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EL RENACIMIENTO EN ITALIA 1 CONTEXTO HISTÓRICO 2 BREVE RESEÑA DE CADA FASE DEL RENACIMIENTO 3 LA ARQUITECTURA EN EL RENACIMIENTO

3.1 Características generales 3.2 La arquitectura arquitectura del Quattrocento (siglo XV) 3.3 La madurez del Cinquecento (siglo XVI) 3.3. 3.3.11 Prim Primer eraa mit mitad ad del del XVI XVI 3.3.2 3.3.2 Segund Segundaa mitad mitad del XVI: XVI: el el Mani Manieri erismo smo 4 LA ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO

4.1 Características generales 4.2 La escultura en el Quattrocento 4.3 La escultura en el Cinquecento 4.4 Los escultores manieristas 5 LA PINTURA EN EL RENACIMIENTO

5.1 Características generales 5.2 Antecedentes del Renacimiento: el Trecento (los “primitivos italianos”) 5.3 La transición del XIV al XV: Fra Angélico 5.4 La pintura en el Quattrocento a)la escuela de Florencia  b)la escuela de Umbría c)la escuela de Padua 5.5 La pintura en el Cinquecento a)la escuela florentino-romana  b)la escuela veneciana 5.6 La pintura manierista

El término Renacimiento fue acuñado por  Vasari para designar un movimiento artístico pero, sobre todo, una corriente de pensamiento, que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XIV al XVI. XVI. Le dio ese nombre porque hizo “renacer” los ideales que imperaron siglos atrás, en la antigüedad clásica, clásica, entendiendo como tal las culturas griega y romana.

1 CONTEXTO HISTÓRICO

Entramos en una época caracterizada por el fuerte desarrollo del comercio y la artesanía, lo que conllevará el ascenso económico y social de la burguesía . De esta forma, la burguesía se convertirá en uno de los mecenas fundamentales para los artistas , junto con la Iglesia y la nobleza. Para explicar el desarrollo y afianzamiento de este nuevo estilo hay que contar con la figura del “Mecenas “ Mecenas”, ”, como protector de artistas. Los mecenas generalmente eran miembros de familias adineradas: los Medicis, los Uffizi, los Rucellai, etc. Solían ser coleccionistas de obras de arte. Es también época de origen e impulso de numerosas universidades, en las que el pensamiento  burgués, disconforme con la sociedad que le ha tocado vivir (ya que están relegados a un segundo  plano por la Iglesia y la nobleza), propiciará la aparición del pensamiento crítico. crítico. Desde esta actitud se terminará desarrollando una nueva filosofía, el humanismo racional: racional: en ella el hombre se convierte en el protagonista principal, en el centro del Universo ( antropocentrismo frente al teocentrismo de la Edad Media). El hombre está en el centro de la Creación y comienza a emplear  la razón, razón, en oposición al conocimiento conocimiento medieval que se se movía en el ámbito ámbito de la fe. Se tratará de conseguir lo que es el ideal del Humanismo: la formación del hombre perfecto; y de ahí una de sus características principales, la exaltación del individuo. individuo. Esta actitud se reflejará en las manifestaciones artísticas, dando lugar a la creación de una nueva estética, un nuevo estilo que conocemos como Renacimiento. Renacimiento. Sin renunciar a todo aquello que conlleva la mentalidad cristiana, el hombre del Renacimiento vuelve los ojos a la Antigüedad grecolatina, grecolatina, ya que considera que en aquella época, el hombre y la búsqueda racional de la verdad eran los ejes fundamentales en torno a los que giraba todo. Estos dos aspectos son  precisamente los que se desea rescatar para colocar al ser humano en el centro de la Creación, lugar  que fue ocupado por Dios a lo largo de toda la Edad Media. Esto llevará a una secularización de la cultura (y por lo tanto del Arte), Arte), que pierde en este estilo gran parte de la carga religiosa que habíamos encontrado en épocas anteriores (aunque en algunos países, como España, el arte seguirá siendo eminentemente religioso). Por todo lo anterior, los artistas del Renacimiento utilizarán el periodo clásico como modelo, aunque no será una mera copia, sino que adaptarán aquellas formas antiguas al nuevo espíritu moderno. moderno. Tomarán del arte clásico sus principios fundamentales: el equilibrio y la serenidad. serenidad . Será un nuevo lenguaje artístico adaptado a las necesidades humanas: La arquitectura estará pensada en función del ser humano , por lo que se retorna a edificios de proporciones sencillas, en los que prevalecerá lo horizontal sobre lo vertical. Se trata de ofrecer una visión unitaria de la obra: en arquitectura se traduce en el predominio de las plantas centrales. Se prod produc ucee un rede redesc scub ubri rimi mien ento to de la Natu Natura rale leza za que que rode rodeaa al homb hombre re,, con con lo que que el naturalismo será una de las características principales del nuevo estilo. La belleza física interesa más que la espiritual; de ahí el culto que en la escultura y pintura se da a la belleza humana. Y por ello la reaparición del desnudo, desnudo , resucitando a través de él los  principios básicos de la escultura clásica (simetría, proporción, armonía, etc.). •

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La importancia que se otorgará al ser humano no sólo podemos apreciarla a través de las obras de arte, sino también en el papel que van a jugar los artistas. Hasta este momento eran considerados como simples artesanos. Sin embargo, durante el Renacimiento desaparecerá el anonimato artístico, y se comienza a valorar al autor, al genio. genio . Simultáneamente, Simultáneamente, el Arte deja de considerarse un simple oficio, oficio, una mera labor mecánica, para pasar a convertirse en una auténtica ciencia . El autor de las obras pasa de ser considerado artesano a ser  considerado artista (a partir del siglo XVI). La búsqueda de la perfección en los individuos llevará a la aparición de artistas polifacéticos que  plasman su genialidad en múltiples facetas: Miguel Angel, Brunelleschi, Bramante, Alberti, etc.

Italia , en los siglos XIV y XV, XV, llegando a su apogeo al iniciarse el Este movimiento nacerá en Italia, XVI (el Renacimiento es, ante todo, un movimiento italiano). Desde allí se extenderá al resto de Europa, para pasar más tarde a América. No será uniforme, ya que en cada país adquirirá matices  particulares.  particulares. Las causas de que este nuevo estilo naciera en Italia son varias: · en este país país nunca se perdió perdió del todo el espíritu espíritu clasici clasicista, sta, como demuest demuestra ra incluso incluso el escaso arraigo que el Gótico tuvo en Italia. · adem además ás,, toda toda la geog geogra rafí fíaa it ital alia iana na esta estaba ba salp salpic icad adaa de innu innume mera rabl bles es rest restos os de la antigüedad clásica, y de ellos supo sacar el hombre humanista las mejores enseñanzas. 2 BREVE RESEÑA DE CADA FASE DEL RENACIMIENTO 1º) Trecento (Finales XIV) Pisa Comienza el Renacimiento, aunque lo que se desarrolla principalmente es la pintura. A esta   pintura del Trecento se le conoce también como “pintura de los primitivos italianos”: Giotto, Duccio y Simone Martini. 2º) artes:

3º)

Cuattrocento (Siglo XV) Florencia Se desarrolla el Renacimiento, presentando ya sus características principales en las tres · Arquitectura: Brunelleschi y Alberti · Escultura: Ghioberti y Donatello · Pint Pintura ura:: Escuel Escuelaa de de Flor Florenc encia ia:: Mas Massa saci cio, o, Fra Fil Filipp ippoo Lipp Lippii y Sandro Sandro Botti Bottice celli lli Escuela de Umbría: Perugino y Signorelli Escuela de Padua: Mantegna Cinquecento (Siglo XVI) Roma Es el momento del pleno Renacimiento. Los artistas, mimados por los mecenas, son ya valorados en su plenitud. Tanto que pasarán incluso al otro extremo, a supervalorarse, a creerse “enviados de Dios” (concepto platónico de genio), lo que les llevará a aislarse. Incluso llegarán a sentirse angustiados, frustrados, ante la incapacidad para acabar unas obras demasiado ambiciosas. Otra característica del XVI, en contraposición del XV, es que es un arte eminentemente idealista, es decir, no pretende reflejar la realidad de las cosas, sino el modelo a que deberían ajustarse para que el mundo fuese bello. Se parece, ahora más que nunca, al arte griego de la época clásica. Otro rasgo de la época es que las grandes figuras de este siglo no permiten a su lado artistas de menor categoría. Por consiguiente, no tienen colaboradores ni tampoco escuela. De todos los artistas de este siglo destaca la personalidad polifacética de Miguel Angel. · Arquitectura: Arquitectura: Miguel Miguel Angel, Bramante, Sangallo, Sangallo, Vignola, Vignola, Palladio Palladio · Escultura: Miguel Angel, Cellini, Juan de Bolonia, los Hermanos Leoni · Pin Pintur tura: a: Migue Miguell Angel Angel,, Leona Leonardo rdo da Vinci Vinci,, Rafae Rafael,l, y la Escuela Escuela de Veneci Veneciaa (Giorgione, Tiziano, Tintoretto, Veronés)

3 LA ARQUITECTURA EN EL RENACIMIENTO La arquitectura renacentista, lo mismo que otros campos del saber y de la cultura, parte de una fuerte revalorización de lo clásico, de tal modo que muchos de los elementos constructivos que se emplean los conocemos ya gracias al estudio del arte en Grecia y Roma. 3.1 Características Características generales

1) Se inspira en las normas clásicas clásicas de la arquitectura arquitectura griega y romana, recuperándose elementos constructivos y decorativos de la época clásica: clásica : · arcos de medio punto. · como elemento básico de soporte, la columna: sola o adosada al pilar. · los diferentes órdenes: dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto. · con sus correspondientes correspondientes entablamentos entablamentos (arquitrabe, friso y cornisa). · frontones triangulares y curvos de remate. 2) Por primera vez desde la antigüedad, el hombre se siente centro del Universo y reclamará una arquitectura a su medida, el retorno a la medida humana. humana . Si en el Gótico las dimensiones del edificio poseen al hombre, ahora en el Renacimiento será el hombre quien domine al edificio al establecer unas proporciones sencillas, sencillas , acordes con la medida humana. 3) El muro muro recupe recupera ra su funci función ón tectón tectónica ica (de soporte, casi perdida durante el Gótico), aunque revestido vistosamente en su decoración, con mármoles de colores, rústicos aparejos, etc. 4) En cuanto a las cubiertas, cubiertas, encontramos grandes y variados abovedamientos (predominan las cúpula sobre pechinas y las bóvedas de cañón decoradas con casetones). También techos planos, a veces en madera con “casetones” ( artesonado , forma formado do por los los casetones, es decir, piezas cuadradas o poligonales, cóncavas, con el fondo decorado en relieve). 5) La arquitectura de carácter religioso sigue siendo el hilo conductor, conductor, aunque ahora no de forma tan exclusiva como en la Edad Media. Como ya veremos, tanto el Urbanismo como la arquitectura civil también juegan un papel importante en el Renacimiento. Renacimiento. 6) A la hora de proyectar un templo se tratará de alcanzar una concepción espacial unitaria: unitaria : un espacio único, desde el centro del cual el hombre pueda acapararlo todo en su totalidad. Para conseguir conseguir este objetivo ninguna tipología más apropiada que los esquemas centralizados centralizados en las plantas de los edificios: edificios: un círculo, un cuadrado, una cruz griega, un polígono, o un perímetro estrellado. De todas ellas la más perfecta es el círculo, porque todos sus puntos se encuentran a la misma distancia del centro, y no tiene ni un principio ni un fin (como Dios). Como vemos no está exenta de cierto simbolismo. El espacio espacio de los edificios renacentistas renacentistas es diáfano y unitario y están iluminados por una luz limpia y blanca. 7) Dentro del afán racionalizador vemos como hay una búsqueda de la geometrización y la armonía (proporciones). proporciones ). Por ejemplo, hay plantas basilicales en las que se hace patente esto tanto en su planta como en su alzado: se escoge como módulo el cuadrado que define el espacio central del crucero, y se repiten sus proporciones en el trazado del templo: · la capilla capilla mayor será igual igual al cuadrado · la nave principal será la suma de cuatro cuadrados · las laterales igual a un cuarto del cuadrado · el alzado de la nave principal será el doble que el de las laterales 8) Plena libertad ornamental, ornamental, en la que predomina la fantasía con motivos de medallones, 1 guirnaldas y grutescos2: decoración típica del Renacimiento donde se funden formas vegetales, animales y humanas. 9) Los tipos de planta que encontramos son principalmente tres: centrales, basilicales y jesuítica (modelo de la contrarreforma). Guirnaldas: motivo ornamental constituido por frutas, flores y follaje, unidos con cintas, formando una banda abultada colgada por los extremos 2 Grutescos: tema decorativo propio del Renacimiento, de carácter híbrido. Está constituido por una mitad superior  formada por una cabeza y tronco de hombre o de animal, y una mitad inferior que consiste generalmente en un tallo enroscado. El nombre de grutesco se debe a que este tipo de decoración fue hallado en la casa de Nerón, la Domus Aurea, que se hallaba en muy mal estado de conservación, tanto que se asemejaba a una gruta ( grotta en italiano) 1

Las plantas centrales persiguen un afán centralizador: de cruz griega, circulares, etc. Ejemplos son la Iglesia de San Sebastián de Mantua, obra de Alberti, de cruz griega; San Pietro in Montorio, de Bramante, y el proyecto original de San Pedro de Roma. Las plantas plantas basilical basilicales es mant manten endr drán án su esqu esquem emaa trad tradic icio iona nall de desa desarr rrol ollo lo longitudinal a lo largo de estos dos siglos. Conserva las ideas ya desarrolladas en las antiguas  basílicas  basílicas romanas, paleocristianas e incluso medievales: tres largas naves, la central más alta y ancha, y una más de crucero ante la cabecera. jesuíticas, son el modelo de la contrarreforma contrarreforma. Es una tercera forma de Las plantas jesuíticas, concebir concebir el espacio, espacio, fruto de la fusión de las dos tipologías tipologías anteriores. La Iglesia del Gesú en Roma, obra de Vignola, se convertirá en modelo de todas las fundaciones jesuíticas del mundo. Surgen tras el Concilio de Trento, atendiendo a las necesidades que allí se fijaron: · nave única, única, corta corta y ancha ancha,, acercan acercando do así a los fieles fieles al oficiant oficiante. e. · nave aboveda abovedada: da: facil facilita ita la la resonan resonancia cia de la voz voz del predicado predicador. r. · flanque flanqueando ando la nave nave se dispon dispondrán drán una serie serie de capill capillas as para facili facilitar tar la celebra celebración ción de actos litúrgicos a diferentes clérigos a la vez. · a este este cuerpo cuerpo se añade añade un ampli amplioo cruce crucero ro corona coronado do por una gran gran cúpula cúpula centra centrall y cabecera semicircular. Este tipo de iglesias serán muy imitadas en el Barroco 10)La 10)La arquitectura civil se desarrollará enormemente, centrándose en palacios urbanos y en Villas: a) Los palacios urbanos tendrán como principales características: · volú volúme mene ness sen senci cill llos os . · de form formaa más más o meno menoss cuad cuadrad radaa o recta rectangu ngular lar.. · de estruc estructu tura ra maciza maciza de, general generalmen mente te tres pisos, pisos, en cuyo cuyo exte exterio riorr se emple empleaa el almohadillado (se denomina de esta manera al aparejo en el que las juntas están rehundidas). · encierran encierran en su su interior interior un pati patioo en torno torno al cual cual se desarro desarrolla llann las estan estancias cias.. · esta estanci ncias as no demasi demasiado ado ampli amplias: as: al hombre hombre del Renac Renacimi imien ento to no le gusta gusta senti sentirse rse dominado por la arquitectura que le rodea. Ejemplos son el Palacio Pitti en Roma (Brunelleschi),el Palacio Rucellai en Florencia (Alberti) y el Palacio Farnesio en Roma (Sangallo lo inicia, lo concluye Miguel Angel). b) el otro tipo de palacio es la villa, de carácter rural. Responde a ese “descubrimiento de la naturaleza” por el hombre del Renacimiento, con lo que se crea la necesidad de entrar en contacto directo con ella. Son edificios abiertos al paisaje, conviviendo con él. Ejemplos son la Villa Rotonda de Palladio, la Villa Farnesia de Peruzzi, etc. 11)Gran desarrollo del Urbanismo como consecuencia del crecimiento de la ciudad, lo que  provoca una necesidad de ordenamiento. Se realizarán múltiples proyectos, aunque hay que matizar que la mayor parte de ellos no se llevaron a cabo (más utopía que teoría). Las remodelaciones urbanas que se llevan a cabo serán solo puntuales: una plaza, algunas calles, etc. 3.2 La arquitectura del Quattrocento en Italia (siglo XV) En el siglo siglo XV, artist artistas as e int intel elect ectual uales es flore florenti ntinos nos deter determin minan an la concre concreci ción ón de los los ideal ideales es renacentistas, que no suponen una ruptura total con el inmediato pasado medieval, sino un evidente sincretismo entre algunos algunos aspectos de las ideas ideas medievales y la inspiración en los modelos de la Antigüedad clásica, clásica, que ahora se revalorizan. Esta labor se inicia en Florencia merced al Medici, que son los grandes mecenazgo de importantes familias, entre las que se distinguen los Medici, mecenas del Renacimiento. •

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FILIPPO BRUNELLESCHI

Es uno de los artistas polifacéticos polifacéticos del Renacimiento Renacimiento (fue también pintor y escultor). Creador de un nuevo estilo, sus obras son proporcionadas, proporcionadas , medidas desde la arquitectura clásica, desde la que  partirá para crear una arquitectura arquitectura original y ligera. ligera.

CÚPULA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES DE FLORENCIA : Entre las obras realizadas por

Brunelleschi destaca por su importancia técnica e histórica la cúpula que había de cubrir la Catedral de Florencia, edificio ya terminado (de estilo gótico). Brunelleschi construirá una cúpula de perfil apuntado que se eleva sobre un tambor octogonal en el crucero de la catedral florentina, a la manera de los cimborrios góticos. Tiene dimensiones colosales y un sistema de dos cúpulas unidas, la interior semiesférica y la exterior apuntada que contrarresta los empujes de la primera. Las dos cúpulas están separados entre sí por un espacio hueco, que alivia el peso de la obra sobre el tambor. Sostenida mediante las costillas o arcos que le dan un perfil gótico y que enlazan su base con el anillo anillo superior, superior, que, a su vez, es el asiento asiento de la linterna. El espacio entre estas costillas costillas se cubre con livianas tejas. Sobre el anillo, un bello cupulín de remate con esbelto cuerpo de ventanas y remate piramidal, que cobija otra pequeña cúpula. Esta linterna contribuye a la iluminación cenital del crucero del templo. La decoración se fundamenta arcos s de medio medio pu punt nto o, hornacinas hornacinas aveneradas aveneradas , entablamentos entablamentos clásicos clásicos, y en arco mármo má rmoles les de diver diverso sos s colo colores res, mien mientr tras as que que un el tamb tambor or pres presen enta ta ventanas circulares (“de ojo de buey”) buey”) y planchas planchas de mármol mármol coloreadas. coloreadas. Es importante importante destacar destacar como novedad su riqueza cromática exterior, al conjugar el blanco y verde de las planchas de mármol con el rojo de las tejas, tejas, lo que que anima el exterio exteriorr arquitectón arquitectónico ico desterrando la imagen pétrea de la arquitectura medieval. Esta cúpula tiene como claras refe refere renc ncia iass la del del Pa Pant nteón eón de Agri Agripa pa y los los mo mode delo loss biza bizant ntin inos os,, sien siendo do a su vez vez la inspiradora de otras cúpulas posteriores como la de San Pedro del Vaticano. IGLESIA DE SAN LORENZO DE FLORENCIA: FLORENCIA : está inspirada en las basílicas paleocristianas (a su vez inspiradas en las basílicas romanas). Presenta una planta basilical con tres naves separadas por columnas . En estas columnas, rematadas por capiteles de orden compuesto, se apoyan arcos de medio punto con su intradós ornamentado. Entre el capitel y el arco hay un elemento cúbico (imitando un segmento de entablamento entablamento) para darle mayor altura. Esta es una de las características del Renacimiento, la utilización de elementos constructivos como decorativos. En la nave central coloca una cubierta plana de madera con casetones formando un artesonado de tipo clásico, mientras que en las naves laterales dispone bóvedas baídas, es decir, de segmento esférico.

Dentro de la arquitectura arquitectur a civil destaca el PALACIO PITTI EN FLORENCIA, una de las residencias oficiales de los Médicis. Destaca el edificio por su horizontalidad, eliminando la torre típica de los palacios góticos italianos. Lo podemos tomar como modelo del palacio renacentista del Quattrocento. El palacio tiene tres plantas, con fachadas almohadilladas. Cada cuerpo se separa con una moldura saliente llamada alero.

LEÓN BAUTISTA ALBERTI

Sus obras son racionales, basando su belleza en las medidas y proporciones. proporciones . Destacan por el carácter robusto y el seguimiento de los cánones clásicos. clásicos. IGLESIA DE SANTA MARÍA LA NOVELLA EN FLORENCIA : en su fachada se refleja el concepto

arquitectónico de Alberti, basado en el número y las proporciones, con la consiguiente armonía . Todo el conjunto de la fachada puede ser inscrito en un cuadrado. El cuerpo principal principal se compone compone de otros dos cuadrados, cuadrados, cuyo lado es la mitad del general. general. En otro cuadrado como éstos puede ser encerrado el cuerpo superior. El resultado es el de dos cuerpos unidos por volutas y coronados por un frontón. Alberti respeta el característico tratamiento tratamiento bicromo del del romá románi nico co tosc toscan ano, o, pero pero util utiliz izan ando do una una unid unidad ad mo modul dular ar cuadrada. Se trata de una fachada-telón que oculta tras ella un edificio gótico. Los aletones que sirven de transición entre los cuerpos inferior y superior fueron retomados en otros edificios religiosos del siglo XVI.

TEMPLO DE MALATESTA EN RÍMINI : se pone de manifiesto el conocimiento de Alberti de la arquitectura clásica, ya que su fachada recuerda la estructura de un gran arco de triunfo romano , y en los laterales Alberti proyectó una sobria arquería sobre pilares

inspirada en los acueductos romanos. De ahora en adelante será normal que las fachadas de los templos cristianos se constituyan, en este primer cuerpo, como un arco de triunfo romano.

Dentro de la arquitectura civil destacamos el PALACIO RUCELLAI EN FLORENCIA: de clara inspiración clásica, con pilastras en la fachada. Superpone los tres órdenes clásicos en altura. Característico de Alberti serán aleros bastantes destacados en la fachada.

3.3 La arquitectura del Cinquecento en Italia cinquecento, Florencia deja de ser la capital artística de Italia En el siglo XVI, es decir, en el cinquecento, debido a la crisis provocada por las guerras contra franceses y españoles por el control de la  península itálica. El centro fundamental se desplaza a Roma, Roma, donde se levantarán las obras más importantes, debido fundamentalmente al considerable aumento del poder papal que atrae a los más importantes artistas del momento. En la arquitectura de este siglo podemos distinguir  dos fases: fases: en realidad, cuando hablamos de CINQUECENTO nos XVI , estamos refiriendo a la primera mitad del siglo XVI, un período de apogeo en las novedades introducidas por  el Quattrocento. ya que en la segunda mitad del siglo se produce el triunfo del MANIERISMO, que seguirán unos autores, mientr mientras as que otros otros conti continúa núann fiele fieless al más estri estrict ctoo clasicismo del cinquecento. •

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3.3.1 Primera mitad del siglo XVI DONATO BRAMANTE

Es el iniciador iniciador de una nueva nueva arquitectu arquitectura, ra, ya que hace radicar radicar la belleza belleza arquitect arquitectónic ónicaa en la grandiosidad de las proporciones (mayor monumentalidad de las obras) y en la correcta utilización de los órdenes clásicos, clásicos , como vemos en su proyecto de San Pedro del Vaticano. Se   produ produce ce así así un profun profundo do giro giro en la evoluc evolució iónn de la arquite arquitect ctura ura it ital alian ianaa del Renac Renacimi imient ento, o, caracterizada por una sobria robustez. robustez. Aunque se forma y comienza trabajando en el norte de Italia, se trasladará a Roma ante la llamada del Papa Julio II. Allí fijará su atención en la grandiosidad de la arquitectura romana clásica. Monumentos como el coliseo debieron impresionarle por su sencillez, por lo que en su obra predomina el carácter constructivo sobre el decorativo. decorativo . TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO EN ROMA : obra ejecutada en 1503 es uno de los

monumentos monumentos más representat representativos ivos del Renacimiento Renacimiento romano. Recibe ese nombre nombre porque porque se leva levant nta a en el luga lugarr dond donde e segú según n la trad tradic ició ión n fue fue sacr sacrif ific icad ado o San San Pe Pedr dro. o. Este Este monumento-capilla fue costeado por los Reyes Católicos, apreciándose en él una gran pequeño ño templo templo circu circular lar infl influe uenc ncia ia de la arqu arquit itec ectu tura ra clás clásic ica. a. Se trat trata a de un peque columnas toscanas toscanas en (construid (construido o a imagen imagen de los templos templos monópteros monópteros clásicos), clásicos), con columnas

el cuerpo inferior inferior sobre podium con escalinata también circular y entablamento entablamento correspondiente a este orden arquitectónico con triglifos y metopas. El cuerpo superior está cubierto con cúpula elevada sobre alto tambor con nichos para estatuas ,

anticipo de la gran cúpula vaticana e inspirada en modelos romanos. Hay una clara aportación del Renacimiento en la balaustrada o balconcillo que remata el primer cuerpo, que recibe el nombre de balaustre (compuesto (compuesto por columnillas columnillas estranguladas estranguladas en el centro). PROYECTO PARA LA CONSTRUCCIÓN DE LA BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO : Elegido pontífice Julio II, no duda en ordenar la eliminación de la primitiva basílica de San Pedro para dar comienzo a las obras de la actual. Julio II encargará el proyecto a Bramante, conv convir irti tién éndo dose se en su obra obra má máss impo importa rtant nte, e, y al que que apli aplica cará rá unas unas prop propor orci cion ones es planta ta de cruz cruz gr grie iega ga,, insc inscri rita ta en un desmed desmedida idas. s. Tra Traza za una constr construcc ucción ión en plan

cuadrado , rompiendo con el modelo de planta basilical de la iglesia paleocristiana de Constantino. Esta planta la concibe con una gran cúpula en el centro , jalonada por

otras cuatro situadas en los ángulos del cuadrado en el que se inscribe la cruz griega.  Todo ello enmarcado por abundantes torres y torrecillas . Y es esta planta la que subsiste, a pesar de las reformas que ha sufrido, entre las que hemos de destacar la gran cúpula elevada por Miguel Angel y la ampliación con una nave y la fachada, de Maderno. Una de las novedades que introduce es el empleo del cemento, más barato y resistente. Pero Bramante fallece cuando las obras acaban de empezar, de modo que éstas serán continuadas por Rafael y posteriormente por Sangallo , hasta que en 1546 el Papa Paulo II se las encomienda a Miguel Ángel.

MIGUEL ANGEL

Es, sin duda alguna, el artista más significativo del Renacimiento italiano, destacando por su carácter polifacético. Un genio, en toda la extensión de la palabra, que vivió convencido de sus genialidades cualidades, y atormentado al mismo tiempo por esa idea. Concibió el arte como el mayor designio que Dios puede conceder al hombre. Su labor como arquitecto es variada y notable. notable. Destaca por los volúmenes clásicos aunque en su etapa final preludiará el manierismo. manierismo . SAN PEDRO DEL VATICANO: VATICANO : El genial Miguel Angel tenía ya 70 años cuando el Papa le

encarga la dirección de San Pedro (1546). Se resiste, pero ante la insistencia del pontífice acepta, aunque con la condición de introducir en el proyecto de Bramante las novedades que estimara convenientes. mantendrá la planta centralizada centralizada de cruz griega , aunque ahora abre De esta forma, mantendrá una sola entrada principal, y no una en cada brazo como ideara Bramante. También eliminará las torres y torrecillas, convirtiend convirtiendo o en protagonista protagonista indiscutible indiscutible a la gran cúpula, que en su proyecto será más alta y elegante que la diseñada por Bramante. La levantará sobre un doble tambor , cerrando el ciclo de experiencias comenzado por el Panteón Panteón de Agripa Agripa en Roma, seguido seguido en Santa Sofía Sofía de Constan Constantin tinopl opla a y en Santa Santa María de las Flores de Brunelleschi en Florencia. Se creará así definitivamente el tipo de cúpula occidental y todas las que le sigan, hasta el siglo XIX, serán imitación de ésta. tambor inferi inferior or de la cúpu con colu column mnas as pa parea readas das y vent ventana anas s Deco Decora ra el tambor cúpula la con rematadas con frontones frontones tringulares y curvos. Sobre éste eleva un sobrecuerpo sobrecuerpo o con deco decora raci ción ón de guir guirna nald ldas as.. Enci Encima ma colo coloca ca la cúpula en sí, sí, segundo segundo tambor tambor, con apuntada , de nervios destacados que proporcionan un interesante juego de luces y sombras. Sobre ella dispondrá una linterna abierta a la luz, también entre pares de columnas. Este juego de masas, tensiones y rupturas de una riqueza extraordinaria nos están hablando de un lenguaje claramente manierista . Destaca también por su simbolismo como centro de la cristiandad, donde la planta cuadrada representaría el mundo, la cúpula simboliza a Dios y la cruz griega representaría la acción mediadora de Cristo y su Iglesia entre Dios y los hombres. ESCALERA DEL VESTÍBULO DE LA BIBLIOTECA LAURENTINA : Es una obra llena de ritmo y anticipa a claramen claramente te al manieris manierismo mo y a la arquitectura movimiento, en la que se anticip barroca del XVII. En la parte inferior proyecta tres accesos, para acabar en la parte superior en uno solo delante de la única puerta (adoptando (adoptando así  forma de tridente ). En un reducido espacio Miguel Ángel resuelve el problema al acceso a la gran sala de lectura de la biblioteca, combinando las líneas rectas de los tramos laterales de la escalera, con las curvas del tramo centra l. Las diversas alturas de las huellas de los peldaños, las líneas convergentes de la balaustrada , los efectos ubica icació ción n de las las colu column mnas as qu que e da dan n la derivados de la movilidad de la traza, la ub impresió impresión n de estar estar aprision aprisionadas adas en hornac hornacina inas s y de habe haberr perd perdid ido o su func funció ión n sustentante, y las ménsulas bajo las columnas columnas que parecen parecen sobresalir sobresalir por la presión presión de

éstas, anticipan la estética del Manierismo

3.3.2 Segunda mitad del siglo XVI: EL MANIERISMO MANIERISMO El Manierismo es una modalidad artística de la segunda segunda mitad del siglo XVI, que se desarrolla desarrolla dentro del Renacimiento, pero que rompe con el Clasicismo . De ahí que haya que considerar el Manierismo como la definición de una actitud frente al Clasicismo, Clasicismo, entendido éste como una suma armónica de principios y normas inmutables. inmutables . Lo que defiende el Manierismo frente al Clasici Clasicismo smo es que la repr repres esen enta taci ción ón de la real realid idad ad ya no esta estará rá some sometid tidaa a no norm rmas as y principios. principios. Es decir, se pierde la idea de estilo estilo basado en el valor valor absoluto de las las normas, de los  principios numéricos de proporción y composición, de la armonía compositiva y cromática, y es sustituido por el estilo o la maniera exclusivamente individual. individual . Lo cierto es que el Manierismo, lejos de poder definirse como un estilo, fue el soporte, precisamente, de una diversidad de comportamientos individuales, pero que tienen en común su actitud contraria a la aplicación constante y reiterada de la norma. Así pues, Manierismo y Clasicismo Clasicismo forman parte de un mismo proceso, proceso, el Renacimiento, Renacimiento, cuyas realizaciones con frecuencia se interpenetran. Cronol Cronológi ógicam cament ente, e, el Manie Manieris rismo mo convi convive ve en la segun segunda da mit mitad ad del del XVI con el Clas Clasic icism ismoo Renacentista, y durante los primeros años del XVII con el Arte Barroco. Aunque hay teóricos del arte que defienden que el Manierismo nace a partir de 1520, con las últimas obras de Rafael y las primeras de Miguel Ángel. Ángel . Hablar de arquitectura manierista es hablar de la influencia que Miguel Ángel ejerció sobre arquitectos arquitectos como Palladio Palladio o Vignolla. Vignolla. Se caracteriza caracteriza por crear  diferencias de tensión, tensión , rompiendo así la disciplina del clasicismo. El manierismo se aficiona a lo complicado. Es frecuente hallar  rasgos manieristas en una fábrica de corte clasicista, como ya vimos en la escalera de la Biblioteca Laurentina de Miguel Ángel. Características esenciales de la arquitectura manierista son: a) Util Utiliz izac ació iónn del del lenguaje clásico con absoluta libertad, libertad , empleando los elementos tradicionales tradicionales  pero sin respetar las reglas que los rigen y su distribución original:   La decor decoraci ación ón se extie extiende nde por todas todas las supe superfi rficie ciess del edific edifico o , basándose en una decoración yuxtapuesta  , alternando elementos de distinto tamaño, incluso mediante la convivencia de órdenes de grandes dimensiones con otros pequeños.  Empleo de los elementos arquitectónicos con función decorativa (enfrentamiento entre la función y la forma). forma ). Ya lo vimos en las columnas que Miguel Ángel “incrusta” en los laterales de la Biblioteca Laurentina. O en el PATIO INTERIOR DEL PALACIO PITTI DE FLORENCIA de BARTOLOMEO AMMANNATI, en el que el almohadillado recubre las  bandas de las columnas, desdibujando su función estructural. O, por el contrario, empleo de elementos puramente decorativos con función estructural  (como los triglifos destinados a soportar los balcones de la Logia de Vicenza).  b)  b) Con Con todo todo ello ello se persi persigu guee la sorpresa, sorpresa, la originalidad y el movimiento. El arquitecto se está separando de los ideales de belleza clásicos basados en el orden, la proporción y la medida. c) Pre Prefere erenci ncia por los espacios espacios longitudina longitudinales les y estrecho estrechoss , que favorecen la perspectiva y generan “angustias “angustias espaciales espaciales”, conforme a la tensión manierista (como podemos ver en el PATIO CENTRAL DEL MUSEO DE LOS UFFIZI, obra de VASARI). d) Utilización de intencionadas “rudezas” o errores (sillares enteros extraídos del conjunto, claves muy salientes que parecen a punto de caer, como en el Palacio del Té en Mantua, obra de Giulio Romano). •

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Los arquitecto arquitectoss más importante importantess del manierismo manierismo,, Pall Palladio adio y Vignolla Vignolla,, son además además notable notabless tratadistas. ANDREA PALLADIO

Trabaja sobre todo en el norte de Italia, I talia, centrándose en la arquitectura civil. Destaca por sus villas o casas de campo, campo , tratadas a veces veces como verdaderos templos; templos; en ellas ellas consigue consigue integrar como

paisaje . nunca se había conseguido la arquitectura y el paisaje. VILLA CAPRA , también llamada Villa Rotonda (porque presenta en el centro una sala circular, la “rotonda”, cubierta por una cúpula). Tiene planta de cruz griega con cuatro fachadas tratadas de forma igual , sin predominio de ninguna, al igual que en los

templos griegos. Se eleva sobre un alto basamento, con acceso mediante una amplia escalera, que conduce a un pórtico exástilo de orden jónico, rematado en frontón recto con unos óculos . El modelo de estas casas palaciegas que combinan la elegancia formal y la sencillez monumental triunfará en el Neoclásico, pasando desde Italia a Inglaterra, y desde allí a Estados Unidos, concretamente a los estados sureños.

VIGNOLA

Discípulo de Miguel Angel, es el creador de la arquitectura religiosa más importante de esta segunda mitad del XVI. PLANTA DE LA IGLESIA DE IL GESÚ , en Roma, de 1568. La construyó por encargo de los prototipo de las llamadas iglesias jesuíticas, que  jesuitas. Es la iglesia que creará el prototipo será muy imitado en el barroco , ya que su concepción es plenamente coherente con los

principios que inspirarán la Contrarreforma. Es una iglesia de planta de cruz latina, con una sola nave, aunque muy ancha , y en los los later laterale ales s, en vez de naves entre e los los aves sepa separa rada dass por por colu column mnas as,, disp dispon one e entr contrafuertes capillas bastantes bajas y pequeñas, comunicadas entre sí , y muy prof profun unda das, s, apta aptass para para el rezo rezo part partic icul ular ar,, mient mientra rass la nave nave cent centra rall faci facili lita ta el cult culto o Sobre ellas ellas una unas s tribuna tribunas s que comuni comunitar tario io y la predic predicaci ación. ón. Sobre que serv servía ían n para para que que la comunidad religiosa asistiese a los actos litúrgicos sin necesidad de bajar a la planta inferior. Cúpula en el crucero y cabecera ligeramente a mayor altura, lo que favorece la visibilidad desde la nave central. La distribución de luces y penumbras está más cerca del gótico del siglo XIII que de la luminosidad del Renacimiento.

La portada es de GIACOMO DELLA PORTA, que incorpora ménsulas invertidas para unir el cuerpo ático con el resto, siendo esta solución tema de inspiración de numerosas obras barrocas. 4 LA ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO 4.1 Características Características generales 1) Se buscarán también las formas clásicas, clásicas, y si cabe el proceso de imitación de la antigüedad se iniciará antes. Hay que tener en cuenta que los restos de estatuas y relieves de la antigüedad abundaban en Italia, utilizándose como modelos de inspiración, e incluso en algunos casos se copian e imitan casi literalmente. Hasta el punto de que algunos retratos recogen actitudes e indumentarias más propias de emperadores romanos, con mantos y laureles coronándolos. Las características de esta escultura serán las de la escultura clásica , con los matices   propios que cada artista aporte: simetría (relación armoniosa de unas partes con otras), dominio de las proporciones, proporciones, dominio de la anatomía y armonía de los movimientos. movimientos. Se  busca la belleza, belleza, el equilibrio y el tratamiento anatómico se ajusta a un canon. 2) El material preferido será el mármol, mármol, rememorando el esplendor griego y romano. Junto a él, el bronce con idénticas técnicas de vaciados que en tiempos pasados, aunque alcanzando una  perfección magistral. magistral. También el barro vidridado , aunque excepcionalmente. La esculturas en mármol no se policromarán, debido a que los artistas del Renacimiento creían que los escultores de la antigüedad clásica tampoco lo hacían.

En España será la madera el material preferido, generalmente policromada, con abundancia de dorados según la técnica del estofado 3. Así, cuando encontramos en nuestro país piezas de  bronce o mármol serán siempre debidos a artistas italianos. 3) En lo que se refiere a la temática, temática, compartirán el protagonismo la religiosa y la profana. profana. En esta última destaca la de carácter mitológico, resucitando resucitando los bellos dioses dioses del Olimpo griego y del Panteón romano. 4) En cuanto a los géneros, géneros , serán variados los que podamos encontrar a lo largo de todo el Renacimiento: El retrato aparecerá en todas sus variedades: busto, cuerpo entero, ecuestres, etc. Mostrarán variedad de expresiones. Se reflejarán gran variedad de gestos y actitudes, los diferentes estados de ánimo, las diferentes etapas de la vida. La figu figura ra huma humana na al desnudo tendrá tendrá gran relevanc relevancia, ia, alcanza alcanzando ndo un perfect perfectoo conocimiento conocimiento anatómico. Se realizará fundamentalmente fundamentalmente a través de los temas mitológicos. mitológicos. Con él se pretende una exaltación del cuerpo humano, del ser humano en definitiva, situado ya en el centro de la creación. Se realizarán imágenes de culto , aunque en menor medida de lo que se hace en España, donde los motivos religiosos ostentan el protagonismo temático. Un ejemplo en Italia serán las Piedades de Miguel Ángel. La escultura funeraria será otro de los géneros destacados, destacados, íntimamente relacionada con la idea humanista de la muerte. En la Edad Media la muerte triunfaba sobre el hombre; ahora, en el Renacimiento, el hombre triunfa sobre la muerte, y lo hace a través de la “ fama”: del hombre queda vivo su recuerdo, a través de sus obras. Así, el sepulcro tratará de expresar las razones, sean del tipo que fueran, por las cuales aquella persona allí enterrada merece “fama” póstuma. Lo que ocurre es que a veces estas razones se expresan de manera manera simbó simbóli lica ca,, de un modo modo un tanto tanto compl complejo ejo de inter interpre preta tar. r. Ademá Además, s, esto estoss monumentos son privativos de clases sociales muy concretas: burgueses, nobles, y altos cargos de la Iglesia. •

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5) Alca Alcanz nzaa una una tota totall ind indepe epende ndenci nciaa de la arqui arquitec tectur turaa y se desar esarro rollla de un modo odo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura y había permanecido subyugada a ella. 6) El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del schiacciato (bajo relieve esbozado, en el que el resalte es de muy escasa profundidad, pareciendo algunos sectores del relieve una superficie grabada), con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva. Se le denomina también relieve pictórico, pictórico, ya que lo que está más próximo al espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy  bajo.

4.2 La escultura italiana del Quattrocento Ya hemos señalado antes como Florencia es el centro artístico fundamental del Quattrocento italiano. En la escultura florentina de este período se funde: la influencia del arte gótico ( retratos realistas, realistas, perfiles suaves y naturalismo narrativo) narrativo ) estudio io de las propor proporcio ciones nes de la con los los princi principio pioss estét estétic icos os de la Antig Antigüed üedad ad ( estud anatomía humana e intento de dar “vida” a las figuras mediante el análisis de los gestos y actitudes). actitudes). • •

Técnica del estofado: sobre la madera se aplica una capa dorada; sobre esta se pintan los colores, y a continuación se  practican incisiones en estos, en forma de rayas o líneas, de manera que se descubra el oro, apareciendo entre los colores. 3

LORENZO GHIBERTI

Participará en un concurso que se desarrollará en la ciudad de Florencia para escoger al artista que realizará las dos puertas que quedaban por realizar  del Baptisterio de la Catedral. Ghiberti será el elegido, en dura competencia con Brunelleschi, e invertirá veinte años en su realización. RELI RELIEV EVE E CON CON EL SA SACR CRIF IFIC ICIO IO DE ISAA ISAAC C: El tema tema ofic oficia iall del del conc concur urso so cons consis istí tía a en representar una “historia” del sacrificio de Isaac. Ghiberti realiza un magnífico relieve en diversos planos, desde los criados en primer término a la escena con el sacrificio de Isaac en la parte superior. superior. Paralelamente Paralelamente a la gradación gradación del relieve, en planos, la definició definición n de los contornos contornos de las figuras, figuras, elementos de pasaje, pasaje, etc., se va perdiendo a medida que se alejan del espectador. De marcado carácter pictórico, esta obra ejercerá gran influencia en la escultura florentina del Quattrocento, y le servirá Ghiberti para ganar el concurso.

PANEL DE LA PUERTA DE LA GLORIA DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA : Se trata de relieves en bronce , realizados realizados en compartimento compartimentoss cuadrados. cuadrados. En ellos representará representará escenas del efecto o pictó pictóric rico o de anti antigu guo o y nuev nuevo o test testam amen ento to.. Lo má máss impr impres esio iona nant nte e es el efect perspectiva que consigue, junto a los  juegos de luces y sombras, al combinar figuras

casi exentas en primer plano con otras en bajo relieve al fondo. Así mismo, es destacada la introducción del paisaje en la escultura.

DONATELLO

Es sin duda la figura más sobresaliente del Quattrocento florentino , que nace y muere en Florencia (1386-1466). Lo más importante para él será la figura humana, creando los arquetipos escultóricos del hombre en sus distintas edades. edades . CANTORÍA DE SANTAN MARÍA DE LAS FLORES EN LA CATEDRAL DE FLORENCIA . En el cuerpo central, por detrás de las columnas, niños que corren, saltan saltan y bailan con una expresiva expresiva alegría, imprimiendo al conjunto un sentido optimista tanto por el movimiento como por la representación alegre de la infancia . DAVID: el símbolo de David es siempre el de la victoria de la inteligencia sobre la fuerza adolescente venc bruta. bruta. El   joven adolescente venced edor or tien tiene e a sus sus pies pies la cabe cabeza za de Goli Goliat at e

indolentemente se apoya sobre su pierna derecha, mientras incurva su cuerpo hacia la izquierda, conforme al modelo clásico de Praxiteles. El cuerpo, suavemente modelado, como corresponde a la anatomía en formación (blanda) de un adolescente, permite que la luz resbale por la superficie prestando fluidez a la figura, acentuando las calidades del bronce. El tratamiento sensual del cuerpo contrasta con la determinación de la mirada fija y reflexiva, reflexiva, de un espíritu espíritu victorioso. victorioso. En la mano izquierda izquierda lleva una piedra piedra alusiva alusiva al combate y, en la derecha, la espada, sujeta con una ligera torsión en el brazo para acomodarlo a la acción. Se cubre con un casco con pámpanos, remedando en su forma el petaso romano. ESTATUA ECUESTRE DE ERASMO DE NARNI , llamado el CONDOTTIERO GATTAMELATA, en

Pauda. Fue concebida concebida en principio principio como monumento monumento funerario. funerario. Como en otros ejemplos ejemplos italianos medievales, se inspira en la estatua de Marco Aurelio en Roma . Con esta obra se inicia la gran serie de monumentos ecuestres que desde el Renacimiento llega hasta nuestros días. Destacan el idealismo de la figura en perfecto equilibrio , la ejecución en bronce, el estudio anatómico del caballo, así como el del jinete, en cuya armadura se prodigan temas decorativos inspirados en el mundo clásico. Una vez más, Donatello es capaz de trazar un verdadero análisis psicológico, en este caso del guerrero. (adulto) EL PROFETA HABACUC: tanto el cuerpo como el rostro refleja el paso de los años, aunque sin perder la nobleza. Destaca por su tremenda expresividad. (vejez ) ANDREA VERROCHIO

Es un gran admirador e imitador de Donatello, aunque consigue en sus obras mayor expresividad. EL CANDOTTIERO BARTOLOMEO COLLEONI , situado en la plaza de San Juan y San Pablo de

Venecia. El jefe militar muestra su carácter enérgico con su figura sólidamente asentada de pie en los estribos del caballo y el bastón de mando, o bengala, en su mano derecha. Destaca el magnífico estudio de la anatomía del caballo.

4.3 La escultura italiana del Cinquecento Continúa el sentido clasicista del Quattrocento, equilibrado y armónico, y cuya temática conserva la perfecta simbiosis entre motivos sacros y mitología. En todo caso se puede hablar de una creciente tendencia a la agitación compositiva, compositiva, a la búsqueda constante del movimiento y a la monumentalidad, monumentalidad, que encuentra su síntesis final en las primeras obras de Miguel ángel. MIGUEL ÁNGEL

Es el más importante artista del siglo XVI, y aunque practicó todas las artes, él siempre se consideró como escultor. escultor . Ello provocó su angustia vital, vital, pues estimaba que tanto la pintura como la arquitectura le distraían de su verdadera vocación escultórica. Sus figuras no son reales sino modelos supremos a los que sólo se puede llegar por la imag im agin inac ació iónn del del homb hombre re.. El mu mund ndoo soña soñado do por por Migu Miguel el Ange Angell es un mu mund ndoo de actitudes grandiosas, acciones perfectas y gestos terribles . Esto concuerda con la “terribilitá” de la que ya hablaban sus contemporáneos y que es una de sus más destacadas características. Como ya hemos señalado antes, Miguel Ángel se sintió antes que nada escultor, ya que su máxima ambición es extraer de un montón de piedras un cuerpo humano. Prueba de ello es que cuando  pinta lo hace imitando a la escultura. Las características más importantes de sus obras serán: · Fuerte expresividad, expresividad , a la que antes aludíamos como “terribilitá”, que hace que sus figuras muestren un carácter terrible, amenazador, con unos gestos dramáticos, que son reflejo de unos  sentimientos contenidos, que provocan una intensa sensación de vida interior, mediante una total tensión en las figuras.

· Amplias anatomías (cuerpos muy musculosos), tratadas de un modo analítico. analítico. Revelan un gran conocimiento del cuerpo humano Como escultor  se forma en Florencia, Florencia , aunque con sólo veinte años tiene que abandonar esta ciudad debido a la caída de los Médicis, y se traslada a Roma, donde los Papas serán sus mecenas el resto de su vida. vida . En Roma, Roma, sus cuerpos tendrán cada vez más musculatura . Ello  puede ser debido a la impresión que recibió por el descubrimiento en aquella época del grupo helenístico del Laocoonte . Sus desnudos están dotados de una fuerza en tensión sin igual. Los músculos luchan por acusarse bajo la piel, estando sus figuras dominadas por un dinamismo contenido. 1º) Etapa de juventud LA PIEDAD DEL VATICANO , en la Basílica de San Pedro del Vaticano (1499). La Virgen tiene

en su regazo el cuerpo muerto de Cristo. El idealismo simbólico de la representación se advierte en que la Virgen es más joven que su Hijo, como símbolo de la virginidad eterna y sin edad . Mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, aparec aparece e como como un hombre hombre cualqu cualquier iera a en sus despoj despojos os mortales mortales.. El grupo se concibe concibe inserto en una pirámide, destacando, junto a la belleza y el cuidado tratamiento del cuerpo de Cristo, su magnífico estudio anatómico , así como la belleza perfecta de la Virgen, que no expresa ningún sufrimiento, y que sostiene a Cristo con su mano derecha, mientras extiende su izquierda como para ofrecerlo al mundo. El estudio de las telas, cuidadosamente trabajadas con abundantes efectos de claroscuro, se ajustan a las formas anatómicas de la Virgen. Se insinúa una diagonal en el manto de la Virgen, por lo que la mirada se detiene en el torso de Cristo, para seguir por su brazo muerto hacia la parte inferior izquierda. ejem ejempl plo o de la perf perfec ecci ción ón ma maje jest stuo uosa sa del del Cinq Cinque uece cent nto o ital italia iano no.. Es su obra obra culminante de esta época, destinada en principio a ser uno de los contrafuertes del

DAVID ,

Duomo, aunque después de ver culminada la obra, y debido a su perfección, el pueblo de Florencia presionó para que se colocara en otro lugar, emplazándose emplazándose delante del Palacio Viejo en la plaza de la Signoría de Florencia. De tamaño colosal, refleja ya en su rostro esa vida interior apasionada que se califica como terribilitá . El héroe se apoya en su pierna derecha mientras que con la izquierda inicia el giro para lanzar la honda que apoya en su homb hombro ro;; en su ma mano no dere derech cha a suje sujeta ta una una pied piedra ra y con con la mira mirada da sigu sigue e aten atento to los los movimientos de Goliat, buscando el momento oportuno para lanzar el proyectil. Magnífico estudio anatómico de un cuerpo en reposo, pero en el que está implícito el inmediato movimiento en potencia potencia), característica muy personal en la escultura de movimiento movimiento (movimiento potente musculatura musculatura, su expresión firme y segura , y un vigor Miguel Ángel. Ángel. Su potente resaltado especialmente por sus manos enormes , en cierto modo están anunciando ya la tensión manierista y la grandilocuencia miguelangelesca. A trav través és de esta esta obra obra podem podemos os desc descub ubri rirr el geni genio o de Migu Miguel el Ánge Ángel, l, así así como como sus sus extra extraord ordina inario rios s cono conocim cimien iento tos s tant tanto o en el ca campo mpo de las las artes artes como como de las las ciencias:

· por mantener de pie una figura tan “desproporcionada” en relación a su altura (la esculpió sobre un bloque de piedra muy alto y estrecho, del cual otro escultor dijo que no se podía obtener nada por eso mismo), Miguel Ángel demuestra sus conocimientos de física, reforzándola con un tronco que dispone detrás de una de las piernas conocimientos os de anatomía anatomía, por la fidelidad en el · también demuestra sus conocimient comportamiento de los músculos e incluso de las venas (parece probado que diseccionaba cadáveres para comprender el funcionamiento del cuerpo humano y reflejarlo en sus esculturas, pese a que esa práctica estaba perseguida por los tribunales eclesiásticos) · y, por su puesto, queda patente su dominio del arte de la escultura .

simbolismo de esta escultura escultura. No podemos olvidar que Otro aspecto a destacar es el simbolismo estaba destinada a un lugar público de Florencia, para ser contemplada por todos los florentinos. Se esculpe por encargo del gobierno de la ciudad, en un momento en el que Floren Florencia cia,, una pequeñ pequeña a ciudad ciudad-est -estado ado (refle (reflejad jada a en el David) David),, está está disput disputand ando o el comercio del Mediterráneo a otras ciudades italianas mucho más potentes (que serían el “Goliat” contra el que luchaban). Precisamente este simbolismo es el que nos permite explicar explicar dos “defectos” de la escultura: escultura: la desproporción desproporción de la mano y de la cabeza, en comparación con el resto del cuerpo (son mucho más grandes de lo que corresponde). Pero Pero es que que a trav través és de esa esa desp despro ropo porc rció ión n Migu Miguel el Ánge Ángell pret preten ende de mo most stra rarr a los los flor floren enti tino nos, s, el cami camino no para para derr derrot otar ar a las las otra otrass ciud ciudad ades: es: me medi dian ante te la cabe cabeza za (la (la inteligencia) y mediante la mano (la fuerza). (Iconografía- Iconología)

2ª) Etapa de madurez En Roma inicia por encargo del propio Papa el gran SEPULCRO DE JULIO II, origen de su tragedia y obsesión, ya que fue concebido como un monumento colosal exento de cuatro frentes y con más de cuarenta figuras. Sin embargo, tuvo que reducirlo hasta limitarse a un modesto monumento en forma de fachada, por sucesivos encargos que recibió, incluida la ejecución de las pinturas de la Capilla Sixtina. A este sepulcro pertenece el grandioso  Moisés y un buen número de los llamados esclavos, esclavos, obras muy representativas, representativas, en las que las formas escultóricas escultóricas surgen de la piedra, como si estuvieran escondidas en la materia inerte. MOISÉS, en la iglesia de San Pietro in Vincoli (San Pedro “encadenado” o En Cadenas) de

Roma. Realizado entre 1513-1516, para la tumba del Papa Julio II, en principio proyectada para la Basílica de San Pedro, y tras sucesivos proyectos, finalmente fue colocada en su emplazamiento actual. La obra estaba ideada para colocarse colocarse en el segundo escalón de la inmensa inmensa tumba, razón por la cual está realizada realizada para ser vista desde abajo, aspecto aspecto éste que se anula en su localización actual. Será el único profeta que llegó a terminar, y representa el momento momento en en el que Moisés Moisés al bajar del Monte Monte Sinaí sorprende a Porr ello ello,, Moisés su pu pueb eblo lo ad adora orand ndo o el becer becerro ro de oro oro. Po Moisés contem contempla pla con furia furia contenida al pueblo de Israel, y sus dedos nerviosos se enredan en sus barbas,

dispuesto a romper las Tablas de la Ley . Todo ello expresa de manera perfecta el movimiento movimiento contenido contenido, la agitación interna, la acción en potencia que, se contrapesa robustez sobrenatura sobrenatural; vigor también con su monumentalis monumentalismo. mo. Su anatomía anatomía es de una robustez tensión compositiva compositiva, con manifes manifestad tado o a través través de la tensión con jueg juegos os de líne líneas as vert vertic ical ales es y

horizontales; y la ruptura ya de toda armonía renacentista a través de la dislocación del contraposto , con la cab cabeza eza muy girada girada, contrab contrabalan alanceo ceo de las piernas, piernas, y las líneas de los brazos entrecruzados. La grandeza de la figura la hace sobresalir sobre las del Pontífice y la Virgen en el segundo cuerpo del monumento y sobre las de Lía y Raquel, que encarnan la vida activa y la vida contemplativa, situadas a los lados del cuerpo inferior. Pert rten enec ecie ient ntes es tamb tambié ién n al sepu sepulc lcro ro de Juli Julio o II, II, son son esculturas LOS LOS ESCL ESCLAV AVOS OS: Pe inconclusas, buenos ejemplos de la técnica del “no finito”, es decir, del “no acabado”, a través de las que pretende representar las virtudes, expresando el esfuerzo del

hombre renacentista por liberarse de las cadenas de su tradición (y personalmente, su lucha por liberarse de los diversos encargos para centrarse en su verdadera pasión: la escultura).

3ª) Etapa manierista

Miguel Ángel recibe el encargo de realizar los SEPULCROS DE LOS DUQUES de Nemours y de Urbino, JULIANO Y LORENZO DE MÉDICI. Inicia el trabajo trabajo a partir de 1520 en su capilla capilla funeraria funeraria en San Lorenzo de Florencia, preludiando a través de estas obras el Manierismo . En las magistrales representaciones de los duques, pretende reflejar dos temperamentos completamente distintos. De forma alegórica nos ofrece a Julián como símbolo de la vida activa, activa , presentándolo con todo el empaque de un general romano (el “guerrero”). “guerrero”) . Al contrario, Lorenzo sostiene la cabeza con la mano, en actitud pensativa, símbolo de la vida contemplativa contemplativa (el “pensativo”, “pensativo”, “Il “Il pensieroso”). pensieroso”) . Recostad Recostadas as sobre sobre las urn urnas as cin ciner erari arias, as, apare aparecen cen cuatro cuatro figura figurass desnu desnuda dass , símbolo de los cuatro momentos principales del día, verdaderas obras maestras por su técnica y muy expresivas del angustiado espíritu del artista: · La Aurora está representada por una mujer, que está desperezándose (Lorenzo) · El Día es un joven lleno de vigor, de acusados músculos, que expresa la plenitud diurna (Julián) · El viejo decrépito, de carnes flácidas, es el símbolo decadente del Crepúsculo (Lorenzo) · Otra mujer representa a la Noche, Noche, figura pletórica de fuerzas, que anuncia nuevas auroras (Julián) Todo el grupo refleja el manierismo manierismo en las formas retorcidas retorcidas sobre sí mismas y en los rostros del Crepúsculo y el Día, que están sin terminar. Las figuras sepulcrales se ofrecen sentadas, según el tipo creado en el primer Renacimiento (figuras (figuras sepulcra sepulcrales les sedente sedentes) s).. Los sepulcros se sitúan en la capilla uno frente al otro , mientras que las miradas de las figuras que representan a los dos hermanos se dirigen hacia uno de los laterales de la capilla, capilla, donde Miguel Ángel dispone la escultura de una Virgen con niño, niño , de extraordinaria belleza manerista. El simbolismo de esta disposición es, para algunos autores, muy claro: tras la vida, con su principio y fin en la tierra (para los que utiliza las alegorías del día y la noche, de la aurora y el crepúsculo), espera la vida celestial . pilastras ras estria estriadas das,, los fronto frontones nes curvos curvos,, las SEPULT SEPULTURA URA DE LORENZO LORENZO DE MÉDICÍ MÉDICÍ: las pilast

guirnaldas guirnaldas y los efectos de valorizar valorizar las sombras sombras para destacar destacar el efecto monumental monumental de la arquitectura, son características definidas de esta fase manierista del renacimiento italiano. En el centro, de un nicho rectangular, se representa a Lorenzo de Médici, en actitud pensativa, con una mano en la barbilla y la otra, la derecha, apoyada en su pierna, con una forzada postura del bra raz zo, que dará pábulo a los rebuscamientos rebuscamientos manieristas manieristas. En primer plano la urna funeraria, con frontón roto en

cuyo cuyo trasdó trasdóss curvo curvo se apoyan apoyan las repres represent entaci acione oness del Crepús Crepúsculo culo y la Aurora Aurora,, que muestran en el magnífico estudio de sus anatomías la grandiosidad del estilo de Miguel Angel.

LA PIEDAD RONDANINI: en sus últimos años Miguel Ángel se deja llevar por la pasión

religi religiosa osa,, volvie volviendo ndo al tema tema de la Pie Piedad dad,, aunque aunque desde desde una visión visión comple completam tament ente e distinta, ya que ahora se interesa más por la expresión del dolor y no por la belleza corporal. Esa intensidad dolorosa se acrecienta con el tiempo en los sucesivos grupos que realiza sobre este tema. Lo podemos ver en el último, el encargado por la familia Rondanini, en el que concibe a las figuras lejos ya de la composición clásica, mostrándonos a la madre y al hijo indisolublemente unidos, muestra de una terrible soledad dramática, acentuada por el hecho de ser una obra inconclusa inconclusa.

Estamos en un momento de su carrera en el que predomina la búsqueda de un modo plástico que permita canalizar su situación personal de desaliento y soledad. Esta nueva forma de entender la escultura, de jugar con las diferentes texturas del material, tendrá culmin inac ació ión n de la un gran peso en artistas posteriores como Rodin. Es la culm interpretación interpretación manierista manierista: el alargamiento de las figuras es extremo, hasta el punto que parecen parecen ahora ingráv ingrávida idass en el espaci espacio, o, ligera ligerass y flotan flotantes tes,, lejos lejos ya de aquell aquella a terribilitá que caracterizó toda su obra.

4.4 Los escultores manieristas Miguel ángel dio, en los últimos momentos de su obra, las pautas del Manierismo, rompiendo la armonía y el equilibrio que caracterizan al arte clásico. Como en arquitectura, el quebranto del ideal clásico es la nota significativa de las obras pertenecientes al período manierista. Las principales características de la escultura manierista son: a) Preferencia por la figura “serpentinata”, que reduce la obra a un puro arabesco de líneas onduladas, de forma que las figuras aparecen contorsionadas dibujando las formas un movimiento helicoidal. helicoidal.  b) Esto exige exige una contemp contemplaci lación ón de la escultura escultura desde desde varios puntos de vista, vista , ya que no se limitan a ofrecer una perspectiva principal. c) Nota Notass fund fundam amen enta tale less son son la tensión, tensión, el dinamismo, dinamismo, el desgarramiento que reflejan las figuras, las exageradas musculaturas, pero sin alcanzar el dramatismo. La sensación que se obtiene al observar una escultura manierista es de desequilibrio e inestabilidad. Uno Uno de los los más más des destaca tacado doss escul sculto tore ress mani manier eris ista tass fue fue BENVENUTO CELLINI. Fue fundamentalmente un gran orfebre, un extraordinario ornamentista. Sus propias esculturas de bronce pueden considerarse como obras de orfebrería . El duque Cosme de Médicis le encargó que tiene tiene esencial esencialmente mente un sentido sentido el PERSEO CON LA CABEZA DE LA MEDUSA, obra que pictórico. No hay más que ver como chorrea la sangre por la parte seccionada. La tensión y el desgarramiento propios del Manierismo son fácilmente apreciables en la exagerada musculatura del Perseo.

El franco-flamenco JUAN DE BOLONIA permanece sólidamente unido a la escultura italiana. Realizó el RAPTO DE LAS SABINAS, cuyas tres figuras se conjuntan en un original esquema

vert vertic ical al,, de acue acuerd rdo o con con la tend tenden enci cia a ma mani nier eris ista ta al alar alarga gami mien ento. to. Tamb Tambié ién n abre abre el contorno disparando el brazo de la sabina. Todo ello dominado por la línea serpentinata. Pero que es esencialmente una obra manierista lo manifiesta el significado de la pugna, carente de todo dramatismo hasta el punto de que parece una escena circense.

En el MERCURIO son notas características: la gran elegancia de la figura, de estilizada anatomía, la contraposición de los miembros, que avanzan y retroceden, y la maestría técnica mostrada por el escultor en la fundición, al apoyar la figura, en difícil equilibrio, sobre la punta de un pie .

5 LA PINTURA EN EL RENACIMIENTO Durante el Renacimiento, el arte de la pintura conoce una importante evolución que tiene su punto de partida en la obra gótica de Giotto. Las peculiaridades de cada autor dificultan en sobremanera establecer, con carácter general, los elementos definitorios de la pintura renacentista. No obstante, se pueden señalar algunos aspectos comunes. 5.1 Características Características generales 1) La temática predominante sigue siendo la de carácter  religioso, religioso, incluso de forma exclusiva en algunos autores, como Fray Angélico. Se alternarán con los temas profanos, profanos, dependiendo siempre del mecenas. La mitología, que había acaparado prácticamente prácticamente toda la iconografía iconografía grecorromana vuelve ahora a recuperar su interés. Muy importante entre los coleccionistas, debido bien a un afán cultural,  bien a seguir simplemente la moda. El mejor ejemplo lo tenemos en Boticelli: La Primavera y El  Nacimiento de Venus. La importancia que tiene ahora el retrato es comparable a lo visto en la escultura. A menudo, esto estoss retr retrat atos os se apro aprove vech chan an par par refl reflej ejar ar la situ situac ació iónn soci social al del del pers person onaj ajee y su prop propia ia  personalidad. Aunque muchos fueron sus cultivadores, pocos comparables con la maestría de Rafael, el retratista por excelencia del XVI. Varios tipos: de medio cuerpo, de cuerpo entero, etc. Un tema de especial trascendencia trascendencia fue el desnudo. Su cultivo se hará a través de las narraciones mitológicas, como también se hiciera en la antigüedad clásica. Será sobre todo femenino. Pero no será en una obra de carácter carácter mitológico mitológico donde tenga lugar lugar el triunfo absoluto del desnudo, desnudo, sino curiosamente en un tema religioso, de la mano de Miguel Angel: hablamos de los frescos que ocupan el testero de la Capilla Sixtina (El Juicio Final). 2) Se busca la perfección de las formas, la belleza, belleza, aunque cada uno creará su propio canon estético. Poco tienen que ver entre sí las cándidas y dulces Madonnas de Rafael con las potentes y robustas Sibilas de Miguel Ángel. En cualquier caso, el cuerpo humano se convierte en una de las grandes preocupaciones de la plástica renacentista, como también lo había sido en el mundo mundo grecor grecorrom romano ano.. Se anali analiza za desde desde tod todos os los los punto puntoss de vista vista posib posible less y se emple empleaa frecuentemente el escorzo (modo de representar un objeto, una figura que se halla dispuesta  perpendicularmente al plano del cuadro) 3) Las técnicas empleadas son el fresco, fresco, que alcanza su culminación en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, y el óleo, óleo, que hasta el siglo XV era absolutamente desconocido (en su lugar se empleaba empleaba el temple). temple). En este este mismo siglo siglo los venecia venecianos nos introduce introducenn otro gran invento, invento, el lienzo, lienzo, que se convertirá a partir de ahora en el principal soporte para la pintura. 4) En lo que se refiere r efiere al dibujo y al color, durante el siglo XV sigue manteniéndose la importancia del dibujo, dibujo, que será más intenso, más nítido, más firme. Mientras que en el XVI pierde parte de su vigor a favor del color, color, que será rico y suelto, imponiéndose a la línea. compleja durante el Quattrocento, 5) La composición es más compleja Quattrocento, con un claro afán narrativo, acumulando en una misma obra diferente escenas. En el Cinquecento será una composición más clara y simple , por lo general de escena única, adoptando con frecuencia un esquema triangular. El mundo está regido por el orden y las matemáticas, por lo que los pintores buscan en la geometría un auxilio para agrupas las figuras de sus cuadros. 6) La profundidad será la gran obsesión del XV, XV , ya que hay una gran preocupación por crear  volumen, por dar sensación de espacio en el cuadro. Para ello emplearán todos los recursos a su alcancen: la luz, los escorzos (como el que muestra Mantegna en su “Cristo Muerto”) y la   perspectiva (como veremos después). Durante el XVI no obsesiona tanto la profundidad al tenerse ya dominada la perspectiva. 7) La perspectiva es la gran conquista del pintor renacentista, que descubre la posibilidad de representar en un plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera dimensión: la

 profundidad. En un primer momento este efecto se consigue a través de la perspectiva lineal; luego llegará la perspectiva aérea: en la primera mitad del Quattrocento Brunelleschi “descubre” (había sido utilizada ya en la antigüedad) y aplica la perspectiva lineal o artificial,  basada en una rigurosa exactitud exactitud matemática. Toma como punto de partida la idea de que cuanto más lejos están los objetos más pequeños se han de representar. Se basa en un punto de fuga único e inmovil, en el que confluyen todas las líneas de la representación, construyendo a partir de él una  pirámide visual. Su punto de partida es una nueva concepción del espacio, homogéneo y constante. La causa será el dominio ideológico de una clase social (la burguesía) que basaba su ascensión en la valoración concreta de la realidad. La perspectiva aérea, aérea , sin embargo, surge de las teorías de Leonardo da Vinci. Vinci. Según él, cuanto más lejos están los objetos mayor es la cantidad de aire que se interpone entre estos y nosotros; la lejanía desdibuja los contornos originando el SFUMATO. Plantea, además, que las cosas toman un color azulado, azulado, pues este es color del elemento que las rodea, el aire. Se dan así los primeros pasos hacia lo que más tarde será la perspectiva aérea, que dominará la pintura barroca. 8) En cuanto a la luz luz,, en el Quattrocento es conceptual, es decir, no podemos adivinar la procedencia ni el foco que la genera e ilumina todo el espacio por igual . En el XVI surge la idea de la luz dirigida que ilumina selectivamente (podemos averiguar el foco o focos de luz y apreciamos como no toda la superficie se ilumina por igual). Se produce una nueva valoración de la luz con el “sfumato “ sfumato”” que es tan característico de Leonardo: es el efecto conseguido mediante el paso de la luz a la sombra y de un color a otro de forma muy suave, difuminando los contornos. Con ello se consigue que los perfiles se desdibujen y el paisaje del fondo se haga vaporoso, de formas indeterminadas. 9) En los fondos de las obras se utilizarán paisajes naturales, naturales, cada vez mejor interpretados, así como escenarios escenarios arquitectónicos, arquitectónicos, cada vez más perfectos y admirables, conectados con el tipo de arquitectura que se estaba realizando entonces. Aunque habrá autores, como Rafael, que harán desaparecer los paisajes del fondo, centrando toda su atención en el retratado. •

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5.2 Antecedentes del Renacimiento: Renacimiento: el Trecento Trecento ( “los “los primitivos italianos”) Sirva este pequeño apartado para recordar que los orígenes de la pintura del Renacimiento Renacimiento tenemos que buscarlos en GIOTTO, el gran maestro del siglo XIV, introductor de tres grandes novedades que supusieron los los fundamentos de la pintura renacentista: a) En pr primer lu lugar, la la representación representación espacial, espacial, el paisaje, que dará origen a los estudios de  perspectiva. b) en segundo lugar, la repre represe senta ntació ciónn de la figura figura hum humana ana confo conforme rme a estud estudios ios anatómicos, anatómicos, tanto en su realidad estática como en la expresión dinámica de sus actitudes y gestos. gestos . c) y, en en úl último lu lugar, lo los estudios del color en relación con la luz, luz , creando así el tono cromático. Estos aspectos técnicos e intelectuales de la pintura justifican que el Giotto sea considerado como el padre de la pintura moderna, anticipando de esta forma el Renacimiento . 5.3 Pintura de transición al Renacimiento (del XIV al XV) El máximo ejemplo de la pintura de transición de la Edad Media al Renacimiento es la obra de FRA ANGÉLICO, por lo que en su pintura podemos ver características del Trecento (Gótico) y del Quattrocento (Renacimiento): a) del Trecento, Trecento, la importancia que da a los fondos dorados, el alargamiento de las figuras y las líneas ondulantes y suaves.  b) del Quattrocento, Quattrocento, el volumen de las figuras y la soltura en la composición.

Pintor devoto, prefiere los temas gozosos a los trágicos , por lo que en sus composiciones no se refleja el dolor. LA ANUNCIACIÓN. La escena principal se sitúa en un pórtico, en el que la Virgen, sentada e

interrumpiendo la lectura del texto profético, recibe el mensaje angélico, al mismo tiempo que un rayo de luz divino con la paloma del Espíritu Santo cae sobre ella. En la actitud respetuosa respetuosa del ángel ángel que inicia la genuflexión genuflexión y el gesto de la aceptación aceptación de María se simb simbol oliz iza a el mo mome ment nto o de la Enca Encarn rnac ació ión. n. Al fond fondo, o, a la izqu izquie ierd rda, a, Adán Adán y Eva Eva son son expulsados del paraíso, que ofrece un magnífico estudio de la vegetación. La presencia de Adán y Eva alude a que, con el nacimiento de Cristo, el hombre va a ser redimido del pecado original. Domina el sentido lineal y la belleza del colorido, en el que el azul es tono dominante . En segundo término, la celda o dormitorio de la Virgen. Es muy característico el pelo rubio de ésta. Dios Padre está presente en el medallón central. La obra obra de este este arti artist sta a supo supone ne el enla enlace ce de la trad tradic ició ión n góti gótica ca con con los los nuev nuevos os idea ideales les renacentistas. Tiene un evidente recuerdo de la Escuela de Siena en la utilización de los dorados, la suavidad de las formas y la delicadeza de las figuras.

5.4 La pintura del Quattrocento La  pintura renacentista del Quattrocento (siglo XV) tiene su centro en Florencia. El pintor del Quattrocento rompe con los convencionalismos medievales y se apoya en: la observación de la realidad, a la que idealiza. idealiza . el estudio de la anatomía. anatomía. la representación representación del espacio. espacio. la valoración de la luz en el color, color , con con inmen inmensa sa variabilidad de tonos (aunque con colores armoniosos, sin estridencia alguna). alguna ). una luz diáfana y repartida de forma homogénea en la obra (luz normalmente cenital). Todo Todo ello ello parti partien endo do de un predomini predominioo del dibujo dibujo sobre el color. color . • • • •

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SANDRO BOTTICELLI

Entre los pintores italianos del Renacimiento quattrocentista sobresale el florentino, por el sentido rítmico de las líneas fluyentes y la belleza e idealismo de sus representaciones . Características Características dibujo ujo din dinámi ámico, co, con con lín línea eass del delici iciosa osas, s, que oscila oscilann como como ond ondas as que se formales son un dib desvanecen. desvanecen . Utiliza la perspectiva perspectiva central, aunque con escasa sensación sensación de profundidad. Nacido en 1445, fue uno de los artistas preferidos de los Médici, aunque muere en la pobreza en 1510. Es fundamentalmente famoso por sus temas profanos de carácter mitológico y alegórico , como El  Nacimiento  Nacimiento de Venus y La Primavera. Primavera. NACIMIENTO DE VENUS. VENUS. Quizás un retrato de Simonetta Vespucci. Tema mitológico, en

la que la diosa nace del mar, tratado con el carácter suave y melancólico que caracteriza la obra del maestro florentino. No le interesa el fondo sino el estudio del cuerpo de Venus, a la que representa a la vez como una diosa y como una virgen: en una concha, surge del mar impulsada por el soplo de los Céfiros, recibiéndola Flora (diosa de la vegeta vegetació ción n y la Natura Naturalez leza), a), que esparc esparce e flores flores.. Son muy caract caracterí erísti sticos cos los rasgos rasgos delicados y el ondulado cuerpo de Venus, con su revuelta cabellera agitada por el viento. La creación de esta obra supone la inspiración en temas clásicos de un arte profano inspirado en la mitología, que ha de tener gran desarrollo en el Renacimiento. realiz izad ada a entr entre e 1477 477 y 1478 1478.. Este ste tem ema a ha teni tenido do dif diferen erente tess LA PRIMAV PRIMAVERA ERA, real

interpretaciones, bien como alegoría del amor entre Simonetta Cataneo, que sirve de modelo a la Primavera, y Giuliano de Medici, retratado en la figura de Mercurio; o bien emble ma mitológico mitoló gico del amor platónico plató nico , según ha sugerido Ponciano: en el como emblema centro aparece Venus, flanqueada flanqueada a la derecha por Céfiro que persigue a la ninfa de la

 Tierra, Cloris, que en ese momento al ser tocada por él se transforma en Flora (diosa de la vegetación y las flores). Sobre Venus, cupido dirige sus flechas a las Tres Gracias (servidoras de Venus), y más concretamente hacia una de ellas, Castitas, colocada en el centro de las tres. A su vez, Castitas mira al Dios Mercurio , mensajero de los dioses y por ello también, nexo de unión entre la Tierra y el Cielo. De esta forma, por medio de este complejo relato temático, se crea un círculo neoplatónico del Amor: el Amor que surge de la Tierra como Pasión (la de Céfiro), regresa al Cielo como Contemplación (la de Castitas hacia Mercurio, que mira hacia lo alto meditabundo) Es decir, que el amor sensual y carnal, que no es el verdadero (de hecho desaparece al tocarlo como ocurre con la metamorfosis de Cloris) debe convertirse para ser real en un amor contemplativo, espiri espiritua tual, l, profundo profundo,, ideali idealizad zado o en fin, y por tanto tanto platón platónico ico.. Elemen Elementos tos formales formales destacados destacados son la luz blanquecina y homogénea , y el color suave con predominio de tono tonoss comp complem lemen enta tari rios os,, verd verde e y rojo. rojo. Las Las tres tres Grac Gracia ias, s, que que bail bailan an a la izqu izquie ierd rda, a, componen una danza de insuperable ritmo. Es característico el estilo bello y melancólico basado en la gracia rítmica de las líneas.

ANDREA MANTEGNA

Dibujante maravilloso, se distingue por  la energía escultórica con que construye sus figuras , de suerte que las superficies parecen cinceladas más que pintadas ( predominio del dibujo sobre el color = predominio de los valores escultóricos). Un ansia de monumentalidad le lleva a emplear  severas arquitecturas clásicas como marco de sus figuras. Utiliza un punto de vista bajo, bajo, creando así maravillosos escorzos. escorzos . Ello permite una visión en profundo de los edificios, que nos muestran sus bóvedas, y sobre todo el cielo. EL TRÁNSITO DE LA VIRGEN . Es nota distintiva la importancia que se concede al dibujo, al

que se somete somete el cromatismo. cromatismo. Destaca Destaca la aplicación aplicación del concepto concepto de perspectiva perspectiva clásica, clásica, en la que que con confluy fluyen en las las línea íneass de fond fondo, o, con con lo que que se cons consig igue ue una una per perfect fecta a repr repres esen enta taci ción ón de las las tres tres dime dimens nsio ione nes. s. La esce escena na se encu encuad adra ra con con las las figu figura rass monumentales de los Apóstoles, a un lado y otro, con lo que se acentúa el verticalismo, mientras que la horizontalidad se marca con el lecho de la Virgen, las líneas del enlosado, el fond fondo o del del pais paisaj aje e y las las nube nubess blan blanca cass del ciel cielo. o. Es tamb tambié ién n nota nota dest destac acab able le la majestuosa majestuosa monumentalidad monumentalidad de las figuras, de sólidos volúmenes, la limpieza limpieza del cielo y los tonos cromáticos.

CRISTO CRISTO YACENTE YACENTE:: Su volu volunta ntad d de crea crearr escorzos culm culmin ina a en esta esta obra obra,, con con uno uno espectacular , ya que la figura está pintada de tal manera que parece que avanza hacia el especta espectador dor.. Supone Supone un estudi estudio o soberbi soberbio o de ana anatom tomía, ía, y su domi domini nio o de la perspectiva.

PIERO DELLA FRANCESCA

Su preocupación se centra en los problemas problemas cromáticos cromáticos ,simbólicos y en la interpretación de la luz.. Crea un mundo de figuras corpulentas, voluminosas y redondeadas, rodeándolas luz de una suave atmósfera luminosa. luminosa . LA VIRGEN VIRGEN,, LOS SANTOS SANTOS Y FEDERI FEDERICO CO DE MONTEF MONTEFELT ELTRO RO: esta obra fue encargada por

Federico de Montefeltro, duque de Urbino, que aparece retratado de rodillas. Este tipo de cuadro cuadross tiene tiene sus raíces raíces en el mundo mundo tardom tardomedi edieval eval,, donde donde el donant donante e comenz comenzó ó a retratarse retratarse frecuentem frecuentemente ente en los cuadros religiosos. religiosos. La composición composición aparece aparece marcada por un eje de simetría formado por el grupo de la Virgen y el Niño dormido sobre sus rodillas. A ambos lados de la Virgen se disponen sendos grupos de tres santos. Un grupo de ángeles se coloca al fondo, con expresiones más idealizadas. La luz lateral tiene mucha mucha infl influe uenc ncia ia en la cons constr truc ucci ción ón del del cuad cuadro ro y acen acentú túa a el volu volumen men.. La esce escena na expresa a los los nu nuev evos os postu postula lado dos s tra transcu nscurr rre e en el inte interrior ior de un edif edific icio io que que expres renacentistas renacentistas en todos todos sus sus elementos elementos constru constructivos ctivos. El cuadro es además un

ejercicio de perspectiva, que se pretende acentuar con esa forma oval que cuelga de una cadena en el extremo de la venera. Su disposición ayuda a lograr una impresión de mayor profundidad en la escena. nocturna, artificial artificial (se trata SUEÑO DE CONSTANTINO. CONSTANTINO. Destaca por el empleo de la luz nocturna,

de uno de los primeros “nocturnos” en la historia de la pintura del Quattrocento), creando sutiles efectos en el rostro y vestimenta y en el yelmo y peto del guerrero, iluminados por detrás. La tienda de Constantino parece ella misma una lámpara que irradia luz dentro del cuadro. Por esto se considera a este cuadro precursor del tenebrismo. Este fresco representa el momento previo a la Batalla de Puente Milvio en la que Constantino vencerá a Majencio después de serle revelada la clave de su triunfo, cuando en lo alto del cielo surge la leyenda, “in hoc signo vinces”, que le conducirá después de la batalla a la conversión de la religión cristiana.

MASACCIO

Representa mucho en la conquista de los valores táctiles, destacando la monumentalidad de sus figuras por su peso y su volumen, desconocidos hasta ahora en la pintura, que les confieren un aspecto majestuoso. Por eso se le considera un precursor de Miguel Ángel. Ángel . EL TRIBUTO DE LA MONEDA (AL CÉSAR) : Además de la fuerza y del aplomo, hay que

destacar el valor que da a las figuras, la profundidad a través del modelado , y la iluminación central. A pesar de hallarse las cabezas a igual altura, observamos que se disponen en el espacio en planos distintos (los pies están en distinto nivel). En primer término hay un personaje vuelto de espaldas, cuyas arqueadas piernas dan movimiento a todo el cuadro. Los personajes personajes proyectan su sombra en el suelo ligándose ligándose a la tierra que pisan; son figuras consistentes aunque carecen de fuerza expresiva. La obra narra el episodio evangélico en el que Cristo, Cristo, rodeado de los apóstoles, y convencido de que “hay que dar al César lo que es del César”, manda a Pedro que cumpla esta obligación [escena central], primero recogiendo el óbolo que hay que pagar de la boca de un pez (ahí el milagr milagro) o) [escen [escena a de la izquie izquierda rda]] y despué despuéss pagánd pagándolo olo al recaud recaudado adorr [escen [escena a de la derecha]. Como vemos, las tres escenas escenas no siguen un orden orden cronológico (la primera primera en el tiempo tiempo se dispone dispone en el centro), porque porque lo que le interesa a Masaccio Masaccio no es resaltar resaltar el milagro (que de hecho desplaza marginalmente a la izquierda) sino exaltar una actitud , una postura ética, en este caso la de Cristo, que manda pagar el impuesto y cumplir así  con las obligaciones cívicas de manera decidida. Es ésta una pintura humana y no divina . LA TRINIDAD, pintura quatocentista al fresco realizada para la iglesia de Santa María Novella, en Florencia, hacia 1420-1425. Destaca el efecto de claroscuro, el estudio anatómico del Cristo y la grandiosidad de las figuras, así como el estudio de la perspectiva que acentúa la monumentalidad del conjunto, lo que supone una novedad

cara caract cter erís ísti tica ca de este este perío período do de inic inicia iaci ción ón del Re Rena nacim cimie ient nto. o. El esce escena nari rio o de la composición está formado por arquitecturas clásicas: bóveda de cañón con casetones y en el frente un arco arco de medio punto sobre columnas flanqueado por pilastras. pilastras. La trinidad está flanqueada por la Virgen y San Juan, y a ambos lados, arrodillados, los donantes.

EXPULSIÓN DE ADÁN Y EVA DEL PARAÍSO TERRENAL . Pintura al fresco de la iglesia del

Carmine en Florencia, en la capilla Brancacci, realizada a fines de 1424 o comienzos de 1425. Supuso una revolución en el campo del tratamiento de la pintura y del desnudo , al igual que las restantes figuras que realizó para esta capilla. En todas ellas el sentido de monumentalidad y solemnidad son notas características.

5.5 La pintura del Cinquecento La primera mitad del del XVI supone en el ámbito ámbito de la pintura la conquista plena del clasicismo. clasicismo . La   pintura alcanza un nivel de plenitud incomparable, gracias a la coincidencia generacional de algunos talentos talentos universales, entre los que destacarían con luz propia, Leonardo Da Vinci, Rafael y

Miguel Ángel. Algunos rasgos peculiares de la pintura del Cinquecento son: dominada ya la perspectiva desaparece el interés por los amplios escenarios, reduciéndose las arquitecturas al mínimo. se destaca el tema principal de la obra mediante composiciones sencillas que frecuentemente frecuentemente  pueden inscribirse en sencillas formas geométricas, eliminando los detalles anecdóticos. objetivo fundamental del artista será la representación de tipos humanos de belleza eterna y atemporal, atemporal, el cuerpo humano desnudo, como en el clasicismo griego. Es la gran época del desnudo femenino, rindiéndose culto a la belleza. la luz no servirá sólo para la creación de volúmenes, sino que difuminará los contornos de las figuras, ablandando las formas (sfumato). (sfumato) . se mantiene el interés por la representación del movimiento. movimiento . Para el artista, lo fundamental será la concepción de la obra, que es tarea mental, y no su ejecución, lo que explica que existan obras inacabadas. La pintura se hace propiamente pintura, lo que indica que los pintores no se acuerdan ya de los escultores. Además de los pintores de la escuela florentino-romana (Leonardo da Vinci, Miguel Angel, Rafael), destacarán los de la escuela veneciana ( Tiziano, Veronés y Tintoretto), que añadirán una fuerza colorista al clasicismo. •

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  A) ESCUELA FLORENTINO-ROMANA

LEONARDO DA VINCI

Sin duda el genio más representativo del Renacimiento junto con Miguel Ángel. Profundamente intelectual, busca en su obra una base científica, ya que considera toda actividad artística como una labor del intelecto, intelecto , que se expresa mediante mediante la obra realizada. realizada. Sus actividades no se limitan al arte, sino que se ocupa de otras ramas del saber, desde las matemáticas hasta la anatomía. En pintura introduce el concepto de la valoración del medio atmosférico, que envuelve las figuras y que es la base de la perspectiva aérea, aérea , es decir, la transformación transformación que sufre la visión de las figuras en función del medio atmosférico, tanto en su cromatismo como en sus perfiles. Todo ello le conduce a la riqueza en la tonalidad cromática y al sfumato de los contornos (realizando el  paso de la luz a la sombra con una extraordinaria suavidad, difuminando esos contornos). Con ello logra una superficie suavemente aterciopelada, que funde figuras y ambiente, como si una gasa cubriese el cuadro. Estéticamente supone que una oleada de misterio inunde las obras. Se interesará también por el movimiento, movimiento , lo que le lleva a preocuparse especialmente por el arte de enlazar unas figuras con otras. Otra de sus características es la melancolía de sus figuras, figuras , sin una expresión precisa. LA VIRGEN DE LAS ROCAS (Louvre). Es un perfecto ejemplo de armonía renacentista, con

su equilibrada composición composición englobando a las figuras en un triángulo equilátero , cuyo vértice lógicamente es la Virgen, mientras los lados vienen dados por Jesús y San  Juan niño, y por un ángel al otro lado. Desarrolla también en esta obra el sfumato, lo que tenebrosa surgida de la cueva, crea ese ambiente característico de luces unido a la luz tenebrosa difusas y entornos ambiguos, que aparte de ganar profundidad, le otorga al cuadro un aire extraño y misterioso. Al efecto de perspectiva aérea comentado hay que añadir algunos algunos detalles detalles de un primoroso virtuosismo, virtuosismo, caso del magistral trabajo de la mano de María, en un escorzo prodigioso . LA ÚLTIMA CENA de Santa María delle Grazie, en Milán. Obra capital donde introduce procedimientos técnicos originales, que han estropeado buena parte de la pintura: es una pintura mural en la que combina una mezcla de óleo y temple . Es importante tanto la composición como la interpretación psicológica de los apóstoles al oír las palabras de Cristo. Cristo. Precisamente Precisamente el tratamiento del tema es una gran novedad, ya que Leonardo elige el momento en el que Jesús comunica a sus discípulos que uno de ellos le va a traicionar, lo que aprovecha para reflejar las diferentes expresiones que provocan las reacciones reacciones de cada uno de sus apóstoles, apóstoles, mientras que en el centro destaca la figura de Cristo quieto y en silencio. Además se puede apreciar el dominio en la composición, en este caso cerrada: la figura de Cristo en el centro destacando su cabeza sobre el fondo de la ventana, mientras que

los los após apóstol toles es se agru agrupa pan n de tres tres en tres tres,, núme número ro pref prefer erid ido o por por los los ma maes estr tros os del Renacimiento. La geometría, bella en sí misma, es en el siglo XVI también un adecuado procedimiento para expresar el orden divino. El cuad cuadro ro repr repres esen enta ta la prop propia ia habi habita taci ción ón dond donde e se pint pintó, ó, un refe refect ctor orio io auté autént ntic ico, o, fingiendo fingiendo sobre el muro la continuació continuación n de dicho refectorio. refectorio. De esta manera la mesa del cuad cuadro ro esta estarí ría a em empl plaz azad ada a ilus ilusor oria iame ment nte e haci hacia a el cent centro ro del del refe refect ctor orio io tota total. l. Este Este procedimiento de ampliación fingida del espacio fue usual en el Renacimiento y Barroco. LA GIOCONDA (Museo del Louvre). Tal vez el retrato más famoso de la Historia de la

pintura. Modelo de retrato renacentista del Cinquecento, es decir, de busto prolongado en los los braz brazos os.. Dest Destac acan an aspe aspect ctos os fund fundam amen enta tales les,, como como el idealismo de la mujer representada, embellecida por la suave y enigmática enigmática sonrisa sonrisa que aflora a sus labios y la indolente mirada de acuerdo con la postura postu ra de sus manos, en primer término. Leonardo demuestra su dominio de la expresión, mediante el trabajo preciso de claroscuro en los ojos y la comisura comisura de los labios, labios, elementos elementos básicos de la expresión, expresión, que de esta forma forma quedan imprecisos en su ambigüedad, como si el tiempo ciertamente se hubiera detenido en su mirada. De ahí su eterna universalidad. Es muy característico el esfumato, que difumina los contornos y acentúa las tonalidades cromáticas en este concepto de arte idea ideali liza zado do en el que que los los valo valore ress atmo atmosf sfér éric icos os tien tienen en una una gran gran impo import rtanc ancia ia,, en el precedente de lo que será la perspectiva aérea.

RAFAEL DE URBINO

Es el pintor que mejor define las características ideales del Renacimiento del siglo XVI. Nacido en Urbino, muere en Roma en 1520, a los 37 años de edad. Fija en sus obras la asimilación de las enseñanzas del Quattrocento, por lo que no destaca por ser un innovador, sino que su obra sobresale  porque concilió armoniosamente las conquistas de pintores anteriores: anteriores : de Miguel Ángel tomó la grandiosidad de sus figuras y la búsqueda de la perfección del cuerpo, mientras que de Leonardo imitará el esfumato. esfumato. Se distingue sobre todo en el dibujo y la organización de las composiciones perfectamente clásicas en sus fundamentos geométricos, y a cuya belleza contribuye poderosamente la suavidad del colorido, colorido, creando un estilo presidido por la armonía. Señala desde un principio su predilección por el tema de la Virgen y el Niño . Obra fundamental de Rafael es el gran conjunto de frescos de las Estancias Vaticanas , que constituye uno de los ejemplos más bellos del Renacimiento cinquecentista romano, entre los que se destaca la  Escuela de Atenas. escenario de monumental monumental grandiosidad grandiosidad , desarrolla en un escenario LA ESCUELA DE ATENAS . Se desarrolla •

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cuyo motivo central es el diálogo o disputa intelectual entre los dos grandes grandes filósofos filósofos de la antigúedad, Platón (que señala a la Tierra) y Aristóteles (señalando al cielo). En primer y segundo planos, grupos de filósofos y sabios dialogan entre ellos. dibujo perfecto perfecto de las El monume monumenta ntalism lismo o de la arquit arquitect ectura ura,, el dibujo las figu figura ras, s, con con sus sus cont contor orno noss y dint dintor ornos nos que que valo valori riza zan n la luz, luz, así así como como el magní magnífi fico co estu estudi dio o de la perspectiva con sus líneas confluyentes, tanto las del suelo como las de las cornisas, son notas distintivas. distintivas. Es importante importante resaltar los estudios estudios anatómicos de las figuras en primer plano y la majestuosidad de las dos figuras centrales. Es evidente el carácter intelectual de la pint pintur ura a, refe refere rent nte e a las las fuen fuente tess del del cono conoci cimi mien ento to y la contr contrap apos osic ició ión n entr entre e idealismo y realismo. Los sabios de la Antigüedad vienen representados por los artistas del presente (reivindicación del artista como intelectual). Así Platón aparece con el rostro rostro de Leonardo Da Vinci. LAS DESPOSORIOS DE LA VIRGEN , obra juvenil de Rafael (1504), expuesta en la Pinacoteca de Brera, en Milán. Magnífico estudio de la perspectiva , en el que las figuras se

escalonan en profundidad. Al fondo, el gran templo, modelo de la arquitectura clásica. Son muy características la disposición en círculo de los personajes, su actitud, con las cabezas inclinadas, y la suavidad de rasgos que recuerdan a su maestro Perugino.

esta obra obra reco recoge ge infl influe uenc ncia iass de Pe Peru rugi gino no LA MADON ADONNA NA DEL GRA GRAN DUQU DUQUE E: en esta (ensimismamiento e indolencia de las figuras), Leonardo (gradación suave de las luces y ligera torsión de los cuerpos) y Miguel Angel (volumen de los cuerpos).

MIGUEL ÁNGEL

Está fuertemente influido en su pintura por los conceptos escultóricos, en tanto que la plasticidad y el relieve son aspectos fundamentales de su obra : destaca por su dibujo, dibujo , con el que crea amplia amp liass anatom anatomías ías llenas llenas de expre expresió siónn y vid vidaa , que rompen rompen el equil equilibr ibrio io clási clásico, co, creand creandoo angustia espacial. espacial . Elimina el paisaje y concentra toda su energía en el modelado. Sus figuras reflejan una fuerza titánica: levanta montañas de músculos, sin supeditarse a la realidad, creándose un gigantismo sobrehumano, claramente inspirado en el Laocoonte. Pero no sólo son cuerpos robustos, robustos, sino que también albergan espíritus sólidos, sólidos, almas impetuosas, de manera que fuerza física y moral se equilibran. Su estilo se opone al sentido cromático de los venecianos y de Leonardo, así como la impetuosidad de sus figuras supone un contrapunto al arte reposado de Rafael. Precisamente su estilo y su color  preconizan el Manierismo, Manierismo , con esas  figuras gigantescas que carecen del suficiente espacio, con esa atmósfera angustiada , ya que nos muestra un mundo dramát dramático ico,, bien bien difere diferente nte del equil equilibr ibrio io y opt optim imism ismoo del hombre hombre del del primer primer Renac Renacimi imient ento. o. También el color es manierista. Si el clasicismo pleno pintaba con colores suaves en búsqueda de la armonía, el Manierismo pretende todo lo contrario: colores estridentes, fuertes y chillones que agudicen la sensación de escándalo y zozobra. Lo mismo ocurre con la luz, de bruscos y violentos contrastes de claroscuro que dinamizan todavía más unas composiciones, ya de por sí movidas y agitadas. Sixtina , Su labor fundamental es la que desarrolla entre 1508 y 1512 en los frescos de la Capilla Sixtina cuando cuando Juli Julioo II le encarg encargaa la pintu pintura ra de la bóved bóveda, a, desar desarrol rolla lando ndo un amplí amplísim simoo progra programa ma iconográfico iconográfico del Antiguo Testamento, Testamento, además de profetas, sibilas y alegorías. En la gran superficie de la bóveda reúne un conjunto de casi 350 figuras de tamaño mayor que el natural. Fingió una arquitectura de arcos, pilastras y medallones, medallones , para no mezclar escenas y para juntar diestramente la arquitectura y la pintura. Se trata, por tanto, de una quatratura, quatratura, o arquitectura fingida, con lo que produce efectos ilusorios. FRAGMENTO DE LA BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA: LA CREACIÓN DE ADÁN. ADÁN. Representa el

momento en el que Dios Padre, mediante el contacto de su índice, insufla el espíritu en el cuerpo de Adán, que aún yace indolente sobre la tierra. El magnífico estudio de la anatomía del cuerpo de Adán , en su grandiosa perfección, es un ejemplo ejemplo del carácter carácter exaltador de la figura figura humana en el cinquecento cinquecento italiano y, en partic particula ular, r, del estilo de Miguel Miguel Ángel. Ángel. Asimismo Asimismo,, es de señala señalarr el contra contraste ste entre entre la luminosidad del sector izquierdo y los tonos más oscuros del Creador y sus ángeles. EL JUICIO FINAL (TESTERO DE LA CAPILLA SIXTINA) , pintado por Miguel Ángel entre 1536 y 1541 por encargo del Papa Paulo III. Aquí irrumpe incontenible la terribilitá del maestro.

El momento momento que atrave atravesab saba a la Iglesi Iglesia a Católi Católica ca era especi especialm alment ente e crític crítico, o, ya que el protestantismo estaba cobrando fuerza. Había que reflejar una pintura con un mensaje claro para toda la cristiandad: el dios apocalíptico, justiciero castiga con fuerza a los herejes (su figura tiene más de Júpiter vengador que del Dios misericordioso). Ese gesto contrasta con la suavidad y recato de la Virgen, que parece acobardada ante su ira. Alrededor de Cristo hay una masa humana que se mueve con dramatismo dispuesta en diversos planos. En la mitad superior tendríamos a las personas que después de ser  juzgadas suben al cielo, mientras que en la parte inferior las personas se hunden en el infi infier erno no reto retorc rcid idas as en viol violen ento toss esco escorz rzos os.. Dest Destac aca a la monumentalidad y fuerza expresiva de las figuras, así como el desnudo limpio propio de Miguel Ángel, que le lleva hasta un cuerpo de Cristo hercúleo, gigantesco y sobrehumano . Al igual que las pinturas de la bóveda, ha ejercido gran influencia como prototipo del concepto heroico del hombre.

Este fresco, además, puede considerar considerarse se en vanguardia del arte barroco : las figuras se incl inclin inan an,, busc buscan ando do posi posici cion ones es diag diagon onal ales, es, y se agru agrupa pan n en pequ pequeñ eños os núcl núcleo eos, s, formando unidades múltiples. Todo está sometido a un acorde general.   B) ESCUELA VENECIANA

La pintura veneciana del Renacimiento se caracteriza fundamentalmente por: la importancia que se le concede al color. El dibujo   pierd pierdee imp import ortan anci ciaa ante ante el empuj empujee de la pincelada, ancha y decidida. decidida . Escuel Escuelaa de grande grandess contra contraste stess en sus temas temas:: de   bacan bacanale aless y bello belloss desnu desnudos dos,, pero pero tambi también én de temas temas  patéticos. Pintan los artistas ante el modelo vivo; vivo ; por eso tienen tanta vivacidad sus cuadros. Dan gran importancia a los elementos anecdóticos, al paisaje. paisaje. •

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TIZIANO

Es el gran pintor del Renacimiento veneciano y uno de los artistas que más influencia ha ejercido en la historia de la pintura. Para Tiziano el color es luz y, por tanto, hay que valorizar el tono cromático, determinado  por la mayor o menor intensidad de ésta. Evoluciona hacia una pincelada suelta que transmite sensación de suavidad . En sus magníficas pinturas mitológicas exalta el desnudo como expresión de la belleza. belleza . En los retratos idealiza al personaje representado. mitológico: Dionisio Dionisio llega por mar a la isla de Andros, Andros, LA BACANAL, Se inspira en un tema mitológico:

en la que le esperan ebrios los habitantes, que bailan y festejan. En primer término varios  jóvenes charlan y duermen. Uno de ellos levanta su crátera para que le escancien más vino, pues como se lee en una leyenda en su escote: “Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber”. Tiziano aprovecha el tema para reflejar los distintos efectos de la bebida sobre los mortales : mientras que a unos les da sueño, a otros les incita al baile. En primer término, magnífico desnudo de una joven dormida y recortándose sobre el cielo, una jarra de vino. CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜHLBERG , pintado en 1548 (Museo del Prado). La figura

majestuosa del emperador, con magnífica armadura y lanza, así como la del caballo, destacan sobre un fondo crepuscular, con el río Elba, que valoriza la riqueza de las tonali tonalidad dades es cromát cromática icas. s. Obra Obra magist magistral ral,, que ha eje ejerci rcido do gran gran influe influenci ncia a tanto tanto como como modelo iconográfico como por la belleza de la armonía cromática e, inclusive, por la idealización del retrato. VERONÉS

Magnifico Magnifico colorista (con predominio de los grises-azulados), grises-azulados), crea un arte de gran belleza basado tanto en la riqueza de tonalidades como en los rasgos de lo representado, en lo que se aparta de la realidad sensorial. Sus composiciones están dominadas por abundantes personajes y objetos, objetos, que relegan el tema principal a un segundo plano. BODA BODASS DE CANÁ CANÁ: gigant gigantesc esca a compos composici ición ón al aire aire libre, libre, enmarc enmarcada ada por aquite aquitectu ctura ra palladiana, aglomerándose los asistentes alrededor de las mesas.

JACOBO TINTORETTO

La obra de este autor (1518-1594) supone un giro en la evolución artística veneciana. Emplea luces artificiales (contrastes de luz), prodiga los escorzos, escorzos, las posturas inestables, inestables, y en las composiciones composiciones introduce dos focos de atención atención (la llamada “ diopsia”), diopsia”), que provoca el movimiento

perspectivas suelen estar dominadas por un punto de vista de los ojos del espectador. Sus amplias perspectivas bajo. bajo. Su estilo está muy cercano al manierismo. Su obra influyó grandemente en el estilo de El Greco. LA ÚLTIM ÚLTIMA A CENA CENA , de 1594, en la iglesia de San Giorgio Maggiore de Venecia. Buen ejemplo del Manierísmo de Tintoretto, en el que dominan las diagonales escorzadas y la fusión de varios temas en la composición . En una amplia sala iluminada por una lámpara que despide humos en los que se diluyen figuras angélicas, se sitúa una mesa escorzada , en la que Cristo, fuertemente iluminado, se dispone a dar la comunión a los apóstoles, mientras al lado opuesto Judas se agazapa y señala con el dedo. Fuertes constrastes de luces y sombras que prestan a la obra un profundo sentido místico.

Mientras, en primer plano se advierten los preparativos para la cena, e, incluso, un perro.

GIORGIONE

Es el iniciador de la gran escuela del siglo XVI, con obras de gran belleza, en las que destaca su carácter alegórico, alegórico , reflejo de una formación intelectual cuyo significado a veces se nos escapa. Destaca porque se sirve de las tonalidades para expresar el claroscuro (a través de los distintos tonos realiza el paso de la luz a la sombra). Ya no es el blanco y el negro el elemento claroscurista del cuadro, sino el mismo color. CONCIERTO CONCIERTO CAMPESTRE CAMPESTRE Re Real aliz izad ada a prob probabl ablem emen ente te entr entre e 1508 1508 y 1510 1510. Atribu Atribuido ido en

ocasiones ocasiones a Tiziano, Tiziano, que quizá pudo intervenir intervenir en la terminación terminación del cuadro cuadro (aunque (aunque hay autores que siguen defendiendo la autoría de Tiziano). Representa a dos caballeros que se entregan a la música, acompañados de unas jóvenes desnudas, una de las cuales toca un instrumento musical, mientras la otra vierte agua en un brocal de mármol. El tema es insólito desde el punto de vista iconográfico, ya que lo que realmente interesa al

pint pintor or es la riqu riquez eza a crom cromát átic ica a y los los efec efecto tos s de esfu esfuma mato to qu que e dilu diluye yen n los los contornos, todo ello realizado con una técnica suelta.

LA TEMPESTAD: Vemos la inversión de papeles entre el hombre y la naturaleza, ya que no

es ésta un complemento del cuadro, sino su esencia: las figuras están viviendo bajo la amenaza de la tempestad. Supone la representación de un fenómeno atmosférico en pintura, incluso pintando un rayo .

5.6 La pintura del Manierismo El manierism manierismoo pictórico pictórico comparte muchas de sus rasgos con la escult escultura. ura. Las caracte característi rísticas cas fundamentales son: a) Las proporcio proporciones nes anatómic anatómicas as se alteran alteran a vol volunta untadd del artista, artista, rompiendo rompiendo con los parámetros parámetros clásicos. Dan lugar a un marcado alargamiento de las figuras, figuras , que se hacen más irreales.   b) b) Pred Predom omin inan an la las líneas serpentiformes, serpentiformes, los violentos escorzos, escorzos, las actitudes incómodas y rebuscadas, las posturas inestables, inestables, los dislocamientos y las distorsiones, asomando cabezas,  brazos y piernas por donde menos se espera. c) Pero ocurre que este desplieg despliegue ue de fuerzas fuerzas es puramente retórico, retórico, sin dramatismo, de suerte que que las las figura figurass no manif manifie iesta stann el vig vigor or espir espiritu itual al que justi justifiq fique ue tal tal colos colosal alis ismo. mo. Así, Así, pues, pues, el antivitalismo. manierismo extraña esta paradoja: su antivitalismo. d) Las figuras, figuras, como en la escultura, escultura, están están constreñid constreñidas as por marcos estrech estrechos, os, lo que acentúa acentúa las expresiones angustiadas (angustias ( angustias espaciales espaciales). Parece, en muchos casos, que los personajes van a salirse de su marco espacial para abalanzarse sobre el espectador. e) Ya hemos hemos señalado señalado que que el ritmo preferido preferido por los manier manierista istass es el curvo y ondulant ondulantee (línea (línea serpentinata). Pero tales ritmos cubren un solo plano, negando todo profundismo al cuadro. cuadro . Oposición flagrante a los principios del Renacimiento, tan aficionado a la perspectiva. f) Uso arbitrario del color, color , con un enriquecimiento de la paleta. g) Por el contrario, contrario, otros otros hábitos hábitos nos ponen ponen en las puertas puertas del del Barroco, Barroco, como es la utilización de los fondos negros, negros, en los que resaltan las figuras como auténticos objetos-luz que preludian el tenebrismo. tenebrismo.

Los testimonios más interesantes de este tipo de pintura los encontraremos en Florencia, Parma y Venecia. EL PARMIGIANINO es el más típico manierista. Su MADONNA DEL CUELLO LARGO es todo un

código de Manierismo. Manierismo. Se ve como las nobles nobles proporciones se alargan alargan desmesuradamente. desmesuradamente. Este alar alarga gami mien ento to es prop propio io del del mani manier eris ismo mo y en el Parmi Parmigi gian anin inoo pare parece ce tene tenerr por por caus causaa los los experimentos del pintor de reformar la realidad viéndola a través de lentes aberrantes. BRONZINO. Va a desta destaca carr como como retrat retratist ista, a, aparec aparecie iendo ndo sus sus figura figurass retorc retorcida idass en forzad forzadas as actitudes. No es lo que ocurre en su retrato de LUCRECIA PANCIATICHI, a la que pinta desde la abstracción y el distanciamiento, poniendo el énfasis en el tratamiento frío, casi escultórico, de  joyas y vestido y en la elegancia de las manos. Por último, en la escuela veneciana pueden comprobarse algunos trazos manieristas, manieristas, especialmente especialmente en TINTORETTO en su TRASLADO DEL CADÁVER DE SAN MARCOS , ejemplo de composición, composición, en la que el fondo arquitectónico es sólo insinuado en trazos esquemáticos.

EL RENACIMIENTO EN ITALIA (I) ARQUITECTURA SIGLO

AUTOR

OBRA Cúpula de Santa María de las Flores en Florencia Iglesia de San Lorenzo en Florencia Brunelleschi Capilla Pazzi en Florencia XV Palacio Pitti en Florencia Fachada del Hospital de los Inocentes en Florencia QUATTROCENTO Iglesia de Santa María la Novella en Florencia Alberti Templo de Malatesta en Rímini Templo de San Andrés en Mantua Palacio Rucellai en Florencia Michelozzo Palacio Medici-Ricardi Templete de San Pietro in Montorio en Roma Bramante Proyecto de la Basílica de San Pedro del Vaticano 1ª mitad del XVI San Pedro del Vaticano Miguel Ángel Escalera de la biblioteca Laurentina CINQUECENTO Regularización urbanística de la Plaza del Capitolio en Roma Sangallo el el Jo Joven Palac lacio Fa Farnesio Palladio Villa Capra (“la Rotonda”) 2ª mitad del XVI Vignola Iglesia del Gesú en Roma Bartolomeo Bartolome o Ammannati Amma nnati Patio interior del Palacio Palacio Pitti en en Florencia Florencia MANIERISMO Vasari Patio central del Museo de los Uffuzi

ESCULTURA SIGLO

AUTOR Ghiberti

XV QUATTROCENTO

Donatello Lucca Lucca della della Robb Robbia ia Andr Andrea ea del del Ver Verro roch chio io

1ª mitad del XVI CINQUECENTO

2ª mitad del XVI MANIERISMO

MIGUEL ÁNGEL

Benv Benven enut utto to Cell Cellin inii Juan de Bolonia

OBRA Relieve con el sacrificio de Isaac Puerta de la Puerta de la Gloria del Baptisterio en Florencia Relieve para la Cantoría de Sta. Mª de las Flores en Florencia David Retrato ecuestre del condottiero “Gattamelata” El Profeta Habacuc San Jorge Relieve Relieve para para la Canto Cantoría ría de de Sta. Sta. Mª Mª de las Flo Flores res en Flore Florencia ncia El con condot dotie iero ro Colle Colleoni oni Virgen de la Escalera La Piedad del Vaticano David Moisés (del sepulcro del Papa Julio II) Los esclavos (del sepulcro del Papa Julio II) Sepulcro de Lorenzo de Médicis Sepulcro de Julián de Médicis La Piedad Rondanini Pers Perseo eo con con la la cabe cabeza za de la la Medu Medusa sa El Rapto de las Sabinas Mercurio

EL RENACIMIENTO EN ITALIA (II)

PINTURA SIGLO XIV-XV

ESCUELA Florencia

AUTOR Fra Angélico Massacio

XV

Florencia

QUATTROCENTO

Umbría Padua

Piero della Francesca

Sandro Botticelli Fra Fra Fil Filipp ippoo Lippi Lippi Perug rugino ino Signorelli Mantegna Leonardo da Vinci

Florentinoromana 1ª mitad del XVI

Miguel Ángel

CINQUECENTO

Giorgione Veneciana

2ª mitad del XVI XVI MANIERISMO

Rafael

Tiziano

Veronés Tintoretto Parmigianino Bronzino Tintoretto

OBRA La Anunciación El Tributo de la moneda al Cesar  La Santísima Trinidad Expulsión de Adán y Eva del Paraíso El sueño de Constantino La Virgen, los Santos y Federico de Montefeltro  Nacimiento de Venus Alegoría de la Primavera La Vir Virge genn y el el Niño Niño Entre ntrega ga de las las llaves ves a San Pedro Los condenados El Tránsito de la Virgen El Cristo Yacente La Virgen de las Rocas La Última Cena La Gioconda La Escuela de Atenas Los desposorios de la Virgen Madonna del Gran Duque La Creación de Adán (techo de la Capilla Sixtina) El Juicio Final (testero de la Capilla Sixtina) Concierto Campestre La Tempestad La Bacanal Carlos V en la batalla de Mühlberg Las Bodas de Caná La Úl Última Ce Cena La Virgen del cuello largo Lucrecia Pa Panciatichi Traslado del cadáver de San Marcos

EL MANIERISMO (2ª mitad del siglo XVI) ARTE Arquitectura Escultura

Pintura

AUTOR Vasari Bartolomeo Ammannati Benvenutto Cellini Juan de Bolonia “ Jacobo Pontormo Bronzino Corregio “ Parmigianino

OBRA Patio central del Museo de los Uffuzi Patio interior del Palacio Pitti Perseo con la cabeza de la Medusa El Rapto de las Sabinas Mercurio La vida de José Lucrecia Panciatichi La Virgen del cesto Ganimedes La Virgen del cuello largo