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J.S.BACH ICH RUF ZU DIR, HERR JESU CHRIST
VOLKER HÖH VOLKER HÖH GITARRE
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J. S. BACH ( 1685-1750 ) „Ich ruf zu dir Herr Jesu Christ“ Volker Höh, Gitarre (Gitarre von Antonius Müller, Aarbergen, Deutschland 2009)
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Volker Höh, Gitarre (Gitarre von Antonius Müller, Aarbergen, Deutschland 2009)
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Praeludium C-Dur, aus dem Wohltemperierten Klavier BWV 846 * Air, aus der 3. Orchestersuite BWV 1068 *
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Recording: FFD Hübingen 13.-16.02.2010 Engineering + Editing: Günter Münch, Bayreuth Artwork & Layout: Torsten Hatt Titelbild: Laute spielender Engel von Melozzo da Forli (Freskofragment) Foto Volker Höh: Dieter Wegner Booklettext: Gerd Michael Dausend, Volker Höh Strings: Savarez Corum New Cristal Notenausgabe: Bach Guitar Book, Trekel T 6393
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Allemande, aus der Lautensuite BWV 996 * Bourée e-moll, aus der Lautensuite BWV 996 *
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Präludium, aus BWV 998 für Laute * Fuge, aus BWV 998 für Laute Allegro D-Dur, aus BWV 998 für Laute
02:43 06:33 02:36
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Sarabande, aus Partita BWV 1002 für Violine * Double, aus Partita BWV 1002 für Violine * Bourée, aus Partita BWV 1002 für Violine * Double h-moll, aus Partita BWV 1002 für Violine *
03:47 02:14 03:22 03:25
bereits erhältlich:
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Prélude, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Loure, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Gavotte en Rondeau, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute * Menuett I,II,I, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Bourée, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Gigue, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute
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* ( ) ¡
Praeludium D-Dur, aus der Suite BWV 1007 für Violoncello * Choralvorspiel „Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ“ BWV 639 Chaconne d-moll, aus der Partita BWV 1004 für Violine * Choral „Jesu bleibet meine Freude“ aus der Kantate BWV 147 *
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* Noten-Arrangements im „BACH GUITAR BOOK“, Trekel Verlag Hamburg T 6393
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„Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ“ Johann Sebastian Bach arrangiert für Gitarre „Es mag sein, dass nicht alle Musiker an Gott glauben; an Bach glauben jedoch alle“, so Mauricio Kagel, deutsch-argentinischer Komponist. Der französische Komponist und Organist Félix Alexandre Guilmant schreibt: „Bachs Musik ist beruhigend, sie befriedigt Herz und Geist; sie macht den Menschen besser!“ Die Musik von Johann Sebastians Bach (*21.3.1685 Eisenach - 28.7.1750 Leipzig) berührt, begeistert und fasziniert seit jeher die Menschen aller nachfolgenden Generationen in allen Kulturen. Kein anderer Komponist ist heute so sehr Weltbürger wie er! Perfekte handwerkliche Meisterschaft gepaart mit großer Originalität bildet die Basis einer der stärksten musikalischen Aussagen, die je ein Komponist hinterlassen hat. „So liegt etwas wie eine Erlösung von der Welt und dem Leben in seiner Musik. Sie weckt in uns eine stille, tiefe Heiterkeit, eine Stimmung, die jenseits von Schmerz und Freude liegt. In dem Thomaskantor spricht einer der größten Mystiker, die es je gegeben hat, zu den Menschen und führt sie aus dem Lärm zur Stille“, sagte der Theologe, Arzt und Friedensnobelpreisträger Albert Schweitzer auf einem Vortrag. Die Gitarre, das Instrument der leisen Töne, eignet sich in besonderer Weise dazu, diese Musik wiederzugeben und uns in die Stille hineinzuführen. Bach selbst arrangierte seine Werke für andere Instrumente. Auch seine Zeitgenossen versuchten ihren jeweiligen Instrumenten gerecht zu werden und übertrugen Bachs Kompositionen für Laute recht frei in Tabulatur: „…weil das Instrument es so verlangt….“ (Robert de Visée). Bei allen Bearbeitungen ist jedoch wichtig, dass die kompositorische Grundidee erhalten bleibt. Die musikalische Botschaft kann je nach Instrument durchaus
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Volker Höh, Guitar Volker Höh is one of the most versatile German guitarrists. As a soloist, with orchestras and in chamber-music groups he is at home on international and festival stages, often as cultural ambassador for the Goethe Institute. His CD productions, awarded prizes by specialised critics, show stylistic diversity and varied sound-aesthetics. Like his concert programmes they are thematic and range from contemporary music through classical repertoire with historical instruments to Spanish/Latin-American music. Regular radio and TV recordings document his artistic position just as the many works by well-known composers dedicated to him. He can be heard on CD and film productions with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra under conductors such as Michael Gielen, Eliahu Inbal, Dmitrij Kitajenko and Marcello Viotti. Volker Höh was born in 1959 in Altenkirchen (Pfalz) and studied ar the Academies of Koblenz and Münster. Further studies took him to Julian Bream, Leo Brouwer, Alberto Ponce, José Tomas and the pianist György Sebök. He has been distinguished with many stipends and other forms of sponsorship. The guitar-ensemble "cantomano", which he founded, has won prizes at national and international level. Besides teaching positions at the University of Koblenz and the Music-Grammar-School of Rheinland-Pfalz (Montabaur) he works as editor and author for publishers and technical publications and as jury-member and teacher at international competitions and festivals.
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durch unterschiedliche Dynamik, Artikulation, Tempi oder auch andere Noten und Tonarten dargestellt werden. Diese Einsicht liegt den Bearbeitungen der hier eingespielten Werke für Violine, Violoncello, Cembalo bis hin zu Orchestersuite und Kantate zugrunde. Die Essenz der Musik darzustellen gelingt auch mit weniger Noten. Seit Bachs Wiederentdeckung Mitte des 19. Jahrhunderts wird seine Musik durch eine Vielzahl von Bearbeitungen über alle Stilgrenzen hinweg verbreitet. Die universelle Aussage dieser Musik behält jedoch in jeder Besetzung und in jedem Arrangement ihre ursprüngliche, die Menschen anrührende Wirkung. Bestätigt wird dies von der Aussage Albert Schweitzers: „Im Grunde erschuf Bach alles für ein ideales Instrument“. Bereits 1877 arrangierte Johannes Brahms 1877 für die Pianistin Clara Schumann, die sich die rechte Hand verletzt hatte, eine Version von Bachs Chaconne für die linke Hand. Überwältigt bemerkte er dazu: „Die Chaconne ist mir eins der wunderbarsten, unbegreiflichsten Musikstücke. Auf ein System, für ein kleines Instrument schreibt der Mann eine ganze Welt von tiefsten und gewaltigsten Empfindungen. Wollte ich mir vorstellen, ich hätte das Stück machen, empfangen können, ich weiß sicher, die übergroße Aufregung und Erschütterung hätte mich verrückt gemacht.“ Mir persönlich gefällt die Vorstellung, dass dieses Stück eine Art Tombeau, eine Huldigung und ein Grabgesang für Bachs erste Frau Maria Barbara sein könnte, die 1720 verstarb, während er mit seinem Dienstherrn zur Kur in Karlsbad unterwegs war. Als er zurückkehrte, war sie schon begraben. In 13 Ehejahren hatten sie sieben Kinder, drei starben im ersten Lebensjahr. Sie führten ein intensives gemeinsames Leben. Jede Variation des Grundthemas welches symbolisch für den Bund der Ehe steht - bezieht sich gleichsam auf gemeinsam Durchlebtes, Erlittenes und Geglücktes und so erschließt sich ein emotional tief bewegender musikalischer Bilderbogen des Lebens.
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Bachs Musik bietet eine perfekte Leinwand, auf die jedermann die unterschiedlichen Farben seiner Gefühlswelt auftragen kann. Sie ermöglicht es jedem, sich in ihr wiederzufinden, zu spiegeln und sich mit ihr zu entwickeln. „Er schuf die gelehrteste und zugleich am tiefsten durchseelte Musik“, schrieb Ernst Bloch. Für Pablo Casals war Bach die „Quintessenz“, für Max Reger „Anfang und Ende aller Musik“. Goethes Freund Carl Friedrich Zelter: „Bach ist eine Erscheinung Gottes: klar, doch unerklärbar.“ Hermann Hesse: „Diese Musik ist Tao“. Der Geiger, Dirigent und Komponist Joseph Joachim: „Wie ein Urquell der Größe und Güte mutet uns seine Musik an. So kehren wir in Leid und Freud immer andachtsvoll zu ihm zurück, und es ist ein Segen, dass immer weiteren Kreisen die Möglichkeit wird, das Gesundende seiner Macht auf sich wirkend zu fühlen“. Die Dichterin Rose Ausländer schrieb: „Bach, mein Blutstrom zum Himmel“ - und dieser Himmel und sein Gott waren Bach die Grundlage all seines Schaffens: Musik betrachtete Bach als „von Gottes Geist angeordnet“ - „J.J.“ - Jesus juva, Jesus hilf! - mit diesen Initialen begann er seine Werke, und am Ende notierte er auf jedes seiner Notenblätter: „S.D.G.“ - Soli Deo Gloria, einzig zur Ehre Gottes. Er schrieb: „Bey einer andächtigen Musique ist allezeit Gott mit seiner Gnaden Gegenwart“. Und diese „Musique“ ist für uns heute immer noch und immer wieder wie ein offenes Fenster, das unser Bewusstsein und unsere Gefühlswelt erweitert. In ihr finden wir Frieden vergleichbar dem Besuch in einem Gottesdienst. Und dieser Frieden verändert uns und unsere Welt.
The variations are always connected by the upbeat character of the double theme (twin fourbar harmony), the end of one variation is also the beginning of the next. This avoids sequential character and the otherwise common breathlessness of such variation models. Andrès Segovia was the first guitarrist to take this piece into his repertoire in the 1930s. This tremendously successful idea began a movement which today has made Bach one of the most often-performed „Guitar-composers“. Jesu bleibet meine Freude (Jesus shall remain my Joy) BWV 147 Jesu bleibet meine Freude from the cantata BWV Nr. 147 is one of the greatest hits in the Bach repertoire. This is the final chorus from the cantata Herz und Mund und Tat und Leben (Heart and Mouth and Deed and Life), written for the fourth sunday in advent. In the present form written in 1723, it closed both the first and second parts of the cantata with different texts. In the original the unadorned four-part vocal writing appears sentence for sentence within expansive orchestral music. The pastoral feeling comes not only from the actual cantus firmus but also from gently rocking string accompaniment. Gerd-Michael Dausend Translation: David P. Graham
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I call to Thee, Lord Jesus Christ BWV 639
Präludium C-Dur BWV 846
BWV 639 comes from the Orgelbüchlein, a collection of choral preludes through the year written in Weimar and originally planned to encompass 146 pieces. 46 were actually written. This particular work is a so-called Orgelchoral, where the complete melody is heard as a cantus firmus with accompanying figurations. Choral preludes helped the congregation with intonation and hearing the melody - even when as here artistically worked - gave the singers further assistance.
Dieser schöne Satz ist eines der bekanntesten Stücke von Johann Sebastian Bach. Es leitet den berühmten Zyklus von Präludien und Fugen in allen Dur- und Molltonarten ein, dessen frühe Skizzen bis etwa 1720 zurückreichen. Die Hauptarbeit an dem großen Werk wurde wohl um 1740 geleistet. Der Satz folgt dem Spielfigurentypus: Ein einziges Akkordbrechungsmodell durchzieht und prägt das Stück. Sein real fünfstimmiger Satz lässt in der Oberstimme eine zarte Melodie aufscheinen; Charles Gounod bearbeitete es zu seinem berühmten “Ave Maria”. Das Präludium (= Vorspiel) lebt von der harmonischen Spannung des durch einige Dissonanzen belebten Satzes.
Chaconne BWV 1004 The Chaconne came from South America to Spain in the 16th century and became influenced by the Italian style. It underwent various changes and began to show French influence in the theme material as well, through echoes of the rhythm of the dance-sarabande. This Chaconne (called by Bach Ciacconna) is one of the most extraordinary pieces of western music. It was composed in 1720 for solo violin, being the final movement of the Partita in D minor. The first biographer of Bach, Forkel, wrote in 1802 that Bach found writing variations a thankless task due to the unchanging harmonic scheme. Together with the Goldberg-variations and the Passacaglia for Organ in C minor, the Chaconne is nonetheless one of the most magnificent examples of Bach’s masterful ability to fill such a simple diatonically falling theme with such deep thoughts. Formally speaking, the piece can be divided into three. Two sections of unequal length in the minor key bracket the transparent major part. The 34 variations (plus the theme at beginning and end) are on a varied and diminished bass-figure, many variations are short, containing only half of the usual eight bars.
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Air BWV 1068 Eine Air (oder Aria) war im Barock ein gesanglich angelegtes Instrumentalstück ohne Tanzbindung, jedoch meist wie ein Tanz zweiteilig mit Wiederholungen angelegt. Bach benutzte diese Form nur selten, in diesem Fall handelt es sich um den 2. Satz aus seiner Orchestersuite D-Dur. Über gleichmäßig dahinschreitenden Bassachteln erklingt eine, bisweilen auch ausgezierte, elegische Melodie mit innigstem Ausdruck. In der Originalbesetzung reduzierte Bach das ansonsten auch mit Bläsern besetzte Orchester auf die Streicher und den Generalbass. Allemande und Bourée BWV 996 Diese beiden Tanzsätze entstammen einem Frühwerk Bachs für das “Lautenwerck”, einem Tasteninstrument, welches den Klang der Laute nachahmen sollte. Die Allemande (= deutscher Tanz) ist ein ruhig dahinfließender, latent dreistimmiger Satz im italienischen Stil.
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Die Bourée ist französischen Ursprungs, weist aber in ihrer Melodik und dem gleichförmigen Rhythmus starke italienische Prägung auf. Das zweistimmige Stück in geschmeidig wiegendem Duktus ist fast ständig in Gegenbewegung komponiert; sein prachtvolles Thema macht es zu einem der beliebtesten Instrumentalstücke Bachs. Präludium, Fuge und Allegro BWV 998 Die Satzfolge von Präludium, Fuge und Allegro ist in Bachs Werk einmalig. Man hielt es lange für ein Fragment, bis das vom Meister selbst geschriebene Manuskript („Pour la luth ò Cembal) wieder aufgefunden wurde. Es wurde zwischen 1740 und 1745 in Leipzig geschrieben, gehört also zum Spätwerk. Es weist ungewöhnlicherweise - vor allem in der Fuge - Züge des Empfindsamen Stils auf, den Bach nur ganz selten pflegte. Hier ist er also für seine Verhältnisse recht modern. Ganz anders als in der zeitgleich begonnenen Kunst der Fuge ist der polyphone Anspruch hier eher gering. Das Anfangsmotiv des im wiegenden 12/8-Takt geschriebenen Präludiums nimmt die Konturen des Fugenthemas vorweg und besteht nur aus Akkordbrechungen mit gelegentlichen Durchgangs- oder Wechselnoten. Es wird mehrmals in verschiedenen Tonarten wieder aufgegriffen, in der Coda sogar wieder in der Anfangstonart. Die streng symmetrisch konzipierte Fuge ist eine sogenannte Da-Capo-Fuge, der erste Teil wird komplett wiederholt. Das für Bachs Verhältnisse sehr schlichte und kurze Thema wird konventionell durchgeführt und dann frei weiter verarbeitet. Der streng geführte erste Durchführungsteil kontrastiert sehr deutlich mit dem im präludierenden Duktus, fließenden Sechzehnteln geschriebenen Mittelteil. Dieser bringt nur wenige Themenzitate, aber mit kontrapunktischen Künsten wird auch der Spiegelkrebs des Themas - er wurde auch schon zur Gewinnung des ersten Kontrapunktes benutzt - mit verarbeitet. Insgesamt ist diese Fuge
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Suite in E-major BWV 1006a The Suite in E-major is a reworking of the third Partita for solo violin BWV 1006. The lute’s claim to the piece is moot, at least there is a handwritten manuscript by Bach, but that unfortunately does not name an instrument. The Suite begins with the glorious Prelude, an extensive concert-piece. Following this are five dances, of which only the last belongs to the standard dances of the time. A colourful succession of numbers is heard in the Italian style (Prelude, Gavotte en Rondeau, Gigue) and in the French (Loure, Menuette, Bourée), sometimes the borders are blurred: a typical example of late baroque style-synthesis. Although the dances themselves are heavily stylised the basic dance character can be still easily recognised. The many arrangements of singe movements by Bach are proof of his particular affection for this composition. Prelude BWV 1007 This movement opens the first of the six suites for solo cello. The powerful, obviously italianate Prelude with its regular figuration begins with wide three-part arpeggi. As always in baroque preludes, the tonic is first defined and established with the three most important harmonic functions. The repetition of the chord-figuration reminds us of the Prelude for Lute BWV 999 or of the previously mentioned Prelude from the Well Tempered Clavier I and underlines the peaceful and contented character of the piece. Scale-figures and bariolage-effects gradually replace the main thematic material. At the end of the movement (bar 37 et seq.) Bach writes a full octave chromatic scale over the dominant pedal, thus reaching the climax of the piece at a cadenza on the second inversion of the tonic.
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Allegro is very close to the Italian Giga. Here too the polyphonic aspect is less important, only towards the close do the bass notes move in quavers and the predominant two-part writing becomes true polyphony.
jedoch, wohl vor allem aus Rücksicht auf die Spielmöglichkeiten der Laute, als eher schlicht anzusehen. Interessant ist der motivische Bezug von Takt 17-20 zum dreistimmigen Ricercare aus dem Musikalischen Opfer.
Sarabande, Double, Bourèe, Double BWV 1002
Der brillante, zweiteilige Allegro-Schlusssatz beginnt mit einer absteigenden Tonleiter nach einer Sechzehntelpause, er erinnert durch sein ständiges Laufwerk von ferne an den Schlusssatz der Sonate für Flöte und Klavier BWV 1031. Das Thema nimmt damit Bezug auf den zweiten Teil des Fugenthemas. Mit dem Beginn des zweiten Teils wird auch der Themenkopf der Fuge zitiert. In Metrum und Tempo steht das Allegro einer italienischen Giga sehr nahe. Auch hier ist der polyphone Anspruch eher gering, nur gegen Ende werden die Basstöne in Achteln geführt und die vorherrschende Zweistimmigkeit zu einer echten Mehrstimmigkeit erweitert.
These movements originate from the first Partita in B minor, a succession of dance pieces for solo violin. The Partita has no prelude, only the four classical suite movements (with a BourÈe in place of the Gigue). These were complemented in an original way by Doubles, a variationtechnique used by Bach in single movements but never until here in a complete work. In the B-minor Partita the Doubles are all similarly structured, with rythmical, evenly-running figurations (notice Bach’s unusual phrasing) which make them seem more like simplifications of the originals.
Sarabande, Double, Bourée, Double BWV 1002 Bach wrote the first piece, strongly reminiscent of the French Dance Sarabande, in the flowing Italian style. One could almost speak of a perfect example of mixed taste. The Sarabande is much easier listening than other pieces for solo violin because, amongst other reasons, Bach wrote it in full three to four part harmony. The piece is harmonically easier to understand than the lines of broken chords in the following Double. With its catchy, well-balanced melody the B-minor Sarabande belongs to the best loved pieces in guitar repertoire. The determined, hands-on-sounding Bourée is written in the Italian style. Bach’s re-definition of the original piece, now only to be played „like a Bourée“, allowed him more freedom in the shaping of periods or the crafting of upbeats. The full-sounding beginning with striking fourths-motif is remarkable; Bach doesn’t keep up this fullness, the piece remains latently two-part over long passages. The quotation from the beginning during the final bars is novel.
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Die Sätze entstammen der ersten Partita in h-Moll, einer Folge von Tanzsätzen für Violine solo. Die Partita hat kein Präludium, sondern weist nur die vier klassischen Suitensätze (statt der Gigue eine Bourée) auf. Diesen wurde originellerweise jeweils ein Double beigegeben. Dieses Variationsverfahren hat Bach zwar häufiger auf einzelne Sätze, niemals sonst aber auf ein gesamtes Werk angewandt. In der h-Moll-Partita haben die Doubles eine gemeinsame Ausrichtung: sie bestehen alle aus rhythmisch durchlaufenden, gleichmäßigen Figurationen man beachte, wie Bach solche Bewegung stets unkonventionell phrasiert - so dass das Double gegenüber dem Original wie eine Vereinfachung erscheint. Bach schrieb diesen noch stark an der französischen Tanzsarabande orientierten Satz im fließenden Duktus des italienischen Stils. Man könnte hier von einem Musterbeispiel des vermischten Geschmackes sprechen. Die Sarabande ist für den Hörer sehr viel leichter zu verstehen
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als andere Sätze für Violine solo, auch deshalb, weil Bach einen vollen drei- bis vierstimmigen Satz schreibt. Er ist harmonisch besser erfassbar als die in Linien aufgelösten Akkorde der nachfolgenden Doubles. Die h-Moll-Sarabande gehört, auch wegen ihrer eingängigen, ausgewogenen Melodik, seit Jahrzehnten zu den beliebtesten Sätzen im Gitarrenrepertoire. Die entschlossen und zupackend wirkende Bourée ist im italienischen Stil komponiert. Die Stilisierung des ursprünglichen Satzes, der jetzt nur noch „in der Art einer Bourée“ zu spielen ist, erlaubt Bach mehr Freiheiten in der Periodenbildung oder bei der Gestaltung der Auftakte. Bemerkenswert ist der vollstimmige Beginn mit einem auffälligen Quartmotiv; Bach behält diese Vollstimmigkeit jedoch nicht bei, über weite Strecken ist das Stück latent zweistimmig. Ungewöhnlich ist das Zitat des Beginns in den Schlusstakten des Satzes.
Prelude, Fugue and Allegro BWV 998 The grouping Prelude, Fuge and Allegro occurs only once in Bach’s work. It was long considered a fragment until the master’s handwritten manuscript („Pour la luth Ú Cembal“) was found. Composed between 1740 and 1745 in Leipzig, it belongs to the late works. Unusually, it shows especially in the Fugue traces of the sensitive-style, which he rarely used. That makes him here quite modern. The importance of polyphony is here low in comparison to the Kunst der Fuge, although they were written contemporaneously. The opening motif of the rocking, 12/8 Prelude foreshadows the contours of the fugue theme and is made up of broken chords with occasional passing notes or changing notes. It appears in various keys, in the original for the coda.
Suite E-Dur BWV 1006a Die Suite E-Dur ist eine Bearbeitung der dritten Partita für Violine Solo BWV 1006. Die Inanspruchnahme für die Laute ist strittig, immerhin existiert eine eigene Handschrift Bachs, allerdings ohne Instrumentenangabe. Die Suite beginnt mit dem prächtigen Präludium, einem ausladenden Konzertsatz. Es folgen fünf Tänze, von denen nur der Schlusssatz zu den Standardtänzen der Zeit gehört. In bunter Folge sind Stücke im italienischen Stil (Präludium, Gavotte en Rondeau, Gigue) und in französischer Ausprägung (Loure, Menuette, Bourée) aufgereiht, mitunter sind die Grenzen auch fließend: ein typisches Beispiel für den spätbarocken Synthesestil. Die Tänze selbst sind zwar stark stilisiert, man kann den zugrunde liegenden Tanzcharakter aber noch sehr gut erkennen. Bach selbst scheint diese Komposition besonders geliebt zu haben, wie mehrere Einzelbearbeitungen zeigen.
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The strictly symmetrical Fugue is a so-called Da Capo Fugue, the first part is repeated complete. The theme, for Bach short and unadorned, is first developed conventionally, later worked more freely. The first strict part of the development contrasts clearly with the prelude-like flowing semiquavers of the central section. Here the theme is quoted rarely, but in artful counterpoint its retrograde inversion is worked into the texture. On the whole this fugue is fairly uncomplicated, certainly because it takes into account the technical possibilites of the lute. In bars 17-20 we find an interesting motivic reference to the tree-part Ricercar of the Musical Offering. The spectacular two-part Allegro finale begins with a falling scale after a semiquaver rest and with its continuous movement reminds us distantly of the last movement of the Sonata for Flute and Piano BWV 1031. The theme is related to the second part of the fugal theme. As the second part begins the first part of the fugue’s theme is quoted. In measure and tempo the
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Prelude in C major BWV 846
Präludium BWV 1007
This beautiful movement is one of Johann Sebastian Bach’s most well-known pieces. It lies at the opening of the famous collection of preludes and fugues in all major and minor key-signatures, early sketches of which go back to 1720. Most of the work on this mammoth project was finished by 1740. The piece is shaped by an arpeggio movement running throughout. The true five-part harmony allows a delicate melody to be heard in the upper voice: Charles Gounod arranged it as his famous „Ave Maria“. The Prelude lives from the harmonic tensions and dissonances within the musical text.
Dieser Satz leitet die erste der sechs Suiten für Violoncello solo ein. Das deutlich italienisch geprägte, dem Spielfigurentyp folgende, kraftvolle Präludium beginnt mit weiträumigen dreistimmigen Akkordbrechungen. Wie bei Präludien im Barock üblich, wird in den Einleitungstakten mit den drei harmonischen Hauptfunktionen die Tonart vorgestellt und etabliert. Die Wiederholung der Akkordfigurationen erinnert an das Lautenpräludium BWV 999 oder auch an das oben erwähnte Präludium aus dem Wohltemperierten Clavier I und unterstreicht den ruhigen und zufriedenen Charakter des Satzes.
Air BWV 1068
Skalenfiguren und Bariolageeffekte ersetzen allmählich den thematischen Hauptgedanken. Am Ende des Satzes (T. 37 ff.) setzt Bach über dem Orgelpunkt des Dominantgrundtones die eine Oktave komplett ausfüllende chromatische Tonleiter und erreicht so schließlich in einem kadenzierenden Quartsextakkord den Höhepunkt des Stückes.
In Baroque times, an Air (or Aria) was an instrumental piece in the form of a song, without dance-elements, nonetheless as in a dance written in two repeated parts. Bach used this form rarely, here it is the second movement of the D major Suite for Orchestra. Above regular quaver bass stepping sounds an intense, elegiac melody, sometimes decorated. In the original Bach used only strings and figured bass without the usual winds. Allemande and Bourée BWV 996 These two dance movements come from an earlier work of Bach’s for the Lautenwerck, a keyboard instrument which imitated the sound of the lute. The Allemande (German dance) is a gently flowing, latently three-part movement in the Italian style. The Bourée is of French origin but shows considerable Italian influence in the melodic line and repeating rhythm. This two-part piece in smooth rocking movement is almost entirely written in contrary motion; its grandiose theme makes it one of Bach’s most loved instrumental pieces.
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Ich ruf ’ zu Dir, Herr Jesu Christ BWV 639 Ich ruf’ zu Dir, Herr Jesu Christ BWV 639 entstammt einer ursprünglich auf 146 Sätze geplanten Sammlung von Choralvorspielen durch das Kirchenjahr, dem in Weimar entstandenen Orgelbüchlein. 46 Sätze wurden letztlich ausgeführt. Es handelt sich hier um einen sogenannten Orgelchoral, das heißt, die komplette Melodie wird als Cantus firmus gespielt und von Figurationen umspielt. Choralvorspiele dienten als Intonationshilfe für den Gemeindegesang und gaben durch das - wenn auch wie hier kunstvoll eingebettete - Erklingen der Melodie eine Orientierung für die Singenden.
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Chaconne BWV 1004 Im 16. Jahrhundert gelangt die Chaconne aus Südamerika nach Spanien und wird dann vom italienischen Stil geprägt. Sie durchläuft mehrere Metamorphosen und weist dann in der Thematik durch Anklänge an die Rhythmik der Tanzsarabande auch deutliche Einflüsse aus Frankreich auf. Die hier vorliegende Chaconne (bei Bach: Ciaccona) ist einer der großartigsten Sätze der abendländischen Musik. Bach komponierte sie vor 1720 für Violine Solo, sie bildet den Schlusssatz der Partita d-Moll. Der erste Bachbiograph Johann Nikolaus Forkel berichtete 1802, Bach habe die Komposition von Variationen der stets gleichbleibenden Harmonie wegen für eine undankbare Arbeit gehalten. Neben den Goldberg-Variationen und der Orgelpassacaglia in c-Moll ist die Chaconne eines der glänzendsten Beispiele für Bachs Meisterschaft, ein schlichtes, diatonisch absteigendes Thema mit einem solch hohen Grad an tiefen Gedanken zu füllen. Formal ist der Satz in drei große Teile zu gliedern. Zwei ungleich lange Mollabschnitte umschliessen den lichten Durteil. Die 34 Variationen (plus Thema am Anfang und Ende) sind über ein variiertes und diminuiertes Bass-Schema komponiert, zahlreiche Variationen sind Kurzvariationen: sie nehmen nur die halbe Dauer der üblichen acht Takte ein.
Max Reger „Beginning and End of all music“. Goethes friend Carl Friedrich Zelter: „Bach is a visitation of God: clear, nonetheless inexplicable.“ Hermann Hesse: „This music is Tao“. The violinist, conductor and composer Joseph Joachim: „His music seems to us like an ancient fountain of greatness and goodness. Thus do we come back devotionally to him in pain and in joy, and it is a blessing that more and more enjoy the chance to feel the healing of his power.“ The poet Rose Ausländer wrote: „Bach, my bloodstream to heaven“ and this heaven and God were for Bach the basis of all he wrote: Bach considered music as „ordered by God’s Spirit“ „J.J.“ - Jesus juva, Jesus help! - with these initials he began all his works, and at the end he noted on all the pages „S.D.G.“ - Soli Deo Gloria, All honour only to God. He wrote: In devotional music God and His mercy are always present. And this „Musiqueì is for us still and always like an open window extending our conciousness and our emotions. In it we find the peace of a church service. And this peace changes us and our world. Volker Höh Translation: David P. Graham
Die Variationen sind durch den auftaktigen Charakter des doppelläufigen Themas stets miteinander verknüpft, der Schluss einer Variation ist also jeweils der Beginn einer Neuen. Dies vermeidet den Reihungscharakter und die sich sonst rasch einstellende Kurzatmigkeit solcher Variationsmodelle. Andrès Segovia hat dieses Stück in den 1930er Jahren als erster Gitarrist in sein Repertoire auf-
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for violin, cello or cembalo up to orchestra-suites and cantatas. It is possible to represent the essence of the music with fewer notes.
genommen. Er erzielte damit einen glänzenden Erfolg und legte mit den Grundstein dafür, dass Bach heute zu den meistgespielten „Gitarrenkomponisten“ zählt.
Since the rediscovery of Bach in the mid-19th century his music has been made playable for everyman, in every style. One relies on the universality of the music, which keeps its original effect in any instrumentation or arrangement. This is confirmed by Albert Schweitzer’s comment „Basically Bach wrote everything for a single ideal instrument.“
Jesu bleibet meine Freude BWV 147
So it was that Brahms arranged the Chaconne in 1877 for the piano, left hand, for Clara Schumann, who had injured her right. He remarked, overwhelmed: „The Chaconne is for me one of the most wonderful, unfathomable pieces of music. Using only one pentagramme, and a small instrument, the man writes a whole world of the deepest, most powerful feelings. If I were to imagine I had written that piece or conceived it myself, I am certain that the excessive excitement and agitation would have driven me insane.“
Jesu bleibet meine Freude aus der Kantate BWV Nr. 147 ist einer der großen „Hits“ im Bachrepertoire. Es handelt sich um den Schlusschoral aus der Kantate Herz und Mund und Tat und Leben, die zum 4. Advent geschrieben wurde. Bach schrieb ihn in der vorliegenden Form 1723 in Leipzig, er schließt sowohl den ersten als auch den zweiten Teil der Kantate, mit jeweils anderem Text, ab. Der schlichte vierstimmige Vokalsatz erklingt in der Kantate zeilenweise eingebettet in einem ausgedehnten Orchestersatz. Der Affekt ist pastoral, neben dem eigentlichen Cantus firmus vor allem hervorgerufen durch eine wiegende Streicherbewegung. Gerd-Michael Dausend
Here I am personally attracted by the idea that this piece might be a type of tombeau, a homage and lament for Bach’s first wife Maria Barbara who died in 1720 whilst her husband was taking the waters in Karlsbad with his employer. On his return from there he found her already buried. In thirteen years of marriage they had seven children, of whom three died before reaching their first birthday. The couple led a full life together. And each variation of the theme - which can stand for the state of marriage - represents things mutually experienced, suffered, enjoyed! Thus might such an incredibly emotional picture-book of a life in music come into being. Everyone can project himself and his or her feelings in the most differing facets and colours into the music of Bach. There anyone can find himself anew, can see himself reflected, can allow himself to develop with it. „He created simultaneously the most intellectual and the most heartfelt music“, wrote Ernst Bloch. For Pablo Casals Bach was the „quintessence“, for
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Volker Höh, Gitarre Volker Höh ist einer der vielseitigsten deutschen Gitarristen. Als Solist, mit Orchestern und in kammermusikalischen Besetzungen ist er - auch als Kulturbotschafter für das Goethe Institut - auf den internationalen Konzert- und Festivalbühnen zu Hause. Seine von der Fachkritik prämierten CD-Produktionen zeugen von stilistischer Vielfalt und differenzierter Klangästhetik. Diese setzen, wie seine Konzertprogramme, thematische Schwerpunkte und schlagen einen Bogen von der zeitgenössischen Musik über das klassische Repertoire mit historischen Instrumenten bis hin zur spanisch-lateinamerikanischen Musik. Regelmäßige Rundfunk- und Fernsehaufnahmen dokumentieren seinen künstlerischen Rang ebenso wie zahlreiche ihm gewidmete Werke renommierter Komponisten. Er ist auf CD- und Film-Produktionen u.a. des RSO Frankfurt mit Dirigenten wie Michael Gielen, Eliahu Inbal, Dmitrij Kitajenko und Marcello Viotti zu hören. 1959 in Altenkirchen/Pfalz geboren, studierte Volker Höh an den Hochschulen in Koblenz und Münster. Ergänzende Auslandsstudien führten ihn zu Julian Bream, Leo Brouwer, Alberto Ponce, José Tomas und dem Pianisten György Sebök. Er wurde mehrfach mit Stipendien und Förderungen ausgezeichnet. Das von ihm gegründete Gitarrenensemble „cantomano“ ist Preisträger nationaler und internationaler Wettbewerbe. Neben seinen Lehraufträgen an der Universität Koblenz und am Landesmusikgymnasium Rheinland-Pfalz in Montabaur arbeitet er als Herausgeber und Autor für Verlage und Fachmagazine sowie als Juror und Dozent auf internationalen Wettbewerben und Festivals.
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„I call to Thee, Lord Jesus Christ“ Johann Sebastian Bach on the Guitar „Maybe not all musicians believe in God, but they all believe in Bach,“ thus spoke Mauricio Kagel, German-Argentinian composer, and the French composer and organist Félix Alexandre Guilmant writes: „Bach’s music calms, it brings peace to heart and soul, it improves humanity!“ Johann Sebastians Bach’s (*21st March 1685, Eisenach - 28th July 1750, Leipzig) music touches us, inspires and fascinates people of all times and cultures. No other composer has become with his music such a citizen of the world as he! Perfect technical mastery wedded to great originality form the basis of one of the most powerful musical statements ever made by a composer. „There is something in his music like a deliverance from the world and from life. It wakes in us a quiet, deep, happy serenity, a mood beyond pain or joy. The Thomaskantor speaks to us as one of the greatest mystics of all time, leading us out of noise and into stillness“, said the theologian, doctor and Nobel Peace-Prize winner Albert Schweitzer in a lecture. The Guitar, an instrument of quiet tones, is perfectly adapted to the reproduction of this music and can lead us into that stillness. Bach himself arranged his own music for different instruments. His contemporaries tried to remain true to their own instruments and arranged the lute suites freely in tablature „... because the instrument demands it ...“ (Robert de Visée). It is important in any arrangement to preseve the original compositional idea. The musical message can however be represented by differing dynamics, articulation, tempi, or even different notes or key-signatures. These principles lie behind the present arrangements of works
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Volker Höh, Gitarre Volker Höh ist einer der vielseitigsten deutschen Gitarristen. Als Solist, mit Orchestern und in kammermusikalischen Besetzungen ist er - auch als Kulturbotschafter für das Goethe Institut - auf den internationalen Konzert- und Festivalbühnen zu Hause. Seine von der Fachkritik prämierten CD-Produktionen zeugen von stilistischer Vielfalt und differenzierter Klangästhetik. Diese setzen, wie seine Konzertprogramme, thematische Schwerpunkte und schlagen einen Bogen von der zeitgenössischen Musik über das klassische Repertoire mit historischen Instrumenten bis hin zur spanisch-lateinamerikanischen Musik. Regelmäßige Rundfunk- und Fernsehaufnahmen dokumentieren seinen künstlerischen Rang ebenso wie zahlreiche ihm gewidmete Werke renommierter Komponisten. Er ist auf CD- und Film-Produktionen u.a. des RSO Frankfurt mit Dirigenten wie Michael Gielen, Eliahu Inbal, Dmitrij Kitajenko und Marcello Viotti zu hören. 1959 in Altenkirchen/Pfalz geboren, studierte Volker Höh an den Hochschulen in Koblenz und Münster. Ergänzende Auslandsstudien führten ihn zu Julian Bream, Leo Brouwer, Alberto Ponce, José Tomas und dem Pianisten György Sebök. Er wurde mehrfach mit Stipendien und Förderungen ausgezeichnet. Das von ihm gegründete Gitarrenensemble „cantomano“ ist Preisträger nationaler und internationaler Wettbewerbe. Neben seinen Lehraufträgen an der Universität Koblenz und am Landesmusikgymnasium Rheinland-Pfalz in Montabaur arbeitet er als Herausgeber und Autor für Verlage und Fachmagazine sowie als Juror und Dozent auf internationalen Wettbewerben und Festivals.
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„I call to Thee, Lord Jesus Christ“ Johann Sebastian Bach on the Guitar „Maybe not all musicians believe in God, but they all believe in Bach,“ thus spoke Mauricio Kagel, German-Argentinian composer, and the French composer and organist Félix Alexandre Guilmant writes: „Bach’s music calms, it brings peace to heart and soul, it improves humanity!“ Johann Sebastians Bach’s (*21st March 1685, Eisenach - 28th July 1750, Leipzig) music touches us, inspires and fascinates people of all times and cultures. No other composer has become with his music such a citizen of the world as he! Perfect technical mastery wedded to great originality form the basis of one of the most powerful musical statements ever made by a composer. „There is something in his music like a deliverance from the world and from life. It wakes in us a quiet, deep, happy serenity, a mood beyond pain or joy. The Thomaskantor speaks to us as one of the greatest mystics of all time, leading us out of noise and into stillness“, said the theologian, doctor and Nobel Peace-Prize winner Albert Schweitzer in a lecture. The Guitar, an instrument of quiet tones, is perfectly adapted to the reproduction of this music and can lead us into that stillness. Bach himself arranged his own music for different instruments. His contemporaries tried to remain true to their own instruments and arranged the lute suites freely in tablature „... because the instrument demands it ...“ (Robert de Visée). It is important in any arrangement to preseve the original compositional idea. The musical message can however be represented by differing dynamics, articulation, tempi, or even different notes or key-signatures. These principles lie behind the present arrangements of works
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for violin, cello or cembalo up to orchestra-suites and cantatas. It is possible to represent the essence of the music with fewer notes.
genommen. Er erzielte damit einen glänzenden Erfolg und legte mit den Grundstein dafür, dass Bach heute zu den meistgespielten „Gitarrenkomponisten“ zählt.
Since the rediscovery of Bach in the mid-19th century his music has been made playable for everyman, in every style. One relies on the universality of the music, which keeps its original effect in any instrumentation or arrangement. This is confirmed by Albert Schweitzer’s comment „Basically Bach wrote everything for a single ideal instrument.“
Jesu bleibet meine Freude BWV 147
So it was that Brahms arranged the Chaconne in 1877 for the piano, left hand, for Clara Schumann, who had injured her right. He remarked, overwhelmed: „The Chaconne is for me one of the most wonderful, unfathomable pieces of music. Using only one pentagramme, and a small instrument, the man writes a whole world of the deepest, most powerful feelings. If I were to imagine I had written that piece or conceived it myself, I am certain that the excessive excitement and agitation would have driven me insane.“
Jesu bleibet meine Freude aus der Kantate BWV Nr. 147 ist einer der großen „Hits“ im Bachrepertoire. Es handelt sich um den Schlusschoral aus der Kantate Herz und Mund und Tat und Leben, die zum 4. Advent geschrieben wurde. Bach schrieb ihn in der vorliegenden Form 1723 in Leipzig, er schließt sowohl den ersten als auch den zweiten Teil der Kantate, mit jeweils anderem Text, ab. Der schlichte vierstimmige Vokalsatz erklingt in der Kantate zeilenweise eingebettet in einem ausgedehnten Orchestersatz. Der Affekt ist pastoral, neben dem eigentlichen Cantus firmus vor allem hervorgerufen durch eine wiegende Streicherbewegung. Gerd-Michael Dausend
Here I am personally attracted by the idea that this piece might be a type of tombeau, a homage and lament for Bach’s first wife Maria Barbara who died in 1720 whilst her husband was taking the waters in Karlsbad with his employer. On his return from there he found her already buried. In thirteen years of marriage they had seven children, of whom three died before reaching their first birthday. The couple led a full life together. And each variation of the theme - which can stand for the state of marriage - represents things mutually experienced, suffered, enjoyed! Thus might such an incredibly emotional picture-book of a life in music come into being. Everyone can project himself and his or her feelings in the most differing facets and colours into the music of Bach. There anyone can find himself anew, can see himself reflected, can allow himself to develop with it. „He created simultaneously the most intellectual and the most heartfelt music“, wrote Ernst Bloch. For Pablo Casals Bach was the „quintessence“, for
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Chaconne BWV 1004 Im 16. Jahrhundert gelangt die Chaconne aus Südamerika nach Spanien und wird dann vom italienischen Stil geprägt. Sie durchläuft mehrere Metamorphosen und weist dann in der Thematik durch Anklänge an die Rhythmik der Tanzsarabande auch deutliche Einflüsse aus Frankreich auf. Die hier vorliegende Chaconne (bei Bach: Ciaccona) ist einer der großartigsten Sätze der abendländischen Musik. Bach komponierte sie vor 1720 für Violine Solo, sie bildet den Schlusssatz der Partita d-Moll. Der erste Bachbiograph Johann Nikolaus Forkel berichtete 1802, Bach habe die Komposition von Variationen der stets gleichbleibenden Harmonie wegen für eine undankbare Arbeit gehalten. Neben den Goldberg-Variationen und der Orgelpassacaglia in c-Moll ist die Chaconne eines der glänzendsten Beispiele für Bachs Meisterschaft, ein schlichtes, diatonisch absteigendes Thema mit einem solch hohen Grad an tiefen Gedanken zu füllen. Formal ist der Satz in drei große Teile zu gliedern. Zwei ungleich lange Mollabschnitte umschliessen den lichten Durteil. Die 34 Variationen (plus Thema am Anfang und Ende) sind über ein variiertes und diminuiertes Bass-Schema komponiert, zahlreiche Variationen sind Kurzvariationen: sie nehmen nur die halbe Dauer der üblichen acht Takte ein.
Max Reger „Beginning and End of all music“. Goethes friend Carl Friedrich Zelter: „Bach is a visitation of God: clear, nonetheless inexplicable.“ Hermann Hesse: „This music is Tao“. The violinist, conductor and composer Joseph Joachim: „His music seems to us like an ancient fountain of greatness and goodness. Thus do we come back devotionally to him in pain and in joy, and it is a blessing that more and more enjoy the chance to feel the healing of his power.“ The poet Rose Ausländer wrote: „Bach, my bloodstream to heaven“ and this heaven and God were for Bach the basis of all he wrote: Bach considered music as „ordered by God’s Spirit“ „J.J.“ - Jesus juva, Jesus help! - with these initials he began all his works, and at the end he noted on all the pages „S.D.G.“ - Soli Deo Gloria, All honour only to God. He wrote: In devotional music God and His mercy are always present. And this „Musiqueì is for us still and always like an open window extending our conciousness and our emotions. In it we find the peace of a church service. And this peace changes us and our world. Volker Höh Translation: David P. Graham
Die Variationen sind durch den auftaktigen Charakter des doppelläufigen Themas stets miteinander verknüpft, der Schluss einer Variation ist also jeweils der Beginn einer Neuen. Dies vermeidet den Reihungscharakter und die sich sonst rasch einstellende Kurzatmigkeit solcher Variationsmodelle. Andrès Segovia hat dieses Stück in den 1930er Jahren als erster Gitarrist in sein Repertoire auf-
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Prelude in C major BWV 846
Präludium BWV 1007
This beautiful movement is one of Johann Sebastian Bach’s most well-known pieces. It lies at the opening of the famous collection of preludes and fugues in all major and minor key-signatures, early sketches of which go back to 1720. Most of the work on this mammoth project was finished by 1740. The piece is shaped by an arpeggio movement running throughout. The true five-part harmony allows a delicate melody to be heard in the upper voice: Charles Gounod arranged it as his famous „Ave Maria“. The Prelude lives from the harmonic tensions and dissonances within the musical text.
Dieser Satz leitet die erste der sechs Suiten für Violoncello solo ein. Das deutlich italienisch geprägte, dem Spielfigurentyp folgende, kraftvolle Präludium beginnt mit weiträumigen dreistimmigen Akkordbrechungen. Wie bei Präludien im Barock üblich, wird in den Einleitungstakten mit den drei harmonischen Hauptfunktionen die Tonart vorgestellt und etabliert. Die Wiederholung der Akkordfigurationen erinnert an das Lautenpräludium BWV 999 oder auch an das oben erwähnte Präludium aus dem Wohltemperierten Clavier I und unterstreicht den ruhigen und zufriedenen Charakter des Satzes.
Air BWV 1068
Skalenfiguren und Bariolageeffekte ersetzen allmählich den thematischen Hauptgedanken. Am Ende des Satzes (T. 37 ff.) setzt Bach über dem Orgelpunkt des Dominantgrundtones die eine Oktave komplett ausfüllende chromatische Tonleiter und erreicht so schließlich in einem kadenzierenden Quartsextakkord den Höhepunkt des Stückes.
In Baroque times, an Air (or Aria) was an instrumental piece in the form of a song, without dance-elements, nonetheless as in a dance written in two repeated parts. Bach used this form rarely, here it is the second movement of the D major Suite for Orchestra. Above regular quaver bass stepping sounds an intense, elegiac melody, sometimes decorated. In the original Bach used only strings and figured bass without the usual winds. Allemande and Bourée BWV 996 These two dance movements come from an earlier work of Bach’s for the Lautenwerck, a keyboard instrument which imitated the sound of the lute. The Allemande (German dance) is a gently flowing, latently three-part movement in the Italian style. The Bourée is of French origin but shows considerable Italian influence in the melodic line and repeating rhythm. This two-part piece in smooth rocking movement is almost entirely written in contrary motion; its grandiose theme makes it one of Bach’s most loved instrumental pieces.
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Ich ruf ’ zu Dir, Herr Jesu Christ BWV 639 Ich ruf’ zu Dir, Herr Jesu Christ BWV 639 entstammt einer ursprünglich auf 146 Sätze geplanten Sammlung von Choralvorspielen durch das Kirchenjahr, dem in Weimar entstandenen Orgelbüchlein. 46 Sätze wurden letztlich ausgeführt. Es handelt sich hier um einen sogenannten Orgelchoral, das heißt, die komplette Melodie wird als Cantus firmus gespielt und von Figurationen umspielt. Choralvorspiele dienten als Intonationshilfe für den Gemeindegesang und gaben durch das - wenn auch wie hier kunstvoll eingebettete - Erklingen der Melodie eine Orientierung für die Singenden.
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als andere Sätze für Violine solo, auch deshalb, weil Bach einen vollen drei- bis vierstimmigen Satz schreibt. Er ist harmonisch besser erfassbar als die in Linien aufgelösten Akkorde der nachfolgenden Doubles. Die h-Moll-Sarabande gehört, auch wegen ihrer eingängigen, ausgewogenen Melodik, seit Jahrzehnten zu den beliebtesten Sätzen im Gitarrenrepertoire. Die entschlossen und zupackend wirkende Bourée ist im italienischen Stil komponiert. Die Stilisierung des ursprünglichen Satzes, der jetzt nur noch „in der Art einer Bourée“ zu spielen ist, erlaubt Bach mehr Freiheiten in der Periodenbildung oder bei der Gestaltung der Auftakte. Bemerkenswert ist der vollstimmige Beginn mit einem auffälligen Quartmotiv; Bach behält diese Vollstimmigkeit jedoch nicht bei, über weite Strecken ist das Stück latent zweistimmig. Ungewöhnlich ist das Zitat des Beginns in den Schlusstakten des Satzes.
Prelude, Fugue and Allegro BWV 998 The grouping Prelude, Fuge and Allegro occurs only once in Bach’s work. It was long considered a fragment until the master’s handwritten manuscript („Pour la luth Ú Cembal“) was found. Composed between 1740 and 1745 in Leipzig, it belongs to the late works. Unusually, it shows especially in the Fugue traces of the sensitive-style, which he rarely used. That makes him here quite modern. The importance of polyphony is here low in comparison to the Kunst der Fuge, although they were written contemporaneously. The opening motif of the rocking, 12/8 Prelude foreshadows the contours of the fugue theme and is made up of broken chords with occasional passing notes or changing notes. It appears in various keys, in the original for the coda.
Suite E-Dur BWV 1006a Die Suite E-Dur ist eine Bearbeitung der dritten Partita für Violine Solo BWV 1006. Die Inanspruchnahme für die Laute ist strittig, immerhin existiert eine eigene Handschrift Bachs, allerdings ohne Instrumentenangabe. Die Suite beginnt mit dem prächtigen Präludium, einem ausladenden Konzertsatz. Es folgen fünf Tänze, von denen nur der Schlusssatz zu den Standardtänzen der Zeit gehört. In bunter Folge sind Stücke im italienischen Stil (Präludium, Gavotte en Rondeau, Gigue) und in französischer Ausprägung (Loure, Menuette, Bourée) aufgereiht, mitunter sind die Grenzen auch fließend: ein typisches Beispiel für den spätbarocken Synthesestil. Die Tänze selbst sind zwar stark stilisiert, man kann den zugrunde liegenden Tanzcharakter aber noch sehr gut erkennen. Bach selbst scheint diese Komposition besonders geliebt zu haben, wie mehrere Einzelbearbeitungen zeigen.
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The strictly symmetrical Fugue is a so-called Da Capo Fugue, the first part is repeated complete. The theme, for Bach short and unadorned, is first developed conventionally, later worked more freely. The first strict part of the development contrasts clearly with the prelude-like flowing semiquavers of the central section. Here the theme is quoted rarely, but in artful counterpoint its retrograde inversion is worked into the texture. On the whole this fugue is fairly uncomplicated, certainly because it takes into account the technical possibilites of the lute. In bars 17-20 we find an interesting motivic reference to the tree-part Ricercar of the Musical Offering. The spectacular two-part Allegro finale begins with a falling scale after a semiquaver rest and with its continuous movement reminds us distantly of the last movement of the Sonata for Flute and Piano BWV 1031. The theme is related to the second part of the fugal theme. As the second part begins the first part of the fugue’s theme is quoted. In measure and tempo the
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Allegro is very close to the Italian Giga. Here too the polyphonic aspect is less important, only towards the close do the bass notes move in quavers and the predominant two-part writing becomes true polyphony.
jedoch, wohl vor allem aus Rücksicht auf die Spielmöglichkeiten der Laute, als eher schlicht anzusehen. Interessant ist der motivische Bezug von Takt 17-20 zum dreistimmigen Ricercare aus dem Musikalischen Opfer.
Sarabande, Double, Bourèe, Double BWV 1002
Der brillante, zweiteilige Allegro-Schlusssatz beginnt mit einer absteigenden Tonleiter nach einer Sechzehntelpause, er erinnert durch sein ständiges Laufwerk von ferne an den Schlusssatz der Sonate für Flöte und Klavier BWV 1031. Das Thema nimmt damit Bezug auf den zweiten Teil des Fugenthemas. Mit dem Beginn des zweiten Teils wird auch der Themenkopf der Fuge zitiert. In Metrum und Tempo steht das Allegro einer italienischen Giga sehr nahe. Auch hier ist der polyphone Anspruch eher gering, nur gegen Ende werden die Basstöne in Achteln geführt und die vorherrschende Zweistimmigkeit zu einer echten Mehrstimmigkeit erweitert.
These movements originate from the first Partita in B minor, a succession of dance pieces for solo violin. The Partita has no prelude, only the four classical suite movements (with a BourÈe in place of the Gigue). These were complemented in an original way by Doubles, a variationtechnique used by Bach in single movements but never until here in a complete work. In the B-minor Partita the Doubles are all similarly structured, with rythmical, evenly-running figurations (notice Bach’s unusual phrasing) which make them seem more like simplifications of the originals.
Sarabande, Double, Bourée, Double BWV 1002 Bach wrote the first piece, strongly reminiscent of the French Dance Sarabande, in the flowing Italian style. One could almost speak of a perfect example of mixed taste. The Sarabande is much easier listening than other pieces for solo violin because, amongst other reasons, Bach wrote it in full three to four part harmony. The piece is harmonically easier to understand than the lines of broken chords in the following Double. With its catchy, well-balanced melody the B-minor Sarabande belongs to the best loved pieces in guitar repertoire. The determined, hands-on-sounding Bourée is written in the Italian style. Bach’s re-definition of the original piece, now only to be played „like a Bourée“, allowed him more freedom in the shaping of periods or the crafting of upbeats. The full-sounding beginning with striking fourths-motif is remarkable; Bach doesn’t keep up this fullness, the piece remains latently two-part over long passages. The quotation from the beginning during the final bars is novel.
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Die Sätze entstammen der ersten Partita in h-Moll, einer Folge von Tanzsätzen für Violine solo. Die Partita hat kein Präludium, sondern weist nur die vier klassischen Suitensätze (statt der Gigue eine Bourée) auf. Diesen wurde originellerweise jeweils ein Double beigegeben. Dieses Variationsverfahren hat Bach zwar häufiger auf einzelne Sätze, niemals sonst aber auf ein gesamtes Werk angewandt. In der h-Moll-Partita haben die Doubles eine gemeinsame Ausrichtung: sie bestehen alle aus rhythmisch durchlaufenden, gleichmäßigen Figurationen man beachte, wie Bach solche Bewegung stets unkonventionell phrasiert - so dass das Double gegenüber dem Original wie eine Vereinfachung erscheint. Bach schrieb diesen noch stark an der französischen Tanzsarabande orientierten Satz im fließenden Duktus des italienischen Stils. Man könnte hier von einem Musterbeispiel des vermischten Geschmackes sprechen. Die Sarabande ist für den Hörer sehr viel leichter zu verstehen
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Die Bourée ist französischen Ursprungs, weist aber in ihrer Melodik und dem gleichförmigen Rhythmus starke italienische Prägung auf. Das zweistimmige Stück in geschmeidig wiegendem Duktus ist fast ständig in Gegenbewegung komponiert; sein prachtvolles Thema macht es zu einem der beliebtesten Instrumentalstücke Bachs. Präludium, Fuge und Allegro BWV 998 Die Satzfolge von Präludium, Fuge und Allegro ist in Bachs Werk einmalig. Man hielt es lange für ein Fragment, bis das vom Meister selbst geschriebene Manuskript („Pour la luth ò Cembal) wieder aufgefunden wurde. Es wurde zwischen 1740 und 1745 in Leipzig geschrieben, gehört also zum Spätwerk. Es weist ungewöhnlicherweise - vor allem in der Fuge - Züge des Empfindsamen Stils auf, den Bach nur ganz selten pflegte. Hier ist er also für seine Verhältnisse recht modern. Ganz anders als in der zeitgleich begonnenen Kunst der Fuge ist der polyphone Anspruch hier eher gering. Das Anfangsmotiv des im wiegenden 12/8-Takt geschriebenen Präludiums nimmt die Konturen des Fugenthemas vorweg und besteht nur aus Akkordbrechungen mit gelegentlichen Durchgangs- oder Wechselnoten. Es wird mehrmals in verschiedenen Tonarten wieder aufgegriffen, in der Coda sogar wieder in der Anfangstonart. Die streng symmetrisch konzipierte Fuge ist eine sogenannte Da-Capo-Fuge, der erste Teil wird komplett wiederholt. Das für Bachs Verhältnisse sehr schlichte und kurze Thema wird konventionell durchgeführt und dann frei weiter verarbeitet. Der streng geführte erste Durchführungsteil kontrastiert sehr deutlich mit dem im präludierenden Duktus, fließenden Sechzehnteln geschriebenen Mittelteil. Dieser bringt nur wenige Themenzitate, aber mit kontrapunktischen Künsten wird auch der Spiegelkrebs des Themas - er wurde auch schon zur Gewinnung des ersten Kontrapunktes benutzt - mit verarbeitet. Insgesamt ist diese Fuge
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Suite in E-major BWV 1006a The Suite in E-major is a reworking of the third Partita for solo violin BWV 1006. The lute’s claim to the piece is moot, at least there is a handwritten manuscript by Bach, but that unfortunately does not name an instrument. The Suite begins with the glorious Prelude, an extensive concert-piece. Following this are five dances, of which only the last belongs to the standard dances of the time. A colourful succession of numbers is heard in the Italian style (Prelude, Gavotte en Rondeau, Gigue) and in the French (Loure, Menuette, Bourée), sometimes the borders are blurred: a typical example of late baroque style-synthesis. Although the dances themselves are heavily stylised the basic dance character can be still easily recognised. The many arrangements of singe movements by Bach are proof of his particular affection for this composition. Prelude BWV 1007 This movement opens the first of the six suites for solo cello. The powerful, obviously italianate Prelude with its regular figuration begins with wide three-part arpeggi. As always in baroque preludes, the tonic is first defined and established with the three most important harmonic functions. The repetition of the chord-figuration reminds us of the Prelude for Lute BWV 999 or of the previously mentioned Prelude from the Well Tempered Clavier I and underlines the peaceful and contented character of the piece. Scale-figures and bariolage-effects gradually replace the main thematic material. At the end of the movement (bar 37 et seq.) Bach writes a full octave chromatic scale over the dominant pedal, thus reaching the climax of the piece at a cadenza on the second inversion of the tonic.
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I call to Thee, Lord Jesus Christ BWV 639
Präludium C-Dur BWV 846
BWV 639 comes from the Orgelbüchlein, a collection of choral preludes through the year written in Weimar and originally planned to encompass 146 pieces. 46 were actually written. This particular work is a so-called Orgelchoral, where the complete melody is heard as a cantus firmus with accompanying figurations. Choral preludes helped the congregation with intonation and hearing the melody - even when as here artistically worked - gave the singers further assistance.
Dieser schöne Satz ist eines der bekanntesten Stücke von Johann Sebastian Bach. Es leitet den berühmten Zyklus von Präludien und Fugen in allen Dur- und Molltonarten ein, dessen frühe Skizzen bis etwa 1720 zurückreichen. Die Hauptarbeit an dem großen Werk wurde wohl um 1740 geleistet. Der Satz folgt dem Spielfigurentypus: Ein einziges Akkordbrechungsmodell durchzieht und prägt das Stück. Sein real fünfstimmiger Satz lässt in der Oberstimme eine zarte Melodie aufscheinen; Charles Gounod bearbeitete es zu seinem berühmten “Ave Maria”. Das Präludium (= Vorspiel) lebt von der harmonischen Spannung des durch einige Dissonanzen belebten Satzes.
Chaconne BWV 1004 The Chaconne came from South America to Spain in the 16th century and became influenced by the Italian style. It underwent various changes and began to show French influence in the theme material as well, through echoes of the rhythm of the dance-sarabande. This Chaconne (called by Bach Ciacconna) is one of the most extraordinary pieces of western music. It was composed in 1720 for solo violin, being the final movement of the Partita in D minor. The first biographer of Bach, Forkel, wrote in 1802 that Bach found writing variations a thankless task due to the unchanging harmonic scheme. Together with the Goldberg-variations and the Passacaglia for Organ in C minor, the Chaconne is nonetheless one of the most magnificent examples of Bach’s masterful ability to fill such a simple diatonically falling theme with such deep thoughts. Formally speaking, the piece can be divided into three. Two sections of unequal length in the minor key bracket the transparent major part. The 34 variations (plus the theme at beginning and end) are on a varied and diminished bass-figure, many variations are short, containing only half of the usual eight bars.
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Air BWV 1068 Eine Air (oder Aria) war im Barock ein gesanglich angelegtes Instrumentalstück ohne Tanzbindung, jedoch meist wie ein Tanz zweiteilig mit Wiederholungen angelegt. Bach benutzte diese Form nur selten, in diesem Fall handelt es sich um den 2. Satz aus seiner Orchestersuite D-Dur. Über gleichmäßig dahinschreitenden Bassachteln erklingt eine, bisweilen auch ausgezierte, elegische Melodie mit innigstem Ausdruck. In der Originalbesetzung reduzierte Bach das ansonsten auch mit Bläsern besetzte Orchester auf die Streicher und den Generalbass. Allemande und Bourée BWV 996 Diese beiden Tanzsätze entstammen einem Frühwerk Bachs für das “Lautenwerck”, einem Tasteninstrument, welches den Klang der Laute nachahmen sollte. Die Allemande (= deutscher Tanz) ist ein ruhig dahinfließender, latent dreistimmiger Satz im italienischen Stil.
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Bachs Musik bietet eine perfekte Leinwand, auf die jedermann die unterschiedlichen Farben seiner Gefühlswelt auftragen kann. Sie ermöglicht es jedem, sich in ihr wiederzufinden, zu spiegeln und sich mit ihr zu entwickeln. „Er schuf die gelehrteste und zugleich am tiefsten durchseelte Musik“, schrieb Ernst Bloch. Für Pablo Casals war Bach die „Quintessenz“, für Max Reger „Anfang und Ende aller Musik“. Goethes Freund Carl Friedrich Zelter: „Bach ist eine Erscheinung Gottes: klar, doch unerklärbar.“ Hermann Hesse: „Diese Musik ist Tao“. Der Geiger, Dirigent und Komponist Joseph Joachim: „Wie ein Urquell der Größe und Güte mutet uns seine Musik an. So kehren wir in Leid und Freud immer andachtsvoll zu ihm zurück, und es ist ein Segen, dass immer weiteren Kreisen die Möglichkeit wird, das Gesundende seiner Macht auf sich wirkend zu fühlen“. Die Dichterin Rose Ausländer schrieb: „Bach, mein Blutstrom zum Himmel“ - und dieser Himmel und sein Gott waren Bach die Grundlage all seines Schaffens: Musik betrachtete Bach als „von Gottes Geist angeordnet“ - „J.J.“ - Jesus juva, Jesus hilf! - mit diesen Initialen begann er seine Werke, und am Ende notierte er auf jedes seiner Notenblätter: „S.D.G.“ - Soli Deo Gloria, einzig zur Ehre Gottes. Er schrieb: „Bey einer andächtigen Musique ist allezeit Gott mit seiner Gnaden Gegenwart“. Und diese „Musique“ ist für uns heute immer noch und immer wieder wie ein offenes Fenster, das unser Bewusstsein und unsere Gefühlswelt erweitert. In ihr finden wir Frieden vergleichbar dem Besuch in einem Gottesdienst. Und dieser Frieden verändert uns und unsere Welt.
The variations are always connected by the upbeat character of the double theme (twin fourbar harmony), the end of one variation is also the beginning of the next. This avoids sequential character and the otherwise common breathlessness of such variation models. Andrès Segovia was the first guitarrist to take this piece into his repertoire in the 1930s. This tremendously successful idea began a movement which today has made Bach one of the most often-performed „Guitar-composers“. Jesu bleibet meine Freude (Jesus shall remain my Joy) BWV 147 Jesu bleibet meine Freude from the cantata BWV Nr. 147 is one of the greatest hits in the Bach repertoire. This is the final chorus from the cantata Herz und Mund und Tat und Leben (Heart and Mouth and Deed and Life), written for the fourth sunday in advent. In the present form written in 1723, it closed both the first and second parts of the cantata with different texts. In the original the unadorned four-part vocal writing appears sentence for sentence within expansive orchestral music. The pastoral feeling comes not only from the actual cantus firmus but also from gently rocking string accompaniment. Gerd-Michael Dausend Translation: David P. Graham
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Volker Höh, Guitar Volker Höh is one of the most versatile German guitarrists. As a soloist, with orchestras and in chamber-music groups he is at home on international and festival stages, often as cultural ambassador for the Goethe Institute. His CD productions, awarded prizes by specialised critics, show stylistic diversity and varied sound-aesthetics. Like his concert programmes they are thematic and range from contemporary music through classical repertoire with historical instruments to Spanish/Latin-American music. Regular radio and TV recordings document his artistic position just as the many works by well-known composers dedicated to him. He can be heard on CD and film productions with the Frankfurt Radio Symphony Orchestra under conductors such as Michael Gielen, Eliahu Inbal, Dmitrij Kitajenko and Marcello Viotti. Volker Höh was born in 1959 in Altenkirchen (Pfalz) and studied ar the Academies of Koblenz and Münster. Further studies took him to Julian Bream, Leo Brouwer, Alberto Ponce, José Tomas and the pianist György Sebök. He has been distinguished with many stipends and other forms of sponsorship. The guitar-ensemble "cantomano", which he founded, has won prizes at national and international level. Besides teaching positions at the University of Koblenz and the Music-Grammar-School of Rheinland-Pfalz (Montabaur) he works as editor and author for publishers and technical publications and as jury-member and teacher at international competitions and festivals.
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durch unterschiedliche Dynamik, Artikulation, Tempi oder auch andere Noten und Tonarten dargestellt werden. Diese Einsicht liegt den Bearbeitungen der hier eingespielten Werke für Violine, Violoncello, Cembalo bis hin zu Orchestersuite und Kantate zugrunde. Die Essenz der Musik darzustellen gelingt auch mit weniger Noten. Seit Bachs Wiederentdeckung Mitte des 19. Jahrhunderts wird seine Musik durch eine Vielzahl von Bearbeitungen über alle Stilgrenzen hinweg verbreitet. Die universelle Aussage dieser Musik behält jedoch in jeder Besetzung und in jedem Arrangement ihre ursprüngliche, die Menschen anrührende Wirkung. Bestätigt wird dies von der Aussage Albert Schweitzers: „Im Grunde erschuf Bach alles für ein ideales Instrument“. Bereits 1877 arrangierte Johannes Brahms 1877 für die Pianistin Clara Schumann, die sich die rechte Hand verletzt hatte, eine Version von Bachs Chaconne für die linke Hand. Überwältigt bemerkte er dazu: „Die Chaconne ist mir eins der wunderbarsten, unbegreiflichsten Musikstücke. Auf ein System, für ein kleines Instrument schreibt der Mann eine ganze Welt von tiefsten und gewaltigsten Empfindungen. Wollte ich mir vorstellen, ich hätte das Stück machen, empfangen können, ich weiß sicher, die übergroße Aufregung und Erschütterung hätte mich verrückt gemacht.“ Mir persönlich gefällt die Vorstellung, dass dieses Stück eine Art Tombeau, eine Huldigung und ein Grabgesang für Bachs erste Frau Maria Barbara sein könnte, die 1720 verstarb, während er mit seinem Dienstherrn zur Kur in Karlsbad unterwegs war. Als er zurückkehrte, war sie schon begraben. In 13 Ehejahren hatten sie sieben Kinder, drei starben im ersten Lebensjahr. Sie führten ein intensives gemeinsames Leben. Jede Variation des Grundthemas welches symbolisch für den Bund der Ehe steht - bezieht sich gleichsam auf gemeinsam Durchlebtes, Erlittenes und Geglücktes und so erschließt sich ein emotional tief bewegender musikalischer Bilderbogen des Lebens.
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„Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ“ Johann Sebastian Bach arrangiert für Gitarre „Es mag sein, dass nicht alle Musiker an Gott glauben; an Bach glauben jedoch alle“, so Mauricio Kagel, deutsch-argentinischer Komponist. Der französische Komponist und Organist Félix Alexandre Guilmant schreibt: „Bachs Musik ist beruhigend, sie befriedigt Herz und Geist; sie macht den Menschen besser!“ Die Musik von Johann Sebastians Bach (*21.3.1685 Eisenach - 28.7.1750 Leipzig) berührt, begeistert und fasziniert seit jeher die Menschen aller nachfolgenden Generationen in allen Kulturen. Kein anderer Komponist ist heute so sehr Weltbürger wie er! Perfekte handwerkliche Meisterschaft gepaart mit großer Originalität bildet die Basis einer der stärksten musikalischen Aussagen, die je ein Komponist hinterlassen hat. „So liegt etwas wie eine Erlösung von der Welt und dem Leben in seiner Musik. Sie weckt in uns eine stille, tiefe Heiterkeit, eine Stimmung, die jenseits von Schmerz und Freude liegt. In dem Thomaskantor spricht einer der größten Mystiker, die es je gegeben hat, zu den Menschen und führt sie aus dem Lärm zur Stille“, sagte der Theologe, Arzt und Friedensnobelpreisträger Albert Schweitzer auf einem Vortrag. Die Gitarre, das Instrument der leisen Töne, eignet sich in besonderer Weise dazu, diese Musik wiederzugeben und uns in die Stille hineinzuführen. Bach selbst arrangierte seine Werke für andere Instrumente. Auch seine Zeitgenossen versuchten ihren jeweiligen Instrumenten gerecht zu werden und übertrugen Bachs Kompositionen für Laute recht frei in Tabulatur: „…weil das Instrument es so verlangt….“ (Robert de Visée). Bei allen Bearbeitungen ist jedoch wichtig, dass die kompositorische Grundidee erhalten bleibt. Die musikalische Botschaft kann je nach Instrument durchaus
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Volker Höh, Gitarre (Gitarre von Antonius Müller, Aarbergen, Deutschland 2009)
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Praeludium C-Dur, aus dem Wohltemperierten Klavier BWV 846 * Air, aus der 3. Orchestersuite BWV 1068 *
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Recording: FFD Hübingen 13.-16.02.2010 Engineering + Editing: Günter Münch, Bayreuth Artwork & Layout: Torsten Hatt Titelbild: Laute spielender Engel von Melozzo da Forli (Freskofragment) Foto Volker Höh: Dieter Wegner Booklettext: Gerd Michael Dausend, Volker Höh Strings: Savarez Corum New Cristal Notenausgabe: Bach Guitar Book, Trekel T 6393
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Allemande, aus der Lautensuite BWV 996 * Bourée e-moll, aus der Lautensuite BWV 996 *
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Präludium, aus BWV 998 für Laute * Fuge, aus BWV 998 für Laute Allegro D-Dur, aus BWV 998 für Laute
02:43 06:33 02:36
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Sarabande, aus Partita BWV 1002 für Violine * Double, aus Partita BWV 1002 für Violine * Bourée, aus Partita BWV 1002 für Violine * Double h-moll, aus Partita BWV 1002 für Violine *
03:47 02:14 03:22 03:25
bereits erhältlich:
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Prélude, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Loure, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Gavotte en Rondeau, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute * Menuett I,II,I, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Bourée, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute Gigue, aus Suite E-Dur BWV 1006a für Laute
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Praeludium D-Dur, aus der Suite BWV 1007 für Violoncello * Choralvorspiel „Ich ruf’ zu dir, Herr Jesu Christ“ BWV 639 Chaconne d-moll, aus der Partita BWV 1004 für Violine * Choral „Jesu bleibet meine Freude“ aus der Kantate BWV 147 *
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* Noten-Arrangements im „BACH GUITAR BOOK“, Trekel Verlag Hamburg T 6393
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J.S.BACH ICH RUF ZU DIR, HERR JESU CHRIST
VOLKER HÖH VOLKER HÖH GITARRE
