovación moral y estética.

Brillo, por Willie

Cole, 2007, zapatos negros de tacón, alambre de acero, línea de monofilamento, arandelas y tornillos, 40 x 35,6 x 38,1 cm, Nueva York, Metropolitan Museum of Art, Fondo Hortense and William A. Mohr Sculpture Purchase.

ya apología viene desde Michel de Montaigne. Allí, en los mares del sur, Gauguin iba a encontrar el sentido de “ser artista”, el de un hombre de sensaciones y solamente de sensaciones como Rousseau teorizaba, paralelamente a los viajes de Louis Antoine de Bounganville (1729-1811) o de James Cook (1728-1779) y sus publicaciones respectivas Voyage au-  tour du monde (1771) y A voyage to  the Pacific Ocean (1784, aunque hay ya una edición pirata de su diario en 1771). Poco después, Denis Diderot

RAÍCES DEL ARTE MODERNO

escribirá en 1772 el Suplemento al  viaje de Bougainville, donde hace una revisión del buen salvaje  de Rousseau, provocando una serie de pensamientos filosóficos y utópicos sobre la civilización. Un siglo después, Gauguin busca en la Polinesia lo no adulterado por la academia, la renuncia al oropel y la vuelta al orden natural de las cosas para reconquistar una pureza visual, una resurrección del papel taumaturgo del artista. De hecho, en los primeros años del siglo XX en París la venera-

El libro de Jack Flam y Miriam Deutch, Primitivism and Twentieth-CenturyArt. A Documentary History  (2003) pre-

senta las fuentes que han originado el aprecio por el “traditional, indigenous arts of Africa, Oceania, and North America”, de artistas, críticos, arqueólogos o, incluso, dealers de ar-  te. Es una antología de fuentes básicas (primary documents)  de las apreciaciones valorativas a cerca de lo que hemos categorizado como primitivo (el estudio de las artes en Oceanía, África, y América) y luego redenomi-

A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX EN PARÍS, LA VENERACIÓN POR GAUGUIN VIENE ACOMPAÑADA POR EL LANZAMIENTO DE UN NAÏF URBANO; ES DECIR, EL AMATEUR COMO MODELO FRENTE AL ACADEMICISMO 50

Ensordecedores, por

Romuald Hazoumé, 1999, bidón de plástico, cepillo, altavoces, 42 x 22 x 16 cm, Ginebra, cortesía CAAC-The Pigozzi Collection © Romuald Hazoumé.

Coco, por Romuald Hazoumé,

1997, plástico, pelo sintético, metal, nylon, 37 x 22 x 15 cm, Ginebra, cortesía de CAAC-The Pigozzi Collection © Romuald Hazoumé. A la derecha, La Cocina, por Calixte Dakpogan, 2007, hierro, aluminio (horquillas), algodón, cobre, 56 x 45 x 14,5 cm, Ginebra, cortesía de CAAC-The Pigozzi Collection © Calixte Dakpogan.

nado por cuestiones político-culturales (más que por razones antropológicas, históricas o iconológicas), y es a la vez una contribución a las bases conceptuales del arte moderno. Este volumen es como una mina de donde proviene todo el discurso académico posteriory pone a disposición todas estas torrenteras, originando un insight  de los complejos caminos de definición entre política, cultura y representación simbólica. Este libro fue una continuación de la exposición y el catálogo de Primitivism and the Art  of the XX century, organizada por William Rubin en el MoMA en el año 1984, y de sus consecuencias como las revisiones de Matisse, Picasso y Derain, y, especialmente, las exposiciones centradas en Gauguin realizadas en Alemania, teniendo en cuenta que el Museo de Dresde organizó una retrospectiva de él ya en 1905 que influiría enormemente en lo que conocemos hoy como los pintores de Die  Brücke.

el punto de vista, tanto filosófico como pragmático-valorativo, de todo el arte del siglo XX, a la vez que demarcan el pensamiento visual de, por ejemplo, Jacques Lipchitz y esa obra clave como un totem que es la Figu-  re de 1926. La máscara ayuda al actor a adoptar caracteres y emociones del otro, a exteriorizarse. Pueden ser sagradas y profanas, humanas o de animales, dramáticas o cómicas, intimidatorias o pacíficas. Su sentido no está en sí mismas, en su aislamiento, sino en su

LA FUGA DEL “YO” El llamado arte primitivo funcionó como fermento y transformó lo europeo, no sólo por la búsqueda de lo extranjero, sino porla radicalidad formal, libre de prejuicios y cánones de lo establecido. El término primitivo, ni en el uso actual ni a principios del siglo XX por los artistas o críticos como Marius de Zayas o Carl Einstein, pretende ser descalificativo, sino resaltar la característica de intuitivo o primario, resultado de una relación directa con la naturaleza y los sentimientos básicos de la especie humana. Habría que plantearse la consideración del arte africano dentro de la historia del arte, así como la consideración del artista como coleccionista y valorador de la máscara africana. Ambas consideraciones están muy ancladas en la historia del arte contemporáneo y definen de alguna manera

integración en los ritos o celebraciones, en su utilidad como transposición. Como también en las culturas europeas, sea por ritos de primavera o de carnaval, las máscaras ayudan a la fuga del “yo”. La pieza de Calixte Dakpogan titulada Heviosso, de 2007, es una máscara realizada con chancletas, chatarra y tornillos, que se refiere al proceso acumulativo de las máscaras Ngueres de Costa de Marfil. Rasgos exagerados en los ojos saltones, como intimidatorios, y

en vez de adornos de animales o vegetales aquí y ahora son adornos industriales. Como también la máscara Brillos, de Willie Cole, es una recopilación de zapatos de tacón negros. La selección de máscaras africanas del MET dialoga con las piezas de artistas actuales americanos o africanos o europeos, de Lynda Benglis a Willie Cole, de Calixte Dakpogan a Romuald Hazoumé. Todos ellos las han usado como catalizadores de sus propuestas plásticas. En ellas materiales no convencionales muestran su capacidad de transformarse y de conseguir inesperadas reinterpretaciones del lenguaje plástico. Por ejemplo, Coco, de Romuald Hazoumé, 1997, con plástico y pelo sintético. No son máscaras talladas en madera pero siguen esa forma dinámica, sencilla y compleja a la vez de la frontalidad. Para apreciarlas, el espectador debería ponerse o imaginárselas en movimiento, en danza y con música, tejidos y cuerpos alrededor. Los nuevos materiales ayudan a reinventar y redifinir el género. El potencial de la máscara como una fórmula africana sigue vivo en el arte contemporáneo. El arte africano interesa por dos aspectos, su liberación de la precisión figurativa y su énfasis formal en acotar y mezclar las tres dimensiones (lo que Picasso hizo en Las  señoritas de Avignon). Al acentuar los aspectos formales y estructurales sin limitarse a la imitación material, los africanos dominaron el arte abstracto mucho antes que los europeos y esto lo han visto claramente los artistas del MET. Como dijo en 1995 Claude Levi Strauss: “Las máscaras no son menos indispensables.... que las palabras”. T

DATOS ÚTILES Reconfiguración del icono africano: odas a la máscara de ar tistas contemporáneos MET, 1000 Fifth Avenue, Nueva York

Hasta el 21 de agosto 

www.metmuseum.org

NO SON MÁSCARAS DE MADERA PERO SIGUEN ESA FORMA DINÁMICA, SENCILLA Y COMPLEJA A LA VEZ DE LA FRONTALIDAD, PARA APRECIARLAS EL ESPECTADOR DEBERÍA IMAGINÁRSELAS EN MOVIMIENTO 53

RUMBOS CREATIVOS PARA TIEMPOS CONFLICTIVOS

EL NUEVO ARTE JOVEN ESPAÑOL

EL SIGLO XXI DESPEGA CON UNA GENERACIÓN DE ARTISTAS NACIDOS EN LOS AÑOS SETENTA Y OCHENTA CUYA OBRA SE DESLIGA DEL APROPIACIONISMO DE LA POSMODERNIDAD PARA INDAGAR EN EL INDIVIDUALISMO, LA CONFLICTIVIDAD SOCIAL, LA URGENCIA DEL PRESENTE Y LOS PROCESOS DE CREACIÓN KRISTIAN LEAHY

Serie estrujados, por Javier Arce, 2010. Vista de la exposición en la Galería Max Estrella, Madrid.

EL ARTE joven español de los últimos diez años ha supuesto una verdadera corriente de dinamismo y frescura en el panorama cultural. La primera década del siglo XXI ha visto surgir a una nueva generación de artistas nacidos en los años setenta y ochenta, desubicados de aquellos estilos predeterminados y tormentas ideológicas que llevaron al arte de los noventa a un inquietante punto ciego. Quizás, la juventud creadora sea la más individualista de la historia y la que mejor ha reflejado la realidad del mundo en que vivimos, pese a una imaginería críptica y difícil de entender a primera vista. Las líneas de estilo coinciden en parte con lo elaborado porsus precedentes aunque ahora la temática es más heterogénea y multidisciplinar. En esa dispersión de métodos, técnicas y estilos, esta nueva generación no tiene prejuicios en resaltar un anacronis-

ceptuales. En 2003, Ester Partegàs mostró en su serie Detours, tickets de compra con frases como Algunos (5$)  días (15$) siento (80$) que (1$) no  (5$) valgo (100$) nada (0,5$ ). Cada una de esas palabras se transformaba en producto de consumo, resultando una cantidad que mostraba el gasto producido ante un estado de ánimo y no consecuencia de una necesidad material. Como reflejo de una generación y de la época en que vivimos, saturada de información, consumo y conflicto, resalta el genial trabajo In Ictu Oculi  (2009), de Greta Alfaro. En el vídeo rodado en lo alto de una montaña, destaca una solitaria y generosa mesa repleta de platos para varios comensales que es devorada por decenas de buitres, en una proyección sobre nuestra vulnerabilidad. Estas metáforas sobre la condición del ser humano son recurrentes también en la obra de Daniel Silvo. En su

HETEROGÉNEOS E INTERDISCIPLINARES, ESTOS ARTISTAS INCORPORAN A SU OBRA DE FORMA ASIDUA EFECTOS DIGITALES , INFOGRAFÍAS, DOCUMENTOS Y ESTADÍSTICAS QUE TRANSFORMAN EL CONCEPTO CREATIVO EN UNA ESPECIE DE CIENCIA METAFÍSICA VISUAL mo de fuentes que se nutren desde el barroco hasta el minimalismo. La incorporación de elementos que fomentan la percepción de lo real también es acusado en nuestro días, por medio de sonidos, luces, movimiento o efectos digitales, y una utilización asidua de infografías, documentos y estadísticas, que transforman el concepto creativo en una especie de ciencia visual metafísica. La atención al proceso y menos al resultado es otro de los apuntes que sobresalen en todos los nuevos artistas españoles, más preocupados por cuestionar los mecanismos de narración o el desarrollo de lectura de la imagen que provocar una suprema respuesta en forma de icono. La realidad de nuestra sociedad es, al fin y al cabo, la expresión por antonomasia, en una proyección de la complejidad de su sistema por medio de renovados recursos técnicos y con-

trabajo de 2007, Bello es aquello que  place a la vista , mostraba anclado a la pared una placa de mármol con dicha frase en braille; su situación en altura hacía que no pudiera ser palpada por un ciego ni entendida por un vidente, remarcando así la existencia de elementos que no se pueden comprender. Estos problemas de comunicación quedan definidos de una manera más explícita en el trabajo conceptual de Paloma Polo. En su vídeo The Eclipse  (2008), Polo desarrolla cortometrajes con actores y diálogo pero cuya falta de montaje y cualidades narrativas provocan un desorden en la realidad, siguiendo el cine sinestético de los años setenta de Norman McLaren o de David Lynch. Patricia Dauder ha explorado de otra manera estos límites de la representación con su serie Les Maliens (A Script)  y (A Film). En el primero, de 2005, imaginaba con todo detalle un posible 56

paisaje de Malí a partir de imágenes sueltas encontradas, y en el segundo, después de grabar en el propio Malí, recorre el camino inverso, estilizando y difuminando lo real del paisaje hasta convertirlo en abstracto. El simbolismo de elementos del entorno urbano es base para el trabajo de Juan López. La grabación durante veinticuatro horas del reflejo de una cruz luminosa de farmacia en la ventana de su estudio, produjo todo tipo de palabras ocultas y mensajes en la proyección invertida de su reloj digital. Expresiones como “hazlo”, “dilo”, “hell”..., transmitían toda una fascinante expresión de humor conceptual basado en el azar y la superstición a partir de elementos cotidianos. En un sentido más directo, Karmelo Bermejo interviene directamente en los mecanismos del sistema para cuestionar su propio sentido, como en su acción Booked Movie , donde todas las entradas de una sesión de cine para la película número 1 en el ranking de taquilla, fueron compradas con dinero público para que no fuera vista por nadie, o en su proyecto de fuegos artificiales para la clausura de la feria ArtBasel de Miami, en la que, entre festivos y alegres estruendos de fiesta, brillaba la palabra “recesión”. ARCHIVO DE IMÁGENES

El archivo y la documentación de imágenes ha transformado ciertas narrativas del arte contemporáneo de esta pasada década, a partir del redescubrimiento de la figura del alemán Aby Warburg (1866-1929) y su enciclopédico Atlas Mnemosnye , constituido por una colección de imágenes sin apenas texto con la cual pretendía narrar visualmente la memoria de la civilización europea. Esta tendencia ha tenido su eco en los jóvenes artistas internacionales, y más en el campo de la fotografía, apoyados también por las series de Bernd & Hi-  lla Becher y sus alumnos de la Escuela de Düsseldorf. La catalogación de espacios deshabitados o en ruina, centra, por ejemplo, el trabajo de Lara Almárcegui. En su obra Montaña  de Escombros  (2005) acumuló todos los escombros que habían sido demo-

lidos de una casa en el mismo solar donde ésta se encontraba. En otras ocasiones, Almárcegui ha editado guías completas con documentos y fotografías sobre solares vacíos de ciudades como São Paulo o Ámsterdam, calculando incluso el peso aproximado de todas las construcciones de la ciudad. El objetivo de su trabajo es, según ella, “ofrecer localmente algunas respuestas a una crisis ecológica cuyo desenlace, evidentemente, sólo podrá decidirse, a largo plazo, a escala planetaria”. En un sentido más voyeurístico, a Juan Carlos Martínez le interesa resaltar espacios abiertos de apariencia bucólica pero que son utilizados regularmente para citas íntimas o clandestinas. En otra serie del autor, Escondidos , Martínez ha tomado instantáneas de fragmentos de personajes ocultándose de la mirada ajena en el espacio De arriba a abajo, The Random, Serie-Berliner Trato, por Miguel Ángel Tornero, 2010, fotografía, cortesía Künstlerhaus Bethanien, Berlín. Sin título, por Aitor Ortiz, fotografía, cortesía Galería Max Estrella, Madrid. La Obra Maestra Desconocida, por Miki Leal, acrílico sobre papel, cortesía Galería Fúcares, Madrid.

compartido. Es llamativo cómo estos artistas actuales resaltan muchas actitudes del ser humano contemporáneo sin reflejarlo apenas en sus composiciones. Bajo esa mirada destaca también la fotografía urbana de Sergio Belinchón, reflexionando tanto en el aspecto ambiguo y anacrónico de la ciudad como en su estado en proceso. Desligado, en cambio, de la representación humana pero refiriéndose a su presencia, destaca la fotografía de Aitor Ortiz, cuyas instantáneas de toscas canteras de piedras sugieren modernos espacios habitables, desplazando las referencias espaciales y los cánones del ser humano como medida de todas las cosas al terreno de la imaginación. Las referencias al espacio laboral, rural o natural que va desapareciendo, es el proceso desarrollado por fotógrafos como Linarejos Moreno o Ángel de la

Rubia, destacando con naturalismo y crudeza esas huellas que van dejando los rituales y tradiciones populares abandonados. FOTOGRAFÍA Y COLLAGE

La manipulación artesanal o digital de la imagen fotográfica por medio del collage , el dibujo o las superposiciones digitales ha sido una tendencia muy acusada también en esta pasada década en el campo de la fotografía. Pionero de este método es Miguel Ángel Tornero, con sus fragmentos de la vida cotidiana que superpone digital o manualmente, evocando aspectos como siluetas, sombras y todo tipo de detalles circunstanciales, protagonistas de una realidad desapercibida pero esencial en el contenido visual de toda imagen. Esta descontextualización de la mirada también está presente en la fotografía retocada de Manolo Bautista, descubriendo

LA

de la pintura clásica como a las primeras vanguardias, pero tratando aspectos extremos, uniendo diferentes tradiciones para provocar renovadas lecturas. El joven Jorge Diezma plantea un trabajo en la línea de otros artistas internacionales como Ged Quinn o John Currin, recuperando radicalmente la sensibilidad pictórica de siglos pasados. Sus atmósferas en claroscuro anegan sus atemporales bodegones barrocos, uniendo tradiciones pictóricas tan dispares como la naturaleza muerta de Chardin, la española de Valdés Leal y Pereda o la holandesa de Claesz Heda. Su misteriosa serie de retratos de animales disecados, como marabúes, caballos o corderos, reinterpreta la tradición pictórica de Zurbarán, Goya o Velázquez. Estas referencias clásicas, manipuladas por el gesto libre y personal, florecen con más humor en la pintura de José Lerma. Sus

NUEVA PINTURA SE ALEJA DEL LIRISMO ABSTRACTO DE LOS

AÑOS NOVENTA PARA CENTRAR SU MIRADA EN LA FIGURACIÓN, LA PINTURA CLÁSICA Y LAS PRIMERAS VANGUARDIAS: UNE TRADICIONES DE FORMA EXTREMA PARA PROPONER NUEVAS LECTURAS situaciones y fenómenos fuera de lugar y del tiempo en un entorno ajeno, sin narrativa. En el trabajo de Germán Gómez, en cambio, son las imágenes del cuerpo humano, su retrato y proceso el que articula como sujeto de yuxtaposición. En De Padres y  de Hijos , expuso los retratos de dos generaciones, superpuestos en una misma imagen por medio de fragmentos ensamblados sobre acetato o metal, entrelazando anatomías físicas y conceptuales del ser humano. La pintura realizada en los últimos diez años muestra una clara tendencia por la figuración, alejándose de las expansiones en el lienzo y el lirismo abstracto redefinido, propio de los noventa, que ya sólo pervive en algunos artistas como Nico Munera, Guillermo Mora o Manuel Saro. La mayoría de los que trabajan con el pincel han renovado este aspecto narrativo y han dirigido su mirada tanto a las fuentes

referencias al barroco se proyectan a un retrato de aspecto cortesano, desnaturalizado en un estilo deudor de Condo o Kippenberger, y transfigurado por técnicas experimentales. En ese proceso de trabajo, resalta más la transformación estructural y esencial de la figura que el propio motivo, aspecto también propio del imaginario de Gorka Mohamed, donde intercala formas geométricas y orgánicas, así como planos entrelazados en una calculada ruptura de los tabúes pictóricos. Dicha insinuación se percibe del mismo modo en los lienzos de Secundino Hernández, donde la figura se desvanece en sus propios rastros, gestuales pero concisos, desplazando la expresión abstracta a un minimalismo descarnado. Esta fenomenología del contraste en la pintura de hoy es más radical cuando comparamos las miniaturas elaboradas con minuciosidad por Jerónimo Elespe, con las grandi58

locuentes y, al mismo tiempo, sencillas telas de Antonio Ballester Moreno. En el terreno de la figuración también destaca la obra en témpera sobre lino de Philipp Fröhlich. Su trabajo surge de un laborioso proceso de capas de color superpuestas en pinceladas ligeras, como un tramado fragmentado de elementos translúcidos, en los límites entre abstracción y figuración, y en los márgenes entre realidad y ficción, visión e intuición. El pretexto formal del paisaje como sujeto de ambigua representación es evocador también en la pintura sobre papel de Miki Leal, donde la propia actitud pictórica y su proceso transforman la imagen de lo real. Otros caminos destacables en la actualidad son los nocturnos urbanos de Aitor Lajarín, los interiores barrocos de Santiago Giralda, los personajes naïf de Jordi Ribes, la expresividad de Luis Felipe Díaz o la insinuación de fragmentos de la memoria de Rubén Guerrero o Javi Soto. GÉNEROS REDIVIVOS

En los últimos años, el dibujo y el universo de la animación han desplazado en presencia a la propia pintura y los creadores de este género son más numerosos. En un estilo gráfico de apariencia folk y panfletaria, Abigail Lázkoz realiza dibujos monumentales a tinta china de aspecto mecánico e industrial, buscando efectos más propios del grabado o la reproducción impresa. En su trabajo, Lázkoz interviene los muros con figuraciones en blanco y negro evocadoras de conflictos sociales o psicológicos en una manera, según ella, de lidiarcon sus propios miedos. En el terreno de la animación y el diseño por ordenador, destacan los vídeos de Ruth Gómez con su serie Ani-  males de Compañía, de 2005, donde crea escenificaciones metafóricas del mundo competitivo laboral y social, como una tragicomedia de una sociedad deshumanizada por el bienestar personal. La evocación de la falsa seguridad que transmite la sociedad, la transmisión de ideologías o la pervivencia de errores resaltan en los vídeos animados de Cristina Lucas co-

mo El Eje del Mal  (2003), y de forma más imaginativa e íntima, en otros artistas como Juan Zamora, Guillermo Martín Bermejo, Fernando Renes o Aitor Saraiba. La monumentalidad de los dibujos de Javier Arce contrasta con su aspecto frágil. En su serie, Estrujados , Arce reproduce con rotuladorsobre papel irrompible, obras maestras de la historia del arte, que luego comprime. En su última exposición de Max Estrella envolvió literalmente las paredes con dichos papeles, enfrentando directamente el aura del arte con el desperdicio. El desecho de la obra de arte, y no su reflexión, es lo que Jesús Pedraza Villalba ha resuelto en cambio con su obra Colección de Arte  Contemporáneo Fundación La Caixa 

(2008), donde borró con lija todas las reproducciones de un libro del museo para luego exponer tanto el residuo De arriba a abajo, Anamorfis 004, por Aitor Ortiz, 2009, fotografía sobre aluminio, 200 x 135 cm, cortesía Galería Max Estrella, Madrid. Mariposas, por Antonio Ballester Moreno, 2010, 52 pinturas sobre lienzo, 650 x 924 cm, cortesía Galería Maisterravalbuena, Madrid.

de la acción como las lijas utilizadas para raspar, conceptualizando con el vacío el contenido visual del arte. Una presencia inmaterial presente también en la obra velada de Carolina Silva que, trabajando con instalaciones de elementos que se desvanecen a la vista, explora el otro lado de la realidad y la dimensión de lo oculto, basándose en referencias literarias o en ciertas tradiciones del inconsciente popular y cultural. En una representación más explícita destaca el dibujo de Juan Francisco Casas a partir de imágenes fotográficas captadas sin ninguna intención artística que luego representa con bolígrafo en una técnica virtuosa, inusitada, transfiriendo el rigoracadémico a lo casual y anecdótico. En un sentido más poético de la imagen, en los márgenes de lo accidental y la lírica del azar, resalta el tra59

dificando los habituales espacios de representación. En la pintura sobre fotografía de Roberto Infantes, en cambio, el cromatismo revitaliza los espacios más vulgares y tradicionales que capta con su cámara. Más allá, Marlon de Azambuja, Maider López o Diana Larrea modifican directamente el ámbito urbano para cuestionar nuestras relaciones con el espacio por medio de acciones como envolturas de mobiliario, atascos programados de coches que policroman casualmente el paisaje o columnas o barricadas humanas efímeras que transforman la percepción sensorial y social. En el caso de Pablo Valbuena, esta alteración de las dimensiones es producida por medio de proyecciones digitales de luz en arquitecturas, investigando la relación de éstas con el tiempo, no sólo como ambientes tridimensionales sino también como espacios en transformación. De arriba a abajo, In ictu oculi, por Greta Alfaro, 2009, vídeo. Pirámide, de la serie Nueve  nuevas formas de doblar tu 

por Daniel Silvo, 2010, cortesía Galería Marta Cervera, Madrid. dinero,

bajo de papeles recortados de Dai K. S. o Julia Spínola, con sus pequeños fragmentos recortados o gestos pictóricos que actúan como generadores de pensamiento. Reflexión más indescifrable en los jeroglíficos de Regina de Miguel, en su serie de paisajes interferidos por símbolos que yuxtaponen dicha realidad a una historia y un razonamiento ilimitado. La manifestación artística de la instalación en un espacio concreto ha sido otro de los aspectos más desarrollados por los artistas jóvenes, llegando a veces a extremos radicales como el caso de Clara Montoya, que, vaciando su casa, expuso absolutamente todas sus pertenencias en una sala de arte durante un mes, a modo de autorretrato conceptual. Miren Doiz, en un sentido inverso, ha ocupado interiores arquitectónicos con expresiones pictóricas para luego representar dichas acciones como fotografías, mo-

PERCEPCIÓN SENSORIAL

El dúo de artistas Esther Mañas y Arash Moori modifica esta percepción sensorial del espacio por medio de ingeniosos mecanismos experimentales de luz, sonido o movimiento. Este conceptualismo en la articulación de equívocos, enigmas y desdoblamientos sobresale, por medio de una compleja figuración, en el trabajo de los gemelos MP & MP Rosado, transmitiendo cierta imposibilidad de captar lo vivido, en un ambiguo epicentro entre realidad y arte. Un mundo que se desvanece conforme lo recorremos, como muestra del mismo modo Busto Bocanegra, utilizando celosías abiertas, restos orgánicos o extraños pasillos que nos abren y cierran el paso al mismo tiempo. En la actualidad también se ha producido un renovado trabajo escultórico compuesto por residuos frágiles e inestables cuya configuración final no es producto de una intención formal predeterminada, sino una percepción casual de las leyes de la gravedad, la indeterminación y el azar, en alusión a presupuestos de la antiforma de los sesenta. Artistas como Nuria Fúster, Fernando García o 60

Jacobo Castellano, han practicado estos antecedentes, proyectándolos como reconstrucción de la memoria y la conciencia. Jaime de la Jara, en cambio, materializa los escenarios secundarios e inmateriales de la obra de arte, aquellos que sostienen la figura pero que se ocultan tras ella por medio de evocadores fragmentos de realidad. Una memoria más colectiva conforma los proyectos de Ángela Cuadra, que expone consignas políticas y eslóganes de las pasadas dictaduras para ilustrar un paradójico bienestar social en tiempos de guerra, que se proyectan a la sociedad actual. Asier Mendizábal recurre al cine, la música alternativa o a las agrupaciones clandestinas para rescatar simbologías de la modernidad como signos o banderas, que descontextualiza también bajo una mirada interferida. El teatro del absurdo de Beckett pervive renovado en los vídeos de aspecto casero del dúo Bestué/Vives. En sus primeros trabajos trataron el espacio público, el privado y el cuerpo en una serie de acciones humorísticas que proyectaban el pensamiento en arte del siglo pasado. En sus trabajos más recientes, como Proteo , expuesto en la Bienal de Venecia en 2009, todo un proceso de transformaciones y experiencias en sujetos y objetos termina siempre en el punto de partida, en un proceso de evolución e involución propia del ser humano. Esta tragicomedia de lo cotidiano es aparentemente más extrema y catártica en los vídeos de otro dúo de artistas llamado Aggtelek, que construye y deconstruye esculturas y escenarios de cartón en tiempo real, activando la memoria de fenómenos tan dispersos como el accionismo vienés, el vídeo musical o el cine expresionista alemán de los años veinte. Estas referencias al cine de Hollywood, como proyección del presente, han sido utilizadas como método de inspiración o apropiación de otros artistas jóvenes como Manu Arregui, Fernando García, Adrià Julià, Lucía Antonini o Javier Viver, situando el videoarte como uno de los géneros de mayor presenT cia en el arte actual. -

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ARQUITECTURAS

DE CUENTO A PARTIR DE FOTOGRAFÍAS ÚNICAS , CUATRO ESCRITORES IMAGINAN MICROCUENTOS LITERARIOS QUE SUGIEREN OTRAS TANTAS EDIFICACIONES DE Y

ASIA. ESPACIOS

EUROPA, ÁFRICA, AMÉRICA

ARQUITECTÓNICOS

ATRAPADOS EN EL MOMENTO FUGAZ DEL

INMORTALES CLIC  

DE UNA

CÁMARA, Y DE LOS QUE SURGEN DESPUÉS LAS HISTORIAS DE LOS ESPECTADORES QUE LAS CONTEMPLAN

JAVIER GOÑI

Edificio de la biblioteca pública de Kansas en

Missouri, Estados Unidos. Los lomos de los clásicos de la literatura, sirven como envoltorio de un espacio dedicado a mostrar libros.

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LA FOTOGRAFÍA ES LO INMEDIATO, LO INSTANTÁNEO, LO EFÍMERO Y LA ARQUITECTURA, LO ETERNO. EL

OXÍMORON DEL ETERNO INSTANTE NO ES MÁS QUE LA FOTOGRAFÍA DE UNA

CONSTRUCCIÓN: A CADA ESCRITOR LE SUGIERE UN RELATO Y UNA SUBJETIVA Y ÚNICA MIRADA

TIENE algo de inevitable oxímoron esto de eterno instante, pero algo de eso tiene fotografiar la arquitectura; la fotografía es lo inmediato, lo instantáneo, lo efímero y la arquitectura es lo eterno. Pero se puede apresar –en un instante– lo que está inmóvil, lo que permanece y esto atrapado con un clic de una máquina antigua de retratar puede ser en otro momento, en otra ocasión, con otro clic , con otra mirada –sobre todo con otra mirada–, otra cosa bien distinta, diferente. Como diferente, sin duda, va a ser la mirada del lectorque se detenga en estas cuatro fotografías, una a una, tal y como la pusieron ellos, en su momento, en ese instante irrepetible de escribir un texto. De esas cuatro fotografías y de aquellas miradas, la de cada uno de estos cuatro escritores invitados a examinar de palabra esas instantáneas, sale el texto que las acompaña, cada uno escrito de una manera, como no podía ser de otro modo, pues cada uno de ellos –como todos– mira, ve de forma distinta. Cada uno ha escogido él mismo una fotografía que representa un continente, cuatro escritores, cuatro fotografías, cuatro continentes. Cuatro, sólo: América, África, Asia y Europa. Queda Oceanía, tan lejos, y el continente de los sueños, tan próximos: para otra ocasión, quizás. ELECCIONES AZAROSAS

Toda elección es caprichosa, arbitraria y tiene algo dejado al azar, como quien tira de un golpe seco, decidido, los dados: y ya se sabe –desde Mallarmé– que una tirada de dados jamás abolirá el azar. Elección y azar, los dos extremos de esta propuesta, como los dos pilares que sostienen ese puente –hermosísima fotografía de Roberto Calvo Suárez del puente Carlos Fernández Casado sobre el embalse de

Los Barrios de Luna, León– que tiene algo de concierto de cuerda, como lo ha querido mirar, acaso escuchar, el escritor Pablo Andrés Escapa, quien le ha puesto palabras –las suyas, es su elección– a la fotografía elegida. Con un gusto especial para escribir cuentos este texto que escribe –bellísimo– es el de un gran escritor de cuentos, como lo es Escapa: tiene algo de poeta que escribe seguido pero con sensibilidad lírica. Apresa un instante, el de un puente, inmóvil por sentido común y pordecisión ingenieril, un puente enraizado en un paisaje, inmóvil pero en perpetuo movimiento –las estaciones y sus mudanzas, la travesura de los vientos, el movimiento sinuoso como el de una gacela de las nubes siempre cambiantes. TRÁFICO VITAL

Un puente –esas cuerdas, arpa más que guitarra– que es como un instrumento tocado por un virtuoso –céfiro si viene de poniente, otros si irrumpen desde otro lado: que uno tiene muy limitados los conocimientos de los vientos y de otros saberes. Y atravesando el puente, coches, camiones, gente, vida, movimiento. Ese pequeño coche, utilitario, esa mancha de color en el lienzo de la fotografía determina la fugacidad del momento. El fotógrafo lo ha atrapado ahí. Un segundo después, un clic más tarde, esa mancha rosa con ruedas habría avanzado un poco. Sería otra fotografía. El periodista y escritor Antón Castro, gallego de origen, aragonés de convicción, es un apasionado de las mil pasiones y una posibles, y una de ellas es la fotografía –su blog está lleno de fotografías, también de libros y de amigos, todo cabe y muy bien y muy a gusto en su blog-loft – y seha ido a África, el continente negro. Ha escogido una fotografía –muy hermosa: se me permitirá que abuse, que no es des64

gaste, del adjetivo para estas cuatro fotografías que presiden estas páginas– del británico James Morris, un apasionado –apasionado: dos veces en el mismo párrafo, hace, es pertinente– por la arquitectura del barro en África. No desdeña el color –hay mucho color en África– y, porsupuesto, tampoco renuncia al blanco y negro, tan acertado en esta fotografía que es arquitectura hecha con otros materiales: barro, arcilla, elementos aparentemente frágiles, pero que resisten el paso del tiempo, efímeros y eternos a la vez. A lo lejos, un hombre sentado mirando fijamente –creo percibirlo– al objetivo; sentado, inmóvil –esto es África–, encima entra por un ventanuco una explosión de luz, que ilumina la instantánea, que recuerda que ahífuera hay luz, hay vida, es la naturaleza. Luz tienen –me parece– los ojos de ese africano estático que nos mira, mira a los que miramos. La magia del objetivo. Que la mirada del hombre sentado, que el ventanuco de sol africano no nos deje mover los ojos, encontrar a un lado, un tanto sorprendentemente, puesto en una pared lateral, un imposible reloj que marca las horas. ¿Qué horas marca ese reloj y cómo sabemos que funciona, que está activo? ¿Y si llevara parado en las diez y diez desde siempre? y ¿si el tiempo en esa fotografía estuviera parado? No, James Morris ha atrapado este instante, el de esta fotografía. Instantes antes, u horas antes, u horas después, la luz de la luna podría entrar por ese ventanuco, la mirada del hombre –osu postura– podría serotra, o simplemente el reloj de pared –en marcha– marcaríaotras horas, otros momentos, otros instantes. Sería otra fotografía y acaso otras palabras las de Antón Castro: las de esta fotografía pueden encontrarse unas páginas después. El escritor venezolano radicado en

ANTÓN CASTRO ESCOGE LA MAGIA DEL BARRO DE ÁFRICA; PABLO ANDRÉS ESCAPA, UN PUENTE INMÓVIL PERO CON MOVIMIENTO; J UAN

CARLOS CHIRINOS, LA UNIVERSIDAD DE CARLOS RUIZ

VILLANUEVA, Y DANIEL GASCÓN, EL DESMORONAMIENTO DE LA ARQUITECTURA DE AI WEIWEI –ambigua y estimulante, como suelen serlo al principio– que tiene que ver, de paisaje de fondo con esta instalación desparramada porel viento, que Ai Weiwei quiso dejartal como quedó después del zarpazo colérico de la madre naturaleza. Tiene sentido, sí, porRESTOS DE UN NAUFRAGIO que algo tiene a su término el amor La UNESCO la declaró Patrimonio Cul–el que lo viva– de desmoronamiento, de derrumbe, de restos del naufratural de la Humanidad, una universidad-museo, como la ve Chirinos y que gio, como esos restos que escupe el es lo que es gracias al más importanmaren las orillas, aunque ese derrumbe sea en este caso en tierra firme. te arquitecto venezolano del siglo XX, Pero tal vez también esta última insCarlos Raúl Villanueva, que llenó el estantánea adquiera un cierto sentido pacio de edificios y de obras de arte –el detalle, en el texto de Chirinos–. en esta propuesta de la revista. La priÉste ha escogido una fotografía de mera foto era un puente con las cuerPaolo Gasparini, realizada en das bien tensadas, como pa1990-1991, que pertenece ra emitir un sonido –de un a la Fundación Villanueva –a arpa, de otro instrumento la que le agradezco la cesión de cuerda–, un puente orgullosamente erigido, inmóde la misma– y que es un vil, estático; sólo alterado, hermoso popurrí de la vista ¿recuerdan?, por esos cogeneral de la torre, de las salas de lectura y volumen de ches que lo atravesaban, que le daban movimiento a la Sala de Conciertos, un mula instantánea. En este caso, ral de Mateo Manaure y una pieza del escultor zamorano en esta fotografía última, el Baltasar Lobo, titulada Ma-  movimiento ya ha pasado, la naturaleza, caprichosa y ternidad. despótica, ya ha decidido Un popurrí, sí, que recoge en una fotografía llena de qué hacer –derrumbarla, en contenido, arquitectura y areste caso– con una obra de Fragments of dreams, collage de la artista digital María Teresa la mano del hombre. Y ahí te y una pieza del escultor Aiello. Las palabras coronan un espacio arquitectónico onírico. están los restos del desastre, que casualmente se llama pero el hombre, el artista, Ai Maternidad , que es vida, mociegos– la inmensa Sala de Turbinas, Weiwei no se rinde, encuentra bellevimiento, inicio. A Chirinos le ha saliza, sentido a ese desplome y recondudo un texto-ficción, que aclara y emese inquietante e impactante vestíce su mirada y ve, ahí, medio tumbabrolla –no hay contradicción en un bulo central de la Tate Modern, en creador– la fotografía escogida. El joLondres; Ai Weiwei es hoy perseguida, su obra. Y nosotros, la miramos y ven escritor Daniel Gascón, autor de do por ese país emergente, que es el encontramos algo, acaso cada uno alsuyo, un país emergente que va a sugo diferente. varios libros de cuentos, de una noPero lo encontramos. Nuestras miravela reciente, traductor, activo bloperarnos a todos, pronto. Ya, ayer, das son nuestras, los textos que vienen guero, ha encontrado una fotograhoy, mañana –táchese lo que no proa continuación, son las miradas de esfía que le gusta mucho –y a mí tamceda–, y que le queda mucho –bantos cuatro escritores. Coincidirán o no, bién– que es la de la instalación Tem-  quero del mundo– por invertir en Depero créanme si les digo que no nos plate , obra en madera de 2007, que rechos Humanos. A Daniel Gascón le defraudarán. Cuatro escritores, cuatro el viento –céfiro o quién sea el dios soha salido, para ilustrar su texto, una T historia de amor en primera persona fotografías, cuatro instantes. -plador– desmoronó y que a su autor España Juan Carlos Chirinos se ha ido a su continente, a Latinoamérica y le ha puesto foto a su memoria de estudiante universitario, a sus años de aprendizaje –vital– en la Universidad Central de Venezuela, en Caracas.

Ai Weiwei le pareció adecuado que quedara así, como un barco encallado en tierra, como los restos de un naufragio, pues de alguna manera toda obra de arte tiene algo de restos de naufragio, o puede tenerlos. Ai Weiwei es actualmente uno de los artistas chinos más conocidos y valorados fuera de su país, un país inmenso, de apabullante realidad o inmediato futuro, un país emergente cuyo gobierno persigue a su compatriota por disidente y por subversivo. Reconocido hoy en todo el mundo. Ai Weiwei, que el año pasado, llenó con cien millones de pipas de porcelana –aun con voluntad de ser pipas de girasol, de girasoles

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CONCIERTO DE CUERDA UN PUENTE PARA DELEITE DEL AIRE PABLO ANDRÉS ESCAPA

RECORRE la tierra dejando una siembra de nubes derramadas de lo alto. Y el revuelo del aire llena de sombras el paisaje. Entonces, un silbido sin memoria que acaba siendo costumbre en los oídos, se asienta sobre las negras naves del sabinar, ese oscuro naufragio de árboles primitivos encallados en la roca blanca. Poco a poco, una vaga inquietud invade el alma de la creación que se asoma al espejo inmóvil del río Luna. Su memoria de valles acariciados al pasar, de ganaderías pacientes y campanarios mudos se estremece ahora con la agitación de otras voces que resuenan en su vientre. Es la tiniebla del agua, removida por este viento del atardecer. Y asíun día y otro, sobre el escobar maduro de junio y sobre la huella helada de la luna invernal, año tras año sin consentiruna estación ligera ni un crepúsculo sin temblor. Este reino de lo oculto espera por el viento cada tarde. Libre de presagios, el agua dormida no sabría despertar la herida que le late dentro. Y acaso vacilara para afrontar la noche sin la conciencia de su mal. Bajo el sol del mediodía no se concibe el desasosiego. Pero las aguas azules no se engañan; conocen su espejismo de plácida laguna y saben que su alma cierta es negra como el lodo. REBELIÓN DE LA NATURALEZA Secretamente conspiran para que regrese el viento y las azote porque sólo en esa rebelión pueden reconocerse y abrir sus carnes, exponer su hondura de dolores anegados, su auténtica naturaleza de sorda podredumbre. Venga, pues, el viento sobre ellas. sólo así podrá verse la condición del mundo, el puntual triunfo de las voluntades doblegadas y los troncos retorcidos, el sumo arrastre de pájaros y nubes desgarrándose en las aristas del roquedal calizo y el derrumbe de una piedra que rueda hasta encontrarse con el agua

en su abismo. Agitado, el río ya no puede recordary se tiñe de hierro removido como una sangre oscura que alcanza al monte y al cielo, que arranca lamentos a las campanas sumergidas y desorienta a las aves que pasan, perdido el rumbo de las alas. Son sólo unas horas cada atardecer y parecen siglos de vendaval, eras de azote a ras de hierba. En lo profundo crece la edad de los puentes inundados. Y todo lo confunde un viento que acude a la voz del agua para negar las lejanías inmóviles, silenciosamente libradas de la furia. Por encima de este pantano que padece una culpa renovada cada primavera, crecida con nieves deshechas que corren a enfriar su alma y a recordarle una mocedad distraída entre rebaños, se alza un guardián con alma de gigante y pies de barro. Su aspecto, comoel de los primeros dioses, es colosal; al modo de las teogonías ancestrales, su renovación es constante. Según lo alumbre el sol o se cubra de tiniebla, según el cielo lo rescate haciéndolo perderse en el azul o lo abrume hasta el ensimismamiento con nubes de tormenta, según la ausencia del agua entregada al páramo insaciable deje expuesta la sólida flaqueza de su pedestal o lo cubra negando su estatura, el sueño del coloso proyecta gravedad o vértigo, equilibrio o naturaleza vulnerable. Yo quisiera ver este puente con ojos de extraño pero el prodigio se me niega. Acaso mi propósito vacile porque lo vi nacer. ¿Quién puede decir tanto de los dioses? Recuerdo su naturaleza de criatura dividida. Crecía en dos mitades, buscando la reunión de las orillas en el centro del aire. Y todos sus progresos se recibían con la incredulidad que provocaba la admiración de la materia tendida sin apoyos. El arco estaba abolido bajo el puente. Su espalda recta se alejaba cada vez más hacia la nada, perdido su arrimo a los 66

pilares. También estos apoyos brotaban de lo inseguro, asentados en laderas hechas de derrumbe. Cuando las aguas se colmaban cada primavera haciendo invisible la aridez de su reino sumergido, la imaginación sometía los pies del coloso a mareas oscuras y a lentas maceraciones que lo corrompían en la hondura. ESTRUCTURA INDESCIFRABLE Pero el mayor secreto vivía en los dominios del aire, preservado en la longitud escindida del gigante. Sus extremos, que eran dos puntos cardinales llamados a encontrarse, corrían a su reunión cubiertos por una estructura indescifrable, como una carpa pudorosa de la que trascendían hierros y plásticos y chispazos y voces. Parecían todas las zozobras unidas en el mismo afán: proteger del aire los dos apéndices de carne viva en cuya palpitación vibraba secretamente un hormiguero de hombres. Conteniendo la atracción hacia el abismo, el puente corría a encontrar su otra mitad con el único freno de unos cables que prolongaban la tensión hacia las nubes. Aquella cordamenta progresiva, semejante a una maraña de poderosas riendas uncidas a unos hombros de titán, era la identidad que mejor preservaba la condición voladora del puente. Y su orden nuevo, gobernado por tensiones temerarias, en perpetuo conflicto con la gravedad universal. La conciencia del puente, erigido sobre los vientos solares de un valle perdido bajo el agua, tenía cierta naturaleza de espejismo. Su forma sólo renacía en la distancia, animada durante los viajes poruna carretera estrecha, tan pródiga en curvas que la visión era siempre dudosa y fugaz. Pero había un punto en el trayecto que casi atragantaba las curiosidades, por saciarlas repentinamente. Una revuelta de aquella vieja senda dejaba por un momen-

PUENTE CARLOS FERNÁNDEZ CASADO SOBRE EL EMBALSE DE LOS BARRIOS DE LUNA (LEÓN), por Roberto Calvo Suárez.

to los ojos del viajero a merced del vientre abrumador de la obra nueva, que volaba por encima. Y, entonces, lo que más conmovía el asombro era la grandeza de lo visto tantas veces a distancia. En la brevedad del tránsito bajo el gigante, se reparaba en los tamaños insensatos: las tuercas desorbitadas, los anclajes titánicos y el calibre de aquellos hilos negros cuyo grosor, mal juzgado de lejos, negaba al alcance de la mano el milagro de la fragilidad. El espejismo adquiría una condición tan material que las conversaciones derivaban por pesos y medidas. Se ponderaba la fortaleza de los cables, capaces de arar el cielo con surcos rectilíneos que se abrían a los pies. Y crecía cierta ufanidad de saberse vecinos de la mayor luz de Europa bajo un puente, más de medio kilómetro de materia tendida según un admirable cálculo en el que no se diferenciaban lo azaroso y lo ideal. DUEÑO DEL TIEMPO

El coloso tardó cinco años en reunir sus dos sangres separadas. Fue la consagración de aquella cirugía infinitesimal, capaz de unir sin error las dos mitades crecidas sordamente y a distancia. El puente pareció entonces nacido para dominar el tiempo porque ya había extendido su triunfo sobre el espacio. Su nacimiento era también la génesis de un tránsito nuevo porlas cordilleras, otro modo de olvidar los caminos viejos y las ensenadas, una declaración de fe en la rectitud de los puntos cardinales y en las rosas de los vientos, que ordenan los rumbos con simetría. Y por fin hubo una ma-

ñana en que cruzamos el puente quienes lo habíamos visto nacer. Lo hicimos veloces, quizá con miedo o extrañeza. Y sentimos su palpitación en el momento de rebasar su centro atornillado al aire. Sólo una sombra, como conviene a las estirpes elegidas para ser cantadas, se cierne sobre tan magnífica creación. Señor del tiempo, el puente ejerce su reinado en los umbrales de un país sin edad. Y en ese destino trágico de rey puesto para durar sobre un reino hecho sólo de memoria, se percibe, antes que la de pastorde todos los pasos, su condición de auriga derrotado, las riendas desmayadas, como declarándole una tregua al viento que se cuela entre los losanges negros de los cables, donde se anudan los pájaros cada atardecer para oír una canción más antigua que vibra bajo las aguas. Si puedes, viajero, detente para escucharla melodía que abruma la estatura atlántica del puente. La lleva resucitando el viento desde que el río, vuelto sobre sí mismo, cubre los senderos donde floreció el saúco. Es una melodía extraña, tanto que no parece que 67

la lloren sino los cables que sostienen sobre el mundo el asfalto a toneladas. El puente es entonces un instrumento brotado para el magnífico deleite del aire. Y devuelve un eco que es memoria de los objetos enterrados. El origen de ese pulso que vuela de cuerda a cuerda, tensada para vibrar, es casi insignificante, como una voz feliz en un yermo de palabras. La que ahora importa la anotó un viajero. Y bien se ve que cuando escribía quería él librarla del naufragio y del olvido. Iban las aguas del río devorando leguas y el nuevo gobierno de su tristeza alcanzó a una pequeña tienda en San Pedro de Luna. Aquel mostrador humilde amparaba madreñas y libros en francés, aparatos de radio y cordamen, especias y botillería, paraguas y semillas, velas y mapas de trastela azul... El viejo mundo, en fin. Una ola lenta de aguas invernales invadió aquel museo y en su marea arrastró el objeto acaso más inexplicable de cuantos se perdieron en la inundación: un ukelele. Distinto entre la mercancía, como un capricho brotado de la penumbra, lo recordaba Víctor de la Serna, que también dejó memoria de la muchacha que descolgó el instrumento para mostrárselo a la luz del sol. Era rubia y alzó notas de las cuerdas que fueron a perderse en los enredos de un rosal trepador, próspero sobre el umbral de la tienda. Poco cuesta imaginar que el pulso de los dedos dejaba atentos a los pájaros y demoraba la tarde declinante. Siguen muriendo los días y resucita la música anegada. Trae el viento las estrellas y se comprende entonces el luto del acero. Y acaso el acierto de los hombres, que erigieron un puente como un arpa negra contra el cielo donde ahora se alargan las ausencias. T T

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UNA TEMPORADA EN ÁFRICA CUENTACUENTOS EN LA MEDINA

ANTÓN CASTRO

NO SÉ quién fue primero: si Cun-

queiro o Borges. Álvaro Cunqueiro, cuando aparecía en los diarios, decía que “si yo hubiera hecho caso de las puñeteras manías de este país [Galicia] hace mucho tiempo que hubiese dejado de escribir”. Felizmente, no hizo caso a nadie y sintetizó en su escritura, cruzada de ensortijadas magias, un sinfín de asuntos y la poética de lo real maravilloso. Jorge Luis Borges escribía relatos inolvidables, donde se mezclaban la ironía, el ensayo, la narración, el escepticismo lúcido y un conocimiento exuberante del mundo en el que convergían el tigre y el espejo, la sombra y el laberinto. Ambos coincidían en muchas cosas: una de ellas era la pasión por Las mil  y una noches. Cunqueiro, además, era un divulgadorinsaciable del ciclo bretón: en uno de sus anacrónicos regates de la fabulación había traído a un bosque lucense a Merlín, escocido en el alma por la traición de Nínive, y a Ginebra, la mujer que amó a dos héroes complementarios: Lanzarote del Lago y Arturo. POPULAR Y UNIVERSAL

Borges hablaba por aquí y por allá de Antoine de Galland, aquel francés que había oído los relatos de las arábigas noches y había confeccionado una primera versión a principios del siglo XVIII. Y hablaba de sir Richard Burton, que había tenido la paciencia y la temeridad de redactar dieciséis volúmenes, repletos de erotismo y de hermosas invenciones, con aquellas historias populares y universales, que procedían

de Pakistán, de la India, de Persia, de China, de Siria, de tantos y tantos lugares donde la vida transcurría bajo las carpas, a la orilla de los oasis o en esos palacios que han sido levantados en adobe con los arabescos de la fantasía y del simbolismo. Más tarde, también llegó a mis oídos y a mis manos, la versión del británico J. C. Mardrus, que traduciría a su manera a Vicente Blasco Ibáñez, ese hombre de éxito que dio la vuelta al mundo como un navegante atormentado. Borges aún tenía otra debiARQUITECTURA DE lidad: el escritor y MALÍ, por James Morris. El fotógrafo británico, traductor Rafael especializado en arquitectura Cansinos-Assens, y patrimonio cultural, tomó que había trasladaesta imagen en 1999 do el libro directabeleso de la luna y como parte de un proyecto mente del árabe. sus hogueras. Las mil  dedicado a la arquitectura de barro de varios países ¿Cuál es el secreto, y una noches  traían subsaharianos, Colección el hechizo de esa un arsenal de expeMuseo Fowler, UCLA. enciclopedia de riencias a mi vida: consejos y relatos de la mano de Cunque le hizo decir a William Faulkner queiro y de Borges, de la mano de Aziz que él lo leía una vez cada año con El  y Aziza, de Ali Babá, de Simbad(recuerdo que me hice coleccionista de todos Quijote  y La Biblia ? De entrada, lo que más me conmolos libros y traducciones que se habían vió fueron los personajes principales: publicado: Álvaro Cunqueiro había firSherezade, la hija del visir, y Shahriar, el mado un precioso Se o vello Simbad  sultán al quele fascinan las historias. Me volvese ás illas , que se convirtió enuno cautivaba esa idea de contar y contar de mis libros favoritos), y en un tratado por el placerde hacerlo y por la urgende melancolía, viajaba, soñaba, me cia de salvar la vida y me cautivaba la transportaba en el tiempo. imagen delsultán herido porla deslealYme enamoraba locamente. Y, a metad de su anterior esposa que se quenudo, de página en página, me queda literalmente sojuzgado por la fuerdaba a moraren esos palacios con venza del relato, por el vigor de los paisatanas decoradas con una incisión en el jes, porel latido de los personajes, por barro, unavoluta, un aleteo en espiral, la pasión vital que se respira, por el emun árbol entrevisto, el temblor de la 68

palma.A menudo, releyendo la versión de Vernet también, creía oír un suspiro o las voces del relato: el tiempo se suspendía mientras se desatabaunaatmósfera de intemporalidad. MARRUECOS CARIBEÑO

Ese universo me atrapó por completo. En las películas de Pier Paolo Pasolini y de Bernardo Bertolucci, en las narraciones de Tahar ben Jelloun o de Mohamed Choukri, en novelas como El cie-  lo protector  de Paul Bowles; vi la versión cinematográfica de Bertolucci con Debra Winger al frente y experimenté la violencia del loco y obsesivo amor por una mujer imposible. Esa fascinación también ha tenido unacorrespondencia en la poesía, en la pintura y, sobre todo, en la fotografía. Hace algún tiempo estuve en Marruecos, en Casablanca, y me encontré conunaciudad

de estirpe europea y caribeña, que te hacía pensar en Marsella y a la vez en La Habana. Lo más conmovedor para mífueron los zocos y las tabernaso esos corros de la calle donde la gente sejunta y cuenta y cuenta historias como si no hubiera otra cosa que hacer durante el día que acudir al rezo en la mezquita y contar historias, soñar, reinventar el mundo a cada hora. En Casablanca y en sus afueras también reconocí la plasticidad de las fotos de Albert Watson, que es un fotógrafo de moda, un gran retratista y un cronista visual de África. Y pensé en Jordi Esteva. Y pensé sobre todo en uno de mis fotógrafos favoritos: James Morris, queha viajadopor África paracaptar la arquitectura popular, los palacios suntuosos, las mansiones, las moradas más humildes, pero igualmentesubyugantes. James Morris, con su cámaraal 69

hombro, es un perfecto contador de historias. El poeta de la luz. El observador del pálpito de las arcillas. No sé quién fue primero: si Borges o Cunqueiro. En el año 2007 estuve en Ginebra, ante la tumba (la piedra de Otálora, la piedra de Ulrika) donde reposa Borges. Le hablé contranquilidad, como se habla con los muertos en el edén de un jardín de la memoria. Le dije: “Querría hablarte de una foto: es la instantánea de una estancia llena de columnas de adobe; al fondo un hombre sentado vierte historias sobre su chilaba. Se prepara parasalira la calle: es un contador de historias de Las mil  y una noches . Como tú, maestro, o como Cunqueiro, tu hermano del trasmundo en Galicia, en Occidente, y en la rumorosaÁfrica”. Apliquéel oído a la piedra y por los aires se elevó un aroT ma salobre. --

YO, QUE NUNCA HE TENIDO UN OFICIO... EL FANTASMA QUE AMABA LAS BIBLIOTECAS

JUAN CARLOS CHIRINOS

CUANDO llegué al campus de la Universidad Central de Venezuela, en Caracas, él ya era una leyenda. Corría enero de 1985. Su fama estaba ya asociada a las frases más inquietantes de la poesía y los pensamientos más perturbadores del ensayo. Leíamos: “Te llamas hoja húmeda, noche de apartamento solo, vicisitud, campana, tersura y lascivia, ingenuidad, lisura de piel, luna llena, crisis” y sabíamos que detrás de su misterio algo señalaba nuestros pasos; eso hablaba del destino que nos esperaba a lo lejos, ni brillante, ni sombrío: sólo el que nos había tocado. Sobre nosotros pesaban las palabras –oraculares, malignas– de su poema más famoso, el que hablaba del fracaso de su propia generación, de la impotencia que les había acompañado por los pasillos techados que en ese momento caminábamos nosotros; tal vez, en esos días, no comprendiéramos del todo el sino que llevaban sus versos, pero síintuíamos que habíamos tenido la suerte de los testigos. Usábamos la Ciudad Universitaria de Caracas, sus pasillos, sus edificios, sus aulas, al mismo tiempo que el tímido profesor, autor de la obra poética más importante de la Venezuela finisecular.

poemas de Rimbaud en edición bilingüe, de esas ediciones que anhelábamos poseer pero que teníamos vedadas a causa de nuestro magro presupuesto de estudiantes venidos de provincia; estudiantes que vivíamos en las pensiones cercanas para poder ir andando a clase. Estudiantes que, ajenos por fuerza a la luminosa vida de la capital, nos refugiábamos desde la madrugada hasta casi la medianoche en la Ciudad Universitaria y la usábamos hasta sus últi-

TARDE EN CARACAS

Y eso tendría sus consecuencias, desde luego. Asílo comprobé una tarde de sol absoluto y sombra, típica de Caracas. Ahora no lo recuerdo, pero en esa ocasión tal vez anduviera buscando los 70

mas consecuencias: el comedor –baratísimo–para el desayuno, el almuerzo y la cena; las aulas para las clases y los ensayos de música; los jardines de la “tierra de nadie”, detrás del Aula Magna y la Sala de Conciertos, para las siestas y el amor; las piscinas y los espacios deportivos para esparcimiento y solaz; los auditorios para los conciertos y las obras de teatro, y las bibliotecas, tantas bibliotecas, para hacer los trabajos y matar la curiosidad por los libros, esos tesoros silenciosos. El ingenio tropical de Carlos Raúl Villanueva, el más importante arquitecto venezolano del siglo XX, proyectó el campus-museo como su gran obra maestra: fundidos con las líneas arquitectónicas conviven murales, mosaicos, vitrales y esculturas de artistas abstracto-geométricos, constructivistas, surrealistas y figurativos de la talla de Fernand Léger, Victor Vasarely, Jean Arp, Wilfredo Lam, Alexander Calder, Alejandro Otero y BaltasarLobo, entre otros. Estoy seguro de que Villanueva no llegó a imaginar completamente lo que darían de sí los sesenta edificios (ahora son setenta) que construyó sobre los terrenos de la Hacienda Ibarra, esa que Simón Bolívar donara a la

universidad en el siglo XIX. Mucho menos, el arquitecto imaginaría que un simple estudiante de la Escuela de Artes dedicaría una tarde de 1985 a dar caza  al poeta a través de la biblioteca y los pasillos de la Universidad.

Balza, nos había hablado de él en la última clase y nos había leído Derrota , el famoso poema que tanto los había marcado “Yo que no he tenido nunca un oficio/ que ante todo competidorme he sentido débil/ que perdí los mejores tíSOMBRAS COLOREADAS tulos para la vida/ que apenas llego a Había hecho una siesta en la “tierra de un sitio ya quiero irme (creyendo que nadie” aprovechando la sombra que mudarme es una solución/ que he sisobre el suelo proyectaba la moderdo negado anticipadamente y escarna y acogedora Maternidad  del artista necido por los más aptos/ que me arrizamorano Baltasar Lobo; de buena gamo a las paredes para no caer del tona me habría quedado allí toda la tardo/ que soy objeto de risa para mímisde cerca de la escultura y a la sommo que creí/ que mi padre era eterno/ que he sido humillado por profebra de los árboles frondosos; suponsores de literatura)”. go que algo de inercia y deber me empujaron a la biblioteca. Tras cruzar el Me senté a mirarla foto de la contravestíbulo en sacra penumbra, apenas portada, curioso por saber qué cara iluminado por los colorines del vitral tendría un poeta. El poeta. Tan concende Léger, bajé a la Sala de Humanidatrado estaba que sólo me di cuenta de des para buscar yo mismo el libro que que venía hacia mícuando estaba a un me acompañaría hasta la hora de la cepar de metros. Miré la foto del libro. Levanté la vista. Volví a la foto. ¡Era él! na (¿Baudelaire, Garcilaso, Rimbaud, Cavafis?). Recuerdo Una emoción se que cuando di con el apoderó de míy la VISTA GENERAL DE pequeño ejemplar luz del trópico que LA TORRE, SALAS DE LECTURA Y de Los cuadernos del   se colaba pareció VOLUMEN DE LA más brillante. El destierro  lo reconocí SALA DE porque nuestro propoeta había bajaCONCIERTOS, MURAL fesor de literatura lado a la tierra a busDE MATEO MANAURE tinoamericana, José car un libro. Entró. Y MATERNIDAD, DE BALTASAR LOBO, por Paolo Gasparini, 1990-1991, perteneciente a la Colección de la Fundación Carlos Raúl Villanueva, Caracas.

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Rebuscó en los estantes. Saludó a los bibliotecarios, acostumbrados a su presencia. Y se dirigió a la salida. ¡Se va!, pensé. Como un resorte, esa frase me expulsó de la silla. Entregué el libro; nervioso, salí al pasillo, jadeando: el poeta proyectaba una larga sombra y se alejaba protegido por el techo de la Plaza Cubierta. No corrí, pero sí aceleré el paso. Lo adelanté y lo esperé apoyado en la Maternidad  de Lobo. El edificio rojo de la biblioteca relumbraba. El poeta pasó. Corrí y lo esperé a la entrada de la Facultad. Pasó de nuevo. Lo seguí por los pasillos, disimulando mi presencia. Así fue durante un largo rato, hasta que Rafael Cadenas, el poeta, me miró asustado, porque sabía que lo estaba siguiendo. Mi vergüenza pudo más y me alejé. Y en mi cabeza resonaron los versos de mi derrota mientras la tarde se hacía noche en la Ciudad Universitaria: “Yo que un día pregunté en qué podía ayudar y la respuesta fue una risotada/ que no podré nunca formar un hogar, ni ser brillante, ni triunfar en la vida/ que he sido abandonado por muchas personas porque casi no hablo/ que tengo vergüenza por actos que no he cometido... y que ya nunT ca cometeré”. -

ROXANE PRINCIPIO Y FIN DE UNA PASIÓN DANIEL GASCÓN

A ROXANE la conoció en las reuniones de los auxiliares de conversación. Eran unos encuentros para preparar las clases y evaluar el proyecto y se celebraban en Rouen. Las reuniones eran aburridas, con lecciones pedagógicas y charlas sobre las lenguas como forma de verel mundo y antído-

to contra la globalización. A él no le gustaba estar con los auxiliares de español; en los descansos salía a fumar solo. Ella también: así se conocieron. Me dijo que para entonces los dos llevaban varios meses dando clase. Roxane estaba un poco apartada, fumando en los jardines del centro de profeso72

res y él le pidió fuego y charlaron. Él pensaba que sería inglesa pero era alemana, aunque había nacido en China porque su padre era diplomático. Hablaron en francés. Roxane le dijo que había estudiado Bellas Artes y que no le gustaba nada el pueblo que le había tocado, un lugar llamado Eu, al norte

que él subiera hasta Eu, pero no se pusieron de acuerdo. Roxane le invitó a que lo acompañara en el viaje de vuelta a casa. Él había pedido la beca de auxiliar porque no sabía qué hacer y porque no quería entraren el cicloaburrido de sus compañeros de carrera. Ahora que todo acababa, le parecía una buena forma de terminarel curso. También le gustaba la idea de cruzar Francia, Bélgica y Alemania en coche, le parecía una especie de road movie  europea. Y, sobre todo, le parecía que al final de los viajes es cuando ocurren las mejores cosas. FIGURAS CHINAS

Ya lo conoces. Lo normal habría sido que ella, quedespués de todo tenía coche, fuera a recogerlo. Pero él prefirió ir a buscarla, después de tirar casi todas las cosas que había comprado. Había dejado de fumar. Cogió tres o cuatro trenes y llegó al pueblo y preguntó por la escuela. El lugar era muy triste y el compañero de trabajo de Roxane, que vivía al lado, era siniestro. Cocinaron juntos y luego se bebieron una botella de vino en el salón, que era grande y tenía los muebles viejos que había en las casas de casi todos los auxiliares. Aunque ya tenía casi todo empaquetado, ella abrió una de las maletas y le enseñó los dibujos que había hecho: todo eran motivos chinos. Él le pidió que dijera algo y, ya te lo TEMPLATE, por Ai puedes imaginar, en Weiwei. El artista quedó un momento de dessatisfecho con la instalación cuido la besó. Alors, de Documenta 2007 cuando tu me trouves jolie ?, del departamento: una tormenta la derrumbó. estaba cerca del mar, dijo Roxane y él dijo pero lejos de todos que sí. Se besaron los sitios y no había nada que hacer. pero no hubo sexo: por lo visto, ella Había ido a Francia en coche desde dijo que no se conocían. Puso música Leipzig, era pelirroja y tenía un aire meen el ordenadory durmieron en un collancólico y él pensó bastante en ella. chón en el suelo. Le atraía su tristeza. Roxane había diseñado el itinerario. Se intercambiaron las direcciones del Paraban a ver monumentos. En una correo electrónico. Ella mandaba meniglesia, ella encendió una vela para sajes tristes; él intentaba animarla. Se una amiga suya que había muerto el vieron un par de veces más, en las año anterior. Se turnaban para conreuniones y una vez se escaparon y se ducir. Él se acordaba de una frase de fueron a pasear por Rouen y miraron un personaje de Saul Bellow: “He esla catedral. Me contó que a veces hatado borracho en todas las catedrablaban de que ella fuera a verlo o de les de Francia”. Roxane hablaba mu73

cho, con esa incontinencia que tienen los tímidos. Hablaba de las ciudades que había conocido gracias a la vida nómada de sus padres, del arte efímero que le gustaba. Pudo saber que su amiga muerta era una compañera de Bellas Artes, había tenido un accidente de coche. A Roxane no la habían criado como cristiana, pero creía que su amiga la escuchaba desde algún sitio. Él notaba su tristeza, pero no sabía qué hacerpara reconfortarla. Quería contarle cosas pero ella no le entendía. Tenía que repetir los chistes varias veces, hasta que se cansaba y decía que no tenían importancia. No le ocurría con los franceses. Probó con el inglés. Pero los resultados fueron aún más frustrantes. Él perdió la paciencia; volvió a fumar. Primero los cigarrillos de Roxane, luego compró un paquete y papel de liar. Compartieron habitación las tres noches que duró el viaje. Se besaban antes de dormir y en las filas, pero no se acostaban. Llegaron a Kassel el 20 de junio. Roxane le había hablado de Ai Weiwei y del Template . Una tormenta había derribado la escultura, construida con restos de templos chinos abandonados. El artista había decidido que estaba bien así, que era aún más apropiado y hermoso. Era casi el final del viaje: él volvería a España en un par de días, desde Fráncfort. Había fantaseado con que pasaba algo distinto, con que se enamoraban y él se quedaba un tiempo con ella. Nunca había decidido lo que sucedería después. Ahora le parecía imposible. Estaba de acuerdo con Ai: le gustaba ver esa arquitectura desmoronada bajo un cielo de tormenta y, aunque sabía que la obra era otra cosa, creía que hablaba de Roxane y de él. Me lo contó hace unos días, cuando se cumplía un mes de la detención y desaparición del artista. No había vuelto a ver a Roxane. Intercambiaron un par de correos, después dejaron de escribirse. Estábamos en un bar de tapas que ahora llevan unos chinos, cerca de su casa, en la calle Goya. Los nuevos dueños no han cambiado la decoración ni el nombre. Se sigue llamando T Liberty. -

SAN PETERSBURGO EL SUEÑO BARROCO

DE PEDRO I VIAJERO INSTRUIDO Y AMANTE DE EUROPA, EL ZAR DE TODAS LAS RUSIAS CONCIBIÓ UNA URBE IDEAL A TRAVÉS DE LA QUE ENGULLIR TODO AQUELLO PROVENIENTE DE OCCIDENTE. MILES DE HOMBRES ENTREGARON SU VIDA A LEVANTAR LA NUEVA CAPITAL DEL PAÍS Y TRANSFORMARON SU TIERRA CENAGOSA EN EL FASTUOSO CORAZÓN DEL ARTE RUSO FRANCÉSC FABRÉS

La Plaza del Palacio, con la columna de Alejandro en el centro. Al fondo, el antiguo edificio del Estado Mayor, que a día de hoy alberga parte del conjunto expositivo del Museo del Ermitage. Foto: Oronoz

1709, tras la crucial victoria de las tropas zaristas frente a las suecas en Poltava, cuando Pedro I pudo dar rienda suelta a su faceta de inventor de ciudades. Para ello, promulgó una serie de decretos encaminados a concentrar todos los recursos humanos y materiales de la nación en levantar su nueva capital, incluyendo el desplazamiento forzoso de trabajadores, la obligación de cualquier viajero que entrara en la ciudad de traer una piedra o la imposibilidad de construircon este material fuera de ella. El frenesí constructor de estos años fue tal, que ya en 1712, por un decreto del zar, San Petersburgo se convertía oficialmente en la capital de Rusia, lo que conllevó el traslado de la administración y la imposición a la nobleza de residir en ella por lo menos seis meses al año.

ARMONÍA Y ORNAMENTACIÓN

La Iglesia de la Sangre Derramada fue erigida en 1883-1907 por los arquitectos Makárov y Parland en el lugar donde en 1881 fue herido mortalmente el emperador Alejandro II.

SAN PETERSBURGO

Bronce , que simboliza de forma ma-

es una ciudad que nació del sueño de un hombre, un hombre que fue zar de Todas las Rusias, instruido, viajero, buen navegante, amante de la forma de vida europea y receloso de la tradición medieval de su país, enfrentado a sus enemigos ancestrales, los suecos, con quienes pugnó durante veinte años por controlar la salida al Báltico de sus territorios, y donde decidió levantar una urbe que debía ser el símbolo de la nueva Rusia, además de la boca a través de la cual engullir todo aquello que viniera de su idealizada Europa. Ese hombre fue Pedro I el Grande, quinto zar de la dinastía Románov. Tres siglos después de su fundación en mayo de 1703, la ciudad que soñó le sigue rindiendo tributo con una de las más hermosas estatuas jamás realizadas, el Jinete de 

gistral la fuerza y heroicidad de su empeño, pero tras la cual se esconde también el sufrimiento, el dolor y la muerte de los miles y miles de hombres anónimos que llegados de toda Rusia desecaron pantanos, canalizaron ríos, colocaron cimientos y construyeron muelles y diques, para hacer realidad ese sueño en un territorio hostil, cenagoso, frío e inhóspito. Nacida en tiempos de guerra, las primeras edificaciones con que se dotó la ciudad fueron la Fortaleza de Pedro y Pablo y los astilleros del Almirantazgo, la primera para consolidar la posición rusa en la estratégica y recientemente recuperada desembocadura del Neva, y la segunda para construir la flota que debía conducir a Rusia por la senda de la modernidad y el progreso. Sin embargo, no fue hasta 76

Los principios rectores del proyecto urbanístico de Pedro el Grande para su capital no sólo incluían la creación de una urbe moderna y racional, sino que además, como símbolo de la nueva Rusia, era imprescindible construirla a partir de un nuevo lenguaje arquitectónico que, por un lado, expresara con rotundidad la ruptura con la arquitectura tradicional rusa y, por otro, la voluntad inequívoca de erigirla a imagen y semejanza de las grandes ciudades europeas. Y así surgió el llamado barroco petrino, sencillo, funcional, armonioso en las formas y mesurado en la ornamentación, al que el arquitecto suizo Domenico Trezzini dio carta de naturaleza en la Catedral de San Pedro y San Pablo, rematada poruna altísima y simbólica aguja dorada, el Palacio de Verano, el Monasterio de Alexander Nevski y el conjunto edilicio de los Doce Colegios, construido para albergar las sedes ministeriales y que a principios del XIX se convirtió en el núcleo principal de la Universidad de San Petersburgo. El último de ellos, junto con el Palacio Ménshikov y la Kunstkamera, también de esta época, se edificaron en la isla Vasilievski, que fue la zona donde inicialmente Trezzini pensó ubicar el centro de la ciudad, aunque el proyecto tuvo que desestimarse por

sobre un fondo de color verde agua, rematada con esculturas sobre las cornisas, es la imagen que define el San Petersburgo isabelino, y sólo un anticipo del fastuoso interior, que si bien ha sufrido innumerables transformaciones, conserva inalterada la obra maestra del arquitecto florentino, la Escale-  ra Principal , o de los Embajadores, de refulgente mármol blanco de Carrara. En los años de apogeo del inconfundible barroco isabelino, Rastrelli construyó también el Convento Smolni, el PaDEL BARROCO AL NEOCLASICISMO Tras la muerte de Pedro I en 1725, las lacio Stróganov, una de las grandes fadirectrices que marcó siguieron vigenmilias de la nobleza rusa, además de tes con sus sucesores, hasta la llegaremodelar y ampliar el Palacio de Peda al poder de Isabel I en 1741, cuyos terhof, edificado a imitación de Versagustos estaban muy alejados de la solles en la costa del golfo de Finlandia briedad y contención de su padre. Fasen tiempos de Pedro I. cinada por el lujo y la exuberancia del Cuando Catalina II accedió al poder rococó francés, encargó a Francesco en 1762, una de las primeras decisioBartolomeo Rastrelli la ejecución de un nes que tomó fue despedir a Rastrelli conjunto de obras que se ajustaran a como arquitecto de la Corte. Sin dulos criterios estéticos que más le comda, toda una declaración de intencioplacían. El Palacio de Invierno, tan sones, que en el caso de la nueva zarilo igualado en magnificencia por el na estaban estrechamente ligadas a los deslumbrante Palacio de Catalina en principios de la Ilustración y el encicloTsárskoye Seló, es un verdadero compedismo, en los que se había formado pendio de las nuevas tendencias que y de los que era una convencida defeniban a dominartransitoriamente el desora. Así, con Catalina II se inicia un larsarrollo arquitectónico de la ciudad. La go período, que durará prácticamenfachada del palacio, de doble hilera de te un siglo, en que el neoclasicismo se columnas blancas y capiteles dorados adueña de San Petersburgo. No sólo la razón, sino la razón al servicio del Estado, inspira un conjunto de edificios y planes urbanísticos que le aportan una nueva dimensión estética y organizativa, reflejo de una autoridad imperial decidida a controlar minuciosamente el desarrollo de la ciudad a través de instituciones como la Academia de las Artes, a la que se dotó de potestad para supervisar cualquier proyecto y certificarlo. El predominio de los órdenes clásicos, la solemne simetría de las fachadas, las grandes cúpulas y una generalizada contención decorativa son los signos distintivos de la arquitectura de esta época, recoLa fachada del Palacio de Invierno es la imagen distintiva del nocibles en edificios tan fastuoso y deslumbrante San Petersburgo isabelino. las dificultades que los ingenieros encontraron para drenarla y mantenerla a salvo de las crecidas del Neva. Sólo la Strelka, la punta occidental de la isla, pudo ser urbanizada en esta primera fase del desarrollo de la ciudad, donde se erigen las famosas columnas rostrales, conmemorativas de las victorias de la armada rusa, y que hasta 1885 albergó el puerto comercial, el más activo e importante de toda Rusia.

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*Desde el 19 de junio. 77

Los barqueros del Volga, de Iliá Repin, máximo exponente del movimiento realista surgido en la segunda mitad del XIX y canalizado en la pintura a través del grupo de los Itinerantes.

destacados como la propia sede de la Academia de las Artes, el conjunto del Ermitage, el Almirantazgo, el Palacio Mijáilovski, la Bolsa o la Iglesia de San Isaac y la de Nuestra Señora de Kazan, además de en proyectos de reordenación urbana como la Plaza del Palacio, la de las Artes o la Plaza Ostrovski, todas ellas con el sello del genial arquitecto italiano Carlo Rossi. LA “ERMITA” DE CATALINA II En paralelo a este intenso desarrollo urbano, San Petersburgo se convirtió de la mano de Catalina II en un imán para cualquier colección de arte que se pusiera a la venta en Europa. Desde que en 1764 Johann Ernest Gotzkowski, famoso marchante prusiano, vendiera a la zarina 225 cuadros de grandes maestros, desde Rafael a Rembrandt, el flujo de obras de arte con dirección a sus salones fue incesante, hasta llegar a convertirse en la más importante colección privada de Europa. Pa-

ra albergarla hizo construir junto al Palacio de Invierno el Pequeño Ermitage, una especie de zona de retiro espiritual, una “ermita”, en la que poder aislarse del bullicio de la Corte. Pocos años después, al Pequeño Ermitage hubo que añadir un nuevo edificio, el llamado Viejo Ermitage, dado el volumen que iba adquiriendo la colección. No con la misma fruición, pero sí con la misma constancia, sus sucesores la fueron ampliando, y no sólo con pintura sino con un compendio de todas las artes, así como con un amplio conjunto de objetos arqueológicos y antigüedades, que a día de hoy conforman los fondos del Museo del Ermitage, uno de los grandes referentes museísticos a escala mundial, y muy probablemente, por su amplitud en cuanto a nombres, estilos y épocas, la más importante pinacoteca del mundo. De Leonardo a Picasso, de Rafael a Velázquez, Rubens o Matisse, no hay un gran maestro de la historia de la pintura que no esté re-

presentado en su colección. Sin embargo, y aunque resulte difícil vivira la sombra de un gigante de la envergadura del Ermitage, la nómina de museos de San Petersburgo es mucho más amplia. El Museo Ruso, inauguradopor Nicolás II en 1898, cuenta con una sede permanente en el Palacio Mijáilovski que reúne la mayor colección de arte ruso del país, desde la época de la República de Nóvgorod hasta el siglo XX, aunque dispone de otras sedes dedicadas a exposiciones temporales en el Palacio de Mármol, el Palacio Stróganov y el Castillo de los Ingenieros. En sus salas se puede admirar una extensa colección de iconos, además de la más completa muestra de pintura rusa, que incluye desde el academicismo del XVIII y principios del XIX, hasta la vanguardia del XX, pasando por la pintura realista de la segunda mitad del XIX, cuyo máximo exponente fue Iliá Repin, de quien se exhibe entre otros cuadros el sobrecogedor Los barqueros del Volga . Los museos dedicados a Pushkin y Dostoyevski, el Museo Stieglitz, con una rica colección de artes aplicadas, el Museo de Historia Política rusa, que reúne una completa muestra sobre la Revolución de Octubre, y el conmovedor Cementerio de Piskarióskoye, donde se honra a las víctimas del sitio de Leningrado, son sólo algunos referentes más de una ciudad imprescindible para conocer y comprender la historia de la moderna Rusia. T

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ARQUITECTURA HUMANA

abiertos y unidos por arcos, que fue el Tras la Revolución de Octubre, y a lo largo primer plan de viviendas públicas de la década de 1920, San Petersburgo edificado en la URSS; la Escuela del 10º vivió unos años de intensa creatividad e Aniversario de Octubre, cuya planta innovación. Los valores, necesidades y tiene la simbólica forma de la hoz y el martillo; el Palacio de Cultura Gorki y la ambiciones de la sociedad soviética se sede del sóviet del distrito Kirovsky, trasladaron rápidamente a los ámbitos Exterior de la Escuela del 10º construidos entre 1925 y 1932, tienen sociourbanístico y arquitectónico, dando con la Aniversario de Octubre, lugar a una nueva filosofía constructiva y a el valor de ser un reflejo todavía planta en forma de hoz y martillo. una nueva tipología de edificios. elocuente de los principios estéticos y la Acostumbrada a la suntuosidad, San Petersburgo vio dimensión social de la arquitectura constructivista rusa. En nacer en esa época casas-comuna, clubes de trabajadores, todos ellos se descubre no sólo la búsqueda de un nuevo edificios administrativos, equipamientos, fábricas y sedes lenguaje arquitectónico, basado en la predominancia de académicas. A pesar de la degradación y las las líneas geométricas puras, sino nuevas ideas en cuanto a la eficacia y la funcionalidad de los edificios, que debían modificaciones que han sufrido con el paso de los años, la estar al servicio del ser humano y de la sociedad, creando casa-comuna de la calle Traktornaya, una serie de soluciones innovadoras para la vida comunitaria. T pequeños bloques de pisos dispuestos alrededor de patios

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AGE ND A RTE AGOSTO ’11

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ANTIGÜEDADES

Apuestas a caballo ganador Londres contempla a los escultores tocados por el dedo de Saatchi y añora a los vorticistas; Magritte descoloca en Liverpool; Brancusi sigue asombrando en Basilea y Ámsterdam aguarda la llegada de Rubens a su franquicia del Ermitage. El panorama expositivo de este mes se conforma como un laberinto de propuestas en el que disfrutar del arte de los mejores maestros modernos y contemporáneos.

Leonardo en España La llegada de la Dama del Armiño  al Palacio Real refuerza el vínculo que mantiene el artista con España desde hace cinco siglos.

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DISEÑO Charlotte Perriand: mar y montaña El Petit Palais de París revisa la producción de la arquitecta y diseñadora francesa, colaboradora de Le Corbusier.

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LIBROS Un muro de pintura Un amplio abanico de lecturas relacionadas con el arte y el proceso creativo para ponerse al día durante el verano.

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EL AUTOR Paloma Polo, la sombra que arroja la luz A partir de fotos antiguas de expediciones para ver eclipses articula su discurso narrativo. 81

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CINE Visconti inicia con Senso  su

ciclo sobre la decadencia Una trama de raíz melodramática y una realidad estetizada sirven para reflejar el declive y agonía del poder.

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DELIRIOS BAJO CONTROL Buen chico el chico malo Un hombre en traje de poliéster puede incentivar la imaginación.

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APUESTAS A CABALLO GANADOR LONDRES CONTEMPLA A LOS ESCULTORES TOCADOS POR EL DEDO DE SAATCHI Y AÑORA A LOS VORTICISTAS ; MAGRITTE DESCOLOCA EN LIVERPOOL: BRANCUSI SIGUE ASOMBRANDO EN BASILEA, Y ÁMSTERDAM AGUARDA LA LLEGADA DE RUBENS A SU FRANQUICIA DEL ERMITAGE ARTURO ARNALTE LONDRES

Tres vanguardias de diferente signo se dan cita en Londres este mes. Por una parte, la de los pintores británicos que durante los años difíciles de la I Guerra Mundial (1914-1918) desarrollaron su propia versión del cubismo y el futurismo, bautizada como el vorticismo, en lo que ha pasado a ser considerado uno de los movimientos pictóricos autóctonos más potentes e irrepetibles de las islas. El término procede del vocablo vórtice, con el que aquellos pintores denominaban al Londres del momento, una inmensa ciudad industrializada, rápida, contaminada, geométrica y

masificada. El movimiento fue liderado por WYNDHAM LEWIS y rebasó la pintura para incluir en sus filas escultores tan radicalmente novedosos como HENRI GAUDIERBRZESKA y varias mujeres. La Tate Britain rinde homenaje a sus creaciones arriesgadas en una muestra hasta el 4 de  septiembre . Otra vanguardia, esta escultórica, se despliega por la Galería Saatchi, en la muestra titulada The shape of  things to come , que reúne a veinte escultores de diferentes partes del mundo cuya obra apenas tiene más de una década. JOHN BALDESSARI, DAVID ALTMEJD, DIRK SKREBER, DAVID BATCHELOR y REBECCA WARREN se cuentan

entre las apuestas ganadoras del imprevisible mecenas (hasta el 16 de octubre).

Vanguardista fue, asimismo, en su momento, aunque más en tecnología que en contenido, el cine de animación de WALT DISNEY, que es uno de los mayores atractivos de la muestra Watch me move , de cine de dibujos animados en el Centro Barbican. Al que hoy se antoja algo empalagoso Disney se le suman innovadores en este campo hasta llegar a los dinosaurios de STEVEN SPIELBERG en Parque Jurásico  (hasta el 11 de septiembre). LIVERPOOL

La galería Tate Liverpool ha 82

organizado la más ambiciosa exposición que se haya visto en Gran Bretaña sobre el inclasificable belga RENÉ MAGRITTE. Sus composiciones surrealistas que tanto influyeron en el diseño publicitario están muy vinculadas a su trabajo casi anónimo como diseñador de papeles pintados durante los años veinte. René Magritte: el  principio del placer  suma más de un centenar de piezas que abarcan todos los campos de trabajo del artista, con una selección de fotografías poco conocidas, diseños para empapelar y filmaciones domésticas. La muestra incluirá también dibujos eróticos encargados por una

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1. El baño de lodo, por David Bomberg, 1914; 2. Desnudo azul, recuerdo de Biskra, por Matisse, 1907; 3. La tumba de los luchadores, por René Magritte, 1960; 4. Dibujo italiano del entorno de Botticelli, creado hacia la segunda mitad del siglo XV ; 5. Blancanieves, fotograma de la película dirigida por Walt Disney; 6. Escultura de David Batchelor; 7. Venus impúdica, tallada en una pieza de marfil de mamut; 8. Togado Barberini, siglo I a.C.

editorial que nunca se atrevió a publicarlos y un centenar de sus pinturas, entre las que se hallan algunas de las más célebres (hasta el 16 de  octubre).

SAN FRANCISCO Más conocida como mecenas que como escritora, la norteamericana GERTRUDE STEIN es el eje de dos exposiciones en San Francisco, una en el Museo Judío de la ciudad, que se centra en su vida y su relación homosexual con Alice B. Toklas, y otra en el Museo de Arte Moderno, que analiza su pasión por el arte: La colección de los Stein:  Matisse, Picasso y la  vanguardia parisina . Como

INGRES y RUBENS se codean con DEGAS, PICASSO y el mismo BARCELÓ (hasta el 5 de 

coleccionista, Stein acertó unas veces y falló otras, pero no erró al poner su peso tras el principiante PICASSO , como no lo había hecho al adquirir, junto con su hermano mayor, Leo, importantes lienzos de CÉZANNE, RENOIR y MATISSE (hasta el 6 de septiembre).

septiembre).

LES EYZIES-DE-TAYAC El culto a la fertilidad de la mujer en el mundo prehistórico europeo dejó huella en numerosas estatuas femeninas, comúnmente denominadas venus , que subrayaban la función reproductora de la sexualidad por el énfasis puesto en la representación del busto y las caderas. Sesenta de estas figuras han sido reunidas para una muestra extraordinaria en el Museo Nacional de Prehistoria de Les Eyzies-deTayac, en el suroeste francés,

PARÍS Considerado a veces como menor, el dibujo es un arte en el que los grandes han dejado su huella desde antiguo. A los mejores dibujos de los genios dedica el Museo del Louvre una selección de 70 piezas en la que se puede apreciar la evolución de la técnica desde el siglo XV hasta la actualidad. LUCAS CRANACH, BOTTICELI,

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titulada Mil y una mujeres del  fin de los tiempos glaciares . Destaca la llamada Venus  impúdica , tallada en marfil de mamut y que, como la mayoría de imágenes de este estilo, carece de cabeza pero muestra con claridad los genitales. Otras piezas son de arcilla cocida o están esculpidas en fragmentos de hueso y en piedra (hasta 19  de septiembre).

ROMA El retrato ha sido hasta la aparición de la fotografía privilegio de unos pocos. Los rostros que nos ha legado la Antigüedad son, por tanto, los de los influyentes, una pequeña élite de unos pocos

AGE NDA RTE

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PERISCOPIO

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miles de individuos en una población total en el imperio que pudo haber alcanzado veinte o treinta millones. Las  muchas caras del poder es el título de la exposición que en los Museos Capitolinos de Roma reúne retratos escultóricos romanos, un medio muy sensible a los cambios de gusto y de moda. La exposición se divide en varias secciones que desglosan esos cambios y las deudas estilísticas del retrato romano con Grecia y Egipto, el origen de ese arte, y la función que cumplía en la vida civil (hasta  el 25 de septiembre). BASILEA CONSTANTIN BRANCUSI RICHARD SERRA son

y

las estrellas de la exposición de escultura moderna que ocupa este verano la Fundación Beyeler de Basilea. Aunque el acabado final de la obra de ambos es distinto, la

HAMBURGO

huella del rumano –cuyos acabados buscaban la perfección técnica– en el estadounidense está presente desde que Serra acudía en París al estudio de Brancusi casi a diario en 1964-65. Algo que también había hecho Brancusi en su momento en relación con su maestro AUGUSTE RODIN. La exposición propone un viaje por la economía de medios para expresar belleza y el movimiento. De Brancusi destacan piezas como Prometeo o sus series de pájaros estilizados y Princesse X, de 1920, una soberbia figura en la que se creyó ver un falo en vez de un busto femenino estilizado. De Serra han viajado a Suiza algunas obras monumentales como la titulada Fernando Pessoa , en homenaje al escritor portugués (hasta el 21  de agosto).

No sólo en París el dibujo es protagonista de la temporada estival. En Hamburgo, la Kunsthalle de la ciudad pasa revista a varios siglos de dibujo de la escuela holandesa con más de un centenar de obras. Bruegel, Rembrandt & Co. Dibujos  holandeses, de 1450 a 1850, es el nombre de una selección que arranca con un anónimo de hacia 1460, continúa con el Verano de PIETER BRUEGEL, sigue con el boceto de San  Jerónimo en un paisaje , de REMBRANDT, y llega hasta los siglos XVIII y XIX con obras de GERARD DE LAIRESSE y WILLEM VAN DE VELDE. La Kunsthalle de Hamburgo posee más de 1.400 dibujos de la escuela holandesa, faceta que quiere divulgar con esta muestra, cuyos ejes temáticos son la historia, los bodegones, la naturaleza, el retrato, los interiores 84

arquitectónicos y las vistas urbanas, un aspecto muy apreciado por los artistas flamencos (hasta el 11 de  septiembre). VIENA ANDY WARHOL (1952) es

protagonista en el Museo de la Comunicación de Fráncfort de una cita artística en la que se analiza su estrecha relación personal con JOHN LENON –ambos se conocieron en los mundillos artísticos de Nueva York en los años sesenta y estuvieron muy influidos por los aires nuevos que aportó el Mayo del 68– (hasta el 31 de   julio). También es noticia en Viena, en otra convocatoria que explora la magia de la Polaroid. Prácticamente desaparecidas en la actualidad, las máquinas polaroid fueron un fetiche de numerosos fotógrafos, que se dejaron magnetizar por las posibilidades que ofrecía su

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9. Interior de la iglesia de San Juan de Utrecht, por PieterJansz Saenredam, 1636; 10. Olson, por Richard Serra, 1986; 11. Concierto de Pájaros, por Frans Snijders, hacia 1630-50; 12. Cristo llevando la corona de espinas o Ecce Homo, por Rubens, 1612; 13. Polaroid, por Helmut Newton, 1976; 14. Princesse X, por Brancusi, 1915-1916.15. Mujer sentada, por Amadeo Modigliani, 1917.

instantaneidad. ROBERT MAPPLETHORPE y HELMUT NEWTON se contaron entre ellos. En la galería Westlicht de Viena se pueden contemplar cinco centenares de fotografías tomadas con estas cámaras. Polaroid fue la primera empresa en prescindir del revelado, en 1947, lo que añadido a su simplicidad la convirtió en un icono de la cultura popular hasta la quiebra de la compañía en 2009. la muestra que rinde en Viena tributo al invento y a los artistas que se doblegaron a su encanto incluye piezas de OLIVERIO TOSCANI y el español JOAN FONTCUBERTA, en este último caso trabajos de finales de los setenta y principios de los ochenta (hasta el 21 de  agosto) .

ÁMSTERDAM La franquicia del Ermitage en la capital de Holanda se prepara para una de las citas pictóricas

que sin duda tendrá más visitantes á partir del próximo mes de septiembre. Rubens, Van Dyck & Jordaens. Pintores  flamencos del Ermitage es el título de la exposición que mostrará por primera vez fuera de Rusia la colección de pintura holandesa de los zares. RUBENS estará representado por 17 piezas y una gran cantidad de dibujos. Su Descendimiento de la Cruz  (1619) no había sido prestado nunca con anterioridad. Otra de las estrellas, ANTHONY VAN DYCK fue el gran retratista de la Corte de Carlos I de Inglaterra y sus arrogantes protagonistas. El tercer grande de la muestra es JACOB JORDAENS, un pintor muy influido por Rubens, con un amplio repertorio historicista, y buen representante de la alegría de vivir de la burguesía holandesa del siglo XVII. Pero entre los pintores considerados menores hay también

verdaderos genios, como el célebre autor de bodegones FRANS SNIJDERS, que aportó un aire colorista y exótico a un género costumbrista, que hacía furor entre las clases pudientes de la Edad Moderna. Snijders avanzó un paso más allá y creó composiciones que estaban a caballo entre el sencillo bodegón –una estampa mezcla de instantánea de la despensa y menú gráfico– y el catálogo de especies, en un anticipo del afán clasificatorio de los artistas naturalistas de la Ilustración en la centuria siguiente. CORNELIS y PAUL DE VOS y DAVID TENIERS EL JOVEN aportan su visión costumbrista y casi documental de la vida en los Países Bajos. La mayor parte de los cuadros que integrarán la exposición fueron adquiridos por la zarina Catalina la Grande, que compraba por colecciones enteras y adquirió 85

las de los reputados Pierre Crozat y Heinrich von Brühl (de 17 de septiembre a 16 de  marzo de 2012).

AMBERES El Museo Real de Bellas Artes de Amberes ha repartido sus piezas por media docena de instituciones mientras sus instalaciones sufren un proceso de remodelación. Las obras de los viejos maestros han sido trasladadas al Aan de Stroom de Amberes, y las mejores pinturas de los siglos XIX y XX se han desplazado temporalmente al Konigin Fabiolazaal. El centro, bautizado con el nombre de la reina española Fabiola, viuda de Balduino de Bélgica, está especializado en creación plástica contemporánea y ha visto reforzada su oferta con importantes cuadros, entre los que destacan obras de AMADEO MODIGLIANI (hasta  el 8 de enero de 2012). T T

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ANTIGÜEDADES

Leonardo en España LA LLEGADA DE LA D AMA DEL ARMIÑO  AL PALACIO REAL SE CONFIGURA COMO UNA HEBRA MÁS DEL VÍNCULO QUE UNE AL MAESTRO LOMBARDO CON NUESTRO PAÍS , DONDE SE CONSERVAN MÚLTIPLES OBRAS Y MANUSCRITOS SUYOS DESDE HACE CINCO SIGLOS Juan I gnacio Samperio Iturralde

La presencia de la obra de Leonardo da Vinci en España ha sido constante desde pocos años después de su muerte, y lo fue con su obra más importante, que no es ni la Última Cena ni la Gioconda , sino los códices que contienen su pensamiento, sus inventos, descubrimientos e intuiciones, y uno de los conjuntos de dibujos más importantes de la historia. Cuando Leonardo murió en 1519, su heredero, Francesco Melzi, se hizo con sus manuscritos, que contenían la obra de su vida, y al fallecer

legándolos a su muerte, en 1642, al rey Felipe IV. Los códices estuvieron perdidos durante casi un siglo por culpa del confesor de la reina María Cristina, quien confundió las signaturas que los identificaban, hasta que en 1964 fueron encontrados en la Biblioteca Nacional, cuya base era la Biblioteca Real, por el jefe de la Sección de Manuscritos.

estando dedicado el I al estudio de los relojes, molinos, prensas, telares, ingenios hidráulicos y, sobretodo, a mecánica teórica y al estudio de la gravedad, una de las obsesiones leonardescas, siendo la foliación autógrafa. El Codex Madrid II es más misceláneo si cabe. Trata del vuelo de los pájaros, de geometría, fortificaciones, instrumentos musicales, cuadratura de las figuras curvas, y contiene un interesantísimo inventario de sus libros, vistas de montes y paisajes, unos preciosos y delicados croquis topográficos del valle del Arno y de su desembocadura, ya que uno de sus proyectos era desviar el cauce del Arno para unir

EL TINTERO DE UN GENIO

El contenido actual de los códices de Leonardo se cree responde a la ordenación efectuada por Pompeo Leoni, quien en ocasiones respetó la del propio Leonardo. Los dos códices españoles tienen un contenido muy variado,

Mapa de la Región del Arno,

por Leonardo da Vinci, 1503.

éste, su hijo Orazio se los vendió, si no todos casi todos, al escultor Pompeo Leoni que los trajo a España para vendérselos a Felipe II para la Biblioteca de El Escorial, pero el Rey no los compró. Su yerno vendió la parte más importante, el famoso Codex  Atlanthicus –en realidad 12 volúmenes y 1.100 dibujos– a Cosme II de Médicis, y varios volúmenes más al conde de Arundel. Afortunadamente, Espina, un adinerado coleccionista español, compró dos de estos códices, los llamados Codex  Madrid I  y II , y, además, se resistió a todas las ofertas de compra que se le hicieron, tanto por el príncipe de Gales, luego rey Carlos I de Inglaterra, como por el propio Arundel,

Resorte templado, Codex  Madrid I, 1492-1497.

Florencia con el mar mediante un canal, un plano de Pisa y lo más reproducido: sus trabajos para la fundición del caballo del monumento ecuestre de Francesco Sforza en Milán, en especial el fantasmagórico e inolvidable molde para la cabeza del caballo con sus herrajes y armadura. El primero de los códices lo hizo entre 1492 y 1497 y tiene 191 folios, y el segundo data de entre 1503 y 1505 y consta de 158 folios. Ambos están escritos de derecha a izquierda, por lo que hay que usar un espejo para leerlos, en un italiano con numerosos errores ortográficos, con tinta negra y a la sanguina; primero hizo los dibujos y luego rellenó los huecos con sus textos. TRAS HUELLAS DE COLOR

Dama del armiño, por Leonardo da Vinci, 1483-1484.

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De las obras que siguen en importancia a sus códices, sus pinturas, hubo en España una Degollación del Bautista , que perteneció al duque de Lemos, que fue adquirida por el conde Arundel y recomprada a su viuda por Cárdenas en 1654, sin que se conozca su

Dibujo de molde armado para la cabeza del caballo de Sforza, Codex Madrid II, por Leonardo da Vinci, 1491-1493, sanguina, 210 x 290 cm, Madrid, Biblioteca Nacional. Abajo, Santa Catalina, por Yáñez Almedina, 1505-1510, óleo sobre tabla, Museo del Prado.

paradero actual. La pintura más importante de las atribuidas a Leonardo que quedan en España es la tabla del Salvador adolescente del Museo Lázaro Galdiano, cuyo fundador la compró al anticuario madrileño Carrascal por 850 pesetas a pagar en dos plazos, después de que éste se la hubiera ofrecido sin éxito al Prado, que no tenía fondos, por 1.500 pesetas. Al parecer procedía de un desamortizado convento vallisoletano. No hay unanimidad sobre la autoría de esta preciosa pintura, llena de misterio y melancolía, aunque los expertos se inclinan por Boltraffio, uno de los mejores discípulos de Leonardo. Lo que es seguro es que la obra sigue un dibujo original de Leonardo, y que fue muy apreciada desde el principio, habiendo inspirado otra de Correggio hoy en el Metropolitan. Fue pintada a finales del siglo XV, y dorada

por su parte posterior, señal de su importancia y del cuidado con que fue hecha, y lleva en el borde de la camisa y en la manga un elegante bordado entrecruzado, estando sus cabellos pintados uno a uno como en el Retrato de Ginevra  da Benci , una de las pinturas indiscutidas de Leonardo. Una reciente restauración ha remarcado su valor. Su calidad es muy superior a la de otras obras de Boltraffio, como la Santa Lucía del Museo Thyssen. De Giampietrino, otro de los discípulos de Leonardo en Milán, se conserva una Magdalena en la Capilla del Condestable de Burgos. De sus seguidores, es decir, imitadores de su estilo pero que no trabajaron con él, el mejor representado en España es Luini, del que hay pinturas en los conventos de la Encarnación y de las Descalzas de Madrid, en el Museo Thyssen y, sobretodo, en el Prado, donde se guarda La 

Sagrada Familia con san  Juanito parcialmente inspirada en La Virgen de las Rocas y que es la obra más leonardesca de cuantas hay aquí, dejando al margen la bellísima Santa Catalina, de Yáñez de la Almedina, o Ferrando Spagnolo, que fue ayudante de Leonardo en

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Florencia mientras pintaba la destruida Batalla de Anghiari , que es una de las grandes obras de la pintura española. La última obra relacionada con Leonardo es la tienda de campaña que el rey Francisco I de Francia, para el que Leonardo trabajó en sus últimos años, llevó en la Batalla de Pavía en 1525 y que está en la Real Armería madrileña. Los dibujos florales de su techumbre y en especial los refuerzos que sujetan los mástiles tienen un ornamental trenzado geométrico directamente relacionado con Leonardo. Dado que uno de sus trabajos más demandados fue todo lo relacionado con la guerra, las probabilidades de que el diseño de esta maravillosa tienda real sea obra del propio Leonardo son bastante acentuadas aunque como con tantas obras de este genio nunca se sabrá con total seguridad. T

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DISEÑO

Perriand: mar y montaña UNA EXPOSICIÓN EN EL PETIT PALAIS DE PARÍS REVISA LA PRODUCCIÓN DE LA ARQUITECTA Y DISEÑADORA FRANCESA , COLABORADORA DE LE CORBUSIER, A LA LUZ DE DOS DE SUS GRANDES AFICIONES : LA NATURALEZA Y LA FOTOGRAFÍA Leila Crewn

Muchos artistas, contando diseñadores y arquitectos, han buscado inspiración en la naturaleza. No sabemos si Charlotte Perriand se encuentra entre quienes la buscaron, pero sí conocemos, a la luz de los trabajos y de la pasión por la fotografía de la gran diseñadora francesa, que se encuentra entre quienes allí la encontraron. Algunas de sus mesas bajas con sinuosas formas irregulares recuerdan fragmentos rocosos que ella misma fotografió. El gusto por los materiales naturales, casi en bruto, dejando ver la veta en el caso de la madera evoca la belleza natural del juego de los anillos en los troncos talados. Son dos de los ejemplos que forman parte de la muestra que hasta mediados de septiembre se puede ver en el Petit Palais de París. La exposición, titulada

Diez años permanecerá allí. Como parte de su trabajo, Perriand busca nuevas formas que encuentra o intuye en la naturaleza: unas veces son las espinas del pescado o una carcasa de pollo; otras, una piedra o un conjunto de morralla oxidada la que va a inspirar ciertos rasgos de sus piezas de mobiliario. “A la vuelta de los paseos, nuestras mochilas estaban llenas de tesoros: guijarros, trozos de zapatos, de maderas agujereadas...”, escribe Perriand. Todos esos objetos, los fotografía con ánimo escrutador. En ocasiones los saca de su contexto y los pone

en valor como si fueran tesoros preciosos y otras los deja en su medio para no perder de vista su relación con el entorno. En cualquier caso, esa parte de su trabajo está magníficamente representada y documentada en la exposición, que reúne 430 fotografías, además de 70 muebles, firmadas por Perriand. Una vez fuera del taller de Le Corbusier, la diseñadora prosigue su relación con Jeanneret, viaja a Japón –lo que le descubrirá nuevos modos de relacionarse con el espacio y los objetos–, colabora con Jean Prouvé y

Charlotte Perriand en Savoie, hacia

1930.

Charlotte Perriand; de la  fotografía al diseño , es un

compendio de la actividad creadora de esta diseñadora que primero en el taller de Le Corbusier y luego en solitario se convertiría en uno de los nombres imprescindibles del diseño contemporáneo. EL TUBO DE ACERO

Perriand estudió artes decorativas en la Escuela de la Unión Central y comenzó su andadura profesional indagando en las posibilidades del tubo de acero. Le Corbusier y Pierre Jeanneret repararon en la novedad de sus propuestas en el Salon d ’Automne de 1927 y ese mismo año Perriand entra a formar parte del mítico estudio como encargada del mobiliario e interiorismo de los proyectos de arquitectura.

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trabaja sin tregua en importantes encargos, como las oficinas Air France en Londres, Tokyo o Río de Janeiro, el salón de conferencias de la ONU y numerosos proyectos privados. Lo seguirá haciendo hasta su muerte, en 1999, convertida ya en un mito del diseño contemporáneo. EXPERTA ALPINISTA

Además de los muebles y los objetos que formalmente integran la muestra sobre la diseñadora, la gran virtud de la misma es ofrecer una singular mirada sobre la persona a través de imágenes de tres tipos: las que Perriand reunía de agencias o fotógrafos profesionales y que le servían en sus fotomontajes o como decoración en sus interiores; las que ella misma hacía en sus escaladas por la montaña o sus paseos junto al mar, y, finalmente, las que de ella tomaban amigos y donde se reflejaba la mujer vitalista y apasionada que era. La innovadora puesta en escena de la exposición tiene dos partes. En la primera, de acceso gratuito, se exhiben algunos de los mencionados fotomontajes como el monumental La grand misère  de Paris , que realizó junto a Fernand Leger en apoyo a la política agrícola del Frente Popular con motivo de la Exposición Internacional de 1937. También se pueden ver aquí algunas de las creaciones, siempre adelantadas a su tiempo de Perriand, en fuerte contraste con el mobiliario habitual del siglo XVIII que forma parte del museo. La segunda parte de la muestra reúne las

aportaciones más importantes de Perriand al devenir del diseño. Su idea de que las unidades de almacenaje (armarios, bibliotecas) deben ser parte integrante del espacio se ha convertido en un criterio universalmente aceptado, de modo que sus muebles de separación no podían faltar en la retrospectiva. Tampoco las sillas en tubo metálico o las mesas de maderas preciosas. Junto a éstas, aparecen las instantáneas de lo que Le Corbusier denominó “objetos

de reacción poética”, esos tesoros de los que hablaba Perriand y que encontraba en sus paseos junto al mar y por la montaña. Experta alpinista, la diseñadora consagró una parte significativa de su producción a proyectos relacionados con la montaña, como hoteles o refugios que en forma de maquetas y, cómo no, de instantáneas, ocupan un hueco tan privilegiado en el montaje de la exposición como ya lo hicieran en la vida de Charlotte Perriand. T

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Arriba, chaise longue bambú, hacia 1940; sillón giratorio, hacia 1927, y silla Ombre, hacia 1954. Sobre estas líneas, Art Brut Vertèbre de poisson, 1933. Derecha, de arriba a abajo, Banquette Tokio, hacia 1954; juego de mesas Gigogne, hacia 1951, y mueble de separación, hacia 1954. Todas las imágenes © AChP.

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CINE

 Visconti inicia con “Senso” su ciclo sobre la decadencia REALIZADA POR QUIEN FUERA EXPONENTE DEL NEORREALISMO ITALIANO DE LOS AÑOS CUARENTA Y CINCUENTA, ESTA PRODUCCIÓN REFLEJA, CON UNA ARGUMENTACIÓN DE RAÍZ MELODRAMÁTICA Y UN TRASFONDO CRÍTICO, LA AGONÍA DEL PODER Y DE LA CLASE ARISTOCRÁTICA Manuel Hidalgo

Coincidiendo con el reciente estreno en salas de una versión íntegra y restaurada de El Gatopardo  (1963), se edita en DVD, con la calidad del sistema Blu-ray , la también versión restaurada de Senso  (1954), lo que supone una cierta vuelta al primer plano de Luchino Visconti (19061976), un director si no olvidado, sí algo preterido, sobre todo en relación al extraordinario relieve adquirido en los últimos años de su carrera, en la primera mitad de la década de los setenta. Nueve años separan ambas películas, unidas en el extenso ciclo que el cineasta dedicó a ilustrar la decadencia, agonía y fin de la clase aristocrática, a la que él mismo, pese a su ideario comunista, pertenecía. Aunque le quedaba por hacer Rocco y sus hermanos  (1960), virtual canto de cisne del neorrealismo y, en concreto, del cine neorrealista del propio Visconti, y aunque luego intercalara en su filmografía películas como Noches blancas  (1957) y El  extranjero  (1967), Senso  rompería con las pautas neorrealistas de Ossessione  (1942), La terra trema  (1948) y Bellíssima (1951) para

SENSO

(Suevia Films, Blu-ray)

Dirección: Luchino Visconti. Guión: Suso Cecchi d ’Amico, Luchino Visconti. Fotografía: G. R. Aldo, Robert Krasker. Música: Anton Bruckner. Intérpretes: Alida Valli, Farley Granger, Massimo Girotti, Rina Morelli, Christian Marquand. Año: 1954 (Italia). Idiomas: castellano e italiano (subtítulos en castellano). Duración aprox.: 115 minutos (color). Precio: 19,95 €.

constituirse como el primer eslabón de una cadena de películas que iban a narrar el proceso de descomposición y el trance postrero de la clase dirigente ligada a la alta nobleza y a la alta burguesía. Tras Senso  y El Gatopardo  vendrían –con la discontinuidad apuntada– Sandra  (1965), La caída de los  dioses  (1969), Muerte en  Venecia  (1971), Luis II de Baviera  (1974), Confidencias  (1974) y El  inocente  (1976), extenso discurso sobre la decadencia –de una clase, de los individuos ligados a esa clase–, en el que la

enfermedad y la muerte física alcanzan, en ocasiones, el valor de símbolo del final de una estirpe y en el que –junto a apuntes políticos y sociales– cobra un especial relieve la expresión, cada vez con menos tabúes, al hilo de las libertades de la época, de una sexualidad progresivamente más turbadora. ¿Fue decadente, a su vez, la estética –y quién sabe si el latido ideológico– del ciclo sobre la decadencia de Visconti? Sus entusiastas partidarios lo defendieron, pero eso dijeron sus detractores. Y se sigue diciendo. Igual que se dijo y se

sigue diciendo, dentro de la sombra sutil que acoge por igual la apariencia y la pereza, que las películas de Antonioni sobre la incomunicación no transmitían nada o que las películas de Bergman sobre la depresión eran deprimentes. Senso  cuenta los amores adulterinos entre una aristocrática dama italiana, allá por 1866, y un militar del invasor ejército austriaco. La dama es partidaria de la independencia de su país hasta que, inmersa en una pasión que la arrebata, cae en brazos de un oficial enemigo y traiciona gravemente sus ideales, a su país y a su marido. LA OBRA DE ARTE TOTAL

Visconti ingresa con Senso  en las procelosas aguas del melodrama de raíz novelesca y, director de ópera y de teatro, se entrega sin recato a la ampulosidad musical y operística –de Bruckner a Verdi–, a la magnificencia de la gestualidad teatral, servida por un exquisito cultivo de la belleza de las imágenes, por un predominio aparente de la función estética que muchos juzgaron y juzgan irresistible y que no pocos valoran como ornamental y carente de alma

CAMILLO BOITO, ARQUITECTO Gran parte de las películas de Luchino Visconti se

basaron en textos literarios procedentes de grandes y muy variados escritores: James M. Cain (Ossessione) , Giovanni Verga (La terra trema ), Fiodor Dostoyevski (Noches blancas), Giuseppe Tomasi di Lampedusa (El Gatopardo) , Albert Camus (El extranjero) , Thomas Mann (Muerte en Venecia) , Gabriele d ’Annunzio (El inocente)... Senso es la adaptación de un relato de Camillo Boito, aparecido en 1883, menos de veinte años después de la datación de los hechos narrados. Se da la circunstancia de que Camillo Boito, escritor a tiempo parcial y de obra corta, no sólo fue crítico de arte, sino, sobre todo, arquitecto, un arquitecto de gran renombre en su época por sus realizaciones y, especialmente, por su teoría y práctica de la restauración de edificios históricos, lo que le dio una relevancia que llega hasta hoy, según saben los profesionales de la arquitectura.

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y verdad íntima. Que cada cual decida, pero lo que parece indiscutible es que Senso , al margen de su concepto general y de momentos concretos, reúne un puñado de escenas de fuerza y atractivo incuestionables. Financiada en parte con capital estadounidense, Senso  contó con la espléndida interpretación de la muy especial Alida Valli, prodigioso compendio de espiritualidad y sensualidad, y, después de la muerte del primer operador durante el rodaje, con la cámara del gran Robert Krasker. Curiosamente, ambos, Valli y Krasker, habían compartido las mieles de la excelencia y el triunfo, cinco años atrás, en El tercer  hombre , de Carol Reed. Desde Senso, todas las películas de Visconti ya fueron escritas por la guionista Suso Cecchi d ’Amico –impresionante palmarés–, si bien en Senso  colaboraron tres escritores de primera fila: Paul Bowles, Tennessee Williams y Giorgio Bassani. T

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Junto a estas líneas, diversos fotogramas reflejan el peso que tiene el componente estético en la película, así como la teatralidad y ampulosidad que domina cada una de las escenas. Conjugándose elementos propios de otras artes, en ella todo se combina hasta el punto de poner en tela de juicio el papel de la propia historia.

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LIBROS

Un muro de pintura DESDE CLÁSICOS COMO BALZAC, STENDHAL Y STEFAN ZWEIG A LAS ÚLTIMAS NOVEDADES APARECIDAS ESTE AÑO , UN AMPLIO ABANICO DE LECTURAS RELACIONADAS CON EL ARTE Y EL PROCESO CREATIVO PARA PONERSE AL DÍA DURANTE EL VERANO Javier Goñi

En una de las novelas de esta primavera pasada, Los  enamoramientos  (Alfaguara), de Javier Marías, aparece un célebre relato de Balzac, que cualquier aficionado al arte y –también– a la literatura conoce bien, pues es una pequeña joya literaria, una pequeña obra maestra muy conocida y apreciada: La  obra maestra desconocida, de la que existen numerosas traducciones en español, y a las que hay que agregar, en esta pasada primavera, una nueva versión, incluida por el propio Javier Marías en su exquisita editorial, Reino de Redonda: haciéndolo coincidir con su novela, Marías ha editado, en versión de Mercedes López-Ballesteros, la novela de Balzac, El coronel Chabert, seguida de tres historias más, entre ellas esta célebre La obra maestra desconocida, en la que, como es sabido, un pintor francés, Frenhofer, allá por el XVII, se obsesiona por pintar una mujer en un cuadro que nunca acaba de rematar; un pintor, tocado por la genialidad, pero que es incapaz de plasmar en el lienzo, atrapándola, la suprema belleza, y así en ese hermoso final, antes de que el viejo Frenhofer, en una noche de derrota y humillación, queme todos sus cuadros, dos admiradores suyos, dos jóvenes pintores, intentarán ver lo que no se puede ver en esa masa de brochazos, en esos colores amontonados, en esas líneas que forman un muro de pintura, donde apenas se entrevé un pie, un pie de mujer. La obsesión por conseguir la obra maestra, por acceder a

recibido: una Virgen con niño. Lo que ocurre cuando la halle, ése es el relato de Zweig. Muy distinto de tono –y de ambición estética– es el libro, La muerte de Venus (Planeta), de Luis Racionero, donde se habla de obsesiones, de bellezas inalcanzables, de pintores enfebrecidos, de épocas artísticas pasadas donde la mujer era Venus, donde había un botticelliano afán por asistir a su nacimiento. Mujer desnuda ante una salamandra, por Félix Vallotton, 1900.

MUJERES DE LEYENDA

Una mujer, Marietta, hija pasado mes de febrero obtuvo ilegítima de Jacomo Robusti, el Tintoretto, y con quien éste el Premio Biblioteca Breve, de la editorial Seix Barral. mantuvo una intensa y Al pintor de este relato de ambigua relación, Stefan Zweig, Los milagros de protagoniza –ella, esa mujer, el pintor, que rememora al la vida (Acantilado), el lienzo en blanco, testigo mudo de su final de su vida toda ella, y la impotencia, le aguarda hasta época, esa Venecia del que encuentre, en un ser real, Renacimiento– esta novela de en una modelo la italiana Melania G. improvisada, en una hermosa y Mazzucco, La larga espera del joven judía con la que se topa ángel (Anagrama): un en la calle, el rostro que apasionante monólogo quiere ponerle al encargo nocturno de un pintor que es leyenda y echa la vista atrás a un siglo, el vivido. Una novela en la que están perfectamente armonizados pasión artística e historia: un relato muy recomendable, de los que gustarán. Otra mujer de leyenda, de fuerte impacto vivencial, Artemisia Gentileschi, nos lleva a la época barroca, al tiempo de Caravaggio, en la primera novela de esta profesora de Autorretrato como mártir, por Artemisia Arte, Ara de Haro, Gentileschi, hacia 1625, colección privada. que así firma la

la belleza del viejo Frenhofer –que tanto interesó a artistas y a poetas, a Picasso y a Rilke, entre otros: en la Fundación Juan March, en Madrid, se ha podido ver, entre junio y julio, una exposición de pequeño formato con los trece aguafuertes que realizó Picasso en 1931 a partir del relato de Balzac– me va a permitir, si les parece oportuno, traer a estas páginas un puñado de libros, de lecturas veraniegas, que tienen que ver de alguna manera con el arte, con la pintura, ficciones, en fin, relacionadas con el viejo tema –tan viejo como inmortal– que obsesionaba a Frenhofer. Veamos. A finales de mayo moría en México la legendaria pintora –y escritora: los dos admiradores de Frenhofer le dicen al final, en la visita al atelier, en el relato de Balzac, que él es aún más poeta que pintor; pues eso– surrealista Leonora Carrington, legendaria mujer, a la que la escritora mexicana Elena Poniatowska le dedicó una novela, Leonora, con la que el 92

Pintor trabajando, por Picasso, un aguafuerte de los trece de la serie que realizó para el relato de Balzac, La obra maestra desconocida, 1931. novela La luna de Artemisia. Aventuras y desventuras de una pintora del siglo XVII, que ha editado Ediciones Fuente de la Fama, de Valladolid, y que es un valioso y vibrante monólogo de una mujer singular, Artemisia, la primera novela –se dice en la solapa– de Ara de Haro, una autora que me recuerda mucho –veo la foto– a una profesora de arte de la UNED, Amparo Serrano de Haro, de quien leí –hace años y en la editorial Debate– un par de novelas muy contemporáneas y moderadamente autobiográficas, que me interesaron mucho. Amparo Serrano de Haro, Ara de Haro: Artemisia sabrá. Por mujeres que no quede, siempre hay una mujer, la mujer del cuadro: arte, vida. Así es. El escritor suizo Martin Suter ha escrito una apasionante novela protagonizada por un experto en arte, fin de raza de una acaudalada familia suiza, Adrian Weynfeldt (la novela se llama El último Weynfeldt y la ha editado Anagrama) y que una noche se deja seducir por

una misteriosa mujer llamada Lorena, y a partir de ahí, con la irrupción del subastable cuadro de Félix Vallotton, Mujer desnuda ante una  salamandra, todo va adquiriendo un atractivo color negro, con sus suspenses, enigmas y equívocos y mixtificaciones sobre el mundo del arte, que en literatura casi es ya un subgénero actual. Una novela para saborearla en cualquier estación, cómo no recomendarla para este verano. Pruébenla.

Stendhal es un clásico para estas fechas, y para cualquier otra del año, un Stendhal para cualquier viaje que quiera uno iniciar, incluso sin abandonar el confortable sillón orejero de nuestras encalladas –táchese lo que no resulte pertinente– vidas. El Stendhal es El síndrome del viajero. Diario de Florencia, un librito de bolsillo –una delicia– que escindido de la obra Roma, Nápoles y Florencia  edita Gadir en un cuidadoso tomito, con un pliego de ilustraciones en color de algunos cuadros del gusto de Stendhal, y que va muy recomendado –si es el caso– para salir airoso del

CLÁSICOS ETERNOS Y para acabar este pequeño y bienintencionado abanico de propuestas veraniegas, déjenme que les ponga en su equipaje –ligero por fuerza– de mano, estas dos joyitas, y no porque las anteriores no lo sean: incluso el Stefan Zweig citado entraría en esta clasificación por peso (ligero, en este caso). Estas dos joyitas son un Stendhal y un –cómo no, nunca faltan, y nunca nos cansamos de buscarlos, y los editores de ponérnoslos a mano– Henry James. El

existente –dicen– síndrome de Stendhal, que padecen los viajeros que abusan –en Florencia– de la contemplación de tanta belleza –artística–; en Florencia o no importa dónde. Frente a la maldición de Moctezuma, el síndrome de Stendhal, que no sé si padecen o no los protagonistas de los relatos –arte, iglesias, hermosas mujeres norteamericanas en tour europeo, jóvenes pretendientes– de Henry James, el norteamericano enamorado de Europa, como los dos protagonistas de esta deliciosa narración –James en estado puro casi siempre es el mismo James: y qué–, El último de los Valerio (José J. de Olañeta Editor): una rica heredera norteamericana, un apuesto galán romano –noble, además–, y un jardín romano, y una hermosa escultura griega desenterrada. Una delicia, ya digo. Puro Henry James. Para pasar un buen verano, con este abanico o con otros, que los hay: el mío, si me permiten que lo airee, es éste. T

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ELAUTOR

GENERACIÓN 2011

PALOMA POLO LA SOMBRA QUE ARROJA LUZ

SU TRATAMIENTO DE LAS EXPEDICIONES PARA OBSERVAR ECLIPSES EN EL SIGLO PASADO REVELA INTENSAS DINÁMICAS DE PODER, DISCURSOS SOCIALES Y CULTURALES PLEGADOS EN LA CIENCIA

Rafael de las Cuevas

Durante un eclipse solar, la luna se coloca entre la tierra y el sol, arrojando un cono de tinieblas que en la antigüedad se interpretaba como presagio de acontecimientos horribles. Un círculo negro de unos 270 km de diámetro acaricia la superficie de nuestro planeta durante un breve período de tiempo y quienes se encuentran dentro de su trayectoria experimentan la noche dentro del día. El recorrido que hace esta sombra sobre la corteza terrestre se conoce como Path of totality –reco-  rrido  o banda de totalidad – yes una ruta que los científicos se han empeñado en predecir, catalogar y registrar a lo largo de los dos últimos siglos. Paloma Polo persigue –con métodoy tesóna partes iguales– a estos cazadores de sombras; investigadores pioneros que corrían bajo la oclusión lumínica a finales del siglo XIXy en los albores del XX. Su búsqueda es el punto de partida de un proyecto de largo recorrido cuyas reflexiones artísticas han sido recompensadas con el Premio Genera-

ción 2011. El galardón, otorgado por Obra Social Caja Madrid, premia a diezjóvenescreadores y lesafianza en el mapa artístico español desde hace más de una década. Meses atrás pudimos apreciar el trabajo de Paloma y susnueve compañeros en La Casa Encendida de Madrid. A partir de este número vamosa prestar atención a la trayectoria de cada uno de ellos. Nos han abierto la puerta de sus estudios (aunque, como veremos, en muchos casos la acepción clásica de este término es inaplicable) y de sus vidas, para mostrar procesos creativos muy originales y sorprendentes.

de Ámsterdam, donde tiene su centro de operaciones –un cuarto pequeño y espartano que comparte con su novio, también artista–, recuerda cómo empezó todo. “Me interesaba la idea de eclipse como concepto abstracto. Empecé a trabajar en él estando en Holanda, donde encontré un archivo casi abandonado y no catalogado de fotografías de expediciones para observarlos”. El hallazgo fue sorprendente, aunque ella ya tenía un enganche previo con el tema e iba predispuesta a encontrar algo jugoso en los archivos del Departamento de Astronomía de la Universidad de Utrecht. De estas expediciones le fascinaba su carácter paradójico: “La idea de realizar un largo viaje para llegar a un momento de oscuridad total, y que ese momento sea el que tepermita acceder a cierto conocimiento –porque, explica–, la luna, al ocultar el sol permite observar muchos aspectos de éste que normalmente son imposibles de analizar por su brillantez excesiva”.

EL HALLAZGO HOLANDÉS

Titulado con el mismo epígrafe científico que define la zona de oscuridad total –The path  of totality–, el trabajo de Paloma es un proceso largo y complejo que comenzó con cierta dosis de suerte. Desde su casa

PERFIL Nació en Madrid en 1983. Vive y trabaja en Ámsterdam. Su trabajo ha sido presentado de manera individual en el Centro Cultural Montehermoso, Arte e Investigación (2010) y en la Fundación de arte y espacio público SKOR, Ámsterdam (2008). Entre 2007 y 2009 participó en la residencia artística Ateliers, Ámsterdam, y en 2010 en Gasworks, Londres. Entre los apoyos y reconocimientos que ha recibido destacan la beca de creación artística del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (2010); el primerpremio en el Certamen de Artes Plásticas Injuve (2009); la mención de honoren el X Premio ABC de Arte, y el primer premio del certamen Instantes de Paisaje, CDAN, Centro de Arte y Naturaleza, Huesca (2008). Actualmente se encuentra preparando una exposición individual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y en la galería Maisterravalbuena.

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Esto, sin embargo, es sólo el punto de partida; una mera curiosidad científica. Momentos después descubrimos que la artista ha escogido sólo las expediciones que se saldaron en fracaso. Y aquí es cuando la cosa empieza a ponerse realmente interesante. Hasta ahora Paloma ha clasificado lentamente sus pensamientos. Ahora éstos van tomando inercia y el tono de su voz revela que por dentro está enfrascada otra vez en el proceso. “Siempre había un riesgo de que estas expediciones no funcionasen. Normal-

mente por cuestiones meteorológicas. Otras veces por problemas técnicos, conflictos locales o problemas políticos. Hay una muy conocida en Rusia en 1914, justo cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Fue un desastre, a algunos científicos alemanes los hicieron prisioneros. Como iban con el instrumental de observación pensaban que eran espías o algo así”. ¿Obsesión porel fracaso?, ¿estética del patetismo? Nada de eso. Una mirada en profundidad revela el aspecto más interesante de su trabajo. “Los investigadores arribaban a las colonias porque existía una infraestructura que les permitía llegar ahí. Estas campañas no hubieran sido posibles sin la expansión imperialista –y continúa–, me interesa la relación entre la viabilidad de estas ex-

The Path of Totality,

por

Paloma 2011.

Polo,

pediciones y la expansión de los mercados y las economías occidentales”. Es decir, las grandes potencias de la época aprovechaban su dominación colonial para darse lustre científico, y la ciencia obtenía resultados (o no). “No me quiero colocar en una postura totalmente mo95

ralista –aclara–, pero para mí es fundamental esa relación. Me interesa mucho la manera en que diferentes formas de dominación son capaces de producir conocimiento”. Existe también un tratamiento plástico distintivo, que salta a la vista en una primera mirada a las construcciones bizarras que jalonan su obra. “Visualmente tienen una potencia muy fuerte. Construían una especie de observatorios preca-

EL AUTOR GENERACIÓN 2011

rios y temporales. Se servían de la mano de obra local y de los materiales que encontraban. Si había bambú, pues bambú. U hojas de palma, lo que fuese para tapar los instrumentos. Hacían unas instalaciones bestiales y escultóricas. Yo las veo como una especie de monumentos erigidos”.

cionando en cuanto al propósito científico o tecnológico para el que fue creado, pero, sin embargo, para mí tiene un valor cultural, simbólico, social y político muypotente. Es reflejo de esa voluntad tan holandesa de luchar contra el mar. Se trata de repensar cuál es el rol de todos estos proyectos tan ambiciosos, estas inversiones, aparte de la pura cuestión práctica de la ingeniería”. Algunas de sus obras pasadas tenían un carácter más escultórico que requerían espacio para su realización (en Ateliers, donde formó parte de un programa de residencia artística, tenía un estudio diáfano), pero en la actualidad no necesita grandes locales para producir. Es más, no precisa de espacios propios en absoluto. Viaja por todo el mundo y realiza cada fase de sus trabajos en distintos sitios, dependiendo en cada momento de las necesida-

La franja superior ilustra el proceso de documentación de la artista en archivos y bibliotecas como la Royal Astronomical Society (Londres). En blanco y negro, su antiguo estudio de Ateliers.

IMPLICACIONES DE PODER

Las reflexiones sobredinámicas de poder y los discursos paralelos generados en torno a experimentos científicos no se dan sólo en este proyecto. Ya entró a fondo en el tema con Enough redundance in the sys-  tem , unapieza audiovisual que

documentaba el test de funcionamiento de una gigantesca barrera de contención de agua en Ámsterdam. Traslas fatídicas inundaciones de 1953 que se-

garon la vida de miles de personas, se construyó este sistema, un guardián colosal contra la ira de Neptuno. “Este proyecto es una bestialidad; es totalmente pionero en cuestiones de ingeniería. Cada brazo (es decir, cada compuerta) tiene el tamaño de la Torre Eiffel. Y nunca ha sido utilizadoen unasituación de alarma real”. De nuevo la inoperancia científica y las implicaciones paralelas: “No está fun96

des. “Enlo queestoypreparando para la exposición del Reina Sofía [la fase final de sus trabajos con las expediciones de eclipses], una parte es una película y otra es un proyecto fotográfico. Para este último voy a trabajar con un experto en Photoshop, con un diseñador 3D y con un fotógrafo que domina técnicas antiguas de fotografía. Para terminarlas fotos me iré a su estudio con mis archivos y vamos a hacer experimentos allí”. El pequeño cuarto de su piso en Ámsterdam es su centro de operaciones. Aunque, como ella misma admite, “es más sano tener un lugar de trabajofuera del hogar. Porque no desconectas nunca si trabajas en casa... Estás siempre delante del ordenador. Y eso no siempre significa que seas más T productivo”. -

PROXIMOARTE FASCINACIÓN POR LAS RUINAS La ruina, aun envuelta en tan graves resonancias en su significado, no implica paradójicamente la muerte del arte. La obra castigada por el tiempo se convierte en algo nuevo. Coincidiendo con el décimo aniversario de los atentados del 11-S, que se saldó con la caída de las Torres Gemelas y miles de muertos, se analiza la atracción por las ruinas a lo largo de la historia.

ROMA RECUERDA A NERÓN Déspota matricida o artista frustrado, Nerón (37-68 d.C.) padeció el trato poco adulador tanto de autores clásicos como cinematográficos, por lo que Roma le dedica una muestra con el fin de romper la imagen caricaturesca del célebre emperador. Titulada simplemente Nerón, la exposición muestra de forma didáctica los lugares de la ciudad vinculados a su polémico reinado.

SUPERHÉROES, LOS MITOS MODERNOS Como antaño Heracles o Ulises, los superhéroes se han instalado en el panteón de la cultura popular. La historia de Superman  y sus congéneres en el 75 aniversario de D. C. Comics.

ADEMÁS: Londres muestra su devoción por los retablos italianos T La implacable fuerza de la naturaleza, retratada por el arte T Ciria despliega su abstracción en el IVAM.

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DELIRIOS B A J O CONTROL

BUEN CHICO EL CHICO MALO CARLOS MARZAL

Se ha vestido para la ocasión. Lo han vestido con un terno elegante para que se presente en sociedad, para que asista a la ceremonia, para que acuda al banquete, para que cumpla el protocolo. Le han dado estudios en una reputada universidad del extranjero, y habla idiomas, y conoce el universo cuántico, y ha jugado en el equipo de básquet campeón, y puede hablar de vinos y cosechas cuando la oportunidad lo reclama. Es licenciado, y es doctor, y es máster en lo suyo. Pertenece a su tiempo, y tiene un buen trabajo y un despacho con vistas. Navega en su velero los fines de semana. Es un pedazo de buena educación en estado letárgico. Es parte de un retrato de familia, de un retrato de boda, de un retrato. Cuelga absurdo en medio de este día, en mitad de la nada. Pende bobo a este lado del mundo, fuera del paraíso. Pesa hacia fuera de sí mismo con un peso que lo hunde en la historia. Ahí está: la porción exterior de la interioridad, al descubierto, sorprendida, en flagrante reposo, sin delito, sin pena, sin pecado. Buen chico, en sus sueños se diría que sueña con paisajes nevados, con cielos más que azules, con nubes pasajeras, con bosques bajo el sol, todo pacífico. Es la tercera mano de la imagen: la que se ofrece, la que estrecha. Encantado de haberos conocido. Celebro nuestro encuentro. Qué coincidencia estar aquí este año: salgamos al jardín. Se diría que fuese a abrir el baile, a cortar la cin-

Pero no te equivoques. También es un cuchillo de carne para carne. Tiene un filo que viene de muy lejos, y se ha abierto paso hasta el presente a cuchilladas, a machetazos. Es un hacha que corta, que se corta, que hiere y que se hiere. Un cubierto en la mesa para la acción de gracias en el mundo, para trinchar, para partir, para rebanar. No te llames a engaño. Por esa vena corre la ponzoña más fuerte, el tósigo más grande conocido: el deseo feroz. Se gesta en el cerebro, en ese punto en donde nacen las ideas contrarias, las buena y las malas ocurrencias, las hermanas mellizas de la imaginación, que a veces se disfrazan de milagro y otras veces de crímenes. Por esa vena corre, agridulce, la pócima que quita y da la vida. No lo juzgues a la ligera. También es un pincel, y mea un óleo que ha servido para pintar el mundo en toda su gloria y su catástrofe, un pigmento preciado –un ámbar gris– que no puede borrarse ya del lienzo. Y es un arma que escupe fuego amigo, la lava del volcán que llevas dentro, y cuyas erupciones te sorprenden en medio de tus días, pompeyano, petrificada criatura en un gesto de asombro. Buen chico. Chico malo. Ladrón de guante negro. Mendigo a la intemperie. Filántropo al desnudo. Quién te ha visto y quién te ve. Con todo lo que has sido, con todo lo que eres y serás, y mírate, tan serio. Tan ridículo y tan ceremonioso. Tan cómico y tan grave. El origen del mundo, en su reverso. Buen chico el chico malo. T

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ta de la inauguración, a estrellar la botella de champán contra el casco del buque que apadrina.

Man in Polyester Suit, por Robert Mapplethorpe, 1980.

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