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APRECIACIÓN A LA ESCULTURA GUIA DEL SEGUNDO PARCIAL

ZAMBRANO VARGAS MARIA ISABEL

APRECIACIÓN A LA ESCULTURA – II PARCIAL

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 2.1. Redacte un texto que señale las razones que permiten que se den las representaciones escultóricas en Grecia con las características particulares que toman, luego redacte las características de las tres épocas más importantes de la escultura griega.

El arte griego viene determinado por una serie de características generales que se encuentran ligadas profundamente a la esencia del pensamiento griego clásico. Podríamos sintetizarlas en los siguientes apartados. 

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Los griegos sentían una necesidad profundamente arraigada de descubrir un orden en el flujo de la experiencia física y psicológica. Los griegos pretendían hallar un orden (cosmos) que explicase la experiencia ante la ansiedad que les producía la irracionalidad aparente de la experiencia. Por ello basaron su arquitectura en la medida y la proporción. La medida y la proporción de las formas singulares da lugar, una vez que se inserta en un conjunto, a la armonía. Todos los elementos singulares del edificio deben estar basados en la proporción. El todo, compuesto por esas singularidades, dará lugar a la armonía. La armonía, basada en la medida y la proporción del hombre, constituye la idea de belleza que rige toda la producción artística griega. Los griegos representarán lo específico a la luz de lo genérico, esto es, una idea de belleza cuyo referente es el hombre, derivada de una explicación racional del universo. La escultura griega plantea un estilo naturalista, que pretende imitar la realidad, pero idealizado, esto es, en función de un ideal de belleza que se basa en la proporción, la simetría y la armonía.

La mayoría de esculturas griegas desaparecieron, pero quedan suficientes para reconstruir su historia a grandes rasgos. Por otra parte, en la época romana se copiaron y adaptaron muchos modelos y famosas esculturas griegas, que se han conservado gracias a dichas reproducciones. La mayoría de las esculturas griegas eran de carácter religioso, por lo menos en los primeros tiempos. Algunas se empleaban en la decoración de los templos, otras en los monumentos votivos erigidos en los santuarios, y otras como estatuas para el culto en el interior de la naos del templo. En este sentido, la escultura griega estaba supeditada a un marco arquitectónico. La escultura conmemorativa representó también un papel importante. Una victoria militar podía celebrarse con la erección de una estatua o de un grupo, el triunfo en una competición atlética con la estatua del vencedor, o la firma de un tratado entre dos ciudades con la erección de una estela. Los temas de la escultura griega pueden dividirse en dos grupos principales:1)



Temas que ilustraban los múltiples mitos de los griegos, con las historias de sus dioses y los hechos valerosos de sus héroes. 2) Temas que reflejaban la vida diaria de la época, o sea, competiciones atléticas, luchas de guerreros, mujeres con niños y sirvientas y plañideras en las tumbas. Raramente se ven representadas directamente escenas y batallas históricas, de gran importancia en el arte mesopotámico, egipcio y romano. En su lugar se hallan los encuentros míticos entre dioses y gigantes, griegos y amazonas, y lapitas y centauros, como símbolos de los conflictos bélicos del pueblo griego. Al parecer la erección de retratos de personajes importantes a cargo de sus parientes o del Estado comenzó en el siglo V a. C., colocándose más habitualmente en los lugares públicos que en las casas particulares, por lo menos hasta la época helenística. La escultura griega se basó en la representación ordenada y bella del ser humano. El anhelo de orden cósmico del pueblo griego dio como resultado la fijación de un esquema permanente, de un sustrato inmutable por el que podía medirse y explicarse la experiencia caótica. El reconocimiento del orden y la medida en los fenómenos era la base de un ideal espiritual. Estas dos fuerzas fundamentales del pensamiento y la expresión griegos –ansiedad provocada por la irracionalidad aparente de la experiencia, y la tendencia a aplacar esta ansiedad mediante el hallazgo de un orden que explicase la experiencia- tuvieron un profundo efecto en el arte griego, y son la raíz de sus dos principios estéticos fundamentales: 1) El análisis de las formas en sus partes componentes. Se dota de unidad a la multiplicidad de las cosas encontrando bases comunes para todas ellas. La diversidad de formas de la naturaleza se reduce si se miran todas ellas como combinaciones de un número limitado de formas geométricas. 2) Representación de lo específico a la luz de lo genérico. Los artistas griegos tendieron a buscar las formas típicas y esenciales que representaban la naturaleza esencial de las clases de fenómenos. Se representaba la especificidad de un hombre a la luz de un concepto general del hombre. La coherencia y el límite son características del orden; la diversidad es más a menudo propia del caos. Los principales materiales usados por los griegos para la escultura mayor eran la piedra (caliza y mármol), el bronce, la terracota, la madera, la combinación de oro y marfil y, ocasionalmente, el hierro. Las que se han conservado son generalmente de piedra. La madera se desintegró, el oro y el marfil eran demasiado valiosos para conservarse intactos, el bronce se fundió en casos de emergencia y el hierro se ha corroído. Las esculturas de piedra se hicieron siempre a cincel. Las herramientas básicas usadas por los griegos fueron el punzón o puntero, el buril y los diversos cinceles, todos ellos manejados junto con la maceta. Las distintas partes de las obras se solían ensamblar a través de grapas de metal y espigas de piedra que generalmente se pegaban con plomo fundido. Cada escultura de piedra, ya de caliza o de mármol, se pintaba total o parcialmente. Otra práctica habitual era la



añadidura de accesorios de diversos materiales: ojos hechos de piedras de colores, vidrio o marfil, o se añadían rizos, diademas y coronas de metal e incluso pendientes y collares, así como lanzas de metal, espadas, riendas y bridas. El bronce fue el metal favorito para la estatuaria durante toda la historia de Grecia. Las más antiguas esculturas de bronce eran sólo chapadas, sobre un alma de madera. Más adelante se introdujo el vaciado. Se empleaba tanto el método de la cera perdida como el molde de arena. Los bronces griegos se dejaban en su color dorado natural; las pátinas que generalmente los recubren en nuestros días se deben a la acción del tiempo. En ocasiones se empleaba la terracota para la decoración de los templos y ocasionalmente para figuras votivas o religiosas, como un sustitutivo pobre de la piedra. Las estatuas griegas crisoelefantinas (de oro y marfil) se realizaban sobre un molde de terracota, reforzándose las de mayores dimensiones con barras de hierro. El oro se adornaba luego con incrustaciones de vidrio. Los períodos del arte griego son: 

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Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones. Fase orientalizante: s. VII - principios s. VI a.C. Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo. Período clásico: siglos V y IV Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C. Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo IV. Período helenístico: 323 - s. I a.C. o o

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Periodo Arcaico

La escultura griega arcaica (600-480 a. C.) nace de la asimilación por parte del pueblo griego de los cánones estéticos de la escultura oriental. Sin embargo, desde el principio los griegos pusieron su mirada con mayor fijación en la belleza formal que sus colegas orientales. Dos tipos genéricos dominarán la escultura griega arcaica: el atleta desnudo o kouros y la mujer vestida o kore. Los kouroi eran estatuas funerarias o votivas que conmemoraban, reencarnaban de hecho, a hombres que habían muerto jóvenes y que se pensaba que tenían una existencia de ultratumba como héroes. Estas estatuas, tanto masculinas como femeninas eran exvotos conmemorativos asociados a fines religiosos. Los kouroi son el tipo escultórico que crearon los griegos para representar el ideal de belleza masculina. Obedecen a la ley de la frontalidad, que se basa en que la línea que pasa entre las cejas, nariz y ombligo, debe dividir el cuerpo en dos partes iguales y exactamente contrapesada; presentan los brazos caídos a lo largo del cuerpo y manos cerradas y pegadas a los muslos; cabeza cúbica adornada por una melena larga y maciza. Su actitud más corriente es la de marchar, avanzando la pierna izquierda. Se representa siempre con el cuerpo desnudo y carente de musculatura.



Ejemplos típicos de kouroi son los gemelos Cleobis y Bitón (hacia 600 a. C.) y el kouros de Anavysos (530 a. C.). Destacan también dos esculturas encontradas en la acrópolis de Atenas que no son kouroi en sentido estricto: el Moscóforo (570 a. C.) y el Jinete Rampin (560 a. C.). El primero es un joven que porta un ternero sobre sus hombros y en él se observa un mayor tratamiento anatómico. El Jinete Rampin es la estatua ecuestre más antigua conocida en Grecia y está realizado en mármol. Las korai son figuras femeninas, posiblemente doncellas de carácter votivo. El desnudo femenino en Grecia es algo tardío y sólo se produce cuando la ocasión lo requiere o justifica. El ideal femenino se identificará con el vestido y el atuendo digno. Las korai aparecen vestidas, envueltas en una larga y ceñida túnica encima de la cual se dispone el manto o peplo. Suelen recoger con una mano, los pliegues del vestido o bien cruzan un brazo por delante del cuerpo. Entre las primeras destaca la Dama de Auxerre (650 a. C.) y la Hera de Samos (570-560 a. C.). Con un estilo más naturalista, sobresalen la koré de la acrópolis de Atenas (510 a. C.) y la Kore del peplo (530 a. C.). El estilo severo (480-450 a. C.) es una época

de transición entre el período arcaico y el clasicismo del s. V a. C. En este período de transición hay que citar al escultor Kritios, cuyo nombre va ligado a la aparición del contraposto. Aunque no existe constancia de que descubriera el contraposto, éste aparece plasmado por primera vez en una obra suya, el llamado Efebo de Kritios (480 a. C.). El contraposto es un esquema que se define por la contraposición de los miembros a partir del juego de piernas, que acusa la diferencia funcional entre pierna de sostén, sobre la que recae el peso del cuerpo, y por tanto, se mantiene tensa, y pierna exonerada (liberada de peso) que se flexiona. La cadera del lado de la pierna en tensión queda más alta que la de la pierna en descanso, y un idéntico desequilibrio afecta a los hombros, pues cabeza y cuello giran levemente en dirección de la pierna exonerada. A Kritios también se le atribuye el grupo de los Auriga de Delfos Tiranicidas, obra original de bronce que realizó en colaboración con el escultor Nesiotes. Otras obras importantes de este período de transición son: el trono Ludovisi (mediados s. V a. C.), en cuyo frente principal se representa el nacimiento de Afrodita en un relieve muy bajo que destaca por la transparencia de los pliegues, dejando traslucir el desnudo femenino; Auriga de Delfos (primera mitad s. V a. C.), original de bronce de 1,80 m de altura, en el que destaca el naturalismo del rostro, su severidad expresiva que abandona la sonrisa arcaica, y el juego del plegado con variaciones en las mangas, en el pelo, en la cintura y en las acanaladuras verticales;



Poseidón de Cabo Artemisón (hacia 460 a. C.), obra en bronce que representa al dios en el momento de lanzar el tridente, pretexto usado por el escultor para realizar un estudio naturalista del cuerpo masculino. Dos frontones destacan en el panorama escultórico del estilo severo. En primer lugar, los frontones del templo de Afaia en Egina (490 a. C.) y los frontones del templo de Zeus en Olimpia (470-450 a. C.). Periodo Clásico

El período clásico (s. V a. C.) se inicia con Mirón, que según los especialistas, es el escultor que mejor representa la transición entre el estilo severo y la época clásica. Trabaja en la primera mitad del s. V a. C. y le interesaba, sobre todo, la captación del cuerpo humano en movimiento, preocupación estética en él facilitada por el empleo del bronce. Su obra más característica y conocida es el Discóbolo, en el que se representa el cuerpo de un atleta en el mismo momento en que, inclinado hacia delante en el límite del equilibrio, eleva el brazo para lanzar el disco. La novedad de esta obra se encuentra en la representación del movimiento en potencia, pues se sintetiza el movimiento y el tiempo en un momento ideal de la acción concentrada del atleta, el instante previo al lanzamiento. Además, Mirón realiza un estudio anatómico enormemente naturalista del cuerpo humano en esta creación. En el grupo de Palas Atenea y Marsias, Mirón refuerza la sensación física y de sobresalto, señalando la expresión serena de la diosa y el gesto salvaje y teatral de su oponente. Polícleto es otra gran figura del arte clásico. Pertenece a la escuela de Argos y su producción abarca entre 460-420 a. C. Fue broncista y se especializó en temas atléticos. Su atención gira siempre en torno a la representación del cuerpo humano desnudo y por la corrección de sus proporciones. Polícleto es un teórico que escribe el Kanon, donde encierra el resultado de un minucioso estudio de proporciones, a través del cual define la belleza como la relación armoniosa de unas partes del cuerpo con otras, y de éstas con el todo. Estos principios los expone en su Doríforo, obra en bronce en la que se representa a un lancero en actitud de Doríforo marcha sosegada y tranquila. Es el prototipo de un cuerpo masculino sometido a un módulo aritmético, según el cual la cabeza es la séptima parte del cuerpo. Mantiene también, el principio tradicional de un solo punto de vista frontal, donde puede admirarse el contorno en toda su claridad y belleza. Otra obra importante es el Diadúmeno, un atleta ciñéndose la



cinta a la cabeza. Es similar a la obra anterior, pero de formas más blandas y actitud más movida. A mediados del s. V a. C., Pericles llevaba a cabo el embellecimiento de Atenas, cuyo programa de construcciones estaba financiado con los fondos de la Liga de Delos. El centro de embellecimiento era la acrópolis de Atenas y concretamente el templo de Atenea Parthenos. Fidias fue el supervisor de estas obras. Fidias empezó a trabajar tras la expulsión de los persas, hacia 470 a. C. Por estos años estuvo al frente de las obras de la acrópolis como inspector general de las obras. Fue denunciado ante la asamblea ateniense por un robo de materiales destinados a la estatua de Atenea Parthenos y debió abandonar la ciudad. Marchó a Olimpia, donde posiblemente murió hacia 430 a. C. En las obras de Fidias se encarna de manera perfecta el ideal de belleza clásica basado en el naturalismo idealizado, la proporción, el equilibrio y la armonía. Su obra está preocupada por dotar a sus figuras religiosas de un contenido espiritual grave y digno, el olimpismo o condición solemne de lo divino, basado en el pondus (ponderación) y en la maiestas (majestad). Entre sus esculturas exentas más importantes, se encuentran las siguientes: Atenea Lemnia, sin casco ni lanza, representada como diosa dispensadora de la paz, con la cabeza descubierta, el casco en la mano y la égida terciada sobre el pecho, mostrando los rasgos normativos de la belleza clásica femenina (labios menudos, mejillas lisas, perfil casi perpendicular al plano horizontal que corta la cabeza); hacia 447 a. C. comenzó la estatua de Atenea Parthenos, creación crisoelefantina para el Partenón, que medía casi 12 m de altura, vestía un peplo ático e indumentaria militar, el peso del cuerpo gravitaba sobre la pierna derecha y en su actitud se compaginaba la naturalidad y la solemnidad. La decoración de relieves del Partenón fue acometida por su taller, bajo la dirección del maestro. Comprende tres series: frontones, metopas y frisos. En los frontones se narra el nacimiento de Atenea y la pugna entre esta diosa y Poseidón por la posesión de la colina sagrada. De los frontones se conservan restos en el Museo Británico, caracterizados por los finos pliegues de sus indumentarias, que se ciñen al cuerpo en movimiento y bajo las que se contemplan las formas anatómicas (drapeado o técnica de los paños mojados). Las metopas narran cuatro luchas mitológicas que simbolizan el conflicto cósmico del Orden y el Caos (griegos y persas): Centauromaquia, Amazonamaquia, Gigantomaquia y Guerra de Troya. Son composiciones triangulares con figuras de movimientos libres y variados, con relieves muy voluminosos (casi bulto redondo) y una gran variedad compositiva que evidencia una multiplicidad de actitudes y expresiones de los personajes. El friso del muro de la naos, mide unos 200 m, y en él se representa la procesión de las Panateneas, que marchan a ofrecer el tradicional peplo a la diosa, acompañadas por la población ateniense. En la obra destaca la composición armónica en la que las figuras se reparten a intervalos regulares, el estudio del movimiento y el uso del escorzo y otros efectos perspectivos en la disposición de los personajes. La escultura clásica cuenta con una nueva fase de evolución en el s. IV a. C. Tras la guerra del Peloponeso (finalizada en 404 a. C.) comienza una nueva fase en la escultura griega en la que Atenas pierde su papel director. Frente a la serena grandiosidad divina del estilo de Fidias, aparece una representación más



humanizada de los dioses, las formas se tornan más mórbidas y la pasión comienza a rastrearse en los rostros de las figuras. Praxíteles, nacido en Atenas alrededor del 400 a. C. trabajó en dicha ciudad como broncista y escultor de mármol entre 380 y 330 a. C. Las obras de Praxíteles se caracterizan por su gracia y blandura, de suerte que los dioses adoptan actitudes indolentes, describiendo sus cuerpos la suave curva praxiteliana, mientras que el sobrio modelado fidiaco es reemplazado por formas mórbidas y blandas con un evidente deseo de acariciar la superficie del mármol. Rasgos generales de sus obras son la delicada torsión de las figuras, el uso del trépano en los cabellos (efectos plásticos de claroscuro) y los esquemas variados, a veces con un brazo levantado y un plano anterior claro en el que se ponen de relieve las excelencias del contorno sin consentir nunca que el brazo corte la silueta del cuerpo. Entre sus obras maestras destaca la Afrodita Kinidia, que se representa desnuda con actitud pudorosa y en el trance de tomar un baño, Hermes de Olimpia, original de mármol del autor, y Apolo Sauróktonos que se dispone a lanzar una flecha sobre un lagarto. Otro escultor famoso del s. IV a. C. fue Skopas, nacido en la isla de Paros hacia 380 a. C. Trabajó el mármol, creando una escultura marcada por el patetismo, la tragedia y el furor. Para ello, Skopas usó la línea curva, creando composiciones dinámicas de gran expresividad y fuerza. Sus personajes destacan por sus bocas entreabiertas, rostros anhelantes y movimientos vertiginosos. Son creaciones suyas la cabeza de Meleagro procedente del mausoleo de Halicarnaso y la Ménade furiosa. En la época y la corte de Alejandro Magno, florece el tercer gran escultor del s. IV a. C.: Lisipo. Lisipo reconocía como maestros a la naturaleza y al Doríforo de Polícleto, lo que lleva implícito el afán de sujetarse a un canon o medida. Junto a esta preocupación por la proporción y la medida, revisa la imitación de la naturaleza teniendo en cuenta la apariencia de los modelos naturales. Supone un paso decidido hacia el naturalismo, pues Lisipo representaba atletas de pesadas musculaturas, niños de anatomías realmente infantiles y viejos con claros signos de decrepitud. Su obra mejor documentada es el Apoxiomeno, que representa a un atleta que se encuentra limpiándose con un strigiles la piel cubierta de polvo. La obra incorporaba importantes novedades: canon más esbelto con reducción del volumen de la cabeza, posición poco estable, porque la pierna derecha retrasada no se apoya con fuerza en el suelo, además, la extensión del brazo derecho hacia delante ocasiona un profundo escorzo con la incorporación de la profundidad. Por último, el brazo izquierdo corta al derecho en ángulo recto y se interpone entre el espectador y el plano principal de la estatua. O sea, responde a nuevos ideales escultóricos como: naturalismo, canon más esbelto, impresión de profundidad, movimiento, variedad de puntos de vista. Estos mismos principios rigen el resto de sus obras: Eros tensando el arco, estudio de la anatomía infantil, Afrodita de Capua, ideal de belleza femenina con un modelo más esbelto que el praxiteliano, y Hércules Farnesio, inspirado en Polícleto pero aumentando su anatomía y la impresión de profundidad. Periodo Helenistico



La escultura helenística (323-31 a. C.) se inicia tras la muerte de Alejandro Magno. La escultura griega, extendida por Asia Menor y Egipto, continúa evolucionando, conservando su vigor después de la conquista romana. Pero ya no es Grecia ni Atenas el único centro del arte, sino que encontramos otros lugares relevantes repartidos por Asia Menor y Egipto. La escultura helenística se caracteriza por: influencia de los maestros griegos del s. IV a. C., Praxíteles, Skopas y Lisipo, cuyos cánones formales se repetirán en este período; interés por la anatomía, insistencia en marcar los músculos con el consiguiente incremento del claroscuro; uso de la perspectiva y de la profundidad en el relieve; representación anecdótica de los temas, lo que supone un incremento de escenas mitológicas de amor, cómicas, realistas, grotescas, deformes o intensamente violentas; el retrato descubre nuevas posibilidades, insistiéndose en la individualidad del retratado. Las principales escuelas helenísticas fueron: 1) Atenas. En esta escuela se crean obras como la Venus de Milo, bello desnudo femenino, majestuoso, de rostro sereno, y el Sátiro Barberini, inconcebible por el desenfado de su actitud, en siglos anteriores. 2) Pérgamo. Entre 250 y 200 a. C. sus obras mejor documentadas son las estatuas de gálatas del monumento que Atalo I levantó hacia 228 a. C. y obra posiblemente de Epígono. Dentro de ese conjunto destaca el Galo moribundo. Entre 197 y 159 a. C., cuando la ciudad alcanza el máximo de su expansión y riqueza, la actividad artística se centra en torno al gran altar construido por iniciativa de Eumenes II en honor de Zeus y Atenea. 3) Alejandría. La ciudad fundada por Alejandro en la desembocadura del Nilo se convierte en el centro del Egipto helenístico y en uno de los emporios comerciales más poderosos del Mediterráneo. 4) Rodas. La escuela de Rodas destaca por su movimiento e Laocoonte intensidad expresividad. Entre sus creaciones destaca la Victoria de Samotracia atribuida a Pithókritos de Rodas hacia 190 a. C, de gran movimiento y agitación en sus paños. El Laocoonte es una famosa obra helenística cuyo original se debe a tres artistas de la misma familia: Agesandro, Polydoros y Athenodoros, hacia 50 a. C. La obra trata un tema patético descrito por Ovidio y Virgilio: el castigo de Laocoonte, sacerdote de Apolo y de sus hijos, engullidos por serpientes enviadas por los dioses. Se manifiesta el carácter abigarrado, de exagerado naturalismo y expresivo de la escuela de Rodas. Sólo posee un punto de vista frontal.



Señale como la escultura Griega influyó en la escultura del Renacimiento

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso. El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David. Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana, que se había olvidado casi por completo durante la Edad Media en la labra de piedra finas (salvo algunas muestras de arte bizantino), y desde el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de gusto clásico, tan perfectos que, a veces, llegan a confundirse con los antiguos. No obstante, apenas sí alcanzó a restablecerse el uso de los entalles de piedra fina, tan predilectos de las civilizaciones griega y romana. Estos pequeños relieves sirvieron como modelo, una vez agrandados, para la decoración por parte de escultores en grandes medallones para palacios de Italia y Francia.



Seleccione el autor más importante de la época donde se evidencien las influencias y las obras.



Gian Lorenzo Bernini, es el principal escultor de la época del Barroco, describa cómo es la obra escultórica de este autor e identifique las características que posee su escultura con ejemplos.











Visite el museo virtual de Rodin: analice y describa las características de tres obras fundamentales del autor que encuentra en el recorrido realizado, enumerando las características de cada una de ellas y las técnicas trabajadas. Los burgueses de Calais

Rodin convivió con el impresionismo pictórico y confirió a su obra una estética singular, precursora del expresionismo, que puso fin al esfuerzo de imitación de la realidad que aún entonces lastraba la escultura tradicional. Además de eso, se atrevió a introducir nuevos recursos plásticos como el énfasis en la anatomía para expresar la espiritualidad humana La escultura está realizada en bronce, mide dos metros de alto y cerca de 2.5 metros de ancho. Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos con ropajes similares. No se representa jerarquía alguna en el grupo y dirigen sus miradas a puntos diversos. Cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos permanecen tranquilos. Las figuras forman un grupo completo, sin embargo permanecen libres entre ellos, están a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendes y sus desproporcionadamente grandes manos y pies. Los ademanes de los hombres forman en conjunto un pausado movimiento rotatorio dentro de la escultura. Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador. Cada rostro refleja rasgos individuales y expresiones variadas Las puertas del Infierno

Obra escultórica de Rodin elaborada en material Bronce con la técnica del vaciado. Tiene una dimensión de 6.35 m. de altura, 4m. de ancho y 1m. de profundidad. Contiene 180 figuras de entre 15 cm y más de 1 metro y tiene como figura central al Pensador. Durante su visita en Italia, Rodin se inspiró para la elaboración de su obra, parcialmente, en la catedral de Orvieto y en el baptisterio de San Juan. Este último tuvo una influencia decisiva, en particular por la puerta este, conocida como



Puertas del Paraíso. Su inspiración literaria fue la Divina Comedia de Dante. Tal vez se trate de una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sus sombras. Romanticismo y simbolismo se aprecian en esta obra, que tal vez por su temática se aleja de los intereses de los impresionistas, a los que sin embargo se acerca dada su preocupación por los efectos de la luz u por afinidad artística y personal. El beso

El beso es una obra escultórica realizada en bulto redondo por el artista impresionista August Rodin (1840 – 1917). El beso tiene fuerza y dulzura por igual, la multiplicidad de sus puntos de vista hace que el espectador pueda rodear la obra y encontrar en ella multitud de detalles. Los cuerpos desnudos y entrelazados de los dos amantes, se funden como si solo fueran uno y la pasión del beso hace al espectador partícipe de ese íntimo momento. Son cuerpos naturalistas pero ligeramente idealizados; él está representado con un espíritu protector mientras que Francesca es la versión más apasionada de la pareja. El contraste entre los cuerpos de los amantes escrupulosamente tallados contrasta con el soporte que, apenas sin devastar, tiene un aspecto de non finito. Los juegos que las luces y sombras provocan en las distintas superficies ofrecen, si cabe, aún más plasticidad a la obra. El modelado flexible y liso, la composición muy dinámica y el tema encantador, hicieron que este grupo tuviera un éxito inmediato. El proceso por el cual está hecha la escultura es el vaciado Henry Moore Hace importantes aportes a la escultura Moderna, señale a través de sus obras los aportes más importantes de este artista organicista

Al amanecer los primeros rayos del sol su calidez se asienta en la frialdad de gigantes y sinuosas siluetas de bronce, que adquieren las formas de inclinadas mujeres y abstractos espacios vacíos para la imaginación del espectador. Monumentos con vida, con historia, que forman parte de la de un gran artista británico moderno: Henry Moore. Siete bronces monumentales de la época tardía de Henry Moore se exhiben por unos días en el ayuntamiento de Valencia, de la mano de Obra Social La Caixa, para mostrar las obsesiones del creador -madres e hijos, figuras yacentes-, se trata de



bronces realizados entre 1960 y 1980, seis años antes del fallecimiento del escultor británico, y reflejan los grandes asuntos que lo inspiraban, como la relación entre madre e hijo. Una de las piezas combina esta obsesión con otra de sus temáticas favoritas, las figuras reclinadas, con piezas conectadas que sugieren que la exterior es la madre que protege al hijo, la más interna. A miles de kilómetros de su emplazamiento original, esta obra de Moore se ilumina bajo los rayos del sol mediterráneo. Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo, en la que la forma de la escultura se desarrolla mientras el artista talla el bloque.

Mujer reclinada La Primera Guerra Mundial dejó una huella profunda en Henry Moore describiéndola como “el gran derramamiento de sangre y dolor, la insoportable agonía y la depravación, las lágrimas y la maldad humana de la guerra”. El

sentimiento general era que la guerra había mostrado una civilización en bancarrota moral. Solo una vuelta a los orígenes, a las formas y sentimientos primarios, podría volver a dar vida a las agotadas formas artísticas de un país agotado.Aunque el artista siguió un aprendizaje académico, enseguida buscó un lenguaje propio y en los años veinte se unió a la corriente artística que volvió su mirada hacia las formas primitivas (Picasso, Derain, Brancusi…). La escultura de

Gaudier-Brzeska, así como las de Jacob Epstein y las esculturas arcaicas, tendrán una influencia directa en el trabajo de Moore, que inicia en 1922 una de sus series más célebres, Madre e hijo.



Durante los años 1930 se unió al movimiento modernista. Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura. Sus primeras esculturas mostraban vacíos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo. Posteriormente sus figuras se volvieron más abstractas y tenían agujeros que penetraban directamente el cuerpo. Por medio de este tipo de figuras Moore exploró formas cóncavas y convexas.



Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y la era de la bomba atómica infundieron en la escultura de los años 1940 un sentimiento de que el arte debería regresar a sus orígenes preculturales y prerracionales. Tras la Segunda Guerra Mundial las esculturas de bronces de Moore se volvieron cada vez más grandes. A finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de la cera perdida o en arena. En su hogar en Much Hadham, Moore coleccionó una variedad de objetos naturales: cráneos, madera flotante, guijarros, piedras y conchas, los cuales servían de inspiración para formas orgánicas. Para sus trabajos más grandes Moore creaba modelos a escala antes de realizar el molde final y fundir la pieza. Madre e hijo. 1946 Durante los años 1950 Moore empezó a recibir más encargos, incluyendo una figura reclinada para el edificio de la Unesco París 1957

UNESCO Figura reclinada 1957



Los temas de la obra de Moore se definieron en figuras femeninas, reclinadas, grupos de madre e hijo y las más abstractas formas encajadas, representan abstracciones de la figura humana, La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas. Moore en lo esencial es un escultor biomórfico. La “Abstracción Biomórfica” recurre a formas biológicas, es decir a formas inspiradas en la naturaleza biológica, la abstracción biomórfica que derivó a finales del siglo XX, muestra imágenes similares a las obtenidas al mirar por un microscopio ya fuera en biología, geología etc. La abstracción Biomórfica a diferencia de la abstracción Lírica, si posee un tema aunque no es evidente en sudiscurso, posee ambigüedad

Madre e hijo reclinados. 1975-1976



Revisar las obras de los autores del Pop Art, (Rauschenberg) e Hiperrealismo, (Ron Mueck) y realice un análisis sobre como los autores a través de sus obras exponen sus puntos de la sociedad que los rodea. Redactar el análisis en mínimo 10 líneas por cada uno de los autores. Robert Rauschenberg

Rauschenberg (1925-2008) fue un artista multidisciplinar y de espíritu crítico, que se convirtió en una figura fundamental para el arte de las últimas décadas del siglo XX por su uso de objetos encontrados en combinación con la pintura, por su experimentación con técnicas de transferencia y sus incursiones en el mundo de la ciencia y la performance. Sus obras reflejan el estado de ánimo de una época, caracterizada por una estabilización política y económica después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de lo cual se generaron nuevos hábitos y conductas de consumo. El cambio de vida de la sociedad, el bombardeo de información por parte de los medios masivos de comunicación, la euforia por las nuevas tecnologías, la nueva cultura de consumo y el culto a las estrellas del momento fueron punto de partida para el desarrollo de un arte diferente, nuevo, que no es más que el reflejo del espíritu de una época. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes, el empleo de imágenes de la cultura popular, los cómics, el dinero son algunos de los elementos de los que se sirve, acompañados muchas veces de la ironía y combinándolos o separándolos de su contexto original. Freestanding combine. 106.6 x 160.6 x 163.8 cm..

En sus obras integraba pintura, ensamblages y collages de fotografías con objetos encontrados en la basura, procedentes de la sociedad de consumo. Todos ellos objetos cotidianos, o partes de ellos, y en principio recogidos al azar, era el rescate del dadaísmo. Pero a la vez, su actitud le relacionaba, sin duda, con artistas posteriores preocupados por la conservación del medio ambiente que realizan su arte con objetos reciclados. Rauschenberg rompió las barreras formales entre escultura, pintura, fotografía, tecnología, performance y collage, son el objeto de una retrospectiva combinada. El entusiasmo de este artista por los materiales encontrados y su rechazo hacia la angustia del expresionismo abstracto que dominaba la vanguardia americana a



principios de los cincuenta le llevaron a buscar nuevas formas de expresión. A lo largo de su carrera ha buceado en los espacios donde se encuentran todas las artes, atreviéndose también con la performance, la música, la danza y el teatro. Pero fueron sus combinados la primera evidencia clara de su instinto experimentador. Ron Mueck

Distinguido en el ámbito del arte contemporáneo por la fascinante verosimilitud y el deslumbrante realismo que caracterizan sus obras, Ron Mueck explora la representación figurativa como un recurso con el que, reduciendo o aumentando la escala de sus modelos según lo requiera el tema, logra imprimir vida a sus creaciones. Presenta esculturas elaboradas en técnica mixta con materiales como silicón, fibra de vidrio y acrílico que el artista realizó del 2000 al 2009. Mueck explota su dominio de la anatomía y su talento para detonar, ante estos seres inmutables, exclamaciones así como reflexiones sobre el límite entre la realidad y el artificio, entre lo revelado y lo oculto, el vínculo palpable que une presencia y ausencia. Con sus obras de proporciones poco convencionales, busca recrear la magnitud de las emociones con relación al cuerpo, resaltando los más minuciosos detalles, desde la pigmentación de la piel, la más sutil de las arrugar, los vellos y las expresiones faciales, que sin dificultad crean de inmediato un vínculo c on una “realidad”. Mueck esculpe seres humanos que exhiben las imperfecciones de la piel, las canas, las arrugas o la grasa abdominal con una naturalidad doméstica que completa con estilo hiperrealista. Aunque las figuras son proporcionadas, Mueck juega con las escalas y los motivo: crea ancianos que no superan los 90 centímetros y bebés recién nacidos de varios metros de largo, aumentando así la extrañeza de los personajes, afeados y poco habituales en las amplias salas de los museos.



Realice un cuadro comparativo de las características de las obras escultóricas de los autores Alexander Calder y Alberto Giacometti. Alexander Calder

Escultor del arte abstracto. Es más conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. Sus obras culturales son esculturas Móviles hechas con alambre; también realizó esculturas inmóvile llamadas stabiles que están hechos de acero al carbono y pintados de negro en su mayoría, excepto el hombre que va a ser de acero inoxidable (crudo), el móvil está hecho de aluminio y duraluminio. Las Nubes

Alberto Giacometti

Escultor del arte abstracto. Experimentó con el cubismo, sin embargo, le atrajo más el movimiento surrealista Comienza sus esculturas alargadas, delgadas, demacradas y descarnadas en bronce tan características. El sello y la firma de Giacometti está en estas esculturas inquietantes y capaces de “arrastrar” al espectador a su mundo

existencialista. Bola suspendida

Son 31 paneles Es una de escultura madera construida que como una reflejan jaula abierta el sonido de barras de y actúan de soporte acústico. Se hierro en encuentran suspendidos en el cielo raso cuyo interior y en las paredes laterales del Aula se encuentra Magna de la Universidad Central de una esfera Venezuela. Estas esculturas flotantes con una hendidura y colgada de una creadas por el ingenio de Calder, por cuerda que roza, con un vaivén, la arista requerimiento del arquitecto Carlos afilada de una pieza semirrecostada en Raúl Villanueva, convierten al recinto forma de media luna o de gajo de teatral en una de las cinco salas con naranja. mejor acústica del mundo.

g2.Zambrano.vargas.maria.apreciacion.escultura

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