“En el transcurso de los siglos la técnica del grabado ha cumplido una función fundamental en la difusión de la cultura. Fascinó y “embrujó” a numerosos artistas, que, lamentablemente, no siempre han sido reconocidos en su justa medida” medida”.
EL GRABADO XILOGRAFÍA Y Y CALCOGRAFÍA CALCOGRAFÍA
ÍNDICE
Página Introducción general al grabado
5
La técnica del grabado
5
Definición de grabado
6
Inscripciones más habituales en los grabados antiguos
6
Técnicas de realización
7
Un poco de historia
7
1. El grabado: xilografía y calcografía
9
El Grabado
9
La Xilografía
9
Técnica
9
Pietro Schoffen
10
Ars moriendi
11
Hugo de Carpi
11
Xilografía en colores
12
Xilografía japonesa en colores
12
Utamaro, Kitagawa
12
La Calcografía
13
Técnica
13
Proceso
13
La estampación
14
ÍNDICE
Página Origen y primeras manifestaciones Italia: Tommaso Finiguerra
15
Alemania
15 Martín Schongauer
15
Israhel van Meckenem
17
2.El grabado del siglo XVI
Webgrafía
15
18 Breve introducción
18
Alberto Durero
19 27
INTRODUCCIÓ NTRODUCCIÓN N GENERAL AL GRABADO
LA TÉCNICA DEL GRABADO
En el transcurso de los siglos la técnica del grabado ha cumplido una función fundamental en la difusión de la cultura. Fascinó y “embrujó” a numerosos artistas, que lamentablemente no siempre han sido reconocidos en su justa medida. En la época del Renacimiento, en torno a 1455, se inventa la imprenta para difundir textos, empleándose el grabado como recurso artístico para ilustrar y reproducir aquellos conceptos o ideas imposibles de explicar a través de la palabra escrita.
Pero la ilustración es algo más que el ornato del libro, ya que ofrece un comentario gráfico de su contenido, muestra un reflejo de la sociedad en la que apareció el libro y, en algunos casos, puede constituir el principal motivo de interés de una publicación.
El grabado es una técnica artística que, a pesar de su trascendencia como auténtico difusor de conocimiento y reflejo de la mentalidad de las distintas épocas, no ha recibido todo el reconocimiento que merece, entre los distintos tipos de ilustraciones.
DEFINICIÓN DE GRABADO El término “grabar”, atendiendo a su etimología, nos remite remi te la palabra griega graphein graphein,, que viene a significar algo así como escribir y dibujar. En latín la expresión cavare alude a las acciones de cavar, abrir o ahondar. De todo ello se infiere que hacer un grabado es conseguir realizar una imagen incidiendo sobre una superficie. Se suele emplear también términos como atacar, morder o incidir sobre una matriz.
Grabar es, por tanto, crear una imagen a través de incisiones mediante la utilización de diversas herramientas, medios mecánicos o químicos, que posteriormente puede ser utilizada para una reproducción múltiple de lo representado. Por medio de un traspaso de la matriz a un papel, mediante tinta y una prensa, se obtiene la estampa. Se ha de comprender la enorme dificultad que supone para el artista crear una imagen “en negativo” sobre soportes difíciles de incidir o modificar, para finalmente y después de aplicar sobre ellos las determinadas tintas y mediante sistemas de prensa obtener una imagen “positiva”.
INSCRIPCIONES MÁS HABITUALES HABITUALES EN LOS GRABADOS ANTIGUOS En el último cuarto del siglo XV, los artistas grabadores comienzan a abandonar su anonimato incluyendo sus iniciales en sus producciones. Con posterioridad introducen una mezcla de iniciales y símbolos, que llegarían a constituir monogramas. Otros grabadores utilizaban anagramas, hasta que poco a poco pasaron a firmar con el nombre completo, lo que se denomina firmar in extenso. Pero algunos autores no firmaban sus obras, o su nombre quedaba al revés al positivar la imagen.
TÉCNICAS DE REALIZACIÓN
El grabado en relieve se denomina xilografía xilografía,, que se realiza con una base o matriz de madera. Sobre ella se realizan grabados o incisiones, se aplica tinta y luego mediante una prensa queda impreso en un papel. Así se consigue una imagen, es decir, una estampa. Aunque está en la técnica general, existen otras variedades: la xilografía a fibra, la contrafibra, linograbado y camafeo.
El grabado en hueco se denomina calcografía calcografía.. En este caso, sobre una plancha metálica, en sus orígenes de cobre, se incide formando un dibujo al que se le aplica tinta y con la prensa queda fijada en un papel la imagen. Tiene muchas variedades: buril, punta seca, manera negra, aguafuerte, aguatinta, barniz blando, gofrado, grabado a la sal, al azufre, carbonorum, al lápiz grueso, aguadas a pincel.
La técnica en plano se denomina litografía litografía,, y se basa en aplicar productos grasos sobre un soporte de piedra porosa a la que se aplica una solución acuosa y finalmente tinta. También es relevante la técnica de tamiz, denominada serigrafía, ya que es el método más empleado para la impresión de carteles.
UN POCO DE HISTORIA Desde el Paleolítico se decoraban huesos grabándolos utilizando sílex. En el Neolítico la cerámica se decoraba utilizando impresiones dactilares o aplicando valvas de moluscos. El primer precedente moderno se encuentra en las civilizaciones del Oriente próximo, los denominados “cilindros“cilindros-sellos”, que se imprimían en soportes de barro. De manera simultánea en Creta y en Egipto se desarrollan sellos de impacto, con un procedimiento similar a los sellos mesopotámicos, pero con una única imagen.
En China se desarrolla una variante de estas técnicas de impresión influenciada por tres elementos de la citada cultura: empleo de tinta, existencia de papel y necesidad de difusión de textos budistas.
Hacia el siglo XI d.C. se utiliza una técnica de grabado en madera que utiliza los principios esenciales del grabado occidental posterior. A partir del siglo XVI se dan a conocer las estampas japonesas.
El desarrollo del grabado occidental está vinculado a la invención de la imprenta, por parte de Gutemberg, quien conocía las técnicas del grabado sobre madera (xilografía), y el mundo del libro impreso. Posteriormente, tanto en los Países Bajos como en Alemania se populariza la xilografía, que convivió en perfecta armonía con la pintura.
Los primeros grabados sobre metal y en madera aparecen en el siglo XV. Durante el siglo XVII, se mejora la técnica del grabado calcográfico en detrimento del xilográfico. El grabado sobre cobre permitía un trazo curvilíneo, ligero y muy parecido al dibujo además de ser más fácil de ejecutar, convirtiéndose en la técnica preferida por dibujantes y pintores de época.
1. EL
GRABADO: XILOGRAFÍA (ORIGEN, USO EN HOJAS DEVOCIONALES, EN TEMÁTICA PROFANA (NAIPES,
CALENDARIOS); LA CALCOGRAFÍA
(MARTÍN SCHONGAUER, ISRAHEL
VAN
MEKENEM )
Y
TOMASSO
FINIGUERRA.
EL GRABADO El papel fue inventado inventado en China en el S.II d.C. En Europa, a finales del del gótico, los árabes introducen el papel de trapo hecho a partir de lino, cáñamo o algodón. Del procedimiento para elaborar este papel surge el nacimiento de la xilografía. El papel y el pergamino coexisten y rivalizan, y es en este momento cuando aparece la xilografía – xilografía –posterior posterior a esto Gutemberg inventa la prensa. El Grabado sobre madera, cuando surge, se utiliza como un medio de comunicación, no como un arte, siendo difundido por parte de la Iglesia y del Estado.
LA XILOGRAFÍA Tipos de xilografía: al hilo, al contra hilo, a testa, coloreada y al claroscuro, también llamado camafeo. Primeras manifestaciones: hojas sueltas con imágenes devocionales, libros religiosos, naipes (los juegos de azar estaban prohibidos, por lo que las cartas se realizan en imprentas clandestinas) y blasones. TÉCNICA La imagen se obtiene presionando, primero a mano y, con posterioridad, a máquina, sobre una superficie matriz que está entintada. La matriz es una plancha de madera dura que se talla en el sentido de la fibra, al hilo (longitudinalmente) (longitudinalmente) - la madera procede de peral, cerezo… cerezo… que son maderas más blandas- y a contra hilo (en horizontal), sobre una plancha bien seca y lijada sobre la que se copia o se dibuja direct amente.
Los instrumentos que se utilizan son: gubias gubias,, para los espacios anchos, y buril para los trazos finos.
El dibujo se realiza con un cuchillo de hoja corta muy afilado – –punta punta viva-, se marca el dibujo para, seguidamente ir rebajando las zonas que van a quedar en blanco. Tras esto se entinta con un rodillo y se presiona con un papel especial, especial, con cuidado de que no se mueva. También se puede utilizar una prensa plana. Cuando se trabaja en sentido perpendicular decimos que el grabado se realiza a contra hilo o la testa; se utilizaba madera de boj, procedente de Turquía, que es más difícil de trabajar por ser más dura que la empleada en la técnica «al hilo» y por ello se talla con buril (normalmente es herramienta para metales). Al usar buriles las líneas son finas y aparecen en la estampa resultante como un dibujo de líneas blancas. Esto resulta opuesto al dibujo de líneas negras de la xilografía al hilo y con ello pueden conseguirse grabados pictóricos en la xilografía. Otra ventaja es que no hay límite de tamaño: en la técnica «al hilo» el límite es el ancho del tronco, en la técnica «a la testa», se pueden unir varias tablas. Otro rasgo importante es que se convirtió en el medio más utilizado para la ilustración de libros. A finales del gótico, 1457, Pietro Schoffen comenzó a utilizar un sistema de grabado en color, consistente en encajar en una plancha, tallada y entintada, entintada, una segunda plancha más pequeña, como si fuera un puzzle. Todavía, en este momento, no se conseguían dibujos con volumen. Pietro realizaba grabados individuales, y comienza a trabajar grabados en libros y después después en periódicos. Su sistema permitía escribir textos e imágenes simultáneamente. Con la expansión de este tipo de grabado se produce un cambio en el sistema de trabajo, donde se pasa del grabador que realiza todo el proceso solo, al artista que realiza el dibujo y lo manda al taller para que el oficial grabador lo realice, de tal modo que es este quien decide cosas como, por ejemplo, el color, participando con ello en el proceso creativo. Las primeras manifestaciones de la xilografía fueron biblias con poco texto (biblias para pobres) y estampas devocionales. También se produjeron iniciativas privadas como, por ejemplo, la creación de naipes (barajas de cartas); España destacó especialmente en esta producción, pues tenía una fuerte industria clandestina – clandestina – se daba la paradoja de que era el país donde más prohibidas estaban los juegos de cartas. Estos juegos eran practicados por pobres pobres y ricos.
ARS MORIENDI La xilografía acaba realizando libros de bloque, bloque , que se difundían por toda Europa. Los “Ars personalizados en los que se daban consejos para el “buen morir”; en moriendi” eran libros personalizados aquella época la peste era una enfermedad muy extendida que rebrotaba cada cierto tiempo, por lo que resultaba interesante la idea de establecer recomendaciones para enfrentarse adecuadamente al trance de la muerte. Estos libros intentaban ayudar a las personas a enfrentarse al trance de la muerte, pero el propósito real no era otro que mostrarle al interfecto lo que debía de hacer con sus bienes antes de pasar a “mejor vida” vi da”;; ni más ni menos que legar sus bienes terrenales a los curas.
Los “Ars moriendi” aparecen en Alemania, y tienen grabados juntos, en un pliego, textos e imágenes. Estos libros suelen tener entre 20 y 50 páginas y, algunos se coloreaban a mano con capas de acuarela, o se espolvoreaban con oropel – oropel –imitaba imitaba al oro- (pequeñas partículas de oropel mezclado con goma). Esto servía para aportar rugosidad y volumen a los grabados. Las hojas eran trabajadas solo por una cara, pues se creaban hendiduras por el proceso de grabado, por lo que se les pegaba una hoja en blanco por detrás que luego era pegada a su vez a otra hoja trabajada del mismo modo, para conseguir que las hojas del libro tuviera continuidad y quedaran como una página a dos caras, sin hojas intermedias en blanco; por este motivo se les les llama libros de “bloque”. El trabajo xilográfico en los monasterios era realizado en equipo; los gremios distribuían esta labor de diferente manera: el diseñador tenía una categoría especial, era el “dibujante”, mientras que el gremio de los carpinteros aportaba al grabador que era quien se ocupaba de la realizar el grabado. A principios del S.XVI se perfecciona la xilografía, y se consiguen nuevos efectos: claroscuro o efecto camafeo, que permitía obtener contornos y sombreado, en negros y sepias. Hugo de Carpi patenta y mejora este efecto utilizando tres maderas en lugar de dos, como se venía haciendo (1516). Esto también beneficia a los pintores del barroco, que aprovechan estos conocimientos para realizar sus pinturas. El sistema consiste en dibujar en una primera plancha los trazos negros y las sombras, y los colores en las otras.
XILOGRAFÍA EN COLORES Al principio las xilografías se coloreaban a mano por exigencias de la clientela, el gusto por el color hizo que se investigase el modo de insertar los colores en el proceso de impresión. En 1457 Pietro Schoffen – –como como ya dijimos antesantes- utilizó un sencillo sistema, introdujo en una plancha tallada y entintada con un color otra plancha más pequeña entintada con otro color y luego grabó todo conjunto.
Una de las características del sistema es que las tintas se mantenían planas haciendo imposible conseguir efectos luminosos o de volumen. A principios del siglo XVI se inventó otro sistema en el que se usaban varias matrices de madera talladas por separado y grabadas una tras otra en la misma hoja. Las planchas deben corresponder entre sí perfectamente. Este sistema permite obtener efectos semejantes a los del dibujo a pluma (camaieü), así llamado por recordar los camafeos, fue usado durante breve tiempo y sobre todo por artistas alemanes. La acuarela (claroscuro) se utilizó sobre todo en Italia hasta el siglo XVIII, y el procedimiento lo describe Vasari en las Vitae.
XILOGRAFÍA JAPONESA EN COLORES Sigue básicamente el sistema descrito, está basada en el uso de diversas tintas para conseguir efectos similares a los de la acuarela. Se inicia en Japón entre los finales del siglo XVI y los comienzos del XVII y se fue perfeccionando poco a poco hasta emplear diez o más planchas. Los dibujos se realizaban con el máximo cuidado en hojas de papel cebolla y estos se pegaban a las planchas de madera, una vez marcados los dibujos en las planchas, se tallaban por grabadores habilísimos y tras ello, las matrices se entintaban con colores al agua. Finalmente, se iba imprimiendo cada matriz en la misma hoja. Utamaro, Kitagawa (S.XVIII) Este grabador llega a utilizar diez planchas. Utiliza papel de arroz y de cebolla para sus grabados. Emplea colores al agua. No utilizaba el tórculo sino el círculo llamado baren, que funciona por la presión de su peso. Sus grabados consiguen un efecto similar a las acuarelas. Ésta técnica es llevada a Europa por Thomas Bewick (1775), concretamente a Alemania y Francia – –países países avanzados. No todos sus grabados son religiosos.
LA CALCOGRAFÍA La palabra calcografía proviene del término griego “xalkós” -que significa cobre o bronce- y del término “grafos” -grabado-. Es por ello que, cuando hablamos de una calcografía o de un grabado calcográfico por extensión, nos referimos a un grabado realizado sobre una plancha de metal. El proceso calcográfico consiste en grabar la plancha de forma que nada más se vacían aquellas partes que corresponden al dibujo.
TÉCNICA ·
El trabajo se realiza sobre una plancha metálica, con un buril para marcar el dibujo, y conseguir una línea rehundida.
·
Lo que pasa a la calcografía final son las zonas rehundidas, a diferencia de la xilografía.
·
Se eliminan las rebabas (sobrantes).
·
Se entinta.
·
Se elimina el exceso de tinta ti nta y se estampa.
PROCESO Cuando se “imprime imprime””, la tinta se deposita en las partes hundidas de la superficie que son las que quedan estampadas en la hoja de papel en el momento de ejercer la presión. Por ello se dice que la calcografía es un sistema de grabado al vacío. Las calcografías llevan la firma del artista que las elabora, a diferencia de las pinturas, en las que no aparece el nombre de su autor hasta el gótico. Las composiciones que se van a estampar representan escenas religiosas y también de la vida cotidiana. Las planchas pueden ser de diversos materiales, acero, cobre, zinc, etc. - el cobre, a pesar ser el más caro, es el más adecuado, pues al ser más duro a la hora de incidir sobre sobre la plancha permite hacer las líneas más delgadas y, por tanto, dibujos más esmerados. Por otra parte, a la hora de imprimir su dureza hace que resista mejor la presión de la prensa y, por tanto, que sean posibles hacer tirajes más elevados. Una vez la imagen está dibujada sobre el metal, se comienza a grabar, vaciando todo lo que se vaya a estampar, es decir, el dibujo propiamente dicho.
Los buriles pueden tener perfiles de formas diferentes, cada uno de los cuáles permitirá obtener un tipo de línea diferente. Cuanto más profundos sean los surcos más oscuros aparecerán en la impresión. Para obtener un grabado a buril de calidad es necesario un gran dominio de la técnica. Normalmente el artista que hace el dibujo y el grabador no son la misma persona.
LA ESTAMPACIÓN Antes de imprimir la plancha es preciso entintarla. El proceso consiste en rellenar de tinta todas las incisiones de la superficie, generalmente se realiza con un rodillo. Después se ha de extraer la tinta que ha quedado en la superficie de la plancha. Para ejercer la presión necesaria para imprimir un grabado calcográfico se utiliza una prensa llamada tórculo tórculo;; la plancha se coloca en la superficie horizontal de la prensa y, sobre ésta se coloca la hoja de papel donde se estampará la imagen. Partiendo de la misma plancha calcográfica, y tan sólo repitiendo el proceso de entintado y de impresión, se obtiene una cantidad muy elevada de estampas idénticas. Las copias se numeran. La numeración sirve para conocer la amplitud del tiraje y el orden de impresión. Por tanto, cuando en una estampa aparece escrito, por ejemplo, 1/75, quiere decir que de una edición de 75 ejemplares, esta copia es la número 1.
ORIGEN Y PRIMERAS MANIFESTACIONES
ITALIA TOMMASO FINIGUERRA La xilografía apareció en 1400, y no será hasta mediados del S.XV (1452) que, TOMMASO FINIGUERRA – –platero platero italiano (orfebre)- inventa la calcografía, aplicando papel sobre una placas niquelada. Poco tiempo después, Gutemberg, incorporó a la letra impresa el arte del grabado. Este artista trabajaba para Cosme de Médici, y se le ocurrió aplicar papel sobre una de sus placas niqueladas – niqueladas –el el niel es una mezcla de cobre, plomo y azufre; lo hizo para poder mostrar a otros artistas y posibles compradores sus obras, entintando las piezas y plasmándolas sobre un papel. De este modo, y aunque hubiera vendido la obra, podía enseñar sus trabajos a personas que pudieran estar interesadas en los mismos. Cuando se hizo conocido pasó de trabajar sobre las placas niqueladas a hacerlo sobre otras de cobre.
ALEMANIA Aquí destacaron MARTIN SCHONGAUER (1448-1491) e ISRAHEL VAN MEKENEM .
MARTIN SCHONGAUER (1448 - 1491) Fue el grabador más importante de Alemania antes de Alberto Durero. Su padre era orfebre y empezó con él; como le gustaban por igual la pintura y el grabado trabajo en ambas cosas. Perteneció a la fase flamenca del gótico o prerrenacimiento. Su trabajo está notablemente influido por tendencias flamencas y borgoñas. Creó delicadas Vírgenes, como la Virgen del Rosedal , fechada en 1473, y armoniosas escenas sagradas, La sagrada familia, familia , y fue un pionero del grabado, lo que lo habilitó para una importante difusión de su trabajo en toda to da Europa.
Sus grabados se vendieron ampliamente, tanto en Alemania como en Italia, Francia e incluso España. Realizó muchas biblias y estampas devocionales sencillas.
Firmaba con un anagrama:
Schongauer trabajó toda su vida en la ciudad alsaciana de Colmar. Su fama fue la más grande de su época en Alemania, hasta el punto de que Alberto Durero quiso estudiar en su taller. Sin embargo, el joven artista llegó en 1492 a Colmar, un año después de la muerte del maestro, aunque sus hijos le mostraron a Durero las últimas obras de su padre. El estilo de Schongauer es muy personal; su gran riqueza de tonos y texturas dota de una calidad pictórica a sus grabados, que lo aleja de las técnicas de orfebrería. Su obra estaba llena de encanto por lo que sus coetáneos le apodaron "Hübsch Martin", el encantador Martin, y "Schön Martin", el bello Martin. La principal obra de la vida de Schongauer fue la producción de un gran número de hermosos grabados, que se vendieron ampliamente, no sólo en Alemania, sino también en Italia e incluso en Inglaterra y España. Su estilo no muestra rastro de influencia italiana, sino un gótico muy claro y organizado. Sus temas son principalmente religiosos, pero incluyen escenas cómicas de la vida cotidiana tal t al como Familia campesina acudiendo al mercado o los Dos aprendices peleando. Se le atribuyen 116 grabados, y puesto que muchos se conocen por una única impresión, probablemente hubo otros que se perdieron. Muchas de las ilustraciones de sus alumnos así como las suyas propias están firmadas, M†S, así como muchas copias probablemente obra de artistas que no tuvieron relación con él. Entre los más hermosos grabados de Schongauer está la serie sobre la Pasión y la Muerte y Coronación de la Virgen, Virgen , y la serie de las Vírgenes Sabias y Necias. Necias . Todos destacan por su tratamiento semejante a una miniatura, su toque brillante, y su fuerza cromática. Algunos, como la Muerte de la Virgen y la Adoración de los Magos son composiciones ricas y plenas, con muchas figuras, tratadas con largueza de estilo a pesar de su diminuta escala. Estableció el sistema de representar el volumen mediante un rayado (líneas en dos direcciones) que fue posteriormente desarrollado por Durero, y fue el primer grabador que curvó las líneas paralelas, probablemente rotando la lámina con un buril fijo (consiguiendo, por ejemplo, que el tronco de un árbol tuviera un aspecto más ajustado a la realidad). También desarrolló una técnica de buril que producía líneas más profundas en la lámina, que significó que más impresiones podían hacerse antes de que el grabado se gastase.
ISRAHEL VAN MECKENEM (1445-1503) También fue conocido como Israhel van Meckenem el Joven Joven,, fue un alemán grabador y orfebre. Fue el más prolífico grabador del siglo XV. Su fecha de nacimiento es sólo una estimación. Su padre llegó a Bocholt, Alemania, cerca de la frontera con los Países Bajos, en 1457, por lo que su lugar de nacimiento es desconocido. Meckenem, probablemente aprendió el oficio de orfebre y grabador con su padre para, posteriormente completar su formación trabajando con Maestro ES. Sus trabajos destacaban por estar elaborados con gran lujo de detalles, siendo esta la principal característica de sus calcografías. Tenía mucho interés por los animales, lo cual se refleja en sus obras. Firmaba con su nombre “Israhel V.M.”. Su primera impresión está fechada en 1465, e indica el lugar, Cleves , donde se había trasladado la familia. Regresó a Bocholt alrededor de 1480, donde permaneció por el resto de su vida. Continuó trabajando en la orfebrería. Uno de sus grabados es un doble retrato de sí mismo y su esposa, Ida, con quien se casó a finales de los años 1480. “La muerte de la virgen”
2.
EL GRABADO DEL SIGLO XVI:
LUCAS CRANACH EL VIEJO, ALBERTO DURERO, ANTON VAN DICK
(elegir
uno).
BREVE INTRODUCCIÓN Hoy podemos afirmar que el grabado fue uno de los motores del Renacimiento: la posibilidad de reproducir la obra con gran calidad permite por primera vez en la historia a los artistas del momento el poder conocer la obra de los clásicos, sin moverse de su ciudad. Las técnicas que en origen tenían carácter imitativo poco a poco fueron evolucionando y tomando valor. El grabado a partir de planchas de metal se introdujo pocas décadas después que la xilografía, con grandes resultados. El más antiguo data de 1446, en Alemania y de allí pasó a Italia y los Países bajos. Quizás el artista grabador más emblemático sea Alberto Durero (siglo XVI), que influyó por sus viajes en Italia.
(1471 – – 1528) ALBERTO DURERO (1471 Alberto Durero es uno de los artistas más destacados del Renacimiento y representa la renovación fuera del territorio cultural de Italia. Su vida corre en paralelo a la de dos personajes como Leonardo da Vinci y el Bosco. Mientras Leonardo representa el modelo al que Durero aspiró durante toda su carrera, con similares logros e intereses artísticos, El Bosco representa el modo contrario, influido tan sólo por el arte de los Países Bajos, también en busca de la renovación pero sin caminar por las vías de la Antigüedad o el humanismo. Podremos encontrar a Durero bajo diferentes nombres: Albretch Dürer es su nombre en alemán. Dürer es la derivación de la palabra alemana Tür, que significa "puerta", siendo éste es el significado del apellido de su padre, Albretch Atjós, de origen húngaro. También podremos localizar a Durero como Albertus Durerus Noricus. Ésta es la fórmula que el artista utilizó tras su viaje a Venecia a partir del cual decidió adoptar los modos cultos de los renacentistas italianos, que sabían latín y griego en su intento de recuperar la cultura grecorromana de la Antigüedad. Noricus alude a su ciudad de origen, Nüremberg. Alberto Durero es el nombre que se le dio en la Corte española, donde se castellanizó su difícil apellido germánico. Por último, el modo más directo que tendremos de encontrar la marca de Durero será en sus propios cuadros y grabados, donde frecuentemente inscribe su monograma: una elegante A elegante A mayúscula que encierra la D de su apellido. Con las dos iniciales construye un símbolo estético y característico, que fue reproducido por aquéllos que copiaron sus obras, con ánimo emulador o falsificador. Durero firmó todas sus obras, excepto a las que el artista no concedía valor como obras de arte. Dada la alta estima que tenía de sí mismo, este hecho sirve para dar cuenta de qué era arte y qué no lo era en su época. Durero no firmó ni anotó, por ejemplo, las acuarelas sobre paisajes que realizó en su primer viaje a Italia. El paisaje no era válido por sí mismo en el siglo
XV, y Durero realizó las acuarelas tan sólo como recuerdo para luego usarlas en los fondos de sus cuadros. Eran herramientas de trabajo, no trabajos concluidos. Lo mismo ocurre con algunos dibujos y apuntes, sobre todo de temprana edad. Según evolucionó su carrera, el éxito y la fama de Durero cundieron por Europa. En Italia los dibujos de taller y las pruebas tenían el mismo valor que los cuadros finalizados. Durero aprendió esto y en su madurez firmó e inscribió un lema en el primer dibujo que se conserva de su mano: un prodigioso autorretrato realizado con 13 años, a punta seca, una técnica de grabado. La obra de Durero se divide en dos bloques: pintura y obra gráfica (donde se incluyen grabados de cualquier técnica, xilografías y dibujos). De su mano quedan 90 pinturas, 130 grabados, varios cientos de xilografías y dibujos, y tres libros de teoría del arte. Ambas facetas son igual de importantes en su producción. Ser un artista gráfico en la época era ser un experto en las técnicas más avanzadas del momento, con las que se revolucionó el mundo de la cultura europea. Durero nació en 1471. Apenas cincuenta años antes se había descubierto la xilografía. Era un arte en pañales que prometía infinitas posibilidades en la difusión de teorías e imágenes artísticas, así como podía adivinarse que pronto establecería un lenguaje propio; Durero fue el pionero, sobre todo alentado por sus circunstancias familiares. Como ya hemos mencionado, el padre de Durero, Albrecht el Viejo, era húngaro. Su profesión era la de orfebre, por lo que se trasladó a Nüremberg, uno de los centros culturales más importantes de Alemania. Nüremberg era un núcleo de distribución de metales preciosos, gracias a las minas que poseía en su territorio. Los metales preciosos fueron controlados por la familia Fugger, banqueros de los reyes de España (donde se les conoce como los Fúcares). Albretch Atjós llegó en el año 1455 y abrió su taller de orfebrería inmediatamente; en 1467, contando cuarenta años, se casó con la alemana Barbara Holpere, que contaba con quince años. La pareja tuvo dieciocho hijos a lo largo de veinticuatro años. De todos ellos, en el año 1524 tan sólo habían sobrevivido tres, todos ellos pintores. La ciudad de Nüremberg tenía rango imperial y estaba gobernada por cuarenta y dos familias nobles, entre los que se contaban los Pirckheimer, Landauer, Haller, Benhaim... todos ellos futuros patrocinadores de Durero. La familia Pirckheimer alquilaba casas cerca de su mansión. En una de estas casas estaba asentada la familia Dürer; Alberto conoció e intimó con el e l primogénito de los Pirckheimer, Willibald, que se convirtió en su amigo
y mecenas durante el resto de su vida. La familia de Durero se incluía en la clase social de los "ëhrbar", honorables, por debajo de las cuarenta y dos familias pero por encima del resto de clases sociales de Nüremberg. El 21 de abril de 1471 nacía el tercer hijo de los Durero, Alberto, hecho reseñado someramente por su padre en su diario. El padrino del pequeño fue Antón Koberger. Esto resulta relevante, puesto que Koberger es el impresor más importante de Nüremberg. Durero pudo aprender la técnica de la imprenta y el grabado desde su más tierna infancia, puesto que a los doce años entró en el taller de orfebrería de su padre. Allí pudo aprender el método para grabar metales, que dio lugar a la calcografía, arte en el que destacó sobre las demás la obra de Martin Schongauer. El dominio de los buriles por Durero podemos apreciarlo en su tempranísimo autorretrato, de 1484, un año después de entrar en el taller. La temprana capacidad de Durero para el dibujo posibilitó que la actitud de su padre se ablandara: como buen artesano y profesional, el Viejo Albretch deseaba que su hijo aprendiera su oficio y heredara el taller, pero la evidencia se impuso y en 1486 Alberto entró en el taller del pintor más importante de Nüremberg, Michael Wolgemut. Este artista trabajaba en el estilo de Rogier van der Weyden y Dirck Bouts, es decir, de los flamencos. Pudiera ser que la obra con la que se examinó el jovencito Alberto fuera la pareja de retratos de sus padres, de la que sólo se conserva el del padre. Está realizado al óleo sobre tabla y era lo mejor que se había pintado en Nüremberg. Lo más importante para la carrera de Durero durante su estancia en el taller de Wolgemut fue que allí aprendió la técnica de la xilografía. Wolgemut colaboró con Koberger, impresor, para realizar libros que combinaban textos e imágenes, separando los trabajos y especializándose cada uno en su área. Un rasgo que distinguirá a Durero es la integración de texto e imagen, algo que veremos más adelante en sus obras de madurez. Alberto estuvo en el taller de Wolgemut hasta el año 1489, cuando decidió que había llegado el momento de su viaje de fin de estudios. Era una costumbre obligada entre todos los artistas que podían permitírselo; de este modo el aprendiz conseguía experiencia para defenderse, al tiempo que en el viaje podía contemplar obras de grandes artistas de otras ciudades y hacer relaciones importantes para su carrera. El viaje se denominaba "Wander Jahre", que significa "años itinerantes". El 11 de abril de 1490, en plena primavera, Durero parte de Nüremberg y realiza su gira hacia los Países Bajos y la región del Rhin.
A lo largo de dos años visita Nordlingen, Ulm, Colmar, Basilea y Estrasburgo. Conoce a diferentes maestros como Heslin, Conrad Witz y Baldung Grien. Sin embargo, no consigue contactar con Martin Schongauer, que había muerto poco tiempo antes de que Durero llegara a Colmar. Pero sus hijos recibieron al aprendiz y le mostraron la obra de su padre. Durante 1493 Durero llevaba ya meses establecido en Estrasburgo; allí recibe noticias de sus padres, que le anuncian su compromiso con una joven adinerada de Nüremberg. La novia se llama Agnes Frey. Durero se autorretrata por primera vez al óleo. Su efigie es muy hermosa, como un arrogante joven en la plenitud de su vida, sosteniendo entre los dedos una flor de cardo que es al tiempo símbolo de Cristo y de la fidelidad masculina. Sin embargo el matrimonio no fue afortunado. Las desavenencias fueron tempranas, no tuvieron descendencia y tan sólo dos meses después de la boda Durero se marchó nuevamente de viaje. Su destino era esta vez Venecia. Durero conocía las novedades del Renacimiento italiano tan sólo por referencias y grabados de los grandes artistas. Tras haber completado su aprendizaje teórico con el viaje por Alemania, en esta oportunidad quiso conocer la renovación veneciana. Partió el 18 de mayo de 1494 y pasó por el Tirol, el Alto Adigio, Mantua y Padua, donde estudiaba política, leyes y humanismo su amigo Willibald Pirckheimer. Al llegar a Venecia Durero conoció la obra de Bellini, Mantegna y los grabados de Pollaiuolo. La técnica, pero sobre todo las figuras humanas, proporcionadas y desnudas, le impresionaron mucho. Copió algunas y se inspiró en estatuas clásicas para hacer sus propios experimentos de perspectiva y proporción, dos temas que nunca dejaron de interesarle y sobre los que terminará escribiendo un libro al final de su vida. Su viaje duró dos años. Al regreso, atravesando los hermosos paisajes alpinos, Durero no pudo evitar tomar las citadas acuarelas de castillos, parajes y amplias panorámicas. En Venecia había dibujado todo tipo de objetos que le habían llamado la atención: el león de San Marcos, un cangrejo, los extravagantes atuendos de las damas venecianas... Todos estos apuntes constituyen su mejor diario de viaje y más tarde los emplearía en sus obras. También aprendió de los venecianos la técnica del óleo sobre lienzo; este material es más rápido y fácil de trabajar y resulta mucho más económico que la tabla comúnmente empleada en Alemania. En 1494 ya estaba de regreso en Nüremberg y su formación podía darse por terminada, de modo que Alberto abre su propio taller, uno de cuyos alumnos sería Baldung Grien.
En este período su actividad experimentó una fertilidad desconocida, tanto en pintura como especialmente en grabado. Durero trasladó a su obra las novedades aprendidas en Italia, lo que le puso inmediatamente de moda entre sus conciudadanos y fuera de la ciudad. Su primer mecenas importante lo conoció en esta época: el poderoso elector de Sajonia, Federico el Prudente, protector de Lutero, viajó a Nüremberg y le encargó su propio retrato y un altar, las primeras obras de Durero en lienzo. Los encargos le llegaban, sobre todo retratos: entre ellos se cuentan los del matrimonio Tucher, el de Oswolt Krel y el bellísimo Autorretrato como gentilhombre que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid. Sin embargo, su obra más revolucionaria la encontramos en su faceta como grabador y consiste en la serie de xilografías del Apocalipsis Apocalipsis.. Realizadas en 1498, resultan el contrapunto de otra gran obra de este mismo año, la Última Cena que Leonardo da Vinci había pintado para Santa Maria delle Grazie. El año de realización es crucial: 1500 era la fecha que los milenaristas daban al cumplimiento del Juicio Final. Se pensaba que llegaría en el año 1000, pero al no cumplirse se trasladó al 1500. Varios hechos catastróficos alentaban el terror popular: en 1492 (descubrimiento del Nuevo Mundo) había caído un meteorito en Ensisheim. En el año 1495 se desbordó el Tíber con gran violencia y nacieron dos siameses en la ciudad de Worms. Al año siguiente, en 1496 nació un cerdo con dos cuerpos. A todo esto se suman continuos brotes de peste que diezmaban la población, provocaban éxodos masivos y alentaban la promiscuidad con la muerte. Durero, profundamente religioso, apreciaba todas estas catástrofes, íntimamente relacionadas con las convulsiones religiosas, la proliferación de herejías y la predicación de Lutero, que poco después provocaría el cisma protestante. Las xilografías del Apocalipsis introducen varias novedades: por primera vez Durero introduce su famoso monograma AD AD.. El artista conjugó una página de texto con otra de imagen, creando de este modo una narración doble, literaria y plástica, que se acompañaban y realzaban mutuamente. El libro del Apocalipsis marcó el cenit de la carrera de Durero. Su obra comenzó a ser imitada por todos los rincones. En el año 1500, obsesionado por la teoría de la perspectiva y las proporciones humanas, se puso en contacto con el pintor veneciano Jacopo Barbari para que le adiestrara en estos temas. El fruto de su trabajo es el impresionante Autorretrato frontal, en el que se identifica a sí mismo con Cristo. En 1502 el padre de Durero muere y Alberto se lleva a su madre a vivir con él, hasta su muerte en 1514. Hasta 1505 realizó brillantes obras que aumentaban su fama, como la Adoración de
los Magos, Magos, plenamente de concepción italianizante, aunque los tipos humanos son fácilmente identificables en la esfera de la estética alemana. El año 1505 se reprodujo un virulento rebrote de peste, por lo que Durero marcha por segunda vez a Venecia. Ya no era el joven pintor que deseaba completar su formación y fue recibido como un gran artista, con grandes celos y rivalidades por parte de los artistas locales (Alberto anuncia en sus cartas el temor a ser envenenado), pero con entusiasmo entre los nobles. Su primer acto en Venecia fue entablar juicio con Marcantonio Raimondi, que copiaba sus grabados. El tribunal le condenó a reproducir el monograma de Durero y a no copiar a nadie más, lo que aseguraba la difusión de la fama de Durero de una manera perfecta. Tras este problema legal, Durero recibió un encargo de la iglesia de San Bartolomé, muy importante porque representaría su "graduación" pública ante toda Venecia. El cuadro estaba dedicado a la Virgen del Rosario y tan sólo podemos remitirnos al resultado para confirmar la maestría de Durero a estas alturas de su carrera. El cuadro impresionó favorablemente al Dux de Venecia. Una inscripción atestigua el trabajo que el pintor le dedicó, puesto que tardó cinco meses en terminarlo. Tras este éxito, la familia de banqueros Fugger le hospedan y tratan con honores de caballero. Durero se siente halagado y, consciente de la diferente concepción que del artista se tiene en Italia y en Alemania, escribe a su amigo Willibald: "¡Ay, cuánto echaré de menos el sol! Aquí soy un caballero, en casa un parásito". El mismo año en que escribe estas palabras, 1506, marcha a Bolonia y a Florencia. Allí ve obras de su contemporáneo, Leonardo, de quien toma algunos rasgos. También observa las primeras obras del joven Rafael, que iniciaba su carrera. De allí pasó a Roma, donde estuvo muy poco tiempo; regresó a Venecia y, a modo de contestación de su Virgen del Rosario, Rosario, pintó Jesús pintó Jesús entre los doctores. doctores. En una inscripción Durero alardea de haber pintado el cuadro en cinco días (se "olvida" mencionar el largo estudio preparatorio anterior a la ejecución material del cuadro). En este cuadro Durero muestra su dominio del color, de la gestualidad, e introduce tipos caricaturescos que había observado en la obra de Leonardo. Su consagración en Venecia está completada, puede regresar a Nüremberg. Las obras se suceden en sus manos. Pinta su Adán su Adán y Eva, Eva, un tratado práctico de las teorías de la proporción humana llevadas al extremo de la obra de arte. Alcanza el honor de ser miembro del Gran Consejo de la ciudad.
Sus grabados se hacen mejores y más abundantes: la Gran Pasión, la Vida de María y la famosísima tríada donde lleva al extremo de sus posibilidades el lenguaje del grabado: El Caballero, la Muerte y el Diablo, Diablo , San Jerónimo en su estudio y Melancolía. Melancolía
Tras este hito, en 1514 el emperador Maximiliano I se interesa por él y le encarga los tacos para el Arco de Triunfo y su Libro de Oraciones, entre otras obras. Como delegado del Consejo en la Dieta de Augsburgo, Durero tuvo
oportunidad
de
conocer
a
los
personajes más importantes del imperio y retratarlos, entre ellos al emperador. En recompensa por el cuadro, Maximiliano le adjudica una pensión vitalicia de 100 florines anuales, pensión que sin embargo se vio interrumpida en 1519, debido a la muerte del emperador. Durero no vaciló en ponerse en camino, siguiendo a la Corte itinerante del nuevo emperador, Carlos V, para conseguir la renovación. Este último viaje fue triunfal para el pintor. Le acompañaba por primera vez su mujer: partieron en 1520 y no habrían de regresar a Nüremberg hasta el año siguiente. Visitaron Bamberg, Fráncfort, Colonia y Amberes. En todas las ciudades Durero fue recibido con honores y los gremios de pintores le invitaron a banquetes. Tuvo la oportunidad de conocer a Quentin Metsys, Jos van Cleve, Joachim Patinir (quien le invita a su boda). En Malinas conoce a Margarita de Austria, tía de Carlos V, quien le muestra su importante colección de pintura. En Bruselas es invitado por Van Orley. Le muestran los objetos recién llegados de América: arte plumario, objetos de oro, plata, esmeraldas... todo ello impresiona vivamente al pintor. Durero se encuentra con Erasmo de Rotterdam y le retrata; el humanista también conocía al artista, de quien decía: "En verdad, consigue representar lo que no puede representarse: rayos de luz, truenos, relámpagos... todas las sensaciones y emociones: en resumen, el espíritu humano completo, tal como se refleja en los movimientos del cuerpo, y casi hasta la voz". Por fin, marcha a Aquisgrán para asistir a la coronación como emperador de Carlos V, el 23 de octubre de 1520. Sigue a la Corte hasta Colonia, donde al fin se le recibe y renueva la pensión.
Nuevamente en Amberes, le avisan que una ballena está varada en la costa y apresuradamente Durero se pone en marcha hasta Zierikzee para poder verla, aunque cuando quiso llegar el mamífero se había liberado. De resultas del viaje contrajo la malaria, por lo que desde Amberes regresaron a Nüremberg: no llegó a reponerse completamente. La década de 1520 marca el apogeo de las tensiones religiosas en Alemania. Durero se hizo eco de las mismas. Al principio de las predicaciones de Lutero, Durero se mostró entusiasta de la renovación espiritual. Erasmo era otro de sus puntos de referencia. Sin embargo, las revueltas campesinas que amenazaban el orden social se recrudecieron hacia 1525, con el refuerzo ideológico de las enseñanzas luteranas (que terminó por desligarse de las revueltas para condenarlas). El fruto de las preocupaciones religiosas y sociales de Durero fueron principalmente las dos tablas con los Cuatro Apóstoles y una impresionante acuarela con un sueño que había tenido el pintor, en el que se auguraba el fin del mundo. Paralelamente, Durero había redecorado el Ayuntamiento de Nüremberg por el cambio de emperador, había publicado sus tres únicos libros, uno sobre geometría, otro sobre proporciones y otro sobre fortificaciones (igual que Leonardo da Vinci). El 6 de abril de 1528 Durero murió y fue enterrado en el cementerio de San Juan. Su amigo Willibald Pirckheimer fue el encargado de escribir su epitafio, que reza: "En memoria de Alberto Durero. Todo lo que en él había de mortal mo rtal está enterrado bajo este túmulo".
El Caballero, la Muerte y el Diablo (1513)
San Jerónimo en su estudio (1514)
WEBGRAFÍA http://www.egiptologia.com/historia-de-la-egiptologia/3136-la-tecnica-del-grabado-en-elredescubrimiento-del-antiguo-egipto.html?showall=1 http://arte.idoneos.com/index.php/Renacimiento/El_Renacimiento_en_los_pa%C3%ADses_d el_norte#Mart%C3%ADn_Schongauer_(1453-1491) http://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Schongauer http://www.sigojoven.com/grupos/los_grandes_maestros_del_pincel_biografias_y_obras/arti culo/durero_alberto_1471_1528 http://leecolima.no-ip.org/2010/dic_art.dll.php?&id_patron=63134 http://www.enciclopediaespana.com/Israhel_van_Meckenem.html http://oliba.uoc.edu/aureum/es/s03/index2_buri.html http://www.entradagratis.com/Acuicultura/1105/Grabado-pag.1.htm http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2762 http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=4867 http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/personajes/1662.htm http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1662.htm http://www.taringa.net/posts/arte/6094442/Lucas-Cranach---Pintor-renacentista.html http://www.taringa.net/posts/arte/4262272/Grabados-de-Lucas-Cranach-El-Viejo-sigloXVI.html http://www.picassomio.es/discover/obra_grafica/historia_grabado/historia_grabado.html http://personal.telefonica.terra.es/web/tallergrabado/aguafuerte.htm http://blogdebibliofilia.blogspot.com/2010/12/sobre-la-primera-traduccion-del-furioso.html http://arssecreta.com/?p=174 http://arssecreta.com/?p=232 http://www.danielmitsui.com/hieronymus/index.blog/1929040/ars-moriendi-the-art-ofdying/ http://www.elefantesdepapel.com/ars-moriendi http://carcossa.wordpress.com/2009/11/03/ars-moriendi/ http://historiarte.info/37/xilografia/ http://barriografico.blogspot.com/2008/06/kitagawa-utamaro-xilografas.html
