HistoriaDelTraje2_clase01

HISTORIA DEL TRAJE Y DE LOS TEXTILES 2

01. Manual Historia técnica y social del traje

01. Manual Historia técnica y social del traje

01. Moda entre Guerras Características de la moda en la década 1900 a 1910 Los primeros diez años del siglo, previos a la primera guerra mundial, la silueta femenina conserva la artificial forma de “S”, con los riñones curvados y la larga falda que se enrolla en espiral alrededor del cuerpo, gracias a la “moda tecnológica”, generada por las nuevas patentes de corsé, que permiten generar este tipo de silueta: “buche de paloma”. Los peinados son altos y complicados y los sombreros se hacen cada vez más grandes, adornados con flores y plumas. En nuestro país, este estilo se desarrollo con todo éxito, relacionándose con la época de oro de la “Belle Epoque”y las grandes fiestas del Centenario. La segunda revolución industrial asimismo trae aparejados cambios en el sistema de la moda. Nuevas empresas textiles incorporan nuevos tejidos, difundiendo masivamente los materiales tradicionales como el algodón y el lino y se incorporan nuevos procesos de estampado y tinción de las telas, como asimismo se recrean numerosos accesorios y complementos del traje con los nuevos materiales que surgen. La ornamentación marco la importancia del “detalle”, en este diálogo de la Moda, el arte y la industria. La joyería marca un capítulo propio en el arte, la moda y el diseño industrial, generando un lenguaje estético particular. Algunos de los joyeros importantes de este momento fueron Georges Fouquet (París), el cual colaboró en muchos de los diseños de joyas creados por Alphonse Mucha, como también Lluís Masriera (Barcelona) entre otros. Otros de los complementos de vestir fueron los bolsos, pañuelos, mantos, foulards, maguitos, sombrillas etc. Los hombres de esta década, en cuanto a complementos de vestir, siguen el estilo inglés preferentemente, el conocido como “Eduardiano”.Con rígida paleta de colores y estrictas normas de etiqueta de uso según las horas y actividades del día, como hemos visto en el modelo precedente. En todo momento variando su calidad y ornamentación, llevan el sombrero de copa alta y ala pequeña (que ya había comenzada a fabricarse en serie), guantes, relojes de bolsillo, pañuelos, carteras de piel, bastones de paseo como accesorios imprescindibles. COMENTARIO DEL DOCENTE

En el próximo encuentro analizaremos comparativamente estas siluetas ya desarrolladas en nuestros encuentros del ciclo precedente, con las que surgen como arquetipos del siglo XX después de la Primera Guerra Mundial.

UADE / FACO / Licenciatura en Diseño Textil e Indumentaria

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Ver: http://www.aecba.org/07_Leyes/Ley%20 5291.htm y Mercado Matilde Alejandra. La primera ley de trabajo femenino -“La mujer obrera” (1890-1910). Biblioteca política argentina Nº 210. Centro Editor de America Latina. 1988 p.47. Mientras las sufragistas: proclaman Abajo el corsés! Ver: http://clio.rediris.es/udidactica/ sufragismo2/triunsufrag.htm y el Pdf sobre Argentina.

La silueta esta artificialmente modelada para crear una “natural” sensación de organicidad, como el tallo de una flor (ver imagen 1 ilustración de moda con una guarda ornamental de diseño art Noveau y 2 primeras fotografías de moda, donde la modelo luce el talle “femenino ideal una señora decente”)

Aparición de revistas para la mujer

Vogue (http://www.vogue.es) Ya estaban Gazette du Bon Ton y la Moda Elegante Ilustrada como clásicos del buen gusto y referentes obligados de la sociedad.

Aparece el Ser Snobs que implica el pasearse por las grandes tiendas para ser visto.

Nuevos productos en Cosmética: • Depiladores de todo tipo • Cremas antiarrugas; para tapar marcas viruela, etc. • Venas azules pintadas con acuarela. • Esmaltes y pastas para uñas sin color • Polvos de talco, polvos de arroz japoneses y aparece la marca: Francois

Coty (Rompe un frasco de perfume contra el piso..!!) La “Chica Gibson” Personaje de caricatura que representaba el ideal femenino de entonces y que se transformó en

El traje de 1900 aporta: • Suavidad y flexibilidad.

todo un patrón de vida. Éstas debían ser de pecho erguido, caderas anchas y nalgas sobresalientes, además de sumisas y

• Encajes y detalles artesanales.

obedientes. Comienza a perfilarse otro constructor

• Apliques de pieles, bordados y pasamanería artesanales e industriales.

femenino que se diferencia de la categoría social

• Calzado abotinado.

de “señora”, aparece la Hembra = Mujer.

• Accesorio y complementos vinculados a cada hora del día y a las diferentes ocupaciones y funciones.


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Para ver más imágenes, se pueden visitar los siguiente enlaces:

http://www.victoriana.com/zoe/

http://www.vam.ac.uk/

Moda 1900 Reclames publicitarios de tiendas locales, de la ciudad de Buenos Aires, que aparecían en la tradicional revista Caras y Caretas (primera época)

Características de la moda entre 1910 -1914 Los cambios en la vestimenta durante este período encuadrado entre el fin de la Belle Epoque y el preludio de la Primera Guerra Mundial se van a suceder a los trompicones. La justificación del cambio se explica por los acontecimientos políticos y sociales del momento. Antes de la Primera Guerra • Los fortísimos cambios sociales producidos. Durante y después de la Guerra • El nuevo cometido de las mujeres en la sociedad y la incipiente liberación femenina. • Aumenta el número de participantes en el juego de la moda. • Los modelos frívolos y recargados cedieron lugar a otros más prácticos, menos ligados a la clase social de la usuaria. A partir de que la clientela de Poiret había desechado el corsé, símbolo de la esclavitud femenina, por razones de elegancia, una vez convencidas las mujeres de que merecían mayor libertad, los cambios se sucedieron con rapidez. Antes de la Guerra las mujeres se interesaban por lo exótico. La moda marcaba tinos vestidos que no se ajustaban al talle y las caderas. El talle comenzó a subir hasta situarse por debajo del busto, creando una nueva “línea imperio”. La falda recta y un detalle decorativo en la parte central, adquieren la máxima importancia. Estas prendas llevaban, por lo general, bordados inspirados en temas orientales, por influencia de Paúl Poiret.


POIRET. Hace con sus juegos de Arte & Moda y exotismo que desaparezca el corset. Las pieles, con la influencia de la moda que llega de Rusia, se incorporan en el vestuario masculino y femenino. Estas pieles denotan la riqueza y posición del usuario, sobre todo en los chales femeninos.

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Moda y estilos después de 1906-1910

Traje sastre de 1910

Lencería desarrollada para favorecer el calce perfecto de las túnicas y faldas trabadas de 1910: ejemplos para jovencitas.


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02. Diseñadores representativos Jacques Doucet (1853-1929) El hombre más elegante de París, realizó creaciones que responden al gusto refinado de su clientela formada por la nobleza y las grandes fortunas europeas. Hombre muy culto, lo que se refleja en el encanto y belleza de sus modelos. Fue gran amigo de Mme. Rejáme a quien vestía en sus obras y en la vida privada. La casa de la Rue de la Paix Nro. 21, que Jacques Doucet hereda a la muerte de su padre en 1898, era ya antigua y había sido fundada por sus abuelos en 1811. Era una casa de “complementos de lujo”. Se especializaban en lencería y camisas masculinas; fueron considerados como los fundadores de la industria camisera. Habían organizado su negocio de una manera original para la época, reuniendo y concentrando la fabricación y la venta en el mismo lugar. En 1895, la organización de un sector de confección para señoras constituyó el impulso para la casa que Doucet se proponía desarrollar. Los salones de recepción del primer piso de su “Maison”, estaban decorados dentro del estilo del siclo XVIII, estilo en el que Doucet se inspiraba para sus creaciones, siempre investigando sobre la armonía de tonos pastel y teniendo cuidado especial en el refinamiento de los detalles. El tratamiento que dio al cuero, semejante a una tela delgada y suple, la hace notable en el empleo de adornos para trajes sastre y forro de sacos. Son muy conocidos, en su primera época los vestidos para la hora del té (Tea Gouns) creados para ser llevados sin corsé. Fue un apasionado coleccionista cronista de obras pictóricas del siglo XVII y XVIII, que le sirvieron, en algunos casos, como fuente de inspiración para vestidos y trajes de baile. En 1897 compra los catálogos de venta del Barón Pichoí, origen de su futura biblioteca de arte y arqueología; donada en 1918 a la Universidad la Universidad de París. En 1896 contrata a un joven modelista de 17 años, Paúl Poiret, para dar un nuevo impulso a su casa. Cuando Poiret se independiza en los primeros años del siglo, la clientela de Doucet reúne a la vieja burguesía conservadora que rehúsa las excentricidades de Poiret y que ama encontrar en la Maison Doucet, los vestidos de tonos discretos, la belleza de los materiales y la perfección de las terminaciones.

Naturalmente se encuentra en sus vestidos un gusto marcado por la ornamentación de encaje,

La mujer como una flor estilizada, iridiscente Sin duda alguna, fue uno de los más

los finos plisados y los delicados broderies.

conocidos y respetados modistas de fines del siglo XIX y principios del XX.

Hizo prendas de teatro y trabajo con artistas para ellas realizaba tanto el vestuario particular como

En la primera parte de este siglo, Doucet se ciñó al movimiento para abandonar el uso del corsé, inspirado por Poiret. En 1912, realiza la primera “venta del siglo”, dispersando su colección de obras de arte del siglo XVIII. También Doucet cumplió tarea como mecenas Y se interesó por el arte contemporáneo; así hizo decorar su nueva casa por Paúl Lalique. En 1921, elige como consejero artístico a André Bretón y más tarde a Aragón. Durante los años siguientes compra, entre otras obras, “Las señoritas de Avignon” de Picasso. En 1924 cierra su casa de moda, dedicándose únicamente al coleccionismo de obras de arte y las artes decorativas.

el de escena; por ejemplo, el uniforme que lució Sarah Bernhardt en “L’Aiglon”(El Aguilucho) es de su creación. Ella será una de sus clientas preferidas. La calidad y hechura de la ropa competía con el tratamiento de los materiales, particularmente, la seda (de la que trabajaba una variedad iridiscente), la muselina y el raso.

Madame Paquin (1869-1936) En 1891 abre su casa de París. Después de trabajar en la Maison Rouff. Su marido sirvió como administrador, financiero, y apoyo a todos sus emprendimientos Este acuerdo fue inusual, ya que en los hombres de la Belle Epoque eran los creadores y sus esposas sus musas, como es el caso de Poiret. En 1900 fue elegida presidente de la sección Modas de la Exposición Universal con sede en Francia (París).En este salón, las colecciones de moda presentadas se jerarquizan y eleva al rango de Arte a la industria de la confección, siguiendo premisas especificas. UADE / FACO / Licenciatura en Diseño Textil e Indumentaria

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Su estética, en especial sus trajes para la hora del té, alcanzaron una fama internacional y es por ese motivo que abre sucursales en las grandes capitales: Londres, Buenos Aires y Madrid. Paquin comercializan sus diseños en formas innovadoras. Con frecuencia vestía sus maniquíes a todos por igual y las enviaba a las carreras o la ópera. Tenía la costumbre, con sus clientas, en cada temporada, de enviarles una lista de necesidades de la moda para ayudar a mantenerlas al día con las tendencias.

Su estilo “romantico” busca el pequeño detalle que destaque a la dama que lo luce. Sus trajes sastres se caracterizan por tener esos toques “franceses”, que le otorgan un lujo y feminidad particular, mezclando texturas y colores, renovando de este moda su apariencia rígida, masculina y monocroma.

Se suma a las corrientes innovadoras de 1905, junto a Poiret y sus creaciones para la hora del té de 1906 son con un corte de talle a la altura del busto. Sus modelos lucían estos innovadores trajes, al aire libre, en las carreras hípicas más importantes del momento. En 1913, creó vestidos de calle que también podían llevarse como trajes de noche, desarticulando el rígido código del sistema vestimentario impuesto desde el siglo XVIII y reglamentado por los usos y costumbres de la Reina Victoria en el siglo XIX. Ella se convirtió en la primera diseñadora mujer a la que le adjudicaron la “Legión de Honor” y asimismo desempeño el cargo de presidente de la cámara Sindical desde 1917 a 1919.

Ella pensaba en ser y vivir como mujer y su libertad de movimientos. Sabía lo que era entrar en el traje y lo difícil que era calzarlo. En 1911 publica un Álbum de accesorios (guantes abanicos) con dibujos de Paul Iribe.

Paúl Poiret (1878 - 1944) Tenía la determinación de renovar la moda desde un punto de vista puramente estético. Comenzó vendiendo figurines para la casa Worth y Doucet. Se ”formó“ al lado de Jacques Doucet, época en la que consiguió labrarse un nombre confeccionando vestidos de teatro para las famosas Sarah Bernhardt y Mme. Rejáme. Empezó diseñando una estética nueva que, por aquel entonces, resultaba extraordinariamente sencilla aunque hoy nos parezca opulenta. Sus creaciones se basaron puramente en el diseño.

Será por lo tanto el primero en basar sus creaciones en el principio creativo: Cada vestimenta nacerá de una inspiración con los principios y valores de una obra de arte. Es precursor y defensor de la Moda Arte, destruyendo de este modo el canon tradicional de la costura que surgió con el Renacimiento. Pone en práctica su posición del vestido como creación única, firmada, como una obra de arte, realizada por sobre todo para ser vista y transmitir un mensaje, una idea que asimismo conlleva una filosofía.

En 1903, comienza con un nuevo tipo de abrigos, holgados, pero influenciados en su corte y diseño por los quimonos japoneses. Suprimió definitivamente el corsé mediante sus diseños. Hasta entonces, el corsé constituía la prenda de ropa interior necesaria para toda dama bien vestida, pero el punto de vista de Poiret que defendía que la belleza natural del cuerpo femenino sólo requería un corpiño y una faja. Su primer modelo “Josefina”- 1906-, marca su vinculación con la moda Directorio, y mantenía la misma paleta de colores claros. Su segunda creación “Eugenie” -1907- inspirado por el moviendo de las “Fauves”, irrumpirá con un color vibrante: el rojo cereza, con toques dorados. Esta creación ya lo separa definitivamente por sus líneas y paletas cromáticas, de su maestro Doucet. Ya ha introducido con sus trajes nuevos aportes vestimentarios e innovaciones en la paleta cromática. El modelo Ispahán -1907, refuerza la influencia oriental y el vestido Cairo- 1907introduce el uso del caftan y deja asentado el nuevo modelo de abrigo que marcará tendencia el lustro siguiente y la moda de los vestidos monoprendas: las “túnicas”.


En 1908 publica su primer catálogo: “Las robes de Paúl Poiret racantées” por Paúl Iribe, donde asimismo remarca la creación artesanal de las láminas, influencias orientales en su composición e introduce citas artísticas en sus diseños, comenzando con esta publicación una nueva época de la ilustración de moda. Este álbum sentará nuevos criterios en la difusión de la “marca y su imagen” en todo el siglo XX.

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Los vestidos de Poiret caían, sobre el cuerpo de la mujer de tal modo, que le proporcionaban libertad de movimiento. Su corte recuerda el estilo Imperio de principios de siglo XIX: un vestido no entallado que se ciñe bajo el pecho, desde donde se desliza hasta el suelo. De ahí se suceden las innovaciones que marcan el perfil orientalista y “exótico” de la casa, imponiendo esta premisa en la moda de toda dama. Las cabezas se vestirán con coloridos turbantes, la “rosa Poiret” se lucirá en los centros de los escotes o trabando las faldas por la espalda, justo debajo de las rodillas, dando al andar urbano un aire, de ensueño como las geishas japonesas.

Un nuevo estilo de mujer • Con túnicas por su versatilidad • Introdujo los pantalones de odalisca • Diseñó la falda trabada • Utilizó el corte del kimono para los abrigos • Recreó las bellezas de Boticelli • Vistió la cabeza de la mujer con el turbante • Creó tejidos rebosantes de fantasía

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La Boutique Rosine, en 1911 expone y vende

la primera linea de perfumes y accesorios y complmentos de belleza, como complemento de una casa de moda. Posee una laboratorio propio y asimismo una escual taller de vidrio para los contenedores. Cada perfume esta vinculado directamente a una colección.

El apogeo de la moda de Poiret se produjo entre 1908 y 1914. 2

Paúl Poiret es un auténtico representante del Art. nouveau. Poiret tiene infinidad de ideas. Multiplica sus figurines, impone la falda pantalón, diseña figurines para el teatro, pinta decorados, crea muebles, es el primer modisto que lanza perfumes cuyos frascos y cajas diseña. Estos perfumes llevan nombres que inventa con malicia: “Le fruit défendu”, “Le Minaret”, “Borgia”. Es el primer hombre que, en la alta costura, crea una empresa de gran alcance. Hasta 1912, Poiret lleva sus colecciones de Francfort a Moscú, de Londres a Viena. En 1913 parte para Estados Unidos, donde alcanza un éxito fulminante, categórico. De este espíritu emprendedor nacen sus filiales y marcas de complementos. Rosine y Ecole Martine, que llevan el nombre de sus dos hijas mayores.

La empresa Martine, con influencia de los

Talleres Vieneses, crea talleres de diferentes artesanias, y su tienda, donde vendiena sus muebles, tapices, textiles. Facilitando la integracion de las artes decorativas en la moda. Esta escuela fue la que introduce la estetica del Art Deco.

Rosine se dedica a la fabricación de perfumes, colonias, talcos, polvos y demás accesorios cosméticos. L’Ecole Martine es una idea nueva precursora de tantas que luego se popularizarían. En ella intenta la enseñanza de las artes decorativas, desde el mueble a la tapicería. Y para L’ Ecole Martine convoca los mejores pintores de la época presididos por Raoul Dufy. La empresa de Paúl Poiret es coherente y absoluta: es la primera casa de modas que fabrica trajes, sombreros, guantes, zapatos y todos los demás accesorios de la moda. A través de su filial Rosine1, cuida de toda la perfumería y cosmética y a través de su otra idea, L’Ecole Martine, lleva su ambición hasta crear los ambientes donde sus damas vestidas han de vivir2. Luego de su gira por Estados Unidos, y respondiendo a la intensa demanda que poseían sus creaciones de uno y otro lado del atlántico Crea asimismo estándares para reproducción, de este modo podía neutralizar la falsificación americana de sus modelos. Crea el formato de “reproducción genuina”, dando, el primer paso a una reproducción masiva de calidad, reconciliando la gran brecha existente entre el Arte Moda y la Alta costura con la producción industrial, dando a esta ultima detalles de ejecución propios de la casa. Todo este sistema de la moda, vanguardista y masivo a la vez, sufrirá un quiebre con el estallido de la Primera Guerra mundial para la que Poiret, fue movilizado. Tuvo que sortear muchas trabas diplomáticas y comerciales ya que le impiden tener vínculos con Estados Unidos. En 1917 y por la intervención autoritaria de Clemenceau, fue nombrado jefe de todos los sastres militares de Francia , cargo que desempeñó con creativa inconsciencia. Terminada la guerra, se traslada a EE.UU., donde realiza el vestuario para algunas producciones fílmicas. Después de haber amasado una enorme fortuna, muere prácticamente en la pobreza, año más tarde. Acaso el momento más brillante de su vida fue la célebre fiesta que dio en la noche del 24 de junio de 1911 y que se llamó “La fiesta de las mil y una noches”. Fue una exhibición de infinita fantasía celebrada en un palacete del siglo XVIII.


Esta estrategia es la que con nuevos matices luego de la Segunda Guerra mundial se plasmará en el “prët a porter”, abriendo progresivamente la democratización de la moda. COMENTARIO DEL DOCENTE

(Leer Vistiendo la Epoca op. cit. cap.IX : La alta Costura p.99 y ss)

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Mariano Fortuny (1871-1949) De esta época es también Mariano Fortuny, un artista de origen español instalado en Venecia, Allí comienza sus investigaciones en el campo de los textiles y el diseño de modas. Allí imagina los famosos vestidos “Dellphos” inspirados en la Grecia clásica, y realizados en seda finamente plisada y comodín de prenda “teatral”, como analizaremos en los párrafos siguientes.

Nacido en 1871, en Granada (España), fue bautizado con los dos apellidos de sus padres: Mariano Fortuny y Madrazo.

Mariano Fortuny es recordado como un hombre del Renacimiento por su versátil mosaico de talentos, pero es la específica categoría de sus textiles y vestimentas que lo destaca del contexto de su época.

Su padre, Mariano Fortuny y Marsal, fue un pintor internacionalmente reconocido. La familia de su madre, los Madrazo, incluye también, pintores y retratistas.

Además de heredar la habilidad artística de su familia, fue un estudioso de la física y de la química, y trabajó durante las tres primeras décadas del siglo en diversos diseños como una cúpula corrediza para un teatro, mesas de trabajo y distintos elementos de iluminación. En 1906, diseñó un teatro para una residencia privada de la mecenas parisina de la música: la Condesa Bearn, y para su presentación inaugural, Fortuny hizo su primer exhibición de tejidos y vestimentas. Un rectángulo de seda natural impreso con motivos antiguos con el que envolvía a las bailarinas en distintas formas. Estos pañuelos (así como el telón del teatro) abrieron un mundo nuevo de experimentación para Fortuny. Ya con un profundo conocimiento de textiles nutrido por la colección de su madre y la suya propia, comenzó a aplicarse a la producción de los mismos. Para estos textiles, Fortuny aplicó los métodos que conocía por sus otras habilidades artísticas: la manufactura y mezcla de tintas para hacer una acuarela o un guache, los pasos a seguir para hacer una impresión al agua tinta y la técnica de una impresión fotográfica.

A causa de los métodos de teñidos raramente se pueden encontrar dos piezas iguales: Anilina y métodos caseros de teñido habían estado en uso por muchas décadas, pero Fortuny eligió’ para trabajar tinturas hechas con recursos naturales: insectos sudamericanos para el rojo, paja británica para el amarillo, índigo de la India para el azul. 3

Delphos . Museo del Traje- España-

Aunque su colección heredada de textiles incluía varios ejemplos de brocados bordados y raros no estaban incluidos en su batería de habilidades y él nunca los usó. En lugar de esto, adoptó sus motivos y los tradujo en esténciles.

1907 fue el año del primer Delphos. Un vestido

Su método de plisados sigue siendo tema de discusión. A pesar del hecho de que la patente registrada para esto Fortuny muestra diagramas, los expertos discrepan en varios detalles. Lo que se sabe es que los plisados eran hechos a mano (probablemente, cuando la tela estaba húmeda) mantenidos en su lugar con puntadas, fijados con color.

nombre que tomó de los kitones de lana plegados

Por los siguientes 40 años, Fortuny hizo muchas variaciones de este vestido3. Una versión posterior, llamada Peplos, consistía en una túnica prendida en los hombros Los Delphos y los Peplos fueron muy apreciados en la década de 1920. Para mantener sus plisados, los vestidos eran retorcidos como madejas y embalados en pequeñas cajas color pastel atadas con una cinta negra. Sobre estos vestidos plisados, se podía usar un diseño Fortuny en gasa o terciopelo de seda. Fortuny estampaba sus gasas y otras telas, con patrones tomados de las pinturas de Carpaccio y Memling así como de textiles y objetos de origen chino, persa, copto, nor africano, árabe, marroquí, japonés y del Renacimiento italiano. Para las vestimentas, Fortuny usó un terciopelo de seda suple y delgado que le era entregado sin teñir. Entones, él lo trataba con una sucesión de tinturas, graneando las tintas a mano, cepillando el pelo hacia atrás y adelante y aplicando un color después de otro, hasta alcanzar una pátina que superaba la de los textiles antiguos. Fortuny, entonces, aplicaba el dorado, el plateado, y para aplicar los patrones mismos, usaba bloques de madera, esténciles katagami japoneses o un método de su propia invención (pantallas de seda) con una impresión serigráfica. Los terciopelos de Fortuny eran comprados y transformados en artículos de vestimenta por otros modistas, incluido Poiret, quienes viajaban a Venecia, paraban en el negocio que tenía Fortuny en el Palacio Orfei y eran atendidos como huéspedes. Había autorizado a las casas de Babini y Poiret para vender sus telas y ropas, hasta que, en 1912, abrió su propio emporio en la rue Marignan.


hecho en delgado raso /satín finamente plegado. Bautizado por la esposa de Fortuny con ese vestidos por las doncellas de la Grecia clásica. Con una confección sencilla, y un peculiar plisado ”indeleble” al que se lo acompañaba de tinturas iridiscente, con colores únicos. Este primer gran traje, comercializado en pequeñas cajas metalizadas, se difundió exclusivamente en su primera época como el prototipo ideal del vestido artístico” en círculos teatrales y empresariales. (Ver documento adjunto: 05-2004 Fortuny Delfos)

(Leer PDF Crónicas)

Gazette du Bon Ton print Vous Dites... Cancan II, 1913. Designer Redfern.

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1910 - 14: fin de la “Belle Epoque”, en Argentina La ropa, los modales y las formas de expresarse fueron el campo donde era mayor la disputa de los diferentes grupos sociales, donde los signos identificatorios entre las elites porteñas se manifestaban. En nuestro país, la sociedad con su acelerado dinamismo y cambios internos producidos por la inmigración y los cambios políticos económicos, fue una sociedad cosmopolita y heterogénea. Podemos sintéticamente agruparlos en dos grandes mundos o esferas que reflejan a esas dos áreas o grandes grupos en disputa: a. Las elites nativas, resignificadas por la tradición y pertenencia al territorio nacional, el apellido y la fortuna heredada, y b. Las elites inmigrantes, que daban forma a una nueva burguesía enriquecida incipientemente y protegían a los recién llegados organizando sociedades de beneficencia y socorros mutuos. Nuestra sociedad, por lo tanto será una sociedad de fuertes contrastes culturales. Enriquecida por los múltiples aportes ideológicos, estéticos de cada colectividad. Los modales eran más difíciles de adquirir y de ahí la construcción del concepto de “culto” y como aquel que conocía las normas y códigos de un grupo de pertenencia en detrimento de aquel que no las conocía. La esfera de “ lo femenino” es la que se ve más afectada a los cambios y transformaciones. Ella, lentamente comienza a redescubriese, incluso en su condición biológica como hembra y por consiguiente como mujer. Redescubre por comparación su importancia y reclama su igualdad en relación con el otro sexo, exigiendo su reconocimiento, su participación cívica. Aceptando cumplir otros roles fuera del hogar. Su voz es escuchada, y comienza a ser tenida en cuenta. Ella rescata su condición biológica de madre y empieza a dialogar con su cuerpo redescubriéndolo. Esta nueva postura llevara al nacimiento de la cosmética, con productos que promuevan no solo saluda, sino atracción y una moda que reposicione en el lugar de la funcionalidad.

La organización de la familia y la decoración de la casa, (ya toda casa “decente” poseía vajilla de porcelana y cubiertos de plata), era una carta de presentación fundamental. La consigna general era escapar de la clasificación que por ej. Ramos Mejía había estudiado de los tipos porteños como el “guarango” (inmigrante advenedizo) o el “chiruzo”. Poseer esta “respetabilidad” implica una respetabilidad tanto hacia la sociedad como hacia los fueros privados sociales e íntimos). Uno podía ser marginal dentro de su propio grupo de pertenencia por sus actitudes y posturas intelectuales, sus gestor, etc...Pero los porteños aspiraban a construir un buen modelo de familia burguesa, decente, como se refleja en numerosas piezas del teatro y sainete local.

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Francisco Femando, heredero del trono de

En el mundo de la moda, Lucile Sutheriand, se autoproclamaba como la mujer que influenció a las damas a atreverse a dejar de usar el corsé, que las deformaba, arqueando en forma artificial, “no natural” su silueta. Creó trajes especiales para las meriendas femeninas, en los cuales, lentamente la cintura deja de ser el foco de atracción, subiendo la línea del corte del talle hasta posicionarse debajo del busto.

Austria-Hungría, y su esposa fueron asesinados

Simultáneamente a este suceso, otras díseñadores como Madame Paquin, que analizamos previamente hacen lucir a sus modelos descalzas y sin corsé y lleva sus modelos a recorrer las tardes de los hipódromos donde se corrían las principales carreras, marcando con su estética un deseo muy similar, de una nueva mujer que se expresa corporalmente con sus vestimenta y esta muta para favorecer el este diálogo e interacción.

respondió movilizando sus tropas en defensa

por un estudiante nacionalista serbio. AustriaHungría quiso aprovechar el atentado para aniquilar a Serbia y le declaró la guerra. Rusia de los serbios. Inmediatamente el sistema le alianzas —la Triple Entente y la Triple Alianza— se puso en funcionamiento. El 5 de agosto de 1914 comenzaba la Primera Guerra Mundial.

Ambas creadoras son el reflejo del deseo de moda y belleza de las mujeres de finales de la

Este enfrentamiento significó el fin de una

“Belle epoque”. La alta costura también prosiguió con sus grandes creaciones que agregan

época. El conflicto militar que comenzó como un

a esta estética otras innovaciones. Poiret, da el toque final a esta estética lanzándola al

enfrentamiento localizado en el Imperio Austro-

mercado internacional, renovándola y enriqueciéndola con numerosos aportes, creando

Húngaro y Serbia el 28 de julio de 1914; se

nuevas tipologías, nuevas combinaciones de colores y texturas, incorporando lo “exótico”

transformó en un enfrentamiento armado a escala

dentro de la mezcla de estilos.; junto a Doucet serán los grandes representantes de este estilo

europea cuando la declaración de guerra austro-

con el que culmina la “Belle Epoque”.

húngara se extendió a Rusia el 1 de agosto de

Post primera guerra mundial: 1918 -1920 La crisis ideológico y política que fue conduciendo a una serie de manifestaciones y enfrentamientos cada vez mas radicales, llegando a un punto de inflexión con el atentado por grupos “anarquistas” (el responsable fue el nacionalista serbio Gravilo Princip) al heredero del trono de Austria- Hungría , el archiduque Francisco Fernando de Habsburgo. Este hecho desencadenó el inicio de la Primera Guerra mundial y con ella culmina un ciclo de la historia moderna y la etapa cultura que estamos analizando: la “Belle epoque”4.


1914; Finalmente, pasó a ser una guerra mundial en la que participaron 32 naciones. Veintiocho de ellas, denominadas aliadas o potencias asociadas y entre las que se encontraban Gran Bretaña, Francia, Rusia, Italia y Estados Unidos, lucharon contra la coalición de los llamados Imperios Centrales, integrada por Alemania, AustriaHungría, Imperio Otomano y Bulgaria.

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El hombre se encuentra duramente enfrentado a la realidades de si mismo y el enfrentamiento ante esa realidad marca un quiebre a partir del cual surge la sociedad del siglo XX. La estética precedente, ya no tienen cabida en ese nuevo marco. La sociedad necesita otro lenguaje. Los roles se redistribuyen, son otros los paradigmas.

BIBLIOGRAFÍA OBLIGATORIA

391/L522 Lehnert, Gertrud. Historia de la El papel activo de la mujer, como activista político o como enfermera en el frente de batalla. Le impone otro tipo de vestimenta, invita a un

moda del siglo XX. Editorial Köneman. Alemania. 2000. 687.01/P674. Poiret, Paul. Vistiendo la época

traje práctico, económico, funcional. No solo las sufragistas o las mujeres

BIBLIOGRAFÍA COMPLEMENTARIA

enfermeras encoladas en la cruz roja (las cuales lucían un conjunto

Callan, Georgina O’Hara. Thames and

de dos piezas diseñado por la casa

Hudson, Diccionario de la Moda y Los

Worth) y numerosos trabajos y

diseñadores de moda. Nueva York: Thames

nuevas funciones que modificaron los

and Hudson, 1998.

roles de las mismas. El voluntariado fue considerado “elegante” y

Hobsbawm, Eric. Historia del siglo XX.

muchas mujeres pasaron largas

CRITICA ( Grijalbo Mondadori, S.A.),

horas lejos de su hogar, con otras

Argentina.1998

responsabilidades, incluso casi en el frente de combate.

Raffellini, Patricia. Arquetipos femeninos Porteños.1900. Mimeo- 2000.

La cintura retorna su lugar, las faldas se acortan, dejando ver el tobillo. Los cortes geométricos, netos, articulan el traje y lentamente la necesidad hace que las manufacturas a pequeña escala locales se incorporan dando un toque étnico y artesanal, con gusto “local” a las prendas.

391/S773[R] Squicciarino, Incola. El vestido habla: consideraciones psico-sociológicas sobre la indumentaria, 2003.

Hasta el próximo encuentro!

Vigarello, Goerges. Historia de la belleza. El cuerpo y el arte de embellecer desde el renacimiento hasta nuestros dias. Buenos Aires:Nueva Vision,2005.

COLABORARON EN ESTA EDICIÓN Autor: Lic. Patricia Raffellini Asesoramiento didáctico: Lic. Paola Dellepiane Diseñador gráfico: D.G. Marcela Frias


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