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ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL

ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL

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ARTE MEDIEVAL ARTE MEDIEVAL LIBRO II.

ALUMNOS QUE HAN PARTICIPADO EN ESTOS COMENTARIOS: ALUMNOS QUE HAN INTERVENIDO EN ESTOS COMENTARIOS: 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13.

MARÍA ISABEL ESPIÑEIRA CASTELOS ROSARIO DENGRA MARTÍNEZ JOSÉ Mª CIENFUEGOS PILAR RUIZ MORA LORENA FERNÁNDEZ GÓMEZ Mª ELENA GARCIA FERNANDEZ GEMA RICO MONICA NAVAS PÉREZ ANTONIO C. GIL CASTILLO ROSA Mª DE LA TORRE TERCERO. SALVADOR LÓPEZ TORO MARIA FRANCISCA TORRES PONCE GUILLERMO DE LA PAZ SERRA MARTÍNEZ

COLABORACIÓN:

1. CONTROL Y ORGANIZACIÓN: MARÍA GONZÁLEZ DEL YERRO VALDÉS MARTA ANTONIA SECO BAJO 2. DISEÑO PORTADA Y MONTAJE PDF: o ROSA M DE LA TORRE TERCERO o o

INDICE DE LÁMINAS:

LÁMINAS COMENTADAS Y AUTORES DE LOS COMENTARIOS: o o o o o o

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CATEDRAL DE ANGULEMA  MARÍA ISABEL ESPIÑEIRA CASTELOS SAN PEDRO DE ANGOULEME (FRANCIA)  ROSARIO DENGRA MARTÍNEZ CATEDRAL DE CHARTRES  JOSÉ Mª CIENFUEGOS CIENFUEGOS CATEDRAL DE GLOUCESTER  PILAR RUIZ MORA CATEDRAL DE REIMS  LORENA FERNÁNDEZ GÓMEZ LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA  ROSA M DE LA TORRE TERCERO. CATEDRAL DE SIENA S.XIII (ARQ. GOTICO)  Mª ELENA GARCIA FERNANDEZ NOTRE DAME DE PARIS  GEMA RICO ABADIA DE CLUNI  MONICA NAVAS PÉREZ FACHADA DE SAN PEDRO DE ANGOULEME (FRANCIA)  ROSARIO DENGRA MARTÍNEZ PORTICO REAL DE LA CATEDRAL DE CHARTRES  JOSÉ Mª CIENFUEGOS CRISMÓN DE SAN PEDRO EL VIEJO  ANTONIO C. GIL CASTILLO DUDA DE SANTO TOMÄS  ROSA Mª DE LA TORRE TERCERO. EL CARRO DE HENO: EL BOSCO.  SALVADOR LÓPEZ TORO CRUCIFIJO DE SANTO DOMINGO AREZZO- XIII. CIMABUE.  MARIA FRANCISCA TORRES PONCE VIDRIERAS DE LA CATEDRAL DE SIENA  Mª ELENA GARCIA FERANDEZ. POLIPTICO DE LA CATEDRAL DE SAN VABÓN GANTE. VAN EYCK  GUILLERMO DE LA PAZ SERRA MARTÍNEZ SAN CLEMENTE DE TAHÜLL  ROSA Mª DE LA TORRE TERCERO



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CATEDRAL DE ANGULEMA

OBRA: Catedral de angulema CRONOLOGÍA: Siglo XII AUTOR: Desconocido ESTILO: Románico TECNICA: Planta basilical MATERIALES UTILIZADOS: Piedra LOCALIZACION: Angulema, Francia DESCRIPCION.-.- Es una iglesia con planta de cruz latina , pero sin deambulatorio, sino una especie de ábside que consta de dos absidiolos a los lados, construida en el siglo XII, aunque hay bastantes discusiones en cuanto a la datación exacta de su cronología. ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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ANALISIS FORMAL- Ya hemos dicho que su planta es de cruz latina pero carece de deambulatorio y el crucero es de cinco tramos, el central cubierto por una cúpula alzada sobre un tambor octogonal. Consta de una sola nave, muy ancha, y dividida en cuatro tramos cubiertos por cúpulas que se levantan sobre pechinas. El muro se articula en dos pisos, uno de arquería ciega y el otro de ventanas. Está construido en piedra sillar de bastante perfección.

La fachada occidental se articula en distintos cuerpos formados por arcos ciegos y retranqueados por dos torres terminadas en capiteles cónicos y decorados con escamas. Los últimos tramos de la nave presentan cúpulas más esbeltas y totalmente aparejadas. Los muros laterales están adornados por una serie de arcadas dobles sostenidas por columnas adosadas con capiteles esculpidos.



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INTERPRETACION.- Es una catedral un tanto peculiar porque se trata la primera vez que en Francia se eleva una cúpula sobre pechinas según un antiguo modelo seguramente bizantino, y que posteriormente tendrá influencia en otros edificios franceses. A la par que resulta también peculiar por las cúpulas en serie que se van sucediendo en su planta, lo cual de nuevo se convertirá en modelo en otros edificios del oeste de Francia.

LAMINA REALIZADA POR: María Isabel Espiñeira Castelos BIBLIOGRAFIA:  Historia del Arte ( J. A. Ramírez)  Historia del Arte ( Hartt)  www.artehistoria.com  www.arteguias.com  www.almendron.es FOTOGRAFIAS:  www.educastur.princeps.es  www.almendron.es



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001: LAMINA – SAN PEDRO DE ANGOULEME (FRANCIA) NOMBRE: Saint Pierre Angoulême (Francia)

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CRONOLOGÍA: Siglo XII (acabada en 1128) ESTILO: Románico SISTEMA CONSTRUCTIVO: Planta cruz latina. Cúpulas sobre pechinas. DIMENSIONES: brazo grande: 79 metros; brazo transversal: 52 metros. Campanario: 59 metros de altura. LOCALIZACIÓN: Angoulême, Poitou-Charentes (Francia)

Descripción: Se trata de una construcción de carácter religioso, de nave única, muy amplia, que constituye una excepción a la generalidad de la época cuyas iglesias solían tener tres naves, generalmente separadas por arcos de medio punto. Su estilo románico tiene claras influencias bizantinas, visible en la utilización de cúpulas. Su disposición longitudinal es un elemento común en los edificios religiosos del románico, así como su orientación hacia el ábside. El transepto corta perpendicularmente la nave principal, configurando la planta de cruz latina. Tiene la peculiaridad de tener cúpulas seriadas, típicas del sur y oeste de Francia. Estas cúpulas, consideradas el tipo más antiguo, se sustentan sobre pechinas que descansan, a su vez, en arcos ligeramente apuntados asentados éstos en robustos pilares. ANÁLISIS FORMAL: Espacio interior y exterior Su planta está inscrita en una cruz latina, cuyo brazo grande mide 79 m.



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La nave, con cuatro tramos cuadrados, está cubierta por tres cúpulas sobre pechinas (estos elementos triangulares sirven de unión entre la base circular de las cúpulas y el espacio cuadrado delimitado por pilares) y por otra cúpula, mucho más alta, sobre un tambor octogonal, en el centro del crucero. Los muros laterales presentan una arquería decorada con capiteles esculpidos con motivos vegetales o bien de los llamados historiados con figuras humanas y animales. El transepto es muy amplio; tiene cinco tramos y sus brazos disponían originalmente de dos campanarios. El conjunto desemboca en una cabecera muy alargada, cubierta por una bóveda de nicho, en cuyo fondo se abren cuatro absidiolas o capillas. Posee una estrecha galería sobre las falsas arcadas de los muros de la nave central cuyo uso no está suficientemente definido. En el exterior, la fachada oeste es la más importante por sus tallas. Está profusamente decorada, rozando casi el “horror vacui” o miedo al vacío. El tema principal, situado en la parte central, es Cristo en la Gloria, en hierática majestad, rodeado de los símbolos de los cuatro evangelistas, es decir, el Pantocrátor y el Tetramorfos, una represe ntación iconográfica constante en el arte cristiano medieval. Debajo se disponen apóstoles, ángeles, santos y figuras que son objeto de distintas interpretaciones. Dos bajorrelieves ecuestres muestran a San Martín y San Jorge y son de época posterior y se relacionan con la iglesia triunfante. Los relieves de la fachada se distribuyen en distintos pisos y también se delimitan ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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verticalmente, formando cinco naves de las cuales la central es más grande que las restantes y en la cual se sitúa la portada, un ventanal y, sobre éste, el Pantocrátor. Todo ello, en una sucesión de arquerías con arcos de medio punto decorados en relieve con arquivoltas. Contrasta esta división en cinco tramos con la espaciosa nave única del interior de la iglesia. ESTILO: En 1110 se iniciaron las obras, impulsadas por el obispo Girard de Blaye y terminaron en 1128. Esta construcción pertenece al denominado Románico Pleno por su cronología, con clara influencia bizantina; de hecho, el característico sistema de cúpulas se relaciona con San Marcos de Venecia. Del mismo estilo y con cúpulas similares, tenemos las catedrales de Perigeaux y Cahors, así como en la abadía de Souillac, en el oeste francés. Por tanto, se puede hablar de una influencia generalizada en el oeste francés. CONTENIDO Y SIGNIFICADO: En el siglo XII nos encontramos con un estilo plenamente consolidado que trasciende las fronteras y se expande por toda Europa y a todas las artes. De hecho, existe una movilidad de grupos humanos que “internacionalizan” el Románico: peregrinos, viajeros, comerciantes... y, junto a la reforma monástica cluniacense que se había producido, dota de unidad a las manifestaciones artísticas de esta época. Es un período en el que hablar de arte es, básicamente, hablar de arte religioso. Atemorizados por las apocalípticas profecías que devenían del oscuro año 1000, las iglesias eran, paradójicamente, el lugar en el que se podían poner las almas a salvo y en donde se narraban explícitamente los terrores del infierno y el pecado, mostrando seres infernales, animales mitológicos, con el fin de servir como adoctrinamiento de los fieles. San Pedro de Anguleme fue erigida sobre el lugar donde se levantaron otros edificios de carácter sacro o sagrado en tiempos pretéritos, por tanto, también se infundió de este signo y las imponentes esculturas de su fachada, debían ofrecer tal visión al que llegaba hasta ella, difícil de olvidar. FUNCIÓN: Puesto que, como hemos dicho, era un arte fundamentalmente religioso, se construyeron muchos templos y, especialmente, catedrales en las ciudades. Era una época de peregrinación y veneración de las reliquias de los santos y, para ello, se construyeron gran número de iglesias, catedrales y monasterios. Las catedrales eran ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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consideradas centros del saber, desde las cuales se hacía una difusión de la cultura y la religión. La escultura monumental es un elemento importantísimo que contribuye a la caracterización del Románico, sobre todo a partir del período Pleno. La figura humana se utiliza para reseñar la vida de Cristo y también para ofrecer, como decíamos antes, la visión apocalíptica del pecado y el sufrimiento. Esta decoración, profusa y destacable en San Pedro de Angouleme, complementa la magnificencia de dicha iglesia. Pero, en cualquier caso, la escultura quedaba supeditada a la arquitectura, arte y ámbito en el que el Románico fue capaz de representar a toda la cristiandad.

LAMINA REALIZADA POR: Rosario Dengra Martínez BIBLIOGRAFÍA: Bango Torviso, Isidro. El arte de la Alta Edad Media. Anaya. Ramírez, Juan Antonio. Historia del Arte. La Edad Media. Alianza Ed. Barral i Altet. Historia del Arte de España. Ed. Lunwerg FOTOGRAFÍAS: www.arteguias.com , matías segarra.



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LAMINA 002: CATEDRAL DE CHARTRES – ARQUITECTURA GOTICA

OBRA / TITULO: CATEDRAL DE CHARTRES AUTOR: Varios maestros, desconocidos CRONOLOGÍA: Iniciada a finales del s. XII (1194) LOCALIZACIÓN: CHARTRES ESTILO: GÓTICO MATERIALES UTILIZADOS: PIEDRA LOCALIZACIÓN: CHARTRES - FRANCIA

Descripción: Iglesia catedralicia consagrada a Nuestra Señora, situada en Chartres, al noroeste de Francia. Fue el principal santuario mariano de Francia. Su construcción se comenzó en 1194 después del incendio que destruyo la antigua Catedral Románica



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del siglo XI, conservándose la cripta y la fachada oeste (lo que conocemos como Pórtico real) de la antigua iglesia, así como las torres o campanarios. Tomando como modelo la de Soissons, su proceso constructivo fue enormemente rápido, puesto que en 1220 se cerraban las bóvedas, y en 1260 fue consagrada en presencia de Luis IX. En un primer momento el fuego fue interpretado como una catástrofe, porque se creía perdida, junto con la iglesia, la reliquia de la Virgen (de la cual ya hay menciones a comienzos del s. X). Al comprobarse que se había salvado, se entendió el incendio como una señal de María para la construcción de un nuevo templo, más bello que el anterior.

ANÁLISIS FORMAL: ESPACIO INTERIOR Y EXTERIOR: Es una iglesia de planta de cruz latina cuyo transepto se ha situado a la mitad aproximadamente del eje longitudinal, creando una clara diferenciación entre la zona situada al este del transepto y el resto del templo. En lo esencial de su estructura interna, la catedral de Chartres apenas sí se diferencia de la de Soissons: el piso de las arcadas y el claristorio tienen, en sus enormes proporciones, prácticamente la misma altura y están separadas únicamente por el triforio, suprimiéndose la arcaizante tribuna sobre las naves laterales que antes cumplía la función de contrarresto de la nave central, por lo que ahora se desarrollan los arbotantes exteriores para cumplir esta función arquitectónica. Aquí en Chartres, el triforio es aún de tipo “ciego”, es decir, sin incluir vidrieras. Se abandona la bóveda sexpartita, de tramos cuadrados, que conllevaba la alternancia de soportes fuertes y débiles en la separación de las naves, siendo sustituida por la bóveda de crucería sencilla o cuatripartita, dividida en cuatro paños, que cubre tramos rectangulares, utilizándose el sistema de soporte único, ya aparecido en la Catedral de París. Los soportes son más del doble de diámetro que en Soissons, además, están “acantonados” con cuatro baquetones, que por sí solos alcanzan casi el diámetro de los apoyos principales de Soissons. Un pilar de Chartres tiene como máximo un espesor de 370 cm, en Soissons apenas 140 cm. Como la catedral de Chartres es sólo un poco más alta que Soissons, esto no sirve como explicación de la extrema diferencia del diámetro de los pilares. Mientras que en Soissons sólo se han alargado los pilares, para aumentar el efecto de verticalidad de su iglesia, en Chartres se aumentan en su totalidad, robusteciéndolos considerablemente, consiguiendo un aspecto macizo, un efecto de mayor monumentalidad, tal vez para demostrar ostensivamente su supuesta fortaleza. Como Chartres era el mayor centro de peregrinación de Francia, y por ello más importante que Soissons, era necesario superar el modelo de esta catedral. Los pilares va alternando sucesivamente entre cilíndrica y octogonal: los pilares cilíndricos llevan baquetones poligonales, mientras que los octogonales muestran baquetones redondeados. Como estas diferencias continúan en los haces de fascículos que conducen a la bóveda, las paredes de la nave



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central tienen así una rítmica estructura, configurando el espacio interior. También el exterior aparece como la encarnación misma de una arquitectura monumental. Los enormes contrafuertes del cuerpo longitudinal están allí en primer lugar para demostrar fortaleza, y sólo en segundo plano sirven para la estabilización del edificio y apoyo del abovedamiento. En el coro el sistema de apoyos se vuelve algo más delicado, aunque sin cambiar lo esencial de su estructura. Un elemento original de sus contrafuertes son los nichos con figuras, aunque éstas son tan pequeñas que no llegan a transformarlos en monumentos escultóricos, y no distraen de su verdadera función. La catedral de Chartres es una suma de citas arquitectónicas, que la convierten prácticamente en una síntesis de tipos edilicios góticos más antiguos. Como en el caso de París, hay aquí un deambulatorio doble y cada dos capillas anejas se unen a éste por su bóveda, como sucede en Saint-Denis. Sin embargo, el tamaño del deambulatorio de Chartres impide el recuerdo de amplitud y liviandad que ofrecen los deambulatorios de París y Saint-Denis. El transepto y el cuerpo de naves del lado oeste presentan tres naves que se abren al exterior en tres espectaculares portadas. Los motivos de la fachada de la catedral de Laon (Triunfo de la Virgen y Juicio Final) aparecen en Chartres, pero no en el oeste, donde la vieja obra apenas fue alterada con ocasión de la construcción de la nueva, sino en los brazos del crucero. La superficie mural dispuesta delante de la nave central del transepto se encuentra casi íntegramente disuelta en ventanas y grandiosas rosetas; el cuerpo de los portales está trabajado como un arco de triunfo de variadas formas y esculpido con opulencia. Otro aspecto a destacar es la diferencia entre sus dos campanarios, elevados a lo largo de diferentes etapas. Su construcción es de 1134. Se empezó por el campanario septentrional que, sin embargo, es conocido como el «campanario nuevo». Se trabajó durante diez años antes de emprender el campanario del sur, cuya aguja se eleva a 105 m, y que finalizó hacia el 1160, mientras que las obras del campanario norte se encontraban paradas al nivel del segundo piso, sin una razón conocida. Es en el siglo XIII, cuando se dota al campanario norte de un piso suplementario, coronado de una aguja, con armazón cubierto de plomo. En 1506, un incendio accidental lo destruyó, por lo que se decide reconstruirlo. La fecha de su finalización es 1513, que justifica su nombre de «campanario nuevo». Su aguja se eleva hasta los 115 m, y esta realizado en el más puro estilo gótico flamígero La catedral de Chartres dio a la arquitectura gótica un nivel de pretensiones difícilmente superable. No es que se alcanzara con ella una "cima" del gótico, sino más bien que el edificio resultó tan costoso y complejo que por ese solo hecho ya era casi imposible de sobrepasar.




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ESTILO: El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico. El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura.

INTERPRETACIÓN: CONTENIDO Y SIGNIFICADO: La catedral fue para los hombres de la época un lugar donde encontrar la palabra de Dios, el edificio de la iglesia representa la ciudad de Dios, la Jerusalén celeste de la que habla el Apocalipsis de San Juan, con sus “puertas de perlas”, “sus calles de oro puro y vidrio transparente”. Los avances en la técnica constructiva del gótico harán posible plasmar en piedra y de forma simbólica, sobre todo a través de la luz, tales visiones.

FUNCIÓN: La Catedral tiene la función de enseñar, desde la entrada, con sus estatuas y su pórtico, hasta en sus vidrieras ubicadas en el interior de la misma, encontramos mensajes, enseñanzas tanto del Viejo, como del Nuevo Testamento. La catedral fue para los hombres de la época un lugar donde encontrar la palabra de Dios

LAMINA REALIZADA POR: José Mª Cienfuegos BIBLIOGRAFÍA:

El Gótico (Arquitectura-Escultura-Pintura). Edición de Toman, Rolf. Editorial ULLMANN & KÖNEMANN. Colonia 2007 Historia del Arte 2 (La E dad Media). Ramírez, Juan Antonio. Alianza E ditorial. 2006 Historia del Arte (Tomos 3 y 4). Pijoan J. Salvat Editores, S.A. 1970.

FOTOGRAFÍAS: • • • • •

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http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Cath%C3%A9drale_Notre-Dame_de_Chartres http://www.diocese-chartres.com/cathedrale/ www.cathedraledechartres.fr (L'association Les Chevaliers Carnutes) www.sacred-destinations.com http://www.tripadvisor.es/LocationPhotos-g187122-d258096-Cathedrale_de_ChartresChartres_Centre.html#1715789 http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/videos/737.htm http://vrcoll.fa.pitt.edu/medart/image/France/Chartres/Chartres-Cathedral/chartres-main.html



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29: CATEDRAL DE GLOUCESTER

Catedral de Gloucester en 1828.

Fachada oeste de la catedral TITULO: Catedral de GLOUCESTER AUTOR: Anónimo CRONOLOGÍA: 1351-1412 LOCALIZACIÓN: Situada en la ciudad británica de su mismo nombre, en el suroeste de

Inglaterra. ESTILO: Gótico perpendicular (tercera etapa histórica de la arquitectura gótica inglesa,

debe su nombre a su característico énfasis en la línea recta; también se lo conoce como estilo “Rectilíneo”).

Descripción: Características generales: La arquitectura gótica emplea sillares de piedra bien labrados. Sus elementos esenciales son el arco apuntado y la bóveda de crucería, compuesta por arcos que se cruzan diagonalmente, llamados nervios, con una clave central. Este tipo de bóveda concentra los esfuerzos en cuatro puntos determinados en que apoyan los nervios cruzados, lo que permite prescindir de los muros macizos del Románico, sustituidos por amplios ventanales con vidrieras, de mayor luminosidad. Es más ligera al completarse los espacios entre los nervios con plementería, lo que permite elevar el conjunto. Al evolucionar el Gótico se emplean otros tipos de arcos (conopial, carpanel) y de bóvedas más complejas y decorativas (sexpartitas, de terceletes, de abanico, estrelladas, etc.). El edificio más característico del gótico es la catedral, templo de la sede episcopal, que se convierte en el símbolo del poderío económico de la ciudad y del prestigio de sus habitantes. El mundo urbano defiende su independencia respecto al decadente mundo feudo-rural, lo que se plasma en la aparición de otras edificaciones civiles emblemáticas, como las casas del gobierno municipal, las lonjas de comercio, los hospitales, mercados, casas de gremios, etc.



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El coro de la abadía de Tewkesbury, con sus ricas formas estrelladas y la bóveda de la antigua catedral de Gloucester que se remozó al instalarse en ella, hacia1330, el sepulcro del rey Eduardo III, son ejemplos típicos de tal etapa. En su famoso claustro decorado entre 1370 y 1400 con un nuevo estilo de adornos curvilíneos, presenta ya las cualidades que caracterizarán el llamado gótico perpendicular, variante que corresponde, cronológicamente, a aquella etapa que en la arquitectura gótica continental se ha denominado estilo flamígero o florido. El gótico perpendicular, al prolongarse, dio origen en Inglaterra al llamado estilo Tudor, que se desarrolló durante el siglo XVI. Se trata de una nueva modalidad del gótico inglés caracterizada por su pureza de líneas y por la aplicación en las bóvedas de sus naves de ricas combinaciones de terceletes. Lo que distingue exteriormente el gótico perpendicular es la multiplicidad de facetas limitadas por líneas verticales que se extienden sistemáticamente por las fachadas. Estas se organizan en series de estrechos paneles cuadrangulares cuya sequedad lineal vienen a atenuar las cenefas horizontales que traban y unifican aquel sistema de repetidos recuadros. En los ventanales sucede lo mismo: los parteluces divisorios del ventanal se prolongan hasta las caladuras que hay en lo alto de su ojiva, subdividiendo así verticalmente toda la extensión del hueco. Las bóvedas típicas de ese gótico inglés son las “bóvedas de abanico”, que establecen franco contraste con el riguroso verticalismo que domina en los exteriores de los edificios. Sus líneas curvas enlazadas parten de “trompas” nervadas, angulares o laterales, que suelen combinarse con las tracerías que a veces existen en las paredes. El claustro de la catedral de Gloucester es uno de los primeros ejemplos de esa estética.

LAMINA REALIZADA POR: PILAR RUIZ MORA BIBLIOGRAFÍA: .Juan Antonio RAMIREZ y otros. Hª DEL ARTE: LA EDAD MEDIA Tomo 4. Salvat Editores. Barcelona 1970 • • •



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CATEDRAL DE REIMS

OBRA: catedral de Reims AUTOR: varios CRONOLOGÍA: S. XIII ESTILO:gótico clásico francés MATERIALES UTILIZADOS: piedra LOCALIZACIÓN: Reims, Francia DESCRIPCIÓN La catedral gótica de Reims ha estado precedida en el tiempo por otras dos anteriores: una de época merovingia y otra de época carolingia. Ésta última fue destruida por un incendio en el año 1210, iniciándose a partir del año siguiente la reconstrucción gótica de la catedral, quedando las obras de la cabecera concluidas entre 1221 y 1241 y continuándose las obras ya muy lentamente durante la segunda mitad del siglo XIII. Un bombardeo alemán en 1914 obligó a una hábil restauración de la misma, que se concluyó en 1938. Reims constituye un lugar sagrado para la iglesia francesa, ya que aquí el rey franco Clodoveo había sido bautizado en el año 496, siendo consagrados y ungidos en esta catedral los reyes de Francia. Por esta razón, los arzobispos de Reims defenían su primacía religiosa frente a otros centros rivales como Sens o Saint-Denis. Se considera a esta catedral como la verdaderamente representativa del gótico francés.



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portada occidental

Planta de la Catedral de Reims.

ESPACIO INTERIOR Y EXTERIOR La planta de la catedral de Reims sigue la tradición local, inspirándose en la de la Abadía de Saint-Remi. Reims repite el mismo esquema que Chartres, pero con mayor desarrollo a los pies: basílica de 3 naves con coro, girola con 5 grandes absidiolos radiales, además de transepto de 3 naves. Los modelos tomados de Chartres son el nuevo sistema de elevación mural en 3 pisos y el pilar acantonado, donde se suprime la alternancia de núcleos cilíndricos y poligonales a favor de todos cilíndricos. La capilla mayor se ha agrandado extraordinariamente para alojamiento del coro. El crucero se marca sólidamente en planta, presentando al exterior ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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grandes fachadas de organización tripartita, con una decoración acumulada pero donde el muro se perfora y aligera. La bóveda de 39 metros de altura, está dividida en cuatro espacios: pilares compuestos cilíndricos, tres pisos, claraboya y columnitas que ascienden verticalmente desde el suelo hasta la clave de la bóveda. Pero entre ambas construcciones pueden observarse ciertas diferencias: En primer lugar, los arcos son mucho más apuntados que los de Chartres, lo que aumenta el efecto de verticalidad. En segundo lugar, los capiteles, ricamente esculpidos, se componen de un follaje tan naturalista, que parecen crecer in situ. En tercer lugar, la tracería calada es nueva. En el ábside, los nervios se mueven con total libertad, y confluyen en arcos apuntados muy acusados. Los pináculos desempeñan una función de contrapeso y ayudan a enviar el empuje de las bóvedas hacia el suelo. La fachada repite en su distribución general la de Notre Dame de París, pero mantiene algunas diferencias. la materia sólida se ha reducido a la mínima expresión e incluso los tímpanos de los pórticos se han sustituido por vidrieras, baquetones y tracería. Las torres están enteramente hechas de tracería calada y las torrecillas de las esquinas estaban pensadas para sostener pináculos cuyas bases octogonales son visibles. Hasta ahora, todos los maestros de las catedrales habían permanecido en el anonimato. Conocemos los nombres de los maestros de Reims por las inscripciones grabadas en las cuatro esquinas del laberinto, en el pavimento de la nave. Los maesttos de la obra, que gozaban de gran prestigio, utilizaban este enorme laberinto inscrito en el suelo de la catedral para perpetuar su nombre. Los maestros de Reims fueron Jean d'Orbais, Jean de Loup, Gaucher de Reims y Berbard de Soissons. En el laberinto venía especificada la labor ejecutada por cada uno de ellos. Así el primero fue artífice de la planta y de los trabajos iniciales en el ala oriental hasta el transepto, el segundo terminó el coro y edificó los fundamentos del cuerpo principal del edificio, el hastial occidental y las torres; el tercero intervino en las tres puertas abiertas a los pies del edificio y el último construyó varias bóvedas (cinco en total) y el gran rosetón de los pies.

ELEMENTOS PLÁSTICOS En Reims se trabajó primero en un grupo de figuras que actualmente están situadas en la puerta sur de la fachada oeste (hacia 1215 – 1220), y que derivan formalmente de las jambas de la puerta de la Coronación del transepto norte de Chartres. Poco después inició sus trabajos un interesante taller, con una fuerte dependencia formal de modelos romanos conectados probablemente con la escultura de la dinastía flavia, del último cuarto del siglo I ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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d.C. Las obras de este taller se detecta en la representación de la Visitación, ubicada en las jambas de la puerta central, cuya asimilación de lo clásico contrasta claramente con la falta de corporeidad y la sonrisa del ángel de la Anunciación. Después de la paralización de los trabajos por la revuelta urbana de 1233, cuando éstos fueron retomados, se produjo un drástico cambio estético en el taller escultórico, que determinó el abandono de la escultura antiquizante a favor de un tipo escultórico que resultó menos expresivo, sin apenas curvas en los plegados, que caen rectos o en angulosa V. y en definitiva, con figuras más severas. Los inicios de esta tendencia estilística se pueden retraer en la puerta norte de la fachada oeste de la catedral de Notre – Dame de París (hacia 1220), de donde había pasado al taller de la catedral de Amiens (hacia 1230 – 35) y de ahí a Reims. La fachada oeste de Reims, en la que los tímpanos fueron sustituidos por vidrieras, no se inició hasta 1252 y en ella incorporaron las esculturas antiquizantes y las del taller conectado con Amiens. Los nuevos personajes realizados para las jambas de la fachada oeste poseen una pronunciada curva en las caderas y un rostro especialmente sonriente, plegados amplios y movidos , en definitiva, un estilo amable, elegante y cortesano, que acabó siendo una de las características más propias de Reims, con ejemplos tan notables como la figura de san José del grupo de la Presentación en el templo (hacia 1255 – 1265) o el ángel de la Anunciación de la misma puerta central – oeste. Otra de las características del taller escultórico de Reims, el creciente naturalismo de la abundante vegetación que decoraba los capiteles, se convirtió en uno de los elementos más difundidos y copiados de la escultura gótica.

jambas de la derecha de la portada central

A pesar de la destrucción causada por la Primera Guerra Mundial, Reims es la catedral que conserva un mejor conjunto escultórico, en cantidad y calidad, y significó un paso más en la conquista de la propia autonomía de la escultura con respecto a la arquitectura: −

El tímpano de la Portada Norte o Portada del Juicio, con sus composiciones del seno de Abraham, las figuras desnudas de los muertos y el grupo de los condenados.



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ja mbas de la izquierda de la portada central (ESCULTURAS MÁS ARCAICAS)



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La puerta de San Calixto con escenas de la vida de diversos santos relacionados con la diócesis y la monarquía francesa

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La fachada de los pies cuenta con cinco tímpanos, en los que, salvo excepciones, la escultura ha sido desplazada por la vidriera. Las esculturas exentas de las jambas incluye un ciclo de la infancia de Jesús en el que destaca la Anunciación y la Visitación, de un marcado corte clásico.

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Los dos grupos grupos fueron realizados por escultores de estilos muy diferenciados. El escultor de la Visitación, el grupo de la derecha, hecho hacia el año 1225-1230, representa la visita de María a la casa de su prima Isabel, cuando las dos mujeres se felicitan mutuamente por sus respectivos embarazos. Los mantos de María e Isabel envuelven sus cabezas como si fueran togas romanas. Es evidente un renacimiento del interés por el arte antiguo. El estilo de la Anunciación, que data de 1230 o 1240, es muy diferente. diferencia que se hace más notable a causa de la desafortunada inclusión de un ángel distorsionador cuando tuvo lugar la restauración del siglo



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XVII. El ángel sonríe demasiado ampliamente. su figura se inclina formando una S excesivamente acentuada, y su túnica es un tejido continuo que se mueve en torno de su cuerpo y se rompe en pliegues. con respecto a María, por primera vez desde la antigüedad, un cuerpo muestra a través de los paños un cálido cuerpo humano.

Otra novedad de Reims es que se decora con esculturas la parte posterior de la fachada, la que da al interior del templo. A pesar de estar encajadas en nichos, estas esculturas componen escenas entre sí, como la del caballero recibiendo la comunión. El caballero mira desde su nicho, con las manos juntas en oración al sacerdote. El artista prestó especial atención a la masa y proporciones de los cuerpos. Las figuras, ya completamente de bulto redondo, están dotadas de capacidad de movimiento en el espacio. El escultor ha expresado elocuentemente ambas miradas. En cuanto al follaje del marco, es típico del ornamento del gótico tardío.



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FUNCIÓN: La Catedral de Nuestra Señora de Reims (en francés: Cathédrale Notre-Dame de Reims), es una catedral de culto católico romano bajo la advocación de Nuestra Señora, la Virgen María en la ciudad de Reims, en el departamento de Marne, en Francia, al noreste del país, a unos 160 km de la capital estatal, París. Construida en el siglo XIII, después de las catedrales de París y de Chartres, pero antes de las catedrales de Estrasburgo, Amiens y Beauvais. Es uno de los edificios góticos de mayor importancia en Francia, tanto por su extraordinaria arquitectura como por su riquísima estatuaria. En 1991, fue incluida en la lista del Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. La Catedral de Reims era, el lugar de la consagración de los monarcas de Francia. El último rey coronado fue Carlos X de Francia, el 29 de mayo de 1825

Comentario realizado por: Lorena Fernández Gómez BIBLIOGRAFÍA: HARTT  RAMIREZ  WIKIPEDIA  FOTOGRAFÍAS   

www.artehistoria.com www.web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_leontinaai/arte/webimarte2/WEBIMAG/GOTIC O/reimesc.htm

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LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA

Planta de la catedral .

TÍTULO: Catedral de Santiago el Mayor de Santiago de Compostela LOCALIZACIÓN: Santiago de Compostela, La Coruña, España. AUTOR: Desconocido. Las obras fueron encargadas por los obispos Diego Peláez (hasta 1087) y Diego Gelmírez (hasta 1128). El Pórtico de la Gloria (que no vamos a analizar aquí) es obra posterior, del maestro Mateo, realizada entre 1161 y 1188. FECHA: 1075 a 1128. ESTILO: Románico.

DESCRIPCIÓN: FORMA: catedral románica, típìco modelo de iglesia de peregrinación, con planta de cruz latina y cabecera con girola y absidiolos. La longitud del edificio es de 97 metros. MÉTODO: Obra arquitectónica realizada en piedra.



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DESCRIPCIÓN GENERAL: El edificio, una de las mayores construcciones del estilo románico, presenta a sus pies un nártex, en el que se sitúa el Pórtico de la Gloria. En la construcción primitiva, en este espacio se situaban a cada lado sendas torres de planta cuadrada.

ANÁLISIS FORMAL: ESPACIO INTERIOR :

El interior del templo se divides en tres naves. La central posee un ancho de 10 metros y alcanza una altura de 22, cubriéndose con bóveda de cañón. Las naves laterales, de menor altura y unos 5 metros de anchura lo hacen con bóvedas de aristas. Sobre dichas naves laterales se alzan tribunas que asoman a la nave central mediante arcos geminados. Sus vanos exteriores proporcionan iluminación a la parte superior de la nave central, lo que contrasta con la mayor penumbra de la zona inferior. Vista de una de las naves laterales

. Las bóvedas se sostienen mediantes pilares compuestos que presentan columnas adosadas, organizadas de forma tal que la columna que mira hacia la nave central se eleva a lo largo de toda la altura de la misma, hasta alcanzar el inicio del arco fajón correspondiente.

El transepto se organiza también en tres naves en cuyos extremos se abren sendas portadas al exterior. Por otra parte, en uno de sus lados mayores este transepto presenta cuatro absidiolos, dispuestos dos a cada lado de la cabecera. Sobre el crucero se alza un cimborrio. En toda este enorme transepto se alzan también tribunas sobre las naves laterales. La cabecera de la catedral es de amplias dimensiones y dispone de una girola con cinco capillas radiales en los absidiolos. De ellas, la central presenta al interior forma absidada, mientras que al exterior se cierra con testero plano. Todo el espacio interior del templo está organizado de manera que los fieles (tras concluir aquí su peregrinación hasta la tumba del apóstol Santiago) pudiesen acceder a la catedral por la portada de los pies y recorrerla hasta llegar a la girola, en cuyo espacio central se encuentra el sepulcro del citado apóstol. Todo este camino interior del edificio permite que puedan desarrollarse sin interferencias las ceremonias religiosas.

INTERPRETACIÓN: CONTENIDO Y SIGNIFICADO:

.La catedral de Santiago viene a simbolizar, en primer lugar, la importancia de una ciudad y una sede obispal en la que se encuentra situado el sepulcro de uno ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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de los doce apóstoles de Cristo. En este sentido, la propia planta de la iglesia es imagen de la cruz de Cristo y, en consecuencia, representación en pìedra de la idea de la cruxifixión y muerte de Jesús como base para la salvación del mundo. Pero, por otro lado, la construcción simboliza a la perfección el desarrollo del reino astur-leonés en un momento en el que el espacio geográfico peninsular se encontraba fragmentado y en el que sobresalía el mundo islámico representado por al-Andalus. Nave central y tribunas de una nave lateral.

.El

sepulcro del apóstol Santiago fue redescubierto hacia el año 829, de forma tal que sobre el mismo se edificó (reinando Alfonso II el Casto) un primer templo, de reducidas dimensiones. Más tarde se levantaron allí otras dos basílicas prerrománicas a las que finalmente acabó sustituyendo la catedral que ahora podemos contemplar. .

El hecho de disponer de la única tumba conservada de uno de los doce primeros discípulos de Jesús (junto con la de San Pedro, en Roma), convirtió a la antigua Iria Flavia en el centro de un creciente movimiento de peregrinaciones que prontó alcanzó a toda la cristiandad europea, de la cual Santiago de Compostela acabó convirtiéndose en uno de los principales centros religiosos. Surgió así el Camino de Santiago, una ruta de peregrinación que acababa precisamente aquí su recorrido. . Vista del crucero de la catedral

Los distintos ramales de esta vía se unían tras cruzar los Pirineos, para recorrer a continuación todo el norte peninsular y concluir en Compostela. De esta manera, el camino facilitó los intercambios culturales entre las distintas zonas del continente y llevó más allá de las fronteras de la península la fama de una ciudad y de una monarquía (la astur-leonesa) que impulsó la devoción a las reliquias del apóstol. Sucedía todo ello en una Europa ruralizada y feudal, pero que lentamente se iría abriendo al desarrollo de las ciudades, del comercio y de las actividades burguesas, siempre bajo la atenta mirada de la Iglesia cristiana como controladora única de las conciencias.

Lámina realizada por: Rosa M de la Torre Tercero. Bibliografía: Ramírez, Juan Antonio. Historia del Arte. La Edad Media. Alianza Ed. Fotos: Antehistoria. ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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LAMINA 6: CATEDRAL DE SIENA S.XIII (ARQ. GOTICO)

OBRA/TITULO: CATEDRAL DE SIENA AUTOR: GIOVANNI PISANO CRONOLOGÍA: SIGLO XIII (1290 h.) LOCALIZACIÓN: SIENA, TOSCANA, ITALIA ESTILO: GOTICO MATERIALES UTILIZADOS: PIEDRA, MARMOL

Descripción:

La inmensa y majestuosa Catedral de Siena, llamada Duomo di Santa Maria dell’Assunta (Catedral de Santa María de la Asunción) se erige sobre una gran plataforma situada en la Piazza del Duomo. Doce escalones, que representan a los Apóstoles, conducen a la entrada de la Catedral. Junto al campanario y el baptisterio, constituye uno de los complejos arquitectonicos más impresionantes, ejemplo soberbio del gótico italiano. Considerada como una de las catedrales más importantes de Italia, así como una de las pocas del país construidas completamente en estilo gótico.

ANÁLISIS FORMAL: ESPACIO INTERIOR Y EXTERIOR: Catedral comenzada a mediados del siglo XII esta construida sobre una estructura mas antigua. Tiene planta en forma de cruz latina, con un crucero, un domo y un campanario. La base del domo es octogonal y solo se hace circular encima de las dos columnas de apoyo, la linternilla encima del domo fue añadida por Gian Lorenzo Bernini. Tanto el interior como el exterior están construidos de mármol rayado blanco y verdoso negro, con algo de mármol rojo en la fachada. El brillante arquitecto y escultor Gionvanni Pisano, fue quien hacia 1284 diseño la esplendida fachada, repleta de estatuas y gárgolas, pero lamentablemente solo pudo acabar la parte inferior. En ella construyo la inmensa puerta de entrada flanqueada por dos puertas secundarias. Sobre las mismas se encuentran las bellísimas lunetas y acroteras góticas, entre las puertas construyo una serie de columnas de estilo jonico, cuyos capiteles están decorados con volutas de acanto, escenas del Antiguo Testamento e imágenes alegóricas, el resto de la fachada se concluyo en 1390. Las estatuas situadas inicialmente en la parte inferior han sido sustituidas por



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copias y las originales han sido emplazadas en el contiguo museo de la Opera del Duomo. En s. XV, por expreso deseo de San Bernardino di Siena se coloco el símbolo del sol sobre la puerta principal de entrada en representación de Nuestro Señor Jesucristo. En el siglo XIX, la fachada se embelleció con mosaicos venecianos saturados de oro. En 1958, se sustituyó la puerta principal de entrada al Duomo por otra de bronce tallado con escenas que describen la Glorificación de la Santísima Virgen La nave principal esta separada de las otras dos naves por arcos de medio punto, en el interior se puede admirar: el espléndido y altísimo púlpito gótico octogonal de mármol de Carrara decorado con un ciclo de elegantes paneles tallados que describen la vida de Jesús. Se apoya en nueve columnas realizadas en granito, mármol verde y pórfido con espléndidos capiteles tallados. Cuatro de ellas están sostenidas por leones con sus correspondientes cachorros y presas. La columna central se apoya sobre una serie de estatuas de pequeño tamaño que representan las Siete Artes y la Filosofía.

Su pavimento de mosaicos , un historiado laberinto recorrido por los penitentes, que cubre todo el suelo de la catedral, alrededor de cuarenta artistas hicieron su contribución. Consta de 56 paneles de diferentes tamaños, la mayoría de forma rectangular, los del crucero son hexágonos o rombos, representan el sibilas, escenas del Antiguo Testamento, alegorías y virtudes. La mayoría se encuentran todavía en su estado original.

La historia de Fortuna

Masacre de los Inocentes

La magnífica Capilla de San Juan Bautista se encuentra en el crucero izquierdo. En el centro de la capilla hay una hermosa pila bautismal del siglo XV, ornamentada con valiosísimos paneles de bronce sobredorado esculpidos con bajo relieves de Donatello y otros escultores de la época. La bellísima capilla esta decorada con ocho frescos Algunos de ellos forman parte de un ciclo que describe episodios de la vida de San Juan Bautista.



San Juan Bautista de Donatello

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Pila bautismal

La pequeña y maravillosa Capilla Chigi, conocida también como la Cappella della Madonna del Voto , está situada en el crucero derecho. Esta capilla fue la última estructura que se construyó en el interior del Duomo de Siena (1569) sustituyendo a otra procedente del siglo XV. La Capilla, en forma de círculo, tiene una impresionante cúpula sobredorada, las soberbias columnas que se encuentran en la Capilla se trajeron directamente del Palazzo Laterano de Roma, mientras que la sofisticada verja de entrada es una obra anónima. Al fondo de la Capilla se erige la hermosa Madonna del Voto (Scuola di Siena, siglo XIII).

Virgen del Voto, San Bernardino y Santa Catalina de Siena.

La Biblioteca Piccolomini está situada bajo el Duomo toma su nombre del Cardenal Francesco Piccolomini Todeschini (Siena, 1439 – Roma, 1503) que fue nombrado Papa en 1503 bajo el nombre de Pío III. La espléndida entrada está dispuesta por dos aberturas compuestas por arcos redondeados de mármol tallado. Pinturicchio pintó la maravillosa Biblioteca, entre 1502 y 1507, con un magistral ciclo de frescos en las paredes que describen la vida del tío del Papa Pío III: el Cardenal Enea Silvio Piccolomini Pinturicchio afrescó también el techo, aunque utilizando motivos mitológicos. En el centro de la Biblioteca se encuentra el maravilloso grupo escultórico, procedente de la antigua Roma, de “Las Tres Gracias”. En la Biblioteca se conservan códices miniados de incalculable valor.



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El fantástico Campanario gótico está junto a la parte derecha del Duomo, paralelo a la majestuosa cúpula, recubierto de franjas de mármol blancas y negras tiene seis niveles de ventanas, que se van agrandando según se acercan a la cima del mismo. El enorme arco que conduce al espectacular Battistero di San Giovanni está situado junto al Campanario. El Baptisterio es una estructura rectangular divida en tres naves y está situado bajo la parte izquierda del Duomo.

En 1339 se realizo un proyecto para ampliar la catedral y convertirla en mayor templo de la cristiandad, consistía en añadir a la parte sur una nave, aunque su función sigue siendo un misterio, se encuentra situada bajo el suelo del altar mayor apoyada en la pared del baptisterio, tendría que haber levantado sus arcos por encima de lo que hoy es el piso de la catedral. Fue completamente decorada con frescos de brillantes colores pero una vez terminada llego la orden se sepultarla y cerrarla en los cimientos. Descubierta en 2001, al quitar los escombros fueron descubiertos 180 m2 de brillantes frescos donde se representa la pasión y resurrección de Jesús. Hoy en día la nave inacabada alberga una galería de arte dedicada a la escultura gótica.

fresco de la nave subterránea

LAMINA REALIZADA POR: Mª ELENA GARCIA FERNANDEZ BIBLIOGRAFÍA Y FOTOGRAFÍAS: FOTOGRAFÍAS: http://es.wikipedia.org/wiki/Siena http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/9521.htm



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NOTRE DAME

OBRA/TITULO : Notre dame CRONOLOGÍA: S XII-S XIV MEDIDAS: 130 m de largo por 48 m de ancho y una altura de 69 m. LOCALIZACIÓN: Isla de la Cite en Par is ESTILO: Gotico

Descripción: Situada en la parte este de Ile de la Cité, su fachada mira hacia el oeste y da sobre la plaza Notre Dame, donde se encuentra el punto cero desde el que se cuentan todas las distancias de Francia. La catedral tiene planta de cruz latina, una fachada de 40 metros de ancha, una longitud de 130 metros, y una altura máxima de 69 metros. Contiene 5 naves, 37 capillas, 3 rosetones con 13,5 metros de diámetro cada uno y un total de 113 vidrieras.



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ANÁLISIS FORMAL: ESPACIO INTERIOR Y EXTERIOR:

Existe en esta catedral una dualidad de influencias estilísticas: por un lado, reminiscencias del románico normando, con su fuerte y compacta unidad y por otro lado, el aprovechamiento de las evoluciones arquitectónicas del gótico, que confieren al edificio una ligereza y aparente facilidad en la construcción vertical y en el soporte del peso de su estructura (siendo el esqueleto de soporte estructural visible sólo desde el exterior). La planta está demarcada por la formación en cruz romana, latina, orientada a Occidente, de eje longitudinal acentuado, y no es perceptible desde el exterior. La cruz está “incrustada” en el edificio, envuelta por un doble deambulatorio, que circula por el coro en la cabecera (al este) y se prolonga paralelamente a la nave, dando lugar, así, a cuatro naves laterales. En resumen tiene 5 naves, ábside y cabecera semicircular, con doble girola que se soluciona con una boveda de nervios trapazoidal.Posee un gran cimborrio neogótico añadido en el XIX por Violet le duc. En al interior encontramos que tiene boveda central sexpartita con arcos apuntados doblados, tribuna ancha, en el triforio tres arcos apuntados, ventanales que dan profundidad , cristaleras con los colores rojo y azul como dominantes y encajes de estaño en el cristal, siendo el azul en el rosetón. La tracería es gotica con lóbulos cuatrolobulados y polilobulados La fachada, del tipo castillo frances con dos torres cuadrangulares, una a cada lado, presenta un conjunto proporcional, una orden de trazado coherente, de construcción racional, reduciendo sus elementos a lo esencial, no siendo, tal vez por eso, influenciada por otros arquitectos contemporáneos del gótico. Aquí se optó por una pared “plástica” que interconecta todos sus elementos y pasa a integrar también la escultura en lugares predefinidos, evitando que crezca espontánea y aleatoriamente como ocurría en el románico.

La fachada occidental, la principal y de mayor popularidad, presenta tres grandes portales.



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La fachada presenta tres niveles horizontales y está dividida en tres zonas verticales por los contrafuertes ligeramente prominentes que unen en verticalidad los dos pisos inferiores y refuerzan los picos de las dos torres. Las torres tienen 69 metros de altura. La torre sur contiene la famosa campana Emmanuel. Puede visitarse, pasando por la galería de las quimeras.El Portal del Juicio Final, el más importante al centro, muestra esculturas representando la resurrección de los muertos, un ángel con una balanza pesando virtudes y pecados y demonios que se llevan las almas pecadoras, imágenes que sin duda habrán tenido gran peso en el inconsciente popular en la Edad Media. Los dos portales laterales fueron consagrados a la Virgen María y a Santa Ana, su madre. A unos 20 metros del suelo, una galería con 28 estatuas se levanta por encima de los portales. Cada estatua, de 3,5 metros de altura, representa los 28 reyes de Judea que precedieron la llegada de Cristo. De las estatuas originales medievales sólo quedan fragmentos, ya que durante la Revolución fueron destruidas creyendo que representaban reyes franceses. Sobre el portal central se destaca el gran vitral circular de la roseta, de casi 10 metros de diámetro, uno de los elementos más notorios de la fachada. Sin embargo, este vitral no es el más grande de la catedral, ya que las fachadas norte y sur presentan vitrales de 13 metros de diámetro. Por encima de la roseta, una hilera de columnas y luego las dos torres con campanario completan la cara oeste.

INTERPRETACIÓN: La edificación coincidió con un período de prosperidad y de creciente dominio de la ciudad, por lo cual la obra debía reflejar este poderío. Fue escenario de la novela El jorobado de Notre-dame de Victor Hugo El lugar donde se encuentra la catedral estuvo desde mucho tiempo antes de su construcción ligado a las actividades religiosas. La tribu celta de los parisii, los primeros habitantes de la isla, al parecer celebraban allí sus rituales y posteriormente los romanos habían erigido un templo en honor a Júpiter. Una primera iglesia cristiana se habría construido luego en honor a Saint Etienne, y sobre ella una iglesia románica, que es la que perduró hasta 1163, año en que el arzobispo Maurice de Sully decidió la construcción de la catedral. por 23 años. Más recientemente, en 1965, excavaciones bajo la catedral revelaron la existencia de catacumbas de la época romana y habitaciones medievales.

LAMINA REALIZADA POR: Gema BIBLIOGRAFÍA: Wikipedia El Gótico. Ullmann & Könemann

Rico

FOTOGRAFÍAS: Wikipedia, Fotomaf




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001: LAMINA –FACHADA DE SAN PEDRO DE ANGOULEME (FRANCIA) NOMBRE: Saint Pierre de Angoulême (Francia) CRONOLOGÍA: Siglo XII (acabada en 1128) ESTILO: Románico SISTEMA CONSTRUCTIVO: Edificio: Planta cruz latina y cúpulas. Fachada: Bajorrelieves. LOCALIZACIÓN: Angoulême (Poitou-Charentes) FRANCIA.

Descripción: La fachada de la catedral de San Pedro de Angouleme es una de las más bellas del románico francés. Comenzó su construcción en 1110, bajo el patrocinio del obispo Girard de Blaye y se acabó en 1128. Destaca por sus tallas escultóricas que emplean gran parte de la fachada. Se disponen en pisos superpuestos con arquerías que contienen estatuas de santos y apóstoles. Un Cristo en Majestad o Pantocrátor , acompañado del Tetramorfo, ocupa la parte central sobre un único ventanal que permite el paso de la luz al interior del templo. La fachada se divide en cinco naves, siendo la central más ancha y dos a cada lado exactamente iguales; curiosamente en el interior tenemos una amplia y única nave . Primer nivel, en la nave central encontramos la portada adintelada, sin parteluz, con columnas a los lados y, sobre ella, el tímpano decorado con bajorrelieves, representando a Cristo en Majestad. Presenta sobre estos relieves, arquivoltas con profusa decoración vegetal. A ambos lados dos arquerías ciegas cuyos tímpanos también están decorados con bajorrelieves, al igual que las arquivoltas. Segundo nivel, encontramos bajo la gran arcada central el único vano de la fachada que ilumina el interior de San ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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Pedro. Está rodeada de santos, apóstoles, demonios e, incluso, escenas de martirio, en distintos registros y bajo arcadas más pequeñas. Tercer nivel. Bajo la gran arcada también, se encuentra el Pantocrátor o Cristo en Majestad, rodeado de los cuatro evangelistas y sus símbolos.

ANÁLISIS FORMAL: Se observan las características típicas del arte románico de esta época y en esta localización. La escultura está supeditada a la arquitectura como elemento complementario pero, a pesar de ello, la decoración excesiva genera un “horror vacui” o miedo al vacío, con multitud de figuras de gran expresividad, aunque con tendencia al esquematismo. Las figuras carecen de proporciones naturalistas, como es propio de este estilo y tienden al simbolismo y a la alegoría. La puerta principal es adintelada. No tiene parteluz, pero sí unas columnas a los lados con capiteles decorados con motivos vegetales. Sobre el dintel, se observa el tímpano decorado con un bajorrelieve que muestra a Cristo en Majestad bendiciendo con una mano y con el libro en la otra, entre dos ángeles. Y sobre el tímpano se suceden arquivoltas profusamente decoradas con motivos vegetales. A los lados, arquerías ciegas, dos a cada lado rematadas por sus respectivos tímpanos, también decorados con bajorrelieves en los que aparecen los apóstoles en grupos de tres, así como sus respectivas arquivoltas. San Pedro es el primero a la derecha de la entrada y simbolizan la misión evangélica de los apóstoles después de Pentecostés. Debajo, precisamente, del tímpano que alberga a San Pedro y otros dos apóstoles, se observa un friso con el relieve conmemorativo que hace alusión al poema épico del siglo XI, la “ Chanson de Roland ” y a la muerte heroica del protagonista a las puertas de la ciudad de Zaragoza. ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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El arco de medio punto, tan característico del románico, es utilizado como elemento decorativo en tímpanos y arcadas que dan cobijo a las tallas. En la parte central destaca una gran arcada que contiene el único vano de la fachada, destinado a la entrada de luz en el interior de la iglesia. Esta inmensa arcada de ángeles se encuentra rodeada de santos, apóstoles, demonios, y en la parte superior un imponente relieve de Cristo en Majestad o Pantocrátor , dentro de su mandorla y rodeado por los símbolos de los cuatro evangelistas ( Tetramorfos). Es este un Cristo en toda su gloria, un cristo triunfante elevado a los cielos desde donde puede juzgar a los hombres. Representa el doble tema de la Ascensión al Cielo y el Regreso en el Fin de los Tiempos. Es por eso que ocupa el lugar más alto y preeminente de la fachada. Su figura de héroe victorioso está lejos de la representación de la pasión y muerte en la cruz o su simbología. A los lados, encajados en las arcadas laterales, se observan medallones en los cuales se piensa que pueden figurar apóstoles, santos o bienaventurados. Debajo, sobre dos niveles, también sobre arcadas ciegas, hay tallas que son objeto de distintas interpretaciones. Se dice, por ejemplo, que aparece la Virgen María debajo del ángel que anuncia la Segunda Venida. Asimismo, se puede identificar a San Pedro con su atributo (las llaves), demonios atormentando a sus víctimas, etc. En la parte más inferior y situados de forma simétrica, dos relieves ecuestres que representan a San Jorge y San Martín. Aunque, otros autores identifican el primero con Constantino.

ESTILO: En 1110 se iniciaron las obras, impulsadas por el obispo Girard de Blaye y terminaron en 1128. Esta construcción pertenece al denominado Románico Pleno por su cronología, con clara influencia bizantina; de hecho, el característico sistema de cúpulas se relaciona con San Marcos de Venecia. Del mismo estilo y con cúpulas similares, tenemos las catedrales de Perigeaux y Cahors, así como en la abadía de Souillac, en el oeste francés. Por tanto, se puede hablar de una influencia generalizada en el oeste francés. INTERPRETACIÓN: CONTENIDO Y SIGNIFICADO: En el siglo XII, el Románico ya es un estilo plenamente consolidado que va más allá de ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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las fronteras y se expande por toda Europa. La escultura está supeditada a la arquitectura, como es característico en esta época, y constituye un elemento complementario, destacando las tallas de figuras y elementos vegetales. Es un período en el que hablar de arte es hablar de arte religioso. Atemorizados por las apocalípticas profecías que devenían del oscuro año 1000, las iglesias eran donde se narraban, como un libro abierto, los terrores del infierno y los sufrimientos provocados por el pecado, mostrando seres infernales, animales mitológicos, con el fin de servir didácticamente a los fieles que, en su inmensa mayoría, eran analfabetos y no tenían acceso a los libros. San Pierre fue construido en un lugar sagrado; se cree que hubo en el mismo lugar un templo dedicado a Júpiter y que, posteriormente, se construyó una iglesia destruida por los visigodos, reconstruida y destruida nuevamente por un incendio provocado en alguna incursión normanda. En la Europa medieval, eminentemente rural, llena de miedos a lo desconocido dónde los centros religiosos, los monasterios y, concretamente, las catedrales en las ciudades, tendrán una notable importancia. La monumentalidad imperante, tanto en arquitectura como en escultura, hace que el hombre medieval quede profundamente impresionado cuando se acerca a los templos.

LAMINA REALIZADA POR: Rosario Dengra Martínez BIBLIOGRAFÍA: Bango Torviso, Isidro. El arte de la Alta Edad Media. Anaya. Ramírez, Juan Antonio. Historia del Arte. La Edad Media. Alianza Ed. Barral i Altet. Historia del Arte de España. Ed. Lunwerg FOTOGRAFÍAS: www.arteguias.com ; www.trivago.es ; matías segarra



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019: LAMINA – PORTICO REAL DE LA CATEDRAL DE CHARTRES – ESCULTURA ROMANICA

OBRA / TITULO: Pórtico Real de Chartres AUTOR: Desconocido CRONOLOGÍA: Siglo XII - Sobre 1145 - 1155 d. C. LOCALIZACIÓN: Fachada este de la Catedral de Chartres ESTILO: Románico / Protogotico TECNICA: Escultura Tallada SOPORTE: Piedra LOCALIZACIÓN: Chartres - Francia

Descripción: Portada occidental de la catedral de Chartres, también conocida como Portada Real. Situada entre los macizos contrafuertes de las torres, no se ha podido aclarar el origen de su nombre, aunque tal vez guarda relación con la realeza de María, ya que dicha catedral era el principal centro mariano de la Francia medieval, o porque en la parte superior de la arquivolta exterior de la portada Real, dos ángeles portan una corona real por encima de la cabeza de Cristo.

ANÁLISIS FORMAL: Las figuras que componen las columnas de las 3 portadas de la fachada occidental de la catedral de Chartres, son consideradas el paradigma de la escultura gótica, ya que marcan la transición de la escultura románica a la protogótica, una ruptura con la portada de épocas anteriores.

Estas figuras (estatua-columna) parecen haber avanzado un paso, adelantándose así a las columnas de la portada, para abandonar el relieve que durante el



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Románico aún formaba parte del muro. Cada figura esta realizada de la misma pieza que la columna, y aunque están trabajadas en bulto redondo, no se las puede considerar como exentas; aunque forman cuerpo con los elementos arquitectónicos, producen la sensación de obra autónoma. Algunos escultores románicos de la Francia central pudieron todavía decorar las partes más antiguas de las primeras catedrales góticas. Algunos estudiosos atribuyen estas obras, gracias a diversas diferencias estilísticas, a diversos escultores, aunque posiblemente todo fuera planificado por un maestro principal (ayudado por un grupo de colaboradores) relacionado con Vézelay y Autun.

Sorprende encontrar esta especie de cariátides rígidas, de gran longitud, ataviadas con los ricos vestidos cortesanos de la época, con pliegues que caen casi verticales como si fueran estrías de columnas, con ropajes de pliegues rectos y pegados al cuerpo, mientras las caras, de rostros aceptablemente naturalistas, demuestran que en ellas se ha concentrado toda la vida de sus cuerpos inverosímiles. Esto consigue que cada figura tenga un aspecto de ligera individualidad; así, mientras que en la jamba izquierda de la portada central aparece una reina de aspecto juvenil, esbelta y de largas trenzas, la reina de la jamba derecha es una mujer madura, con el vientre ya combado. Los tímpanos de las portadas laterales tienen una distribución simétrica, mientras que la central destaca por su tamaño. Las tres entradas están unidas por dinteles situados a la misma altura. Esa unión queda subrayada por los 24 capiteles de las jambas, que constituyen un ciclo narrativo sobre la vida de Cristo, que se lee de forma seguida.

La portada sur se dedica a la Virgen. La portada norte la Ascensión. Mientras que en la portada central está representada la venida de Cristo al final de los tiempos para juzgar al mundo. Los veinticuatro ancianos del Apocalipsis se distribuyen por las arquivoltas que, debido al abocinamiento de la portada, se habían convertido en un soporte nuevo para la escultura. Cada uno de ellos, sentado sobre un pequeño trono, piadosos, en un estado de adoración serena. En la portada norte, son sustituidos por los signos del Zodiaco y por imágenes de calendario, muy típico en el Románico. mientras que en la sur, ese espacio



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está ocupado por las artes liberales personalizadas por su representante más destacado a lo largo de la historia (no olvidemos que en la catedral se enseñaba el Trivium y el Cuatrivium): -

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Aristóteles, barbudo inclinado sobre su escribanía, al considerar que creó la lógica. Cicéron, orador reconocido por su retórica, que permite hablar con elocuencia. Euclides que traza una figura de geometría. Boecio filosofa, sin embargo es conocido por su tratado de aritmética. Tolomeo que parece mirar el reflejo de los astros en un recipiente rellenado de agua: astronomía. Donato, conocido por su gramática latina, enseña a dos niños. Uno, de torso desnudo, es despertado y recibe (mano abierta girada la palma hacia arriba) la cultura que le es dispensada a libro abierto, mientras que el otro duerme al calor en la comodidad de sus ricos trajes. Pitágoras ocupado a escribir es la representación que da a entender la importancia de los números en la música. La música que comprendía primitivamente todo lo que pertenecía a las musas.

INTERPRETACIÓN: CONTENIDO Y SIGNIFICADO: El tema más empleado para la decoración de una portada es la visión del Todopoderoso o Pantocrátor, del Cristo como juez universal, revestido con la apariencia del Hijo de Dios. Está sentado en un trono dentro de la aureola almendrada o mandorla, con los cuatro animales simbólicos o Tetramorfos, tal y como los describe San Juan en el Apocalipsis. Es una representación que, cuando hay espacio disponible, exige los 24 ancianos con sus instrumentos para cantar alabanzas al todopoderoso. Se suele añadir, como es el caso, dos arcángeles elevando plegarias y los Apóstoles y la Virgen, porque éstos también vieron al Señor glorificado en el acto de ascender a los cielos. Todo ello, hace que pierda parte de su carácter profético y apocalíptico para convertirse en una síntesis de la historia del Rey de los Cielos, tal y como se manifestó a los patriarcas y profetas, y tal como aparecerá para juzgar a los vivos y los muertos. La representación casi exclusiva del Hijo del Hombre en la época románica es paralela a la importancia que adquiere su madre en la escultura gótica. María es la madre, la Theotocos, y por eso siempre está representada con el Hijo en brazos o sobre su rodilla.

FUNCIÓN: La función principal de la amplia difusión de imágenes era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales. LAMINA REALIZADA POR: José Mª Cienfuegos BIBLIOGRAFÍA:

El Gótico (Arquitectura-Escultura-Pintura). Edición de Toman, Rolf. Editorial ULLMANN & KÖNEMANN. Colonia 2007 Historia del Arte 2 (La E dad Media). Ramírez, Juan Antonio. Alianza E ditorial. 2006 Historia del Arte (Tomos 3 y 4). Pijoan J. Salvat Editores, S.A. 1970.

FOTOGRAFIAS:

http://www.diocese-chartres.com/cathedrale/ http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Cath%C3%A9drale_Notre-Dame_de_Chartres http://cathedrale.chartres.free.fr/p01.htm http://www.sacred-destinations.com/france/chartres-cathedral.htm http://vrcoll.fa.pitt.edu/medart/image/France/Chartres/Chartres-Cathedral/chartres-main.html http://www.tripadvisor.es/LocationPhotos-g187122-d258096-Cathedrale_de_Chartres-Chartres_Centre.html#1715789 http://web.educastur.princast.es/proyectos/jimena/pj_leontinaai/arte/webimarte2/WEBIMAG/GOTICO/chartesc.htm



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PUERTA DE LA ASCENSI N Jesús pasa de este mundo a su Padre sobre una nube, sostenida por dos Ángeles

En dos registros, el calendario representa la marcha del tiempo (primeras flores, la siega, la siembra,...), también los símbolos del Zodiaco (capricornio, cáncer,...)

Ángeles anuncian su retorno (Símbolo del Santo Espíritu) a los Apóstoles

Los Apóstoles (no son más que 11) - Suicidio de Judas afligido

Los capiteles: a la derecha: la Anunciación y la Navidad.

Los capiteles: a la izquierda: la matanza de los Inocentes y la huida a Egipto.

Sola una estatua identificable gracias a las Tablas de la Ley: Moisés a la derecha.



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PUERTA REAL

Maiestas (Cristo en majestad). Su mano derecha bendice mientras que su izquierda presenta el Volumen de la Santa Ley o el Libro de la Vida

Los 24 ancianos del Apocalipsis en alusión a las ofrendas que atraen la bendición de Dios. También 12 Ángeles.

Rodeado de los Tetramorfos, símbolos de los 4 Evangelistas: San Juan (Águila), San Marcos (León), San Lucas (Toro) y San Mateo (Hombre)

12 Apóstoles de la Jerusalén Celeste, completados a izquierda y derecha por los profetas Elias y Hénoch

Los capiteles: a la izquierda: La angustia de los padres de María porque son estériles

Los capiteles: a la derecha: El bautismo y las tentaciones del desierto.

A la derecha: David, la Reina de Saba y Salomon. A la izquierda, dos reinas separadas por una columna lisa un udío e Isaías


ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL María en el Trono de la Sabiduría o Virgen en majestad que tiene al niño rey, Cristo, de origen divino sobre las rodillas entre 2 Ángeles

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PUERTA DE LA ENCARNACI N DE LA VIRGEN O DE L

Sabios de la antigüedad que recuerdan el trabajo laborioso del espíritu, y que representan las 7 artes liberales del Trivium y de Quadrivium que se enseñaban en Chartres. Algunos otros elementos son irreconocibles.

- Presentación del niño en el Templo - El niño levantado sobre el altar representa la victima propiciatoria - La Navidad como presentación de la misma idea

Naturaleza Humana De Cristo: - Anunciación - Visitación - Nacimiento de Cristo - Anuncio a los pastores

Los capiteles: a la derecha: Cleofás y los peregrinos de Emaus, colocados frontalmente

Los capiteles: a la izquierda: La pasión y la Resurrección

Reyes, reinas y figuras del Antiguo Testamento




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DUDA DE SANTO TOMÄS MONASTERIO DE SILOS.

OBRA: La duda de Santo Tomás Autor: Autor Anónimo Fecha:Siglo XI Ubicación: Monasterio de Santo Domingo de Silos (Silos, Burgos). )Estilo artístico: Románico Técnica: Medio relieve

Descripción: Este relieve ilustra el episodio del Nuevo Testamento en el que santo Tomás toca las heridas de Jesús para comprobar que efectivamente había resucitado. Fechado hacia el siglo XII, se encuentra en una de las esquinas del claustro del monasterio de Santo Domingo de Silos, en Burgos, uno de los conjuntos escultóricos más importantes del arte románico español. Forma parte de los machones del claustro de


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Santo Domingo de Silos que narran escenas de la Pasión y resurrección de Cristo. En él, se representa la incredulidad del santo que se negó a creer en la resurrección de Cristo hasta que no tocara las llagas. La escena se desarrolla bajo un arco de medio punto, donde aparece Cristo a mayor escala y los discípulos distribuidos en hileras ordenadas y a la misma altura, lo que nos recuerda a los manuscritos mozárabes. Sobre el arco, que simula una fortaleza románica con torres y almenas, cuatro ángeles con instrumentos musicales celebran la resurrección de Cristo.

ANALISIS: En el ángulo noroeste, por ejemplo, el Primer Maestro presenta la Negación de santo Tomás y los Peregrinos de Emaús . En aquel ha de disponer, además de las figuras de Jesucristo y santo Tomás, las figuras de los restantes apóstoles, para lo cual compone la escena mediante tres filas superpuestas de cuatro figuras las dos superiores y cinco la inferior, disminuyendo la altura de las figuras de la superior a fin de que encajen perfectamente en el arco, e introduciendo un doble movimiento mediante la postura levemente inclinada de los apóstoles de las dos filas superiores para alcanzar un acorde con la forma del arco. En la primera fila, la única en que los cuerpos de las figuras se ven completamente, coloca tres apóstoles, Jesucristo y santo Tomás. Los tres apóstoles vistos de frente escapan a la rigidez mediante un movimiento inverosímil de las piernas y el cuerpo, que parecen cruzarse y plegarse respectivamente; Jesucristo, más grande que las otras figuras, rompe el esquema y destaca sobre el ritmo general con las piernas firmemente asentadas sobre el suelo, mientras que santo Tomás, de perfil, dirige su mano hacia la herida que Jesucristo muestra levantando el brazo. De esta forma, la composición convierte la escena en un "triunfo". Por lo que hace a cada una de las figuras mismas, sus cuerpos se estilizan y alargan, plegándose sobre sí mismos, como si no pudieran salir del plano que son; la organización del cuerpo se establece a partir del ritmo lineal de los pliegues y un esquematismo elemental que distingue sus diversas partes con nitidez, sin romper con ello esa especie de "línea serpentinata plana" que se ha convertido en el eje de todas y cada una de las figuras, perceptible no sólo en éste sino en todos los relieves. Los rostros, similares, cambian su significación anímica mediante leves alteraciones, respetando en general, como en los restantes relieves, el principio de generalidad que es propio del Románico: no hacen nada, sino que asisten a un acto de gloriosa trascendencia.

COMPOSICIÓN: ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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La duda de Santo Tomás muestra, en consecuencia, un original planeamiento compositivo: Cristo (1) no ocupa el centro de la composición sino que está ligeramente desplazado hacia la izquierda; pero sigue siendo el centro de atención, ya que la mayor parte de los apóstoles (2) miran hacia él. Su brazo derecho, levantado para mostrar sus llagas al incrédulo, rompe la homogeneidad compositiva y reclama la atención del observador. El planteamiento general sigue rigurosamente los planteamientos románicos para este tipo de escultura: Primero todos los personajes, a excepción de Jesús quedan homogeneizados situándolos a la misma altura –isocefalia- gracias a la ingeniosa yuxtaposición, en tres frisos superpuestos, de figuras de igual tamaño. Segundo, se conforma un espacio geométrico delimitado por el arco de medio punto que se apoya en dos finas columnas, (3) rematadas con capiteles de inspiración corintia. Tercero, los personajes se adaptan al marco arquitectónico y la figura de Cristo es mayor que el resto en cumplimiento de la jerarquía tradicional. La acción que inicia el brazo levantado de Jesús se completa con el gesto de Santo Tomás, que toca la herida con su dedo, y la agitación espiritual de los apóstoles, reflejada en las posiciones totalmente antinaturales de sus piernas y en la variada gesticulación de sus manos. Estos indicios de movimiento suavizan el hieratismo característico del románico. •

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En el plano técnico, este bajorrelieve sorprende por la delicadeza de la talla, plana y de ejecución perfecta, que remite a los bellísimos trabajos de marfil de la época y que tiene reminiscencias bizantinas y mozárabes. Las figuras estilizadas y de proporciones esbeltas, presentan volúmenes redondeados. Los ropajes se ajustan al cuerpo gracias a un suave modelado y muestra incisiones superficiales, que producen en los pliegues sutiles contrastes de claroscuro.

ANÁLISIS DE LA IMAGEN. Como resumen de todo los dicho, y por partes vemos en esta obra los siguientes aspectos característicos: Santo: Santo Tomás es el paradigma de la incredulidad. Cuando Cristo resucitó, él fue escéptico y le pidió que le enseñara las llagas de su martirio. En la escena, Santo Tomás introduce su dedo en una de las llagas, probando así la veracidad de lo que Jesucristo decía. Ángeles: En la parte superior podemos ver varios ángeles que celebran la resurrección de Jesucristo. Fuerte: Como si de una fortaleza se tratase, vemos torres románicas con almenas encuadrando un arco de medio punto que sirve de escenario para el relieve. Apóstoles: Los 11 apóstoles están alineados, como si fuera un manuscrito mozárabe, enmarcados dentro del arco de medio punto. El románico se caracterizaba porque sus relieves se adaptaran al marco fijado, sin sobresalir de él, aunque en este ejemplo vemos un intento de no hacerlo en la mano de Jesucristo, que está por encima del arco. Primer maestro: Este tipo de esculturas estaban en los pilares angulares del claustro del monasterio de Silos. Se atribuye éste al llamado primer maestro de Silos y en él se puede ver cierta evolución forman, ya que las figuras están bien delimitadas, son más realistas. •

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Piernas: Las piernas de los tres primeros apóstoles están en una postura extraña, muy forzada, con piernas plegadas. Rompe el esquema rígido de toda la obra. Cristo: Cristo está representado en una proporción mucho mayor que las demás figuras, para destacar su poder jerárquico y su carácter de protagonista en la escena.

CONTENIDO: La importancia de este claustro se encuentra en la originalidad de sus motivos escultóricos, tanto los capiteles como los ocho relieves tallados en los pilares angulares. La parte fundamental de este claustro reside en el programa escultorico de los relieves de los diferentes pilares pero no debemos olvidar que los capiteles del claustro revisten un enorme valor. Así pues hay que destacar la calidad en arte y simbolismo de los 64 capiteles del claustro bajo, con una colección delirante de encestados, zarcillos, acantos, sirenas y grifos, leones, centauros, dragones y aves fabulosas. La equilibrada proporción de las columnas dobles y la forma de los capiteles, gemelos y con un cimacio común adornado con gran diversidad de figuras entretegidas de tallos, vegetación y animales fantásticos manifiestan una influencia bizantina El ritmo y el detalle minucioso revelan una sensibilidad excepcional, próxima a la de los artesanos árabes. La comprensión de los capiteles a menudo resultaba difícil frente a la fácil lectura además de accesible de los temas historiados. Pero una de las mayores originalidades del Claustro de Silos lo constituyen los grandes relieves que adornan las esquinas siendo la escena de nuestra lámina uno de ellos que está basada en el relato evangélico de Jesús con santo Tomás. Volviendo a los capiteles, en ellos se desarrolla un variado programa iconográfico en el que se aprecia la utilización como fuente de inspiración de las telas y marfiles procedentes de Oriente así como los manuscritos miniados mozárabes que se estaban copiando en el scriptorium del monasterio. Predominan las representaciones de animales reales y fantásticos, como aves zancudas y monstruosas, grifos, centauros, arpías..., y los motivos vegetales, así como escenas de la vida de Cristo. En estos últimos, se representan escenas de la vida de Cristo y de la Virgen. Seis de ellos han sido atribuidos al denominado primer maestro de Silos, que trabajó en los años finales del siglo XI y en los iniciales del XII. En estos relieves se aprecia una clara evolución desde los de la Ascensión y Pentecostés, con una composición muy geométrica y figuras poco realistas, hasta los que muestran las escenas de los discípulos de Emaús y la duda de Santo



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Tomás. En estos últimos, las figuras aparecen diferenciadas y bien moldeadas, algunas sobrepasando el marco arquitectónico, lo que los convierte en los relieves más bellos, originales y mejor trabajados de toda la escultura románica hispana. Posteriormente, ya a finales del siglo XII, y por un segundo maestro, se tallaron los relieves de la Anunciación y el Árbol de Jesé, empleándose un estilo naturalista, muy virtuoso y detallista que parece anunciar la estética gótica. INTERPRETACIÓN.INTERPRETACIÓN.- EL CLAUSTRO HISTORIADO: Los claustros de Santo Domingo de Silos y de San Pedro de Moissac darían pasos de gigante al proceder a las primeras aplicaciones monumentales de relieves y capiteles historiados Se trataba de plasmar, a través de ciclos narrativos el mensaje doctrinal que se quería trasmitir a los creyentes. Los capiteles de las columnas de los claustros y sus pilares se convirtieron en receptores de escenas del Antiguo y del Nuevo testamento y también de la vida de los santos. El monasterio benedictino de Santo Domingo de Silos , iniciados antes del 1073, no sería concluido hasta el siglo XIII. En concreto la parte románica conservada, representa una de las obras más grandiosas del arte medieval europeo. Su gran tesoro son seis de los ocho bajorrelieves que tratan del ciclo de la resurrección. Así se presenta la duda de Santo Tomás, la aparición de Jesús a los discípulos de Emaús el descendimiento de la cruz, las tres Marías ante el sepulcro el Pentecostés y la Ascensión, la Coronación de María y el árbol de Jessé. El monasterio de Silos tiene antecedentes visigóticos, del siglo VII. En el año 1088 el abad Fortunio consagra un templo románico que desapareció casi completamente hacia 1751 debido a la reedificación y sustitución por un templo neoclásico con planos de Ventura Rodríguez. Afortunadamente nos quedó el claustro, de finales del siglo XI y todo el XII. Consta de planta cuadrada irregular y dos pisos de esbeltas arquerías sobre columnas pareadas. Aunque las evidentes diferencias estilísticas de unas esculturas y otras indican diversas manos en su ejecución, se acepta tradicionalmente la intervención de dos maestros con sus respectivos talleres. El primero debió trabajar a finales del siglo XI o más probablemente a comienzos del XII. Las figuras de los animales de sus capiteles son planas y muy hieráticas e influidas por la eboraria musulmana. Otra característica secundaria es la ejecución de las columnas con fustes muy separados y pronunciado éntasis o abultamiento central. El segundo taller haría su trabajo a mitad del siglo XII y continúa con el mismo bestiario, pero adquiere mayor volumen y naturalismo. Este segundo taller influyó mucho sobre la escultura románica de grandes comarcas castellanas, sobre todo de Burgos y Soria.



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El claustro alto de Silos es de finales del siglo XII y se acusa una popularización de su arte. El carácter simbólico de los maestros precedentes desaparece y se cae frecuentemente en el anecdotismo, amén de perder calidad y finura en su talla. Otros aspectos destacables del Monasterio de Santo Domingo de Silos son la portada de las Vírgenes y el sepulcro del santo. Estos bajo relieves revelan influencias orientales, árabes, bizantinas… Debido al largo proceso de construcción del claustro, conviven con los últimos revieleves de fines del siglo XII, afines ya al estilo gótico. Realizada por : Rosa Mª de la Torre Tercero. (C.A. Elche) BIBLIOGRAFÍA : Ramirez, J.A. - Historia del Arte Medieval . Alianza Editorial. Madrid 2004 http://www.arteguias.com/silos.htm http://arte.observatorio.info/2008/03/pinturas-de-san-clemente-de-tahull-h-1123 Fotografía: http://www.arteguias.com/silos.htm • • •



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EL CARRO DE HENO: EL BOSCO.

Titulo:el carro de heno. Autor: el Bosco. Cronologia:1500-1502 Técnica: Öleo. Ubicación: Museo del Prado.

Descripción: La obra es un Tríptico, por lo tanto está formado por tres tablas. En esta obra las figuras alargadas con perfiles sinuosos son aún de matriz gótico internacional.

ANÁLISIS FORMAL: El tríptico del Carro de heno, cuando está cerrado, presenta el tema del vendedor ambulante, atribuido al Bosco y su taller. Representaría así El camino de la vida , con un peregrino, una especie de ermitaño estoico, acechado por los peligros del viaje, y que se resiste a las tentaciones representadas por la ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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pareja que baila (lujuria), idea propia de la Devotio moderna. el postigo izquierdo (Paraíso terrenal) una vez abierto esta dedicado a la creación, el pecado y la expulsión de Adán y Eva del paraíso mostrando el ala izq. cuatro episodios distintos -caída de los ángeles rebeldes- más abajo, la creación de Eva de una costilla de Adán; aún más abajo esta el pecado original con la serpiente con cabeza de mujer, finalmente la salida del paraíso coronada por una planta con espinas picoteado por un pájaro símbolo de la lujuria, mientras el cardo simboliza las tentaciones de los sentidos. El postigo de la derecha representa el infierno representada como una ciudad incandescente estos fuegos vienen desde abajo y serán una tónica en muchas obras del Bosco; la tabla central representa un carro de heno y en el se enumeran los placeres de la vida basado en un texto del profeta Isaías que habla de como los placeres y las riquezas de la vida se parecen a un carro de heno que secan pronto y aún más pronto se acaban. En lo alto del carro, mientras una pareja de campesinos se besa (la lujuria), observada por una lechuza (que simboliza la herejía o la ceguera humana); tres personajes se dedican a la música, y un hombre observa la escena a cuya derecha un demonio azul con nariz de trompa y con cola de pavo real, símbolo de vanidad, participa de la melodía, mientras a la izquierda un ángel se vuelve hacia el Cristo en el cielo en posición de rezar. La lechuza y el demonio pueden entenderse como una lisonja y el engaño, siguiendo al cortejo que sigue al carro. El padre Sigüenza, a principios del XVI consideró que estas



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criaturas simbolizan los vicios. El Bosco intenta reflejar en esta obra como todas las clases sociales quieren conseguir su parte de heno del carro, es decir, su parte de placer y riqueza, se retrata a los más poderosos como principes, reyes y papas estos representados a la izquierda del cuadro no tienen problemas para conseguir su ración de placer.

CONTENIDO: La escena puede estar basada en el proverbio flamenco que reza: «El mundo es un carro de heno, del cual cada uno toma lo que puede ». Todo tipo de personas se agolpa junto al carro, y desde el Papa a los más plebeyos arrancan los puñados de paja. Es una aplastante sátira de un mundo que ha abandonado a Dios. La temática del cuadro se debe en gran parte a que El Bosco fue un pintor moralizante y crítico de la sociedad de su tiempo, y este cuadro es un fiel reflejo de su actitud al respeto.

Realizado por: Salvador López Toro Bibliografía: Ramirez Fotos:



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CRUCIFIJO DE SANTO DOMINGO AREZZO- XIII. CIMABUE.

Obra: Cristo crucificado. Lugar: iglesia de S. Domenico, Arezzo. Autor: Cimabue. Fecha: 1265-1268.

Influencia: bizantina que se muestra en la superficie esmaltada y las telas finamente subrayadas con oro.

Descripción: En este Crucifijo se puede observar un Cristo que hunde la cabeza en la clavícula y que presenta una anatomía esquemática, donde se puede observar una búsqueda del naturalismo.

ANÁLISIS FORMAL: Hay que resaltar que el tema utilizado en la obra, al igual que lo aran a posteriori Giotto o Duomo, será el religioso usando como modelos tanto vírgenes en majestad como imágenes de Cristos crucificados que anteponiéndose a modas anteriores donde eran figuras que no expresaban ningún tipo de sufrimiento en esta en cambio muestra dolor.



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Cabe destacar que en la obra de Cimabue tuvo mucha influencia el viaje que realizo a Roma donde tomo contacto con el mundo clásico, paleocristiano y románico lo que le ayudo para liberarse de los cánones y maneras bizantinas, con lo cual su obra se abre camino hacia la búsqueda del naturalismo. La pintura del maestro florentino destaco por dos parámetros fundamentales el mayor volumen de la figura través de la utilización del claroscuro, como se aprecia en el rostro al igual que el abdomen del crucificado, que lo aporta de gran fuerza plástica y la búsqueda de una humanización de las figuras que rompe definitivamente con la rigidez de las imágenes bizantinas.

CONTENIDO: Nos encontramos delante de un claro ejemplo de arte figurativa gótica y más concretamente de unos de sus mayores exponentes el florentino Giovanni de Pepo Cimabue. Considerado como uno de los padres fundadores del arte moderno ya que introduce un mayor naturalismo en el estilo bizantino, a esta manera de pintura se le denomina a la manera greca. Es una pintura sobre tabla hecha al temple donde cabe destacar que aparece sensación de volumen en ella sobre todo gracias a la utilización del juego de los claroscuros, técnica que con el paso del tiempo será perfeccionada y utilizada por grandes maestros de la pintura Realizado por: Maria Francisca Torres Ponce Bibliografía:  Ramirez Fotos:  www.Artehistoria.es



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VIDRIERAS DE LA CATEDRAL DE SIENA

OBRA/TITULO: CATEDRAL DE SIENA AUTOR: GIOVANNI PISANO CRONOLOGÍA: SIGLO XIII (1290 h.) LOCALIZACIÓN: SIENA, TOSCANA, ITALIA ESTILO: GOTICO MATERIALES UTILIZADOS: PIEDRA, MARMOL

Vitral de la Catedral de Siena, realizada por Duccio Buoninsegna en 1285-1308, mide 7m de diámetro. Las crónicas de 1287 ya atribuían esta vidriera circular al maestro Duccio. Realizada para el ábside del Duomo de Siena, en ella aparecen escenas para la glorificación de la Virgen, que está acompañada de los Evangelistas y Santos Patronos. En estos dibujos se aprecia la influencia de Cimabue. Su producción religiosa se distingue por la elegancia y sensibilidad del dibujo, a lo que se suma su destreza a la hora de estructurar los elementos de la composición. La importancia de Duccio en la escuela sienesa en esta época es absoluta por sus aportaciones. Suavizó los contornos metálicos, al tiempo que resaltó los tonos de los esmaltes orientales. ALUMNOS/AS DE 2º CURSO DE ARTE MEDIEVAL UNIVERSAL


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Ventana de vidrio teñido que representa la Última Cena, se encuentra en la fachada de la catedral y data de 1549, se le atribuye a Pastorino de Pastorini Un vitral, cristalera o vidriera de colores es una composición formada por vidrios de colores pintados y cubiertos por esmalte que se unen por medio de varillas de plomo. Técnica antigua para poder realizar dibujos de vitrales: A partir de los cartones dibujados por los talleres artísticos, en la realización de un gran número de trozos de vidrio que son tintados de color en su propia masa y realzados con trazos de grisalla para ser finalmente unidos con tiras de plomo que delimitan las figuras y aíslan los diferentes colores manteniendo su valor. La masa de vidrio llena de burbujas e impurezas actúa sobre la luz rompiéndola en mil destellos de color. La propia técnica, para no diluir las figuras con la irradiación de los ventanales, impone una composición llena en un espacio sin profundidad, y un dibujo preciso con una cierta riqueza de color. LAMINA REALIZADA POR: Mª ELENA GARCIA FERANDEZ. BIBLIOGRAFÍA Y FOTOGRAFIAS : http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/9521.htm




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SAN CLEMENTE DE TAHÜLL

TITULO: Conjunto Iconográfico de San Clemente de Tahüll (Pantocrator) ' Pinturas de San Clemente de Tahull” AUTOR: Maestro de Tahüll CRONOLOGÍA: Iglesia consagrada el año 1123 UBICACIÓN: San Clemente de Tahull (Lérida). Las originales están en Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) y en el lugar original hay copias (para su preservación.) ESTILO artístico: Arte románico TÉCNICA: Fresco SOPORTE: Muro Descripción: La imagen nos muestra una Teofanía, es decir una manifestación plástica de la Divinidad. En el cuarto de esfera del ábside aparece Cristo en Majestad. Se trata de una figura grandiosa, descomunal, preponderante, circundado por el óvalo de la perfección divina o mandorla mística, impone reverencia y temor.



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ANÁLISIS: En cuanto a las pinturas del abside central, todo el cascarón del dicho ábside (de 4 m de diámetro) estaba recubierto de pinturas murales que se conservan en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Representan el Pantocrátor metido en una mandorla perlada, sentado en una franja transversal que está decorada con dibujos vegetales. A la altura de sus hombros están dibujadas las letras griegas Α y Ω, como símbolos del principio y el fin. El Pantocrátor está en actitud de bendecir con su mano derecha mientras que en la izquierda sostiene un libro abierto en que puede leerse: «Ego sum lux mundi» El significado de esta frase es "Yo soy la luz del mundo". Está vestido con una túnica grisácea y envuelto en un manto azulado. Sus pies desnudos descansan sobre una semiesfera, saliéndose de la mandorla. A su alrededor se ven cuatro ángeles que llevan los atributos de los cuatro evangelistas y dos serafines de seis alas en las que se han dibujado seis ojos.[4] La zona inferior muestra un fondo de tono azulado sobre el que están dibujadas las figuras de la Virgen y cinco apóstoles, bajo arcos rebajados que se apoyan sobre capiteles foliados. La Virgen está vestida con una toca blanca y un manto azul. Pinturas en las claves de los arcos [editar]En el arco triunfal está representado el Cordero nimbado y con el dibujo de la cruz, en cuya cara vuelve a repetirse el símbolo de los ojos (como visión apocalíptica).[5] En la clave del otro arco se ve representada la mano divina que bendice saliendo de un círculo. En otra clave se conserva la figura del patriarca Jacob y la de Lázaro con su perro, a la puerta del rico avariento Epulón.

ELEMENTOS PLÁSTICOS: Tanto el trazo como el color y la plasmación de los personajes están al servicio de la exageración y de los detalles más significativos. Así vemos como la línea, gruesa y enérgica, materializa las formas y les infunde vida y expresión. Con pocos trazos se reproducen los rasgos esenciales: el rostro de Jesús se construye a partir de unos ojos simplificados, un entrecejo que se prolonga para definir la nariz y una boca perfilada por dos rayas; el conjunto queda enmarcado por una cabellera y una barba simétricas. Pocas líneas para expresar solemnidad y severidad. El color, denso y puro, sin matices, aplicado a grandes superficies, aplana la composición. Su gama es brillante: rojo, azul y amarillo intensos- y más violenta que la de cualquier otro país europeo. Las figuras son alargadas y estilizadas. La frontalidad, la rigidez y el



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hieratismo confieren a los personajes el aire distante requerido. La perspectiva es inexistente, excepto en el libro que ostenta Cristo, donde el autor no renuncia a crear espacio, y las figuras se reparten en un plano único. COMPOSICIÓN: La composición sigue el esquema tradicional románico aceptado por las convenciones de dicho arte: La figura sobrehumana de Jesús enmarcada por la mandorla y flanqueada por el resto de figuras, distribuidas en franjas paralelas y yuxtapuestas. El ábside, hacia el cual el fiel dirige su mirada, se distribuye en tres registros: El primero, es el cielo, que se adapta a la bóveda semiesférica a modo de firmamento para ilustrar una Teofanía (representación de la divinidad) de carácter apocalíptico. El segundo aprovecha el cilindro del ábside, con representaciones de la Virgen y los santos, que remiten a la iglesia y asu papel como intercesora entre el mundo divino y el humano. El tercero, generalmente dedicado a la tierra, aquí apenas es perceptible. •

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El conjunto se beneficia de la existencia de una ventana (1) en el ábside. La figura de Jesús, en el eje centar y vertical, se prolonga en ella, invadiendo el segundo registro, que simboliza su presencia en la Tierra a través de la Iglesia.La ventana, símbolo de la luz, reafirma el mensaje del abside, sobre todo durante la celebración de la misa, cuando el sacerdote se inclina sobre el altar y los rayos del sol deslumbran a los feligreses. Las otras grandes protagonistas de la composición son la simetría y la geometría., que producen la sensación de ritmo.líneas vertical y horizontal, recta y curva establecen un complicado juego de equilibrios. Así pues, la verticalidad de los personajes se compensa con las horizontales que trazan la figura de Jesús o la franja de los nombres; y las formas rectas predominantes se equilibran gracias a las curvas de la mandorla y a los círculos que la flanquean. El rostro de Jesús es el centro de simetría vertical que el artista sólo se permite romperlo con la posición de las manos. Resumiendo, las características de esta obra las podemos reorganizar en los siguientes puntos: •

Mano: Su mano derecha tiene tres dedos levantados. Es una actitud de bendecir aunque también se vincula con el dogma de la santísima trinidad. Tres dedos levantados serían el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo.


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Libro: En su mano izquierda sostiene un libro con las palabras: Ego sum lux mundis. Yo soy la luz del mundo, simbología que indica la divinidad del representado y que posteriormente, en época Gótica, tendrá una gran importancia porque se vinculará esa luz con la luz de las vidrieras. Pies: Sus pies están desnudos y se apoyan sobre una esfera. Simbolizaría la esfera terrestre Simetría: Una de las maravillas de esta pintura es sin duda su gran simetría y sus formas geométricas. Esto hace que sea una figura solemne, grandiosa y demuestra que su autor dominaba las técnicas de la época. Técnica: Tiene un estilo bizantino la pintura, por ejemplo en sus dorados. La técnica usada era la del fresco, con grandes líneas de contorno negras. El fresco es un complicado sistema de varias capas superpuestas en un muro enyesado que tiene que ser cubierto por diversas capas de cal, en distintas proporciones, y pintado cuando aún está fresco (de ahí el nombre). Es una técnica con un gran resultado pero con difíciles medidas de conservación. Marcos: Rodeando la imagen del Pantocrator, el Cristo en Majestad, se encuentra el Tetramorfos. Se representa a cuatro ángeles portando los símbolos de los Evangelistas. Así, donde marco está San Marcos con el león. Lucas: Rodeando la imagen del Pantocrator, el Cristo en Majestad, se encuentra el Tetramorfos. Se representa a cuatro ángeles portando los símbolos de los Evangelistas. Así, donde marco está San Lucas con el toro. Apóstoles: En la parte inferior se encuetran representados los apóstoles con la Virgen, estáticos y colocados como en un friso, frontales. Están enmarcados cada uno por una serie de arquillos y están dispuestos en la parte inferior del ábside central. Reconocemos a la Virgen, a la izquierda de la ventana y a San Juan Evangelista a la derecha de la ventana. Mandorla: La forma almendrada que rodea al Pantocrator se denomina mandorla mística. Simboliza que la persona que se encuentra en ella está en los dos mundos, el celeste y el terrenal. Con anterioridad, esta forma almendrada también se había usado pero con la connotación del pez. Los primeros cristianos, además, usaban el pez para identificarse así que es bastante probable que estas dos connotaciones estén unidas. Línea: Una gruesa línea negra separa lo celestial, arriba, y lo terrenal, abajo. Trono: La gruesa línea que divide en dos la mandorla mística, decorada con motivos vegetales, se ha querido ver como el trono de Cristo en majestad. Juan: Rodeando la imagen del Pantocrator, el Cristo en Majestad, se encuentra el Tetramorfos. Se representa a cuatro ángeles portando los símbolos de los Evangelistas. Así, el que marco simboliza a San Juan con el águila. Mateo: Rodeando la imagen del Pantocrator, el Cristo en Majestad, se encuentra el Tetramorfos. Se representa a cuatro ángeles portando los símbolos de los Evangelistas. Así, el que marco es San Mateo, que era representado con un ángel. Letras: En ambos lados de la cabeza se encuentran las letras alfa y omega. Es la simbología del principio y el fin, ya que Cristo era el comienzo y el final. Nimbo: Rodea la cabeza de Cristo en Majestad un nimbo o aureola de divinidad. Teofanía: La representación de una aparición de Cristo se denomina en iconografía: teofanía.



UNED CONTENIDO: El programa iconográfico es también arquetipo del mensaje adoctrinador del arte románico. Un Pantocrator (2) impresionante, de tamaño superior a los otros personajes, preside la composición. Sentado sobre la bóveda celeste (3) con los pies sobre el escabel de la tierra, flanqueada por las letras griegas alfa y omega. (4) principio y fin de todas las cosas, transmite toda la majestad que emana del texto

apocalíptico. La mandorla (5) simboliza la luz que emana de su ser divino y, en su órbita planea el tetramorfos (6). Cuatro ángeles sostienen los símbolos de los evangelistas. Equilibran la composición los seres apocalípticos con ojos abiertos por todo el cuerpo. El segundo registro, separado del clestial por una banda con los nombres de los representados, remite a la Iglesia. Los santos y María, entre arcadas, simbolizan, hieráticos, las columnas de la fe.

ESTILO: Los frescos de san Clemente de Tahüll no fueron fruto de la evolución de la pintura de la región, sino una creación única cuyo impacto provocó innumerables imitaciones que no lograrían superarla. El Maestro de Tahüll, probablemente era italiano, parece adscrito a la influencia que llegaba de Italia y que arraigó en Cataluña principios del siglo XII, generando un estilo autóctono sobre la base de su herencia prerrománica

REALIZADO POR: Rosa Mª de la Torre Tercero BIBLIOGRAFÍA: http://arte.observatorio.info/2008/03/pinturas-de-san-clemente-de-tahull-h-1123 Ramirez, JA- HISTOIA DEL ARTE MEDIEVAL EDAD MEDIA. Alianza Editorial. Madrid 2004 • •



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LAMINA – SANTO DOMINGO DE SILOS (BERMEJO)

TÍTULO Santo Domingo de Silos (1474–1477) AUTOR: Bartolomé de Cárdenas o Bartolomé Bermejo (1440 – h. 1500) FECHA: 1474 MUSEO: Museo del Prado CARACTERÍSTICAS: 242 x 130 cm. MATERIAL: Oleo sobre tabla TÉCNICA Temple y óleo sobre tabla. ESTILO: Pintura Española (Siglo XV). Descripción: Santo Domingo de Silos entronizado como abad posiblemente sea la obra más divulgada del autor. Era la tabla de un retablo que se hizo para Daroca, en Aragón. Data de 1474-1477, la más antigua de las suyas que se conocen.

ANÁLISIS FORMAL:



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ELEMENTOS PLASTICOS: En esta obra aparecen algunas características que aprendió en Flandes seguramente, aplicadas por Bermejo con una gran perfección. Algunas de ellas son la técnica al óleo y esa capacidad de pintar con un gran realismo, muy típico del mundo flamenco. Es un realismo que se ve en las arrugas de las mejillas, en la barba recién afeitada. Sus obras, sin embargo, se diferencian de las flamencas en que estos cuadros tienen un formato pequeño mientras que las dimensiones de los cuadros de Bermejo son bastante grandes, al tiempo que hallamos un peculiar contraste entre las luces y las sombras, siendo ésta una característica más bien del primer Renacimiento italiano. Otro aspecto que diferencia a Bermejo del mundo flamenco lo encontramos en los colores. Las tonalidades de Bermejo son más oscuras y con menos variedad que los flamencos. Bartolomé Bermejo es considerado como uno de los más importantes artistas góticos españoles. A pesar de ello, no se conocen muchos datos de su vida. Se sabe que nació en Córdoba. Por su estilo, se supone que estudió en Flandes. Analizando la obra, vemos que el color vino del terciopelo de la dalmática; el verde adamascado del interior de la capa pluvial; alguna zona exterior de esta y las tapas del libro; el blanco de la camisa; y los diferentes colores de los atuendos de las pequeñas figuras de las virtudes conforman el contrapunto cromático de los oros que predominan en la tabla. Un prodigioso y laborioso dibujo confiere gran fuerza expresiva a la cara del Santo, cuya penetrante mirada, lábios carnosos, nariz alargada, arrugas y papada parecen los de un personaje vivo. Suaves sombreados ayudan a moldear escultóricamente el rostro. Hasta el mínimo detalle está minuciosamente representado en el dibujo Así vemos el velo trasparente que rodea el báculo que corrobora el virtuosismo de Bermejo y su excelente dominio de las técnicas flamencas.

COMPOSICIÓN: En el centro, Santo Domingo de Silos mira frontalmente al espectador, tras haber interrumpido la lectura de un libro que tiene entre sus manos. Está revestido con capa pluvial (ajustada con un broche), mitra de rica pedrería y báculo con astil de plata. La cátedra en que descansa destaca por los dorados, las labores de taracéa mudéjar (la ciudad de Daroca es uno de los más importante centros del mudéjar aragonés), las tracerías de estilo gótico y las elegantes figuras femeninas, encarnaciones de las virtudes.



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CONTENIDO Y SIGNIFICADO: Esta imponente tabla perteneció a un retablo de la iglesia de Santo Domingo de Silos en Daroca (Zaragoza). Se sabe que Bartolomé Bermejo firmó un contrato en 1474 para realizarlo, que tres años después estaba terminada la tabla central y que la obra se finalizó en 1479. En el contrato se acordaba que el retablo estaría dedicado a Santo Domingo de Silos, cuya figura presidiría la tabla central, rodeada con escenas alusivas a su vida, y coronado por un Calvario. La estructura debía constar de una predela, con representaciones de distintos santos, y un guardapolvo. El conjunto se desmembró y se desconoce su paradero, a excepción de esta tabla central y otra de un santo, quizás San Isidoro, conservada en Chicago, en la que probablemente intervino el taller. En esta tabla, Bermejo confiere al santo benedictino la solemnidad de un abad mitrado, cuyo báculo simboliza su poder; tal como se les recuerda a obispos y abades en el momento de su consagración, estos deben ser piadosamente severos en corregir los vicios, juzgar sin ira y alentar los ánimos hacia la consecución de las virtudes Así vemos como Santo Domingo de Silos aparece entronizado y su rostro refleja una fuerte personalidad, con unos rasgos de intenso realismo. Sostiene un libro con sus manos, tal vez el texto de la Reforma que llevó a cabo en la abadía de Silos, apoyado en su brazo lleva el báculo como símbolo de autoridad. En el contrato se estipulaba que el santo debía estar representado como obispo, pero el velo anudado en el báculo alude también a su condición de abad. La vestimenta que luce enriquece la lectura de la imagen y le convierte no sólo en un personaje pontifical -mitra, capa pluvial, dalmática –, sino que también le confiere un carácter sagrado. La cenefa de la capa de brocado está ornamentada con figuras de santos, perfectamente identificados por sus atributos. A la izquierda: San Pedro, Santa Bárbara, San Andrés y Santa Polonia. A la derecha: Santa Catalina, San Bartolomé, Santa Marta o Santa Quiteria.



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VIRTUDES TEOLOGALES. El trono gótico, apoyado sobre una plataforma, está decorado con figuras escultóricas que representan las Siete Virtudes. En la parte superior las teologales: Las siete virtudes aparecen, pues, representadas simbólicamente tras el santo: las tres virtudes teologales en el respaldo de la cátedra: la Fe (1), con mitra, báculo y cáliz; la Esperanza (2), con un arbolillo en la mano; y la Caridad (3), protegiendo a los desvalidos. Las cuatro virtudes cardinales se encuentran a los lados del santo, bajo los pináculos laterales; La Justicia (4), sosteniendo la balanza y la espada; la Fortaleza (5), manteniendo a raya al demonio; la Prudencia (6), en el otro lado, leyendo un libro mientras se ilumina con una tea; y la Templanza (7), que se sirve vino con moderación.

VIRTUDES CARDINALES. En 1869 esta tabla fue llevada al Museo Arqueológico Nacional de Madrid por el erudito Paulino Savirón. Desde 1920 se encuentra en el Museo del Prado debido a un canje de piezas artísticas entre ambas instituciones museísticas.



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Autor: Santo Domingo de Silos nació en La Rioja a comienzos del siglo XI. Ingresó en la orden de los benedictinos y fue prior del monasterio de San Millán de la Cogolla, por entonces perteneciente a tierras navarras, que tuvo que abandonar por no acatar las exigencias del rey García de Nájera. Se refugió en Castilla, bajo la protección del obispo de Burgos y del rey Fernando I. En 1041 fue llamado por este monarca para regir el convento de San Sebastián de Silos. Por su labor espiritual, su formación intelectual y su dedicación al engrandecimiento del monasterio, fue elegido abad en 1047, cargo que ocupó hasta su muerte. A lo largo de toda su vida luchó por la liberación de los cristianos cautivos de los moros. Murió el 20 diciembre de 1073 y está enterrado en la abadía silense, que cambió de nombre en su honor. Santo Domingo de Silos.Trabajó principalmente en los territorios de la Corona de Aragón. Colaboró con Martín Bernat y Miguel Ximénez, a los que se considera sus continuadores. Se piensa que pudo estar en Valencia, después se documenta su actividad como pintor en Zaragoza (1474-1477), Barcelona (1486-1495) y después, es posible que pasara a Castilla, por encargo de Isabel la Católica.

ESTILO: El cenit de la pintura gótica hispano flamenca está en esta obra de Bermejo. El empleo de la técnica del óleo, el uso de la perspectiva, el realismo y la minuciosidad en la representación de los detalles pone a Bermejo a la altura de los grandes pintores de los Paises Bajos. El gran éxito de Bermejo reside en haber sido capaz de reinterpretar con originalidad las influencias y adaptar su arte a los gustos y necesidades de la cientela hispana. De esta obra se conoce con seguridad una fecha concreta, el 5 de septiembre de 1474, que es cuando Bermejo contrata la ejecución de este retablo para la iglesia de Santo Domingo en Daroca. La tabla central es donde aparece sentado el santo y está rodeado por las siete virtudes. Los laterales los terminó su discípulo Martín Bernat. La obra de Bartolomé Bermejo se enmarca en la pintura gótica del siglo XV, dentro de la tendencia hispano-flamenca. Aunque nació en Córdoba, su estilo no es andaluz, sino que es el maestro más representativo de la escuela aragonesa, desarrollando en estas tierras la mayor parte de su trayectoria. Su estilo está influido por la escuela flamenca, en particular por Roger van der Weyden, Jan van Eyck y Dirk Bouts. En su estilo destaca dominio de la perspectiva, la representación minuciosa de los detalles y la óptima técnica al óleo son característicos del arte flamenco. De este hecho se deduce que muy posiblemente se formara en la Flandes o con pintores de esta escuela. Otros rasgos son su profunda fuerza y el naturalismo en el paisaje. Ignorado por la historiografía del arte durante siglos, el descubrimiento de este pintor se remonta a principios del siglo XX. Hoy en día, Bermejo es uno de los más conocidos pintores españoles. . Francisco Zueras le dedicó un estudio.

LAMINA REALIZADA POR: Rosa María de la Torre Tercero (C.A.Elche) BIBLIOGRAFÍA: .Juan Antonio RAMIREZ y otros. (Hª DEL ARTE: LA EDAD MEDIA) Tomo 2 Alianza Editorial . Madrid 2004 FOTOGRAFÍAS: : http://museoprado.mcu.es •


Historia-Del-Arte-Medieval-79.pdf

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