ZAPATEADO TABASQUEÑO
México es famoso en el mundo por sus costumbres, tradiciones, leyendas, y folclore; esto lo ha caracterizado siempre, al mismo tiempo que permite mostrar el carácter de su gente. Tabasco, como parte del país, no podía carecer de tradiciones y costumbres que lo identificaran, mostrando de ésta forma también su sentir. Cimatán y Xicalango fueron puntos de encuentro entre mercaderes de la ruta comercial de Mayas y Aztecas. En estos centros se organizaron verdaderas ferias, donde se intercambiaban diversos productos o eran vendidos a cambio de cacao, la moneda de esa época. En los pueblos chontales, zoques y mestizos de Tabasco existen actualmente festividades dedicadas al santo patrono y a otros santos y fiestas, en las cuales se alterna lo cívico, lo comercial y lo religioso, organizadas por el patrón o mayordomo, elegido por el pueblo para que realice las actividades que le fueron encomendadas de acuerdo con las tradiciones y costumbres. En estas celebraciones se fusiona lo religioso con lo profano y siempre se acompañan con una feria popular: juegos mecánicos y de azar, puestos de mercancías, música y bailes. Como ejemplo de estas esta s fiestas, tenemos la de San Isidro, en Comalcalco y en los pueblos Chontales de Nacajuca; la de Santiago Apóstol, en los pueblos de la Chontalpa y Zoques; la de la Virgen de los Remedios, en Nacajuca; la de la Asunción, en Cupilco; la de San Francisco de Asís, en Tamulté de las Sabanas; las de Cuaresma, en Atasta y Tamulté; y la fiesta de San Sebastián, en Tenosique. Como ejemplos de fiestas en que se alternan fechas tradicionales: Carnaval y Pochó, en Tenosique; el carnaval de Villahermosa; la noche del grito, el 15 de septiembre; las fiestas de Navidad, las charreadas, el día de muertos, etc. El zapateo tabasqueño, de clara descendencia mestiza, muestra una de las manifestaciones dancísticas de gran importancia dentro del folklore mexicano, pues al combinar elementos tales como la velocidad, agilidad, precisión, reacción, habilidad y destreza, en su zapateado tan único e inigualable, también lo hace uno de los más elaborados, complejos y al mismo tiempo representa un repertorio de gran resistencia. El zapateado(1), o ³zapateo´ como mejor se conoce en el estado de Tabasco, como bien se mencionó mezcla varios elementos, y uno que destaca es la precisión, que apegada a la velocidad de reacción, porque una vez que se ha iniciado una secuencia, debe haber fluidez en dicha reacción movimiento, para mostrar tal secuencia, lo más fina posible
Historia de la danza La historia de la danza se encuentra fuertemente vinculada con las primeras civilizaciones que se formaron, siendo sus inicios prácticamente los mismos y reconocida como una de las primeras artes. Los movimientos y el baile es algo natural de todos los seres humanos, más allá que hay personas que llevan el ritmo mejor que otras, todos poseemos un sentido de las acciones corporales y esto sucede desde tiempos remotos. Los primeros registros existentes de la historia de la danza tienen más de 10.000 años de antigüedad, habiendo antiquísimas esculturas y tallados en piedra que demuestran su existencia y sus prácticas. Es una expresión tan primitiva como la conformación de las primeras sociedades tribales, donde la danza formaba parte de los rituales para la caza y la supervivencia. La evolución y la historia de la danza La historia de la danza y sus inicios se relaciona con los egipcios, donde incluso dentro de varias pirámides se encuentran dibujos de diferentes rituales y acciones vinculadas con los bailes que se realizaban. Los griegos y los romanos tomaron estas danzas de Egipto y las adoptaron como rituales festivos para los dioses, sobre todo para Dionisio, dios del vino y la embriaguez. La danza se fue perfeccionando con el paso de los siglos y en la Edad Media se fue diversificando y adoptando nuevas formas estéticas, de movimientos y ritmos. Durante el renacimiento se generaron nuevas danzas que fueron prohibidas por parte de la iglesia por considerarse ofensivas, tal fue el caso de la llamada ³danza de la muerte´. La historia de la danza de la muerte cuenta que fue creada para combatir la ³peste negra´, la cual en esa época era una de las grandes plagas que mataba a millones de personas. Este particular baile tenía la intención de quitar la enfermedad del cuerpo a través de movimientos grotescos y fuertes gritos.
El renacimiento es uno de los grandes momentos dentro de la historia de la danza, ya que en esa época se comienza a practicar el ballet y aparecen sus primeras expresiones depuradas. El ballet es la combinación de las expresiones terrenales con las espirituales, donde las bailarinas demuestran toda su belleza a través de los movimientos finos y seductores, siendo la expresión más sutil conocida hasta ese entonces. La historia de la danza contemporánea está más vinculada con la expresión de libertad de movimientos, los que trae implícito la libertad de pensamiento y las máximas libertades que puede añorar un ser humano. Dentro del baile contemporáneo se expresan todos los sentimientos de la humanidad a través del cuerpo, siendo válidas una mayor cantidad de expresiones artísticas que no eran apreciadas. Estas nuevas vertientes incluyen una mayor cantidad de pasos de baile, mayor contacto entre los bailarines, depuramiento de técnicas, nuevas coreografías más arriesgadas, vestimenta diferente y en general se baila con los pies descalzos.
LA DANZA SAGRADAS "
La música y el baile son dos artes que se complementan y forman la belleza y la fuerza que son la base de la felicidad humana". Sócrates. Las
danzas sagradas son tan antiguas como el mundo y tienen su origen en el amanecer de la vida sobre la tierra. La música debe despertar en el organismo humano para parlar el Verbo de Oro. Las
danzas sagradas no eran solamente una expresión de sentimientos y emociones, eran verdaderos libros informativos que transmitían deliberadamente ciertos conocimientos cósmicos trascendentales; verdades cósmicas, antropogenéticas, psico-biológicas, matemáticas, etc., etc., etc. A través de ellas se mostraban historias, se servía o invocaba a los Dioses; constituyen en el fondo un culto al fuego. En el antiguo México las danzas fueron sagradas. La religión nahua celebraba la fiesta a Xochihuitl (Dios de la danza, la música); en la cual, durante los cuatro días que la precedían, era obligatorio comer solamente panes de maíz sin sal una vez al día y dormir separados de sus mujeres los casados. Al quinto día, públicamente se ofrecían a Xochipilli danzas y cantos acompañados de Teoamoxtli y tambores, ovación de flores recién cortadas y panes con miel de abejas en los cuales se ponía una mariposa de obsidiana, símbolo del alma del creyente. En los Calmecatl -"calli": casa; "mecatl": cuerda, lazo, corredor largo y estrecho en las habitaciones interiores de un edificio- tenía lugar una ceremonia ofrecida a Xochipilli. Once niños, todos hijos de nobles, ejecutaban cantos y danzas en círculo en las cuales daban tres pasos hacia adelante y tres pasos hacia atrás, seis veces, al mismo tiempo que agitaban graciosamente sus manos. Un niño, arrodillado frente al fuego que ardía en el altar, oraba silenciosamente por el pan de cada día y otro niño permanecía parado en la entrada del templo haciendo guardia. Entre los aztecas se verificaba también la danza sagrada de las doce Cihuateteo para las mujeres muertas de parto, alrededor del Quetzalcoatl rojo y del Quetzalcoatl negro, para invocar a Cihuapipiltin (Maestro auxiliar de las mujeres parturientas). Toda mujer que lo invoca durante el parto es asistida inmediatamente. Sin embargo, la danza, como arte holista trascendental decayó; en Babilonia comenzaron a aparecer los primeros síntomas de ateísmo, escepticismo y materialismo, la degeneración de los cinco sentidos se aceleró en forma espantosa. Alrededor de Dionisio el dios del vino, grupos de mujeres llamadas ménades, celebraban sus orgías con danzas extáticas bajo los efectos del vino.
LA DANZA DEL POCHO Entre sus tradiciones y folklore, la más mencionada es la danza de ³El Pochó´, de origen precolombino, la cual considerada como la mas bella y misteriosa de Tabasco. Esta danza cuenta con personajes como: cojóes, pochoveras y tigres que bailan en calles y plazas de la ciudad al compás de la música de viento y percusión, lucen espléndidos vestimentas confeccionados con grandes hojas, flores, canastillas de chicle y máscaras de madera; esta danza simboliza la purificación del hombre de su lucha entre el bien y el mal, concluyendo con la muerte del Pochó ± o Dios maligno ± quien es vencido y quemado el mates de carnaval. Se baila del 19 de enero al martes de carnaval en Tenosique. Tres son los personajes que intervienen en el desarrollo de esta danza: las Pochoveras, doncellas de las flores y sacerdotisas del dios Pochó encargadas de mantener el fuego encendido y vigilar su altar. Su vestimenta consiste en una falda larga, su sombrero adornado con flores, hojas y su reboso. Los Cojóes, hombres creados de la pulpa del maíz que representaron una ofensa para el dios Pocho, motivo por el cual los hizo disfrazar para imitar a los hombres de madera. Su vestimenta es la más original y cosiste en una faldilla de las hojas de castaña y un tosco costal con el que se cubren el torso, en el rostro llevan una mascara de madera la cual puede ser pintada de diversos colores, lleva además un sombrero bien adornado con flores y hojas y como accesorio un palo largo con hueco de huarama llamado psiquis que suena como sonaja por las semilla de changala que lleva adentro. Los Tigres o Balandes, son personajes disfrazados que se cubren el cuerpo con sascab que es una tierra blanca que sirve de adorno en el fondo para que sobresalgan las manchas negras hechas de carbón se cubren además con una piel de tigre o de venado. Estos personajes bajan a la tierra para destruir a los hombres de la pulpa del maíz y son protegidos por las Pochoveras, pero los hombres que imitan a los de madera logran vencerlos y unificarlos para su causa. Estos tres elementos constituyen una alianza para vencer al dios maligno iniciando una larga peregrinación hasta lograr la muerte del Pochó.
Danza del Venado
. La
Danza del Venado es una danza ritual celebrada por los indios ,yaquis y mayos de los estados mexicanos de Sinaloa y Sonora. Ambos grupos se encuentran emparentados entre sí, y hablan lo que parecen ser variantes de la misma lengua cahita. Esta danza es una dramatización de la cacería del venado, héroe cultural de estos pueblos, por parte de los paskolas (cazadores).
Jarana yucateca La
jarana yucateca es un baile y una forma musical originarios de la Península de Yucatán, México. Jarana según el diccionario 1 quiere decir jolgorio, bullicio, diversión ruidosa de la gente del pueblo. En la época de la colonia, durante los siglos XVII y XVIII, en la Península de Yucatán, los españoles y los criollos solían decir despectivamente cuando empezaban las fiestas populares, "ya empezó la jarana". El pueblo indígena entendió esto como si se refirieran a la música que se tocaba durante las festividades y atribuyó el nombre como genérico a los sones que se interpretaban. Fue así que el baile regional de Yucatán adoptó el nombre de Jarana
La tradición La
jarana se baila en las vaquerías que son fiestas originalmente asociadas con el proceso de marcar el ganado y que ahora están relacionadas también a motivos religiosos en los pueblos de Yucatán. En la actualidad la jarana se ha convertido en el baile emblemático de la región y su perfeccionamiento y representación, se ha vuelto tema académico y es utilizado para mostrar a los visitantes en general las habilidades de los habitantes y los vestidos típicos del país. En la ciudad de Mérida, capital del estado mexicano de Yucatán, por ejemplo, se cuenta con un gran número de grupos especializados en el baile de la Jarana, que hacen de su arte tema de muestra y orgullo ante la población y los turistas. 3
El origen Podría decirse que tanto la música como los bailables tienen una cierta influencia de la Jota aragonesa, y en efecto hay ciertos aires, ritmos y modos que la rememoran, pero es absoluta su originalidad y desde luego, como cualquier otro producto cultural del mestizaje, ancla su raigambre en las dos fuentes que la nutren: lo maya y lo español.
El baile y la forma musical El baile se hace normalmente por parejas, que no tienen diferenciados ²hombres de mujeres² los pasos que se dan por zapateado, realizando giros con los brazos en alto, en ángulo recto ²al estilo de los bailadores de jota², manteniendo el tronco del ²abdomen hacia arriba² de manera erguida, mientras las extremidades inferiores se mueven al ritmo de la música al igual que los giros y el mecerse de los cuerpos. Esta posición erguida permite a los bailadores sostener objetos en la cabeza sin que se caigan, lo que se convierte en una de las suertes características del baile: los más dotados sostienen una botella llena de líquido o incluso una charola con varios vasos o botellas llenos, sin derramar el contenido.
La
jarana 6 x 8 es zapateada, movimiento vivo marcador a dos tiempos. Lo otra métrica, la jarana 3 x 4, tiene el tiempo del vals y es la más parecida a la jota aragonesa. A esta modalidad, que era exclusivamente para ser bailada, le han agregado textos en rima ya sea añadiendo un verso a la música preexistente o musicalizando un verso, generalmente corto y del género picaresco, al que se denomina "bomba". En un momento determinado, en el curso del baile, que suele durar 20 minutos y hasta media hora, se detiene la música y el baile y se suelta la "¡bomba!", que hace reír a los participantes y al público en general:
EL SONES JAROCHO El son es probablemente el género musical más rico en México, el más representativo de la cultura popular, interpretado primordialmente con instrumentos de cuerda y percusión. Fuera de algunas excepciones, el son combina partes puramente instrumentales con partes cantadas. Las partes instrumentales se zapatean vigorosamente con taconeos que reflejan sus antecedentes españoles; las partes cantadas acompañadas discretamente por instrumentos, sirven a los bailadores para paseos, descanso y pasos menos sonoros. según Reuter en su libro " La Música Popular de México" dice : "El son es primeramente, música profana y festiva, típicamente mestiza, es un género musical estrechamente ligado al baile social, no a la danza ritual del indígena, el baile es de pareja y expresa siempre el coqueteo entre varón y mujer, salvo algunas figuras coreográficas, el baile del son es suelto, es decir, las parejas no se tocan. Suele bailarse sobre tarimas que sirven de caja de resonancia al zapateo". El son jarocho no tiene una fecha precisa de nacimiento. " La Bamba", probablemente el más antiguo son jarocho que se conserva, data del siglo XVI y es atribuído a un trovador que vivió en el Puerto de Veracruz. La
poesía cantada en los sones está compuesta de coplas. La copla es un breve poema que encierra dentro de sí una idea completa. Los contenidos de las coplas son en su mayoría amorosos, pícaros y un grupo muy numeroso de coplas se refiere a ANIMA LES que en algunos casos los bailadores interpretan imitando su movimiento durante el desarrollo del baile. Muchas coplas se cantan con un estribillo (la parte que se repite) caracterizando al son. Al estar coordinadas la parte musical y la parte coreográfica, con frecuencia los versos de las coplas se repiten instrumentalmente, por estas repeticiones de versos se logra una uniformidad en la estructura musical que sirve de apoyo a los bailadores. En la longitud del son no hay norma que establezca el número de coplas con su interludio para zapatear.
SONES JALISCIENSES Los
sones son propios de las costas y se fueron formando lentamente durante la época colonial a medida que se mezclaban las razas, española e indígena, fijándose definitivamente sus caracteres hacia la mitad del siglo XIX. Son melodías populares espontáneas, cantables y bailables, que se origínan en la fusión de la música española con la indígena. Su armonía rítmica, ruidosa y a contratiempo, expresa con vigor indiscutible las características de nuestra raza. Literalmente,
los sones encierran a veces, un pensamiento amoroso lleno de melancolía donde se entremezcla con la ironía y lo jocoso, cuajado de ingenio. Se baila en diversas regiones del país, con variantes según el medio. En los pueblos de Jalisco, que son innumerables, sentaron carta de naturalización, en Cocula principalmente, pero también se bailaban y se bailan en otras poblaciones del Estado, especialmente las del Sur. Por su belleza melódica y coreografía, se han escogido para presentarlos como bailables fuertes, los siguientes sones: Jarabe Tapatío, El Son de la Madrugada, El Son de las Alazanas, El Son de la Negra, El Son de las Copetonas. El bailador usa camisa y calzón de manta, huaraches anchos, ceñidor rojo y vistoso paliacate. El sombrero ancho de palma con toquil1a completa el vestuario, También usan el traje de lujo. La
mujer viste amplia falda de colores vivos adornada con olán, cintas y encajes, blusa de manga larga cerrada hasta el nacimiento de la garganta y que llega hasta abajo de la cintura con el mismo adorno de la falda. La enagua interior es amplísima, blanca y adornada con encajes y olán. Calza botas negras de botones con bajos de charol y tacón carretero. Se cubre con rebozo de bolitas. Los
sones se bailan propiamente por pareja a las que les hacen sala los concurrentes a la fiesta. Cuando se anuncia el son, se presenta el bailador ante la compañera elegida invitándola a bailar y colocándose frente a frente a distancia aproximadamente de metro y medio; cruza sus manos a la espalda y con el cuerpo inclinado ligeramente hacia adelante, empieza el pespunteo de pasos agilísimos. La
compañera inicia el baile a la vez, moviendo la cintura con gracia, levanta la falda con la punta de los dedos sosteniendo también el rebozo y muestra coquetamente la habilidad de sus pasos luciendo su enagua interior y sus bien calzados pies.
BAILES POPULARES LA RUEDA DE CASINO: Es uno de los bailes de Cuba. Parte de una formación en círculo de varias parejas que, guiadas por un " Líder", hacen figuras (vueltas) y cambios de parejas. Se puede decir que es como una coreografía ya que todos los participantes deben conocer las vueltas y voces de mando de su " Líder". DANZÓN A finales de 1700, después de la sangrienta revolución Haitiana, muchos haitianos y colonos franceses huyeron a Cuba y con ellos llegó la Contradanza, su música bailable popular de origen europeo. En el transcurso de muchas cálidas noches cubanas, la Contradanza se convirtió en un baile, a partir de la cual se originó el Danzón. La forma original del Danzón, creada por Miguel Failde Pérez en 1879, comienza con la Introducción (4 compases) y Paseo (4 compases), los cuales se repiten para luego ser seguidos por una melodía de 16 compases. La Introducción y Paseo se repiten de nuevo antes de tocar una segunda melodía. Los bailarines no bailan durante esta parte: ellos escogen pareja, pasean por la pista y empiezan a bailar en el preciso momento en que suena el cuarto golpe del compás cuatro del Paseo, el cual tiene una forma de percusión muy peculiar que es difícil no notar. Cuando se repite la Introducción los bailarines se detienen, conversan, coquetean, saludan a los amigos y comienzan de nuevo justo cuando el Paseo concluye. BOLERO Sobre el origen del bolero existen diversas teorías, la mayoría señala a Europa como la cuna del género. Así, el bolero vendría de España, siendo inicialmente una danza de movimiento ligero. Posiblemente se tratara de una manifestación musical gitana, pues su nombre puede venir de la expresión «Volero», de volar, y las danzas gitanas a veces implican movimientos agudos y rápidos que aparentan el vuelo de aves. Además, si nos fijamos en la instrumentación musical de las danzas gitanas, notamos guitarras y unas cajas de madera que hacen de percusión, además del aplauso y del uso de las palmas de las manos. Con esta instrumentación llega el bolero a América, específicamente a Cuba, donde la fusión con los ritmos africanos de la zona caribeña dio como resultado el compás cadencioso del bolero como lo conocemos en su acompañamiento clásico: con unas guitarras y unos bongós, congas o tumbadoras como percusión. Se acepta que el primer bolero compuesto fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886; aunque algunos difieren la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión); así el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas. El toque romántico le permitió adaptarse a todas las clases y el avance tecnológico (en este caso, la radio) le permitió universalizarse.
CONGA La conga es un baile de estilo latino típico de Cuba. Su nombre deriva etimológicamente del instrumento musical conocido como conga o tumbadora. La conga tiene su origen en las fiestas que celebraban los esclavos africanos, durante el período colonial, en la festividad del Corpus, principalmente, el Día de Reyes. La conga evolucionó y, durante la década de 1930, se convirtió en un baile de salón.
MAMBO El mambo es un baile originario de Cuba que se convirtió en uno de los ritmos latinoamericanos más populares de mediados de la década de 1950. El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, mezcla de música latinoamericana y jazz, y se caracteriza por presentar un tiempo de silencio en cada compás, que corresponde con una pausa en el movimiento de los bailarines con el fin de acentuar la síncopa (desplazamiento del acento rítmico del tiempo fuerte al tiempo débil del compás). En la actualidad es uno de los ritmos latinos que se enseñan en clases de Baile de Salón. RUMBA La palabra Rumba es un término genérico que cubre una variedad de nombres (es decir, Són, Danzón, Guagira, Guaracha, Naningo), para un tipo de música o baile de los West Indies. El significado exacto varía de isla en isla. La influencia del rumba vino en el Siglo XVI con los esclavos traídos de África. El baile nativo de Rumba es esencialmente una pantomima del sexo bailado extremadamente rápido con movimientos exagerados de la cadera y con una actitud sensualmente agresiva de parte del hombre y una actitud defensiva de parte de la mujer. La música se toca con un golpe del staccato en armonía con los movimientos expresivos de los bailarines. Los instrumentos incluyen las maracas, las claves, el marimbola, y los tambores.
LA SALSA: La música salsa o sencillamente salsa es un género musical de la música caribeña latinoamericana, que surgió en Nueva York. Fue introducido por inmigrantes latinoamericanos, especialmente de Cub, que en l os años sesenta mezclaron ritmos tradicionales latinos con elementos del jazz según el ejemplo del mambo y del cha-cha-chá. La salsa se toca en compás de cuatro tiempos. Siendo característico el ritmo de las claves (tic, tic, tic... tic, tic), mientras el canto y los instrumentos destacan el primer y tercer tiempo del compás. SON El "Son" esta considerado como la primera manifestación de la típica música cubana, este ritmo surge en la región oriental de Cuba a finales del siglo XIX siendo uno de sus principales cultores Ignacio Piñeiro. Uno de sus títulos universalmente reconocido es, "Son de la Loma", se interpreta todavía hoy en Cuba y por numerosos grupos musicales de todo el país que lo tienen en su repertorio. El baile y los pasos ejecutados por los bailadores cubanos de los clubes de la época, influyeron en los músicos y los inspiraron en la creación de nuevos ritmos. Es así que la "Contradanza" francesa, bailada en los salones de la sociedad emigrante de Haití, mezclada con algunos elementos del Son cubano, crearon el "Danzón", segunda corriente importante de la música cubana y su evolución. TIMBA A pesar que los cubanos renegaron del término salsa durante mucho tiempo, considerándolo una apropiación norteamericana del son, algo comenzó a cambiar a principios de los años `80, cuando artistas como Elio Reve y Adalberto Alvarez comenzaron a integrar sonidos típicamente salseros en sus composiciones. Y es entonces que apareció NG La Banda. NG (Nueva Generación) tomó la salsa de New York, le agregó sonidos de la innovadora banda cubana de latin jazz Irakere, marcó al coro para que utilizara sus voces como instrumentos rítmicos, en consonancia con el rap que estaba surgiendo en Estados Unidos, le agregó las influencias clásicas que todo músico cubano aprende en la escuela y apareció la Timba. Por primera vez artistas cubanos utilizaron el término salsa para referirse a su música. Al decir de Isaac Delgado, uno de los mayores exponentes de este nuevo estilo: "Salsa....de Cuba... ¡Chevere!". Además de los nombrados, otros artistas de timba son Klimax, Manolín el Médico, Bamboleo, Paulito y Manolito, con una especial mención a los Van Van de Juan Formell, que incorporaron la timba en su sonido único. Timba es también un término que, utilizado en la expresión "Tiene timba", hablando de un músico, significa que este tiene ritmo.
MANISERO Este baile de combate, próximo a un arte marcial, se desarrolló en el siglo XIX entre los esclavos de las plantaciones azucareras. Es una actividad destinada sólo a los hombres: se ponen en círculo con un bailarín en el medio, quien realiza movimientos que simulan un combate, y escoge un protagonista entre los otros hombres del círculo. El "adversario" escogido entra entonces en el circulo, y ejecuta, en armonía con el otro bailarín, una serie de movimientos a medio camino entre el combate y el baile.
CHA-CHA-CHA El cha-cha-chá tiene más de cuarenta años de vida. A mediados del siglo XX, el violinista cubano Enrique Jorrín, director de la Orquesta América, dio a conocer La engañadora en 1948, una canción con un nuevo tipo de melodía resultante de sus experimentos con el danzón. A partir de ese entonces, Jorrín compuso otras melodías del mismo estilo. Cuando se inventó el baile que se acoplaba al ritmo de éste, se descubrió que los pies marcaban un sonido peculiar al rozar el suelo en tres tiempos seguidos y de ahí surgió el nombre actual, cha-cha-chá. Este nuevo ritmo se extendió rápidamente por el continente americano, sobre todo en México, donde llegó Jorrín para crear su propia orquesta, hecho que contribuyó a que la Orquesta América también abandonara Cuba dejando paso a nuevas formaciones cubanas que retomaron el cha-cha-chá. Su rápida difusión se debió a que es un baile festivo e intermedio, ni muy rápido ni muy lento, por lo que cualquier persona, con pocas nociones de danza, era capaz de bailarlo y disfrutar con él. Éste estilo comenzó a crear sus propios procedimientos gracias al trabajo de compositores cubanos y mexicanos como Ramón Márquez, Richard Egües y Jorge Zamora.
GUAJIRA La guajira musical tiene sus orígenes en Andalucía y se ha estado desarrollando en Cuba desde el 1700. En Cuba forma parte de la música campesina, que se desarrolló muy temprano. En España la guajira comenzó a llegar a ser popular alrededor del final del décimo octavo siglo. Las líricas están siempre en la forma de una décima. El Punto se basa en las líricas más que la melodía. Es uno de los ritmos más cadenciosos es por ello que es un estilo pegajoso y que invita a bailar, las letras son variables, en donde se puede expresar cualquier estado de ánimo, es de resaltar el sentimiento.
Baile de salón Los bailes de salón (inglés: Ballroom dance) son aquellos que baila una pareja de forma coordinada y siguiendo el ritmo de la música. En su origen eran meramente lúdicos y populares y su repercusión social fue de tal magnitud que dio lugar a la creación de salas específicas que -dotadas de una orquesta y un pavimento adecuado- facilitaran su práctica. En la actualidad se practican también como modalidad deportiva en competiciones organizadas y reglamentadas por las correspondientes federaciones nacionales e internacionales.
Danzón El danzón es un ritmo bailable rápido de origen cubano derivado de la danza criolla creado por el compositor matancero Miguel Failde y Pérez en 1879. Forma parte de la música tradicional de Cuba y México. El nombre de este género musical no es más que el aumentativo de danza, aquel baile colectivo de figuras. En la segunda mitad del siglo XIX la danza criolla estaba muy de moda; se cristalizó entre fines del siglo XIX y principios del XX. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con piano, flauta, violines y percusión cubana. En México se agregaron saxofones a las orquestas de danzón denominadas danzoneras -, y también el género es interpretado por mariachis y marimbas.
TANGO El tango es un género musical y una danza. De naturaleza netamente urbana y renombre internacional, musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y compás de cuatro cuartos (a pesar de que se le llama «el dos por cuatro»). Clásicamente se interpreta mediante orquesta típica o sexteto y reconoce el bandoneón como su instrumento esencial. La
coreografía, diseñada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja. Las letras están compuestas basándose en un argot local llamado lunfardo y suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor», 2 que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el blues, sin que por ello opte para el tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y políticas.
VALS El vals ha sido uno de los bailes predilectos para la humanidad, sufrió cambios a lo largo de su existencia y ha perdurado hasta nuestros días. Fue el bailable popular del siglo XIX, su origen se remonta a los siglos XII y XIII. Proviene de las danzas austro-germanas y de la C armagnole Francesa. Se inició en Viena con el baile llamado Nachtanz . Las primeras melodías datan de 1770; en 1775 lo introdujeron en París pero transcurrió un periodo para que fuera popular. En la primera mitad del siglo XVIII no existen documentos que afirmen que el vals fuera una danza definida. El nombre de este baile deriva de la palabra alemana walzen, que a su vez se originó del latín volvere; se refiere al movimiento de rotación, debido a los giros que durante el baile realizan las parejas. Muchos valses se crearon en los suburbios de Viena donde sus habitantes escuchaban la música que interpretaban diferentes conjuntos musicales.
BAILES CALLEJEROS El Licking (originalmente Campbellocking) es un estilo de danza funk y baile callejero, que hoy en día se asocia al movimiento Hip Hop. Se caracteriza por rápidos movimientos de manos y brazos, combinados con otros más relajados (Boogaloo) de caderas y piernas. Los movimientos son generalmente largos y exagerados, y en ocasiones muy rítmicos, sincronizados con la música. En el locking se interactúa a menudo con el público, sonriéndole o solicitándole un choque de palmas (Give me five). Muchos de sus movimientos son puramente cómicos. Orígenes El locking se bailaba originalmente con música funk tradicional, como la de James Brown. En general, la música funk resulta del agrado de los bailarines de locking, y es la usada en los eventos internacionales como el Juste Debout. El nombre está basado en el concepto de "lock" como bloqueo, como posición estática bailada en solitario o al unísono con dos o más bailarines. Un locker suele sonreír durante su actuación para enfatizar la naturaleza cómica de la danza. En otras ocasiones un porte serio resulta imperativo para acentuar la técnica del movimiento. Otros elementos característicos son los points Unclesam Points, y la rotación o el juego con los sombreros y gorras.
REGGATON El reggaeton es un género musical. El antecesor del reggaeton se originó en Panamá hacia mediados de los años 1970, como reggae en español. Tras la exposición gradual en Puerto Rico en los años 1990, fue evolucionado y donde recibió su nombre, se deriva del reggae y el dancehall, así como elementos principalmente del hip hop y la música hispana.Historia
HISTORIA DEL REGGUETON Las
raíces del reggaeton empezaron en Panamá en los años 1970, luego fue evolucionado y modernizado en Puerto Rico en los años 1990 donde recibió su nombre. El reggaetón empieza como una adaptación del reggae jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura hispana en Panamá. Los orígenes del reggaetón empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 70. La influencia del reggae jamaiquino en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas del y en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.
HIP HOP El hip hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip hop, por ejemplo, la música ( funk, rap, Blues, DJing), el baile ( hustle, uprocking, lindy hop,) El hip-hop como música surgió a finales de los años 1960, cuando las fiestas callejeras o "block parties" se volvieron frecuentes en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft
DANZA ESCENICA La
danza escénica ha significado para las mujeres un espacio de realización fuera del ámbito privado, y se valen de él para desarrollarse integralmente. A pesar de las codificaciones y disciplinas corporales que implica esta práctica y la hacen ser, siempre está presente en ella el cuerpo viviente y pensante, como una alternativa de construcción plena del ser humano en el hacer- sentir-pensar: es una posibilidad de autoconocimiento, de autovaloración y de transgresión de los patrones dominantes, y un medio para revolucionar el cuerpo. A diferencia de la tradicional y social, la danza escénica (también llamada teatral y de concierto) implica una formación académica y disciplinaria que permite la construcción del cuerpo fuerte, joven y bello, tiene vocación artística y cobra sentido en el escenario, ante la mirada de los otros. Los aportes que las mujeres hicieron a esta práctica en el país durante la primera mitad del siglo XX son enormes; ellas han sido las protagonistas centrales, las constructoras del campo y capital dancísticos y quienes han logrado que se consolide como arte y profesión. La
historia de la danza es casi desconocida por su naturaleza efímera y su situación subalterna en la cultura occidental; la recuperación de sus creadoras permite un acercamiento a esa práctica y al significado que le han dado en sus vidas. Al conocer la historia de bailarinas y coreógrafas, otras mujeres pueden reconocerse en ellas y sus luchas, y contribuir a la construcción de una "cultura femenina" diferente para alejarla de su condición "silenciosa o enmudecida al margen de la cultura dominante. 1. HACIA L A PROFESIONA LIZACIÓN En los primeros años del siglo XX la danza escénica en México, como en el resto del mundo, vivía la Belle Epoque, caracterizada por la comercialización de las artes escénicas y la creación de nuevas formas que, junto con el ballet, se refugiaron en el teatro musical y el de variedades. Esas nuevas formas tenían una estrecha relación con el proceso de liberalización del cuerpo que experimentaba el mundo occidental y con la influencia de los deportes, el jazz, las danzas negras y el "exotismo". La
danza escénica producía novedades continuamente, dejó a un lado la exigencia de rigor técnico, los bailarines varones fueron objeto de burla; las bailarinas se convirtieron en centro del espectáculo, presentándose bellas mujeres, lujosa y brevemente vestidas, para lucir sus "encantos femeninos" (muchas ejecutando las partes masculinas en travesti con ajustados pantaloncitos y rellenos en las mallas) y cumpliendo con la condición de ser "accesibles" al público masculino.
DANZA CLASICA El ballet o danza clásica es el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria. También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza. El Ballet está considerado como una de las Artes Escénicas. La
técnica de esta danza tiene una dificultad importante, ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad, coordinación y ritmo musical. Lo habitual, aunque no obligatorio, es que se aprenda con una edad temprana, para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. Es ideal una formación paralela en solfeo, aunque tampoco imprescindible Para el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela (o piel) con suela partida o completa, muy blanda y fácilmente adaptable. Cuando la experiencia, la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren, se comienza el entrenamiento con las puntas de ballet. El vestuario debe ser cómodo y, sobre todo, debe dejar marcado el cuerpo para poder corregir y ver los movimientos de cuerpo, brazos y piernas. El Ballet o Danza Clásica es una forma de danza específica, ya que sus movimientos se enseñan a través de métodos y técnicas ³claves´. A diferencia de otras danzas, en el ballet, cada paso está estructuradamente armado. A veces se piensa que la danza clásica se limita exclusivamente a piernas y brazos, pero en cualquier movimiento que se ejecute, participaran invariablemente: las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas; en fin todo el cuerpo hasta sus mas ínfimas partes, en una conjunción de dinámica muscular y mental. Uno de los elementos utilizados en este danza, es ³la barra´ que es una larga y delgada pieza de madera o metal utilizada como apoyo en los primeros ejercicios de la clase. Las posiciones de las piernas fueron codificadas por Beuchamps y hay cinco posiciones básicas: 1ª posición. Los dos pies en línea recta, unidos por los talones. 2ª posición: Los pies en la misma línea recta, pero separados por unos 30 centímetros 3ª posición: Los pies juntos unidos por su parte media uno delante del otro. 4ª posición: Los pies separados en línea vertical hacia delante separados unos 25 centímetros. 5ª posición: los pies se unen en sentido inverso; ambos talones mirando hacia fuera, juntándose así los dedos del pie de uno con el talón del otro.
DANZA MODERNA Con el pasar del tiempo todo se desarrolla y cambia. Otras formas de relación y de comunicación. La danza moderna como lengua entre los hombres, en su crecimiento hace igual, puesto que debe responder a las formas de vida de cada vez y de lugar. Antes de fin de siglo XIX, confía el cambio de la danza por el desarrollo tecnológico e industrial de la sociedad. Cuestionamientos en la danza clásica, el ballet clásico se convierte, por los temas y las formas de la danza que ya, para eso entonces, habían caído en un rigor técnico. La
búsqueda de ésos cambios vino de la mano de Isadora Duncan, norteamericano que propone los movimientos sin el rigor de la técnica, sin el uso de los deslizadores del extremo, él son ya ido ellas las menciones: ³Son instrumentos verdaderos de la tortura.´ Con los pies descalzos y de la vuelta al naturalismo este gran artista utilizó el cuerpo de la manera plástica, siendo inspirado por actitudes de las posiciones y gestos del arte griego, que admiró siempre en su arquitectura y cerámica que te daban a la danza moderna un principio dinámico de la extensión-relajación y de la libertad total para la creación del movimiento. Isadora Duncan fundó escuelas en Berlín, París y Moscú.
DANZA JAZZ La
danza jazz parte de la danza clásica y de la danza moderna. Hoy tenemos un danza dinámica, sensual y de una versatilidad coreográfica diferente y actual. Acentúa la línea corporal, la movilidad del torso, un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo (a diferencia de los pies girados hacia fuera del ballet) y exagera los movimientos de ciertas partes del cuerpo, como los hombros. Nos remite por ejemplo a la danza del Teatro musical.
