HISTÓRIA DA ARTE
1ª Edição - 2007
SOMESB Sociedade Mantenedora de Educação Superior da Bahia S/C Ltda. Gervásio Meneses de Oliveira Presidente
William Oliveira Vice-Presidente
Samuel Soares
Superintendente Administrativo e Financeiro
Germano Tabacof
Superintendente de Ensino, Pesquisa e Extensão
Pedro Daltro Gusmão da Silva
Superintendente de Desenvolvimento e Planejamento Acadêmico
FTC - EaD Faculdade de Tecnologia e Ciências - Ensino a Distância Reinaldo de Oliveira Borba Diretor Geral
Marcelo Nery
Diretor Acadêmico
Roberto Frederico Merhy
Diretor de Desenvolvimento e Inovações
Mário Fraga
Diretor Comercial
Jean Carlo Nerone Diretor de Tecnologia
André Portnoi
Diretor Administrativo e Financeiro
Ronaldo Costa
Gerente Acadêmico
Jane Freire
Gerente de Ensino
Luis Carlos Nogueira Abbehusen Gerente de Suporte Tecnológico
Romulo Augusto Merhy
Coord. de Softwares e Sistemas
Osmane Chaves
Coord. de Telecomunicações e Hardware
João Jacomel
Coord. de Produção de Material Didático
MATERIAL DIDÁTICO Produção Acadêmica Produção Técnica Jane Freire
Gerente de Ensino
Ana Paula Amorim
Supervisão
Jorge Bispo
Coordenação de Curso
Simone Trindade
Autor(a)
João Jacomel Coordenação
Carlos Magno Brito Almeida Santos Revisão de Texto
Angélica de Fátima Silva Jorge Editoração
Angélica Jorge e Ruberval Fonseca Fonseca Ilustrações
Equipe Angélica de Fatima Silva Jorge, Jorge, Alexandre Ribeiro, Cefas Gomes, Cláuder Cláuder Frederico, Diego Diego Aragão, Fábio Gonçalves, Francisco França Júnior, Israel Dantas, Lucas do Vale, Marcio Serafim, Mariucha Silveira Ponte, Tatiana Coutinho e Ruberval Fonseca Imagens Corbis/Image100/Imagemsource copyright © FTC EaD Todos os direitos reservados e protegidos pela Lei 9.610 de 19/02/98. É proibida a reprodução total ou parcial, por quaisquer quaisquer meios, sem autorização prévia, por escrito, escrito, da FTC EaD - Faculdade de Tecnologia e Ciências - Educação a Distância. w w w.ead.ft c .br
SUMÁRIO
DAS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES ÀS EXPRESSÕES ARTÍSTICAS NA ANTIGUIDADE __________ _____________________ ______________________ _______________________ ______________ 7 ______ ______ ______ _____ 7 DOS PRIMÓRDIOS À ARTE DAS PRIMEIRAS CIVILIZAÇÕES ___ CONCEITOS FUNDAMENTAIS DE ARTE ___________ ______________________ ______________________ ____________________ _________ AS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES MANIFESTAÇÕES ARTÍSTICAS DO HOMEM PRÉ-HISTÓRICO PRÉ-HISTÓRICO ARTE MESOPOTÂMICA MESOPOTÂMICA ARTE EGÍPCIA
7
______________10
_____________________ __________ ______________________ ______________________ ______________________15 ___________15
______________________ ___________ _______________________ _______________________ ______________________ ________________ _____25 25
ATIVIDADE COMPLEMENTAR COMPLEMENTAR __________ ______________________ _______________________ ______________________ ________________ _____31 31
ARTE CLÁSSICA CLÁSSICA E NASCIMENTO NASCIMENTO DA ARTE CRISTÃ CRISTÃ ____________________32 CRETA E O MUNDO EGEU ____________ _______________________ ______________________ ______________________ __________________ _______32 32 ARTE GREGA __________ ______________________ _______________________ ______________________ ______________________ __________________ _______36 36 ARTE ETRUSCA E ROMANA ROMANA ___________ ______________________ ______________________ ______________________ __________________ _______41 41 ARTE PALEOCRISTÃ___________ ______________________ ______________________ ______________________ _______________________ ______________ 46 ATIVIDADE COMPLEMENTAR COMPLEMENTAR __________ ______________________ _______________________ ______________________ ________________ _____49 49
DA ORIENTAÇÃO RELIGIOSA À BUSCA DE NOVOS CONCEITOS ARTÍSTICOS ____________ _______________________ ______________________ ______________________ __________________ _______50 50 DA FÉ À RAZÃO: DA ARTE MEDIEVAL AO SÉCULO XIX ________________50 ARTE MEDIEVAL: ROMÂNICO ROMÂNICO E GÓTICO O RENASCIMENTO E O MANEIRISMO
________________________________________50
___________________________________________54
BARROCO E ROCOCÓ ___________ ______________________ ______________________ ______________________ ______________________61 ___________61 NEOCLÁSSICO E ROMANTISMO
_______________________________________________64
ATIVIDADE COMPLEMENTAR COMPLEMENTAR __________ ______________________ _______________________ ______________________ ________________ _____66 66
SUMÁRIO
NOVAS IMPRESSÕES: DO IMPRESSIONISMO AO PÓS-MODERNISMO ___68 IMPRESSIONISMO
______________________ ___________ _______________________ _______________________ ______________________ _____________ __68 68
PÓS-IMPRESSIONISMO __________ _____________________ _______________________ _______________________ ______________________70 ___________70 ARTE MODERNA __________ ______________________ _______________________ ______________________ ______________________ _______________ ____71 71 ARTE PÓS-MODERNA
_____________________ __________ _______________________ _______________________ ______________________76 ___________76
ATIVIDADE COMPLEMENTAR ____________ _______________________ ______________________ ______________________ _______________ ____77 77
______________________ ______________________ ______________________ ______________________ _________________ ______79 79 GLOSSÁRIO ___________ REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFIC BIBLIOGRÁFICAS AS __________________________________________83
Apresentação da Disciplina
Caros alunos, A discip disciplin lina a Histór História ia da Art Arte e prete pretende nde ser uma uma inic iniciaç iação ão cond conduzi uzindo ndo-os -os por por uma fascinante viagem pelo mundo das artes plásticas no ocidente. Vamos percorrer da Pré-História, onde nascem as primeiras manifestações manifestações artísticas humanas, até a conturbada contemporaneidade contemporaneidade que vivenciamos. Nosso objetivo é perceber a arte como uma expressão cultural, um registro estético da trajetória humana, da mentalidade, do modo de ser do homem em diferentes contextos históricos. O seu estudo ajuda no entendimento da dimensão humana na História. Estaremos em busca de conexões e significados e, para tal, observaremos o papel social dos artistas, os materiais e as técnicas empregados nas obras, quem encomenda os trabalhos e qual o seu público. O nosso roteiro é cronológico e geográfico, estando dividido didaticamente em dois blocos: Das primeiras manifestações às expressões artísticas na Antiguidade e da orientação religiosa à busca de novos conceitos artísticos. Cada bloco agrupa as principais civilizações, períodos históricos e estilos artísticos. Trilharemos um ambicioso caminho de cerca de 40.000 anos, proporcionando uma visão panorâmica da arte. Esperamos que esses conteúdos despertem para abordagens mais profundas sobre a arte.
Boa jornada! Profª Simone Trindade
DAS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES ÀS EXPRESSÕES ARTÍSTICAS NA ANTIGUIDADE DOS PRIMÓRDIOS À ARTE DAS PRIMEIRAS CIVILIZAÇÕES Nesse primeiro tema, inicialmente, serão apresentados alguns conceitos de Arte, que irão ajudar nessa caminhada em busca das manifestações artísticas através dos séculos. A seguir, veremos o nascimento da arte com suas primeiras expressões na aurora da humanidade na Pré-História e seu desenvolvimento nas grandes civilizações do crescente fértil.
CONCEITOS FUNDAMENTAIS DE ARTE Para explorar a História da Arte, é preciso apresentar, inicialmente ,conceitos de orientação quanto à concepção da arte e estilos artísticos. A Estética Estética é a part partee da filosofia voltada para a reflexão a respeito da beleza sensível e do fenômeno artístico. Em grego, arte se diz téchne, daí a palavra técnica. O termo téchne é derivado do verbo tíktein, que,originalmente, se refere ao ato de dar à luz, ou seja, criar. Etimologicamente, a palavra arte deriva do vocábulo latino ars, “maneira de ser ou de agir, habilidade natural ou adquirida, arte, conhecimento técnico (por oposição ao latim natúra ‘habilidade natural’), tudo que é de indústria humana, ciência, ofício, instrução, conhecimento,, saber, profissão, destreza, perícia, habilidade, gênio, talento, qualidades adquiridas” (HOU cimento (HOUAISS). AISS). De um modo pessoal, cada um de nós chama isto ou aquilo de arte. ar te. Mas, o que é arte? A seguir algumas definições sobre a arte:
Saiba Mais! “Uma coisa que realmente não existe é aquilo a que se dá o nome de Arte. Existem somente artistas.” E.H. Gombrich
“A arte é a manifestação mais elevada do ser humano.” Léon Tolstoi “A arte é a expressão expr essão da sociedade em seu conjunto: crenças, cr enças, idéias que faz de si e do mundo.” Georges Duby
“ A arte é a mais bela das mentiras.” Claude Debussy V.. Avelino “A arte é um instante de eternidade e perfeição.” V
“Os espelhos são usados para ver o rosto; a arte para ver a alma” George Bernard Shaw “Na arte, a inspiração tem um toque de magia, porque é uma coisa absoluta, inexplicável. Não creio que venha
de fora pra dentro, de forças sobrenaturais. Suponho que emerge do mais profundo “eu” da pessoa, do inconsciente individual, coletivo e cósmico.” Clarice Lispector “A arte é uma magia que liberta a mentira de ser verdadeira.” Theodor Adorno “A arte é uma mentira que nos no s faz compreender compr eender a verdade.” Pablo Picasso Vassily Kandinsky “A arte é uma força cuja fi nalidade nalidade deve desenvolver e apurar a alma humana.” Vassily Van an Gogh “A arte é o homem mais a natureza.” V
“A arte é a verdade.” Auguste Rodin “Toda “T oda a arte ar te é imitação da natureza.” Lucius Annaeus Seneca “ A arte é uma mentira. O papel do artista é convenver os outros da veracidade de suas mentiras. ”. Paul Klee “A Arte é harmonia.” George Seurat fi nito “A beleza á a percepção do in fi nito no fi nito. nito. A arte é a união do subjetivo, da natureza e da razão, do consciente e do inconsciente.” Schelling
“A arte é a contemplação das coisas independente do princípio de razão.” Schopenhauer “A arte é a expressão de uma intuição.” Benedetto Croce “A arte é a manifestação sensível do Espírito.” Hegel fi m.” “A Arte é uma fi nalidade nalidade sem fi m.” Kant
“A Arte é necessária para que o homem se torne capaz de conhecer a si mesmo e mudar o mundo.” Ernst Fischer
“A arte é uma realidade convencionalmente aceita, na qual, graças à ilusão artística, os símbolos e os substitutos são capazes de provocar emoções reais. Assim, a arte constitui um meio-caminho entre a realidade que frustra os desejos e o mundo dos desejos realizados da imaginação – uma região em que, por assim dizer, os esforços de onipotência do homem primitivo ainda se acham em pleno vigor” Sigmund Freud “A arte é um fenômeno histórico.” Giulio Carlo Argan “A Arte é, foi, e ainda é o elemento essencial da consciência humana.” Herbert Read fl exo.” “A arte é um motor da sociedade e não, simplesmente seu pálido re fl exo.” Catherine Millet
“A arte não é porventura por ventura mais, em sua forma suprema, que a infância triste de um deus futuro, a desolação huma- na da imortalidade pressentida.” Fernando Pessoa
Infelizmente ou felizmente, não há uma definição única, inquestionável, universal, definitiva. Há várias definições que podem ser agrupadas agr upadas em três vertentes tradicionais, que concebem: a arte como fazer; a arte como conhecer; a arte como exprimir. Segundo Pareyson (1997, p.21), p.21), “estas diversas concepções ora se contrapõem e se excluem uma às outras, ora, pelo contrário, contrário, aliam-se e se combinam de várias maneiras. Mas permanecem, em definitivo,
as três principais definições da arte”. A arte ar te como fazer destaca o aspecto construtivo formal da arte, ar te, ou seja, a sua execução execução,, materialização. Era a concepção dominante na Antiguidade que valorizava a forma. A arte como conhecimento conhecimento concebe a arte como como uma visão da realidade, realidade, revela um modo de ver, ver, conhecer e interpretar o mundo. Essa vertente é recorrente no Ocidente, sobressaindo-se no Renascimento. A arte ar te como expressão privilegia o significado, o sentido da arte, levando em conta a espiritualidade e personalidade do artista que realiza a obra. Essa posição prevaleceu no Romantismo. Romantismo. Mas, a arte é tudo isso e muito mais. Envolve Envolve o fazer, a técnica, o aspecto estético, a percepção, o contexto histórico, o lado psicológico-biográ fico do autor, o programa iconográfico, a experiência sensória, a comunicação, etc. Ou seja, deve-se considerar a totalidade da atividade humana visto que a obra de arte é o possível e o provável, nunca é o certo. Ela é sempre ambígua, sempre susceptível de perder certos aspectos da realidade, ou de ganhar outros.(...) O que o artista ar tista fixa, não é o que ele viu ou apreendeu; é o que ele procura e o que ele quer revelar aos outros(FRANCASTEL,1987, p.41). Ao ser materi materiali alizad zadaa a obr obraa de arte se fixa a seu tempo, mas também a sua permanência através dos tempos cria novos diálogos. Ao se ver uma obra de arte deve-se ir além da mera sensação estética inicial,(gosto ou desgosto, belo ou feio) e buscar uma apreciação maior que exige conhecimento. Afinal, a obra de arte Serve para ilustrar determinado programa iconográfico, o que a con verte num sistema de imagens, destinado a valorizar ideais e mitos religiosos, políticos ou culturais, sujeito a modificações ocasionadas por múltiplos fatores. Não se deve ignorar, ainda, que a obra de arte constitui uma expressão, direta ou indireta, das concepções de vida e de mundo das sociedades às quais pertencem os artistas (...) Finalmente, a obra de arte é um objeto de prazer, que visa provocar determinada experiência gratificante, que consiste numa espécie de vivência sensorial-perceptivo-intelectual, onde são engajadas especialmente a memória e a imaginação (TREVISAN, (TREVISAN, 1990, p.91-92) E é nessa leitura que a história da arte, o seu estudo, ajuda a uma fruição mais ampla das obras de arte. Deve-se evitar em arte toda e qualquer visão imbuída de preconceito. O conhecimento, conhecimento, sem dúvida, ajuda a destruir as vendas do radicalismo e da intolerância. A linguagem visual é cultural, é aprendida, depende de padrões expressivos que constroem uma composição formal. A forma é a matéria das obras de arte, sua carne e seu sangue. Os elementos da forma f orma são: cor, linha, textura, planos, volumes, volumes, espaço, luminosidade e ritmo. A distribuição desses elementoscria um todo autônomo, equilibrado e estruturado de tal maneira que a configuração de forças reflete o sentido do enunciado artístico. A composição formal for mal refere-se à distribuição de elementos no espaço bi ou tridimensional, a composição cromática baseia-se em relações sintáticas, tais como a semelhança, a complementariedade e o contraste, assim como nas relações entre os matizes primários e secundários” (ARNHEIM apud TREVISAN, 1990, p.189). O ritmo é estabelecido pela constância, repetição dos elementos. As composições vão criar representações naturalistas (que se aproximam das formas da natureza, figuração do real) e representações abstratas (transformação do real por deformação, simplificação, geometrização ou desconstrução). Quanto aos estilos artísticos, para Wölf flin (1989, p.VII) “mesmo ao talento mais original não é permitido ultrapassar certos limites impostos pela data do seu nascimento. Nem tudo é possível em todas as épocas, e determinados determinados pensamentos só podem emergir em determinados estágios da evolução”. evolução”. Existem estilos que caracterizam a arte nos períodos históricos, a uma área geográfica específica, a um grupo ou escola e estilos individuais que caracterizam o modo como o artista ar tista se expressa. Portanto, o estilo apresenta três dimensões básicas: a dimensão temporal; a dimensão nacional e a dimensão individual. Dessa forma,
Meyer Shapiro (TREVISAN (TREVISAN,, 1990, p.17-18 p.17-18)) define estilo como “um sistema de formas qualitativas, repletas de expressão, nas quais se manifesta a personalidade do artista e a filosofia de um grupo”. O estilo tem “um caráter comum e coletivo que, todavia, não se realiza senão individual e intimamente, já que um estilo não tem outra realidade e outra sede senão as obras individuais que o adotam, interpretam e realizam nelas próprias (PAREYSON, 1997, p.144).
AS PRIMEIRAS MANIFESTAÇÕES ARTÍSTICAS DO HOMEM PRÉ-HISTÓRICO No início, como todos os demais animais, a preocupação do homem era com a sua sobrevivência. O homem não era o maior, não era o mais forte, não era o mais rápido. Mas ele tinha algo especial: a criatividade. Essa característica fez com que a espécie humana se tornasse dominante no planeta. O homem configurou-se como agente modi ficador do ambiente, consciente de si e de suas possibilidades. Segundo Fayga Fayga Ostrower (1978, p.10), “o Homem cria, não apenas porque quer, ou porque gosta e, sim, porque precisa; ele só pode crescer, enquanto ser humano, coerentemente, ordenando, dando forma, criando.” Assim, o homem molda o seu mundo, mundo, cria e transmite cultura. E dentre, essas criações cr iações culturais, está a arte. Os vestígios artísticos mais antigos encontrados datam de cerca de 40.000 a.C., obras do Homo Sapiens no Paleolítico Superior. Superior. Presentes em todos os continentes continentes,, da América à Ásia, eles demonstram a evolução da habilidade manual e tecnológica humana e o desenvol desenvolvimento vimento da expressão de suas concepções. Vivendo Vivendo em grupos g rupos nômades, fabricando ferramentas ferr amentas e buscando entender e controlar seu mundo, a arte desse período manifesta-se nas cavernas e em pequenas esculturas. Arte rupestre
Em algumas cavernas encontram-se registros artísticos ar tísticos do homem do Paleolítico Superior. As representações, através de pintura, incisão ou escultura nas paredes das cavernas européias, são principalmente animais como cavalos, bisões, mamutes, cervos e felinos em cenas de caça. Essas imagens de grande realismo revelam o alto grau de observação dos artistas ar tistas e sua destreza na execução das obras. E quem eram esses artistas? E por que faziam tais obras? Desconhece-se a identidade deles, mas, mas, dentro do grupo gr upo de caçadores, provavelmente, provav elmente, exerciam funções mágicas ou religiosas e a arte seria se ria um ritual. A maioria dos arqueólogos e antropólogos acredita que o propósito dessas representações era er a mágico, propiciatório, propiciatório, ou seja, favorecer a caça. Afinal, essas cenas não são s ão ornamentais, não foram feitas para apreciação, deleite estético, uma vez que geralmente, se localizam nas áreas mais profundas, muitas vezes de difícil acesso nas cavernas. E também, em várias partes as figuras dos animais são sobrepostas. s obrepostas. Assim, o homem pré-histórico quando representava esses animais, supunha que ia tê-los à sua mercê e que lhes tiraria a vida se “matasse”, previamente, as respectivas figurações. Assim, as imagens “mortas” perdiam seu poder uma vez efetuado o rito de matança e deixavam de servir para nova feitiçaria. Taiss práticas teriam, pelo menos, o condão de fortalecer a ousadia Tai dos caçadores e de lhes incutir confiança ao arrostarem, com armas primitivas, formidáveis bestas-feras (JANSON,1984, p.24) Tecni Tec nica came ment nte, e, ess essas as figuras eram desenhadas com pedaços afiados de madeira e pintadas com pigmentos orgânicos disponíveis. Geralmente, a paleta desses artistas era composta pelo preto do carvão, o branco do giz, vermel ve rmelho ho e ocr ocres es dos dos mi mine nera rais is.. Esses Esses pi pigm gmen ento toss eram eram tri tritu turad rados os e mist mistura urado doss `a gor gordu dura ra ani anima mall e torn tornav avam am-se -se tinta líquida a ser aplicada por meio dos dedos, primitivos pincéis de penas de pássaro ou pelos, podendo também
serem soprados através de ossos ocos. As gravações e esculturas nas paredes das cavernas eram, usualmente, executadas por meio de buris de pedra. O estilo das pinturas é conhecido pela localização das cavernas. Os mais famosos exemplares de pinturas rupestres estão nas cavernas de Altamira (Espanha) e de Lascaux (França), característicos do estilo franco-cantábrico. As cenas de Altamira foram descobertas em 1879, pela filha do arqueólogo espanhol Marcelino de Santuola. Elas compreendem incisões e pinturas de animais com rica policromia e variedade de posições. As irregularidades das superfícies da caverna foram aproveitadas para dar relevo às figuras. Destaca-se o conjunto da abóbada, com cerca de 14 metros, onde cada animal mede de 1 a 2 metros. Por ser o primeiro exemplar do tipo a ser descoberto, descober to, o reconhecimento das pinturas Pintura da caverna de Altamira, Espanha. de Altamira como obras de arte autenticas do Paleolítico só foi possível no final do século XIX com a revelação de outras grutas francesas decoradas do mesmo período. A gruta de Lascaux só foi descoberta em 12 de setembro de 1940 por quatro adolescentes. Ela está dividida em vários salões, trazendo apenas uma imagem humana, seu tema principal são os animais. Segundo Upjohn (1979, v.1, p.42), as numerosas galerias e salões de Lascaux contemplam todos os estilos paleolíticos, fazendo com que seja um dos mais significativos conjuntos conhecidos. Esse estilo dos caçadores começou a se espalhar por todo Pintura da caverna de Lascaux, França. o mundo a partir de 15.000 a.C (LOMMEL, 1966, p.23). Em cada local representa os animais a nimais do ambiente, retrata os animais conhecidos pelos caçadores, capturados por eles. Além dos animais, por vezes, aparecem as imagens de caçadores com arcos e flechas ou lanças em ação. Diferentemente do realismo com que eram retratados os animais, as figuras humanas eram estilizadas, lineares. Interessantes são as mãos humanas impressas nas paredes das cavernas em positivo (imprimindo a mão pintada com tintas) ou em negativo (pintando ao redor da mão sobre a superfície). Segundo Hauser (1994, p.8), as silhuetas de mãos que foram encontradas em muitos lugares perto das pinturas rupestres, e que parecem ser resultantes da impressão deixada por mãos reais, fizeram, provavelmente, nascer, no homem, a idéia de criação – a poeiein – e deram-lhe a consciência da possibilidade de que algo inanimado e artificial poderia ser perfeitamente semelhante ao original vivo e autêntico. autêntico. Esse mero jogo jog o nada tinha a ver inicialmente, inicialmente, é claro, claro, nem com a arte nem com a magia; magia; teria de converter-se primeiro primeiro num instrumento de de magia e só então poderia tornar-se uma forma de arte. Com efeito, é tão imenso o hiato existente entre essas impressões de mãos e as mais primitivas representações de animais do paleolítico (e não existe qualquer documento sobre uma possível transição entre ambas), que di ficilmente podemos admitir a hipótese de um direto e contínuo desenvolvimento desenvolvimento de formas de arte ar te a partir de puras formas lúdicas; deve-se, no entanto, inferir a existência de um elo de conexão vindo de fora – e, com toda a probabilidade, esse elo terá sido a função mágica da cópia. Contudo, mesmo essas formas lúdicas, pré-mágicas, apresentavam uma tendência naturalista, ou seja, a imitação da realidade (ainda que mecanicamente), e não podem, de maneira nenhuma, ser consideradas a expressão de um princípio decorativo e antinaturalista.
Você Sabia? As pinturas rupestres r upestres são datadas a partir dos outros vestígios (fósseis e objetos) encontrados nos sítios arqueológicos e pelo teste do carbono 14. A sua conservação, contudo, contudo, tem sido um grande problema. Antes preservadas preser vadas,, longe dos olhares humanos humanos,, a visitação do público trouxe um desequilíbrio ao ambiente dessas obras, levando ao desenvolvimento de colônias de micro-organismos, fungos e bactérias. Muitos tratamentos estão sendo desenvolvidos, desenvolvidos, mas as grutas de Lascaux e Altamira encontram-se fechadas ao público, em geral, em busca de sua s ua preservação.
Escultura
As esculturas, de pequenas dimensões dimensões,, eram feitas em pedra, osso, marfim, chifre, etc. As representações são, essencialmente, de animais, mostrados de modo realista como nas pinturas rupestres. Entretanto, existem figuras humanas. As mais antigas são as estatuetas femininas conhecidas como Vênus esteatopigias. esteatopigias. Essas representações são caracterizadas pelas formas fartas, seios, púbis, coxas e nádegas volumosos. Segundo os estudiosos, esse modelo estético feminino da época estava profundamente ligado ao culto à fertilidade, evocando uma imagem patriarcal da mulher nessa época. O pequeno tamanho das esculturas pode indicar o seu uso ritual ou como talismã. A mais famosa das Vênus esteatopigias, a Vênus de Willendorf, foi descoberta em 1908 pelo arqueólogo Josef Szombathy em escavações na cidade austríaca que lhe deu o nome. Essa ilustre obra-prima de 11, 1 cm, em pedra calcárea, pertencente ao Museu de História Natural de Viena, foi datada como sendo de cerca de 24.000 a Vênus Vên us de Will Willendo endorf rf em 22.000 a.C no período do Paleolíti Paleolítico co Superior. Além de esculturas, as Vênus esmarfim de mamute. Museu de História Natural de Viena. teatopigias foram feitas em relevo como a Vênus de Laussel, datada entre 15.000 a 10.000 a.C, pertencente ao Museu de Aquitânia, naFrança. Arte mesolítica
O Mesolítico é um período intermediário entre o Paleolítico e o Neolítico, caracterizado pela expansão territorial da espécie humana. Compreende um período de cerca de 9.000 anos, de 12.000 a 3.000 a.C. Na Europa, houve uma redução dos grandes rebanhos e os caçadores ca çadores tiveram que procurar outras fontes de alimentos, como a coleta. Artisticamente, o estilo de expressão também se modificou. Segundo Lommel (1966, p.47), O estilo da arte rupestre do Levante Espanhol difere significativamente do franco-calábrico do Período Magdaleniano em dois pontos principais: primeiro, e mais importante, as figuras humanas em movimento são uma característica constante e típica das pinturas, em contraste com as raras ocorrências de seres humanos entre as inúmeras representações de animais do estilo franco-calábrico; segundo, os animais representados já não são os grandes mamíferos das pinturas rupestres mais antigas, mas espécies menores, como o veado,, o urso, veado urso, cães. Uma diferença mais mais sutil é que que seres humanos humanos e animais se acham combinados, em cenas de caça ou outras atividades, o que antes era extremamente raro. raro. Os principais exemplares de pintura rupestre desse período estão na Cueva de Tajo de las Figuras (Cádiz, Espanha) e na Cueva de la Araña (V (Valencia, alencia, Espanha). Há uma progressiva prog ressiva estilização, estilização, simplifica-
ção das formas, quase apenas contornos, bem diferente do estilo naturalista anterior que tenta capturar os animais através da representação realística, detalhada. Na Cueva de la Araña há uma interessantíssima pintura em vermelho representando uma figura humana coletando mel e sendo atacada por abelhas. Portanto, se no Paleolítico a temática zoomór fica é predominante; no Mesolítico o antropomórfico passa a dominar. O homem se torna mais presente. E a questão que nos intriga é por quê? A intencionalidade mágica do Paleolíticoo cede para uma expressão documental do homem? Essa mudança Paleolític de foco e expressão vai se consolidar no Neolítico Neolítico..
Coletor de mel. Cueva de la Araña, Velencia, Espanha, c. 6000-2.000 a.C.
Arte no neolítico
No período Neolítico, o homem domesticou domesticou animais e plantas e tornou-se tor nou-se sedentário. A arte desse período destaca-se nas suas expressões na cerâmica e nas construções constr uções megalíticas. A cerâmica só foi possível com o domínio do fogo. Inicialmente ela era grosseira e sem decoração. Com o aprimoramento da técnica, surgiram formas elegantes decoradas com motivos geométricos, estampados, gravados ou pintados. pintados. A cerâmica pintada parece par ece ter surgido no final do Neolítico, em cerca de 6.500 a 5.500 a.C. Os mais antigos exemplares foram encontrados na Anat An atól ólia. ia. In Inici icial alme ment nte, e, a de deco coraç ração ão co cons nsist istia ia de mo motitivo voss abs abstra trato toss geo geomé métr tric icos os,, pri princ ncip ipalm almen ente te fo formas rmas ci circu rcula lares res e espirais. Posteriormente esses se mesclaram a figuras naturalistas de animais.
Vaso em cer cerâmi âmica ca neo neolít lítica ica do le leste ste eur europe opeu, u, c. 4.000 a.C. Também Tam bém as pinturas rupestres foram f oram se tornando esquemáticas. Assim, o estilo naturalista do Paleolítico deu lugar a uma estilização geométrica, g eométrica, a obra de arte deixa de ser puramente a representação de um objeto material para tornar-se a de uma idéia, não meramente uma reminiscência, mas também uma visão; por outras palavras, os elementos não sensoriais e conceptuais da imaginação do artista substituem os elementos sensíveis e irracionais. E desse modo a pintura é gradualmente convertida numa linguagem simbólica pictográfica, a profusão pictórica é reduzida a uma espécie de taquigafria não-pictórica ou quase não-pictórica. (HAU (HAUSER, SER, 1994, p.13). No sítio de Çatal Hüyük, no sul da Anatólia (Turquia), escavado em 1961, foram encontradas as mais antigas pinturas conhecidas feitas sobre paredes estucadas de construções. Nesses santuários, apare-
cem várias figuras humanas estilizadas e em movimento. Mesmo nas cenas de caça, onde aparecem touros e veados, o objetivo agora é ritual, em honra de divindades masculinas e não mais propiciatório.
Desenho reconstituindo a Sala principal de santuário em Çatal Hüyük, Anatólia, Turquia, c. 6.000 a.C.
A magia do Paleolítico configurou-se em religião no Neolítico, criando rituais e a necessidade de objetos e símbolos sagrados como ídolos, amuletos, oferendas votivas e monumentos. São numerosas as pequenas esculturas humanas femininas em terracota, ter racota, identificadas como deusas da fertilidade. Essas Vênus esteatopígias tornaram-se estilizadas, estilizadas, simplificando os detalhes, mas mantendo o contorno avantajado e os traços principais. principais. Muitos desses exemplares exemplares foram encontrados encontrados nos Balcãs. Balcãs. Para Hauser (1994, p.9), “no lugar de uma concretização da experiência cotidiana de vida, a arte procu procura ra agora deter deter-se -se na idéia idéia,, no conce conceito ito,, na subst substância ância íntim íntimaa da coisa – mais para criar símbolos do que semelhanças do objeto”. As construções construções megalíti megalíticas cas são mon monumen umentos tos formados formados por grandes blocos blocos de pedras. Eles demonstram o grau de organização social e estabilidade nesse período, bem como um domínio técnico e de conhecimento empírico. Existem dois tipos: o menir e o dólmen. O menir é um bloco de pedra colocado verticalmente, decorado ou não. Podem Podem ser vistos exemplares de menir na Espanha e França. Parecem ter sido marcos. Um deles é o menir de Penmarch, na Bretanha, que mede cerca de 7 metros de altura. Um conjunto de menires alinhados, agrupados em círculo formam um cromlech como o de Almendres, em Portugal. O dólmen é formado por duas ou mais pedras verticais encimadas por uma pedra Deusa Mãe. Neolítico, Çatal Hüyük, Turquia, c. 7.000 horizontal. Segundo Janson (1984, p.30), os dolmens eram sepulcros, galerias de a.C.. Museum of Anatolian pedras que davam acesso à tumba. Um dos mais representativos é o de Carnac, na França, datado de cerca de 1.500 a.C. Para Hauser (1994, p.12) Civilizations, Ankara. os costumes e ritos fúnebres revelam claramente que o homem neolítico já estava começando a conceber a alma como uma substância separada do corpo. A visão mágica do mundo é monista, vê a realidade na forma for ma de uma tessitura simples, de uma seqüência contínua e coerente; o animismo, porém, é dualista, forma seu conhecimento e suas crenças num sistema de dois mundos. O mais célebre exemplar das construções megalíticas é Stonehenge, na planície inglesa de Salisbury, Salisbury, a 137 km de Londres. Esse conjunto reúne menires e dolmens, estando orientado para o ponto onde
nasce o sol no solstício de Verão. Essa con figuração indica que se destinava a rituais de culto solar. O culto solar era muito importante nas sociedades agrárias, ag rárias, onde a marcação das estações era decisiva para estabelecer-se a época de plantio e colheita. Esse conhecimento astronômico foi construído através da observação dos astros. Relacionado ao culto solar, solar, estão as celebrações de ritos de fertilidade. Seja como for, essa estrutura estr utura revela uma concepção do homem do neolítico com relação ao cosmo cosmo.. A construçã construçãoo de Stonehen Stonehenge ge parece parece datar de cerca cerca de 2.000 2.000 a.C. É formada formada por grandes grandes círcul círculos os de pedras com um diâmetro maior de 100 metros, tendo ao centro uma pedra ara, espécie de mesa altar ritual, que para alguns era um local de sacrifícios. Além das pedras, contava com a terra e a madeira. Esse conjunto impressiona por sua majestade e suscita questões de como foram transportadas e levadas essas grandes pedras de até 7 metros de altura e 25 toneladas de peso, dispostas em várias posições. Todas as pedras foram trazidas de áreas distantes com a utilização de ferramentas primitivas. Vestígios de ferramentas metálicas foram encontrados. Ao que tudo indica, nesse período, a roda ainda não havia sido inventada, o que denota um grande esforço para o transporte desses blocos de pedra. A erosão e a ação dos homens tornaram esse monumento uma deslumbrante ruína. Escavações feitas nessa região, em Durrington Walls, revelaram, no início de 2007 ,uma aldeia neolítica, que o arqueólogo Mike Parker Pearson atribui aos construtores de Stonehenge. Essa descoberta confirma a teoria de que Stonehenge não era uma estrutura isolada, mas fazia parte de um complexo religioso maior, envolvendo rituais funerários e celebrações.
Stonehenge. Inglaterra, c.2.000a.C c.2.000a.C..
ARTE MESOPOTÂMICA Mesopotâmia é um termo grego que significa “entre rios” e que denomina a região do Oriente Próximo entre os rios Tigre e Eufrates, que, atualmente, compreende o Iraque, Ir aque, a Turquia e a Síria. Inicialmente nômades, nômades, os grupos gr upos foram se fixando, cultivando cultivando a terra, construindo constr uindo canais de irrigação e as aldeias tornaram-se tor naram-se as primeiras cidades (Ur, Uruk, Lagash, Assurr, Assur r, Nínive, Nínive, Babilônia). Essa área fértil atraiu vários povos desde a pré-história: sumérios, acadianos, assírios, amoritas, cassitas, elamitas, caldeus, arameus, persas, etc. E cada povo se expressou através da arte em diferentes períodos. Vejamos alguns deles. Mapa da Mesopotâmia
Período sumério
Os sumérios parecem ter vindo da Ásia Central e se estabeleceram por volta de 4.000 a.C no sul da Mesopotâmia (Baixa Mesopotâmia), próximo à con fluência dos rios Tigre e Eufrates. A essa região chamavam Sumer ou Suméria. São poucos os vestígios materiais de sua cultura. Suas construções eram erigidas em tijolos de barro e madeira. Contudo, foram os inventores inventores da escrita pictográfica, denominada cuneiforme, preciosos registros de sua cultura em tabuinhas de argila. Inicialmente, os sumérios viviam em comunidades agrícolas baseadas nos rebanhos e no cultivo de milho e tamareiras. Aos poucos, esses núcleos foram se organizando, possibilitando a construção de obras públicas necessárias à agricultura agr icultura em larga escala. Assim surgiram as cidades-estados, que disputavam conticontinuamente a liderança sobre as demais. Cada uma delas tinha seu deus protetor local, seu s eu governante, sendo Uruk a cidade dos reis. No centro centro das cidades estava o templo, templo, que se localizava localizava sobre uma estrutura denominada zigurate. Este era construído em formato geralmente retangular como uma pirâmide de terraços em tijolos de barro bar ro cozido, com grossas paredes de sustentação. Escadarias e rampas levavam ao topo onde ficava o santuário do deus. No alto, ao centro desta sólida construção, estava uma sala principal, ou cella, ricamente decorada, onde ficava a estátua do deus e o altar de sacrifícios. Durante os séculos, os zigurates foram sendo construídos cada vez mais altos, numa tentativa de se aproximarem dos deuses, uma vez que a morada divina estava no alto, no cume das montanhas. O seu mais famoso exemplar, a Torre de Babel, presente nos relatos bíblicos, há muito foi completamente destruído. Mas, existem outros que chegaram até os dias atuais. Um deles é o zigurate construído pelo rei Urnammu, em Ur (cidade do patriarca bíblico Abraão),), com 65 metros Abraão metros de fachad fachada, a, que embora embora atual atualment mentee só tenha tenha um piso com com cerca cerca de 18 metro metross de altura, originalmente possuía 3 pisos. Ele era dedicado do deus lunar Nana (Sin para os acadianos), que presidia o calendário e era er a poderoso sobre a vegetação e a fertilidade. Originalmente, era revestido por ladrilhos cozidos decorados, que o preservaram, sendo o mais bem conservado dos zigurates conhecidos conhecidos.. É interessante destacar que os zigurates não eram templos acessíveis ao público. Eram a morada do deus, cuidada pelos poderosos sacerdotes. Acredit Acre dita-s a-see que o zigutat zigutatee era a represen representaç tação ão simból simbólica ica da primi primititiva va colin colinaa sobre a qual o universo havia sido criado e servia de ponte entre o céu e a terra. Os pavimentos horizontais, cujo número ideal era sete, provavelmente representavam os sete planos da existência, os sete planetas e os sete metais associados a eles. Por isso, originalmente, cada nível possuía uma cor: branca, negra, púrpura, azul, vermelho, prata prata e ouro. ouro. Além da função sagrada, eles se destinavam à observação dos astros. as tros. Próximo aos zigurates ficavam a residênZigurate do rei Urnammu, cidade cia dos sacerdotes e o palácio do governante local. de Ur, cerca de 2.500 a.C. Um dos maiores achados em Ur foi o Cemitério Real ativo por 500 anos, de cerca de 2.600 a 2.100 a.C., com aproximadamente 2.000 sepulturas. Nele foram encontrados preciosos objetos de adorno, que expressam o status de seus proprietários. Infelizmente a maioria das tumbas foi saqueada ainda na Antiguidade. Mas na tumba da rainha Puabi (2.600-2.500 a.C) foram encontrados importantes tesouros como diademas, brincos e outras jóias. A pintura pintura e a escultura escultura dos dos sumérios sumérios eram, eram, essenci essencialmen almente, te, decodecorativas. Painéis figurativos adornavam os templos, palácios e sepulturas. Quanto à escultura destacam-se os orantes ou adoradores. Essas figuras humanas (masculinas e femininas) votivas votivas de pequenas dimensões, representadas de corpo inteiro, geralmente em pé, trazem sempre as mãos cruzadas sobre o peito, possuem grandes olhos e vestem Entrada da tumba do rei Urlongas saias. A sua concepção baseava-se no cone e no cilindro numa nammu, Ur, cerca de 3.000 a.C. simplificação característica do escultor que talha as formas f ormas num único
bloco. Os orantes representavam bloco. r epresentavam os devotos em adoração aos deuses aos quais eram ofertadas, transmitindo a eles seus pedidos e agradecimentos. Para Garbini (1966, p.33), eles perpetuavam a presença dos fiéis nos templos, com suas contínuas preces ao deus. Contudo, Contudo, não possuem semelhança física f ísica com os ofertantes, os corpos e as cabeças são esquemáticos e simplificados, obedecendo a um sistema hierático de representação. O que se destaca nessas esculturas é a intensa expressão dos olhos. Um grupo de estatuetas de orantes em mármore, már more, de até 75,0 cm, com vestígios de policromia, foi encontrado em Tell Tell Asmar, no Templo Templo do deus Abu, deus da vegetação. vegetação. Segundo Segundo Janson Janson (1984, p.69), p.69), nesse conjunto conjunto as divindades distinguem-se pelas dimensões superiores e pelo maior diâmetro das pupilas, embora todas as figuras possuam olhos enormes, cuja fixidez é acentuada pelo colorido dos materiais incrustados. O grupo devia achar-se na cella do templo de Abu, estando os sacerdotes e os fiéis voltados para os dois deuses [Abu e uma deusa mãe encontrada], em muda comunicação pelo olhar. Além desses exemplares exemplares em pedra, os escultores utilizavam utilizavam madeira, metais como o cobre e o ouro. Mais realistas são os painéis decorativoss que adornam peças utilitárias. As figuras humanas são redecorativo presentadas em 2 dimensões, sem perspectiva, geralmente as figuras apresentam cabeça, pernas e pés de perfil enquanto os ombros e o torso estão em posição frontal. Nesses os animais sagrados são expressos de forma dinâmica. Em uma lira de 140 cm, decorada com uma bela cabeça de touro, encontrada numa sepultura real em Ur, datada de 2.550-2.400 a.C., seu corpo apresenta um interessante painel formado por incrustados em ouro, prata, lápis lazúli, conchas. Esse é dividido em 4 faixas horizontais. Na primeira, no alto, uma figura humana masculina abraça duas estranhas figuras antropozoomórfica (corpo de touro e cabeça humana com chifres). Nas demais, os animais realizam tarefas humanas: um lobo leva comida e um leão bebida para um banquete ou oferenda; um burro, um urso e um cervo tocam instrumentos musicais; embaixo de tudo vê-se um homem-escorpião e um bode. Para Janson (1984, p.70), essa composição
Orantes em mármore do Templo de Abu, Tell Asmar, c. 2.700-2.500 a.C. Museu do Iraque.
embora também coloque as figuras sobre linhas de terra, não receia a sobreposição das formas nem o escorço dos ombros. Todavia, é preciso ter cuidado de não interpretar erradamente as suas intenções, o que aparece a olhos modernos como deliciosamente humorístico foi talvez encarado com perfeita seriedade. Nem sequer sabemos em que contexto estes atores desempenhav desempenhavam am o seu papel! Período acadiano
Lira com cabeça de touro em madeira, decorada com ouro, prata, lápis lazúli e madrepérola. Ur, 2550-2400 a.C. Museu de Arqueologia e Antropologia da Filadélfia.
Contemporâneos, os sumérios e acadianos conviveram em paz até o rei Contemporâneos, acadiano Sargão iniciar a sua expansão por volta de 2.316 a.C. Os acadianos ocupavam inicialmente a região setentrional da Mesopotâmia em torno de Kish. Ao dominarem a Suméria, absorveram a sua cultura, impondo à arte ar te a glorificação do soberano. Dentro dessa ideologia propagandística, as estelas comemorativas comemorativ as foram freqüentes. A estela do rei Naram-Sin, neto de Sargão, é considerada por alguns como a obra prima da arte acádica. Ela comemora uma vitória sua. Nessa representação não há linhas rígidas de horizonte, o exército real avança para cima, acompanhando o seu líder. No alto da com-
posição, ao centro, está o rei Naram-Sin, em maior dimensão, vitorioso sobre os cadáveres dos inimigos que pisa abaixo dele à direita. Ele traz na cabeça a coroa ou capacete de chifres, atributo dos deuses, e está próximo ao cume de uma montanha, a morada dos deuses. A obra mais mais notável notável de escult escultura ura,, que expressa expressa essa essa ideologi ideologiaa de glorificação do soberano, é uma imponente cabeça de um soberano acadiano em bronze, encontrada em Nínive. Os olhos, agora vazios, deveriam trazer embutidos que lhe confeririam grande força. Apesar disso, conserva a sua majestade e maestria. Essa obra caracteriza-se pelo detalhamento descritivo e pela simetria na composição. Jans J anson on (19 (1984, 84, p.71 .71)) ressa ressalta lta que o cabelo entrançado e a barba finamente encaracolada são tratados com incrí vel pre precis cisão ão se sem m per perder derem em o seu car caráte áterr orgânico nem se tornarem num simples ornamento. A complexa técnica da fundição e da cinzelagem foi manejada com segurança que denota autêntica mestria. É um retrato à altura das maiores obras de arte de qualquer época.
Estela da Vitória de Naram-Sin, rei de Acad, em pedra-grés vermelha, c. 2.300-2.200 a.C. Altura: 2 metros. Museu do Louvre, Paris.
Cabeça de um soberano acadiano, em bronze. Nínive, c. 2.300-2.200 a.C. Altura: 0,30 m. Museu do Iraque, Bagdá.
Apesar de manter a sua independê independência ncia durante dur ante a ocupação acadiana, a cidade de Lagash também sofreu a sua influência ideológica. O rei Gudéia (que reinou de 2125 a 2110 a.C) para não perder o poder, passou o título real para o deus local, promovendo promovendo o seu culto culto.. Dentro dessa política, foram encontradas várias estátuas de Gudéia, que eram postas nos santuário santuárioss da cidade. Ele foi representado sentado ou em pé, em diorite verde ou preto. Como nos orantes sumérios, a qualidade cilíndrica das formas é acentuada, embora a composição das estátuas de Gudéia não traga a simplicidade, a geometrização daqueles. No mais, zigurates continuaram a ser edi ficados, os deuses sumérios continuaram a ser adorados. Estatueta de Gudéia em diorita, com 74,0 cm de altura. Lagash, c. 2.150 a.C. Museu do Louvre.
Período babilônio
No segundo milênio houve um período de instabilidade e desordem na Mesopotâmia, até que os babilônios assumiram o poder entre 1.760 e 1.600 a.C, como antes tinham feito os acadianos. Contudo, continuou a existir um grande respeito pela tradição sumeriana. Afinal, a base cultural dos babilônios era sumeriana. Hamurabi, o fundador da dinastia babilônica denominou-se de pastor favorito do deus solar Shamash (nome acadiano do deus sumério Utu). O objetivo de Hamurabi Hamurabi era fazer reinar a justiça e para tal criou o famoso código que leva o seu nome. Esse código está g ravado em uma estela de diorite negro em escrita cuneiforme. No alto da estela, sobre o escrito está a representação do rei Hamurabi diante do deus Shamash, como se estivesse apresentando-lhe o código de leis. O relevo das
Estela do Código de Hamurabi em diorite, com 2,13 m de altura, c. 1.760 a.C. Museu do Louvre.
guras é bastante acentuado, os grandes olhos dos dois seres que se fitam são destacados. Estilisticamente e tecnicamente a composição está conectada às estátuas de Gudéia. fi
A maior m aioria ia da escu escultur lturaa dos babi babilôni lônios os base baseiamiam-se se na trad tradição ição sume sumerian rianaa mas m as traz trazem em algu algumas mas singularidades como os volumes acentuados, uma maior rigidez na representação e uma minuciosa atenção aos detalhes como as roupas e a barba. Com relação à arquitetura, há pouco material desse período.. O mais importante exemplar são as ruínas odo r uínas do palácio real de Mari, que ocupam uma área de 220 x 130m. Ele é composto por uma série de salas dispostas em torno de dois pátios internos. Há vestígios e fragmentos de pinturas ornamentais nas paredes de algumas salas e em um dos pátios internos. Elas trazem cenas de sacrifício, a investidura real de Zimri-Lim, figuras de deuses. Segundo Garbini (1966, p.42), p.42), esses painéis sugerem “a existência de escolas estabelecidas, desenhando segundo uma Detalhe do afresco com cena de sacrifício. Palálonga tradição. Excetuando Excetuando as vestes das figuras, os fragmentos cio de Mari, c. 1.800 a.C. Museu Aleppo, Síria. das cenas de sacrifício derivam da tradição sumério-acádica”. Em alguns painéis, como o que representa uma deusa numa paisagem cercada de animais fantásticos, nota-se uma influência egípcia, provavelmente provavelmente vinda através da Síria. Período cassita
Os cassitas, povo asiático, estabeleceram-se na Mesopotâmia, na região oeste do atual Irã, por volta de 1.800 a.C. Em 1559 a.C a Babilônia foi saqueada pelos hititas. Entre 1550 e 1150 a.C os cassitas dominaram os babilônios. Artisticamente eles trouxeram inovações à tradição sumério-acadiana. Estruturalmente, o uso do arco e da abóboda se generalizou em palácios e templos e se introduziu o emprego do ladrilho no exterior dos edifícios.Deixaram vestígios em Dur-Kurigalzu, capital cassita fundada pelo rei Kurigalzu no séc. XIV. Nessa, foram encontradas esculturas em terracota de extremo vigor (em contraste com a rigidez dos babilônios) como uma cabeça masculina com barba com indícios de pintura em vermelho e preto. O mais importante registro deixado é o Templo de Inanna (deusa do amor e da guerra, Ishtar em acadiano) edi ficado em Uruk pelo rei Karaindash em cerca de 1.430 a.C. De planta retangular, construído com tijolos de terracota, suas paredes exteriores alternam relevos e nichos ao estilo sumério. As reentrâncias ou nichos continham relevos de deuses enquanto as saliências eram decoradas com formas for mas geométricas.
Detalhe da fachada do Templo de Inanna em Uruk. Construção cassita, cerca de 1413 a.C. Museu Pergamon, Berlim, Alemanha.
Uma peça característica dos cassitas é o kudurru. O kudurru é uma espécie de marco demarcador de fronteira composto com figuras e inscrições. Protegiam as fronteiras dos reis e delimitav delimitavam am as propiedades privadas. Assemelhavam-se ao formato das estelas, em sua composição traziam textos sobre a concessão do direito de propriedade em escrita cuneiforme e símbolos religiosos dispostos em faixas horizontais. horizontais. Sua leitura era feita de baixo para cima e da esquerda para a direita. Os deuses eram, geralmente, representados por meio de símbolos. Garbini (1966, p.44) ressalta que a representação antropom antropomór órfica do deus, que anteriormente dominava na Mesopotâmia, torna-se relativamente rara, sem, contudo, desaparecer completamente. A super ficie da pedra é geralmente dividida em faixas ostentando os símbolos divinos. Em
alguns casos, o texto é emoldurado. Essa preocupação com a clareza da composição e o cuidadoso arranjo dos planos aparece também na arte da gravação de sinetes. O tradicional tipo neosumeriano do adorador de pé diante de um deus e acompanhado por um painel de escrita cede lugar, no período cassita, a uma composição hierática, dominada por uma figura alongada, isolada no espaço e ladeada por colunas de inscrições inscrições.. Kudurru do rei cassita Mellishipak II (Mellishikhu) em mármore negro, c. 1.188-1.174 a.C. Altura de 68,0 cm e largura de 30,0 cm. Museu do Louvre, Paris, França.
Período assírio
Saiba Mais! Os assírios eram um povo indo-europeu, oriundo do Cáucaso, que se estabeleceram no norte da Mesopotâmia, na região do alto do rio Tigre por volta de 2.000 a.C. Sua principal cidade-estado e posterior capital do Império Assírio era Assur. O auge do poderio assírio ocorreu ocorre u entre 1.000 a 612 a.C, estendendo-se desde a península do Sinai à Armênia e ocupando o Baixo Egito em 671 a.C. Segundo Janson (1984, p.75), “diz-se que os Assírios foram em relação aos Sumérios o mesmo que os Romanos em relação aos Gregos. Greg os. Assim As sim,, const construír ruíram am tem templ plos os e zigu zigura rate tess inspi inspira rado doss em mode modelo loss sumesumerianos. Os palácios reais atingiram dimensões e magnificência sem precedentes”. A arte assíria era essencialmente secular, uma arte propagandística ligada à corte. O monumental palácio de Sargão II (721-705 a.C), na cidade de Khorsabad era uma fortaleza cercada cer cada por maciças muralhas torreadas, com apenas duas portas de acesso. aces so. Essas portas, com nítida influência dos hititas como a porta dos leões de Bogazköv, Bogazköv, traziam grandes g randes figuras guardiãs contra os maus espíritos, que impressionavam os visitantes como expressão do poder assírio. Esses guardiões eram, geralmente, Porta do Palácio de Sargão II, 713-706 a.C. seres híbridos masculinos: os lamassu (corpo de touro alado com cabe Alturaa 4,28 m e largura 4,21 Altur 4,21 m. Museu do ça humana) e as esfinges (corpo de leão e cabeça humana). No palácio de Sargão II, a porta trazia figuras de lamassu de 4,28 metros de altura, Louvre, Paris, França. com cinco patas dispostas de modo ao espectador ver frontalmente o ser imóvel e lateralmente em movimento. No interior do Palácio de Sargão II, as paredes estavam repletas de séries de relevos retratando as conquistas militares assírias de forma descritiva. Para organizar essas narrativas, os artistas dividiam as paredes em faixas como faziam nas estelas. Essas cenas militares vitoriosas eram er am abundantes. abundantes. Uma outra temática dos palácios eram as cenas de caçadas dos reis aos leões. Essas cenas que glorificavam os governantes retratam uma atividade também simbólica. Para Janson (1984, p.74) “é provável que, num tempo remoto,, a caça aos leões tivesse sido uma importante obrigação dos chefes mesopotâmicos remoto mesopotâmicos,, como pastores dos rebanhos da comunidade”. No Palácio de Asurbanipal (669-626 aC.) em Nínive, encontram-se os
melhores exemplares dessas cenas de caça aos leões. Essas cenas são retratadas de forma for ma intensa, dramática, os animais são representados em um naturalismo excepcional. Destacam-se os animais moribundos como A Leoa Moribunda de impressionante intensidade trágica. Os artistas ar tistas conseguem impor o volume das formas através de variações do desbaste das superfícies.
Leoa moribunda. Detalhe de painel de pedra calcárea em baixo relevo do Palácio de Asurbanipal, Nínive, 669-633 a.C. Altura 35,0 cm. Museu Britânico, Londres, Inglaterra.
Período neo-babilônic neo-babilônico o
Embora o Império assírio tenha caído em 612 a.C, com a conquista de Nínive pelos Medos e Citas, vindos vin dos do do Orient Oriente, e, o coman comandan dante te assíri assírioo procla proclamou mou-se -se rei rei da Babil Babilôni ônia, a, propo proporcio rcionan nando do um perí período odo de de renascimento cultural a essa cidade entre 612 a 539 a.C, até a dominação persa. Assim, a Babilônia tornou-se tor nou-se o último reduto da cultura mesopotâmica. O mais famoso governante desse período foi Nabucodonosor II (604-562 a.C). Seu poder foi expresso através de construções monumentais como grandiosos zigurates com mais de 100 metros de altura e imponentes palácios com jardins suspensos. Por não ha verr pedr ve pedreira eirass nes nessa sa reg região ião (di (difere ferente nte da Assí Assíria ria),), as con construç struções ões fora foram m realizadas em tijolos cozidos e vidrados, usados em profusão de uma forma decorativa surpreendente. O seu efeito pode ser apreciado na Porta de Ishtar, uma viva composição colorida decorada por animais sagrados em relevo, enquadrados por bandas, uma procissão de auro- Porta de Ishtar em tijolo vidrado, Babilônia, chs (touros), sirruchs (semelhante a dragões) e leões. O vidrado azul c. 575 a.C. Altura: 14,0 m e largura: 10,0 m. domina e serve de fundo para os animais. Museu Pergamon, Berlim, Alemanha. Da arte palaciana, o mais célebre monumento eram os Jardins supensos da Babilônia, construídos em cerca de 600 a.C. por Nabucodonosor II em honra de sua esposa Semíramis, filha do rei dos Medas, que estava saudosa das plantas de sua terra natal. Esses Jardins eram uma das sete maravilhas do mundo antigo. Apesar de nada ter restado dessa construção fabulosa, que incluía um sistema de irrigação, ela foi documentada por historiadores gregos da Antiguidade. Ilustração da possível aparência dos Jardins Suspensos da Babilônia. Disponível em
Você Sabia? Babel deriva do acadiano e significa Porta de Deus. A Torre T orre de Bab Babel el foi um fam famoso oso zig zigura urate te com comple pletam tament entee des destrutruído. Sua construção é atribuída ao rei Nabucodonosor II. Assim,, a Torre Assim Torre de Babel Babel é citada citada na Bíblia Bíblia no livro livro do Gênesis (11:1-9): “Todo o mundo se servia de uma mesma língua e das mesmas palavras. Como os homens emigrassem para o oriente, encontraram um vale na terra de Senaar [Babilônia] e aí se estabeleceram. Disseram um ao ou- tro: “Vinde! Façamos tijolos e cozam-los ao fogo!” O tijolo lhes serviu ser viu Torre de Bab Babel. el. Pete Peterr Br Brueg uegel, el, o Velho. de pedra e o betume de argamassa. Disseram: “Vinde! Construamos Óleo sobre madeira , 1563. Kunsthisto- uma cidade e uma torre cujo ápice penetre nos céus! Façamo-nos um nome e não sejamos dispersos sobre toda a terra!” risches Museum, Viena.
Período persa
A civilização civilização elamita elamita (uma (uma das que floresceu no sudoeste da Pérsia, atual Irã, por volta de 4.000 a.C. Sua capital era Susa. Na segunda metade de terceiro milênio, eles entraram em guerra com os Sumérios e com os Acádios. Esse contato teve influência em sua arte. A partir desse período iniciaram a construção de estelas e as esculturas de sua deusa Innin assemelharam-se às representações da deusa babilônica Ishtar. Zigurates foram construídos na Pérsia. Durante o primeiro milênio, os medas e os persas iniciaram a sua expansão. Em 539 a.C o aquemênida (uma das tribos dos persas) Ciro, o Grande tornou-se o rei dos medos e dos persas e iniciou a conquista de territórios passando pelo Império babilônio, Fenícia, Síria, Palestina até as fronteiras do Egito Egito.. A arte do Império persa é uma síntese de diferentes tradições tradições incorporadas dos povos povos dominados e contatados. Para Giordani (1969, p.283), a originalidade da arte persa consiste precisamente na habilidade em combinar elementos tão heterogêneos dentro dos padrões de luxo e de grandiosidade tão caros aos Aquemênidas Aquemênidas.. (...) A arte da Babilônia e da Assíria figuram em primeiro plano na inspiração das realizações persas. Na Mesopotâmia os Aquemênidas aprenderam a construção de colinas artificiais e de escadarias monumentais. As colunatas, que lembram as salas hipóstilas de Tebas, são de evidente inspiração egípcia. Essa influencia egípcia tem início a partir da expedição de Cambises. Note-se que Deodoro da Sicília menciona a colaboração de artistas egípcia nas construções de Persépolis e de Susa. A influência egípcia é notada também na decoração externa dos sepulcros reais. Os palácios reais, nas diversas capitais do Império, Império, são a grande g rande expressão da arquitetura aquemênida. O Palácio de Persépolis foi o mais ambicioso. Sua construção foi iniciada por Dario I em 518 a.C. Utilizando várias técnicas e estilos, Persépolis era um símbolo do poder e da universalidade do Império persa. A sala de audiências (apadana) de Persépolis Persépolis tinha cerca de 125 m², 36 colunas colunas de 12 metros de altura. Outrora, possuía um telhado e suas paredes eram ornadas com pinturas de leões, touros e flores. Os materiais mais nobres e belos eram usados para a sua decoração: ouro, pedras preciosas, cedro do Líbano,, tijolos esmaltados e pigmentos coloridos. Líbano
O Palácio de Persépolis era decorado com relevos que proclamavam a glória dos persas sobre as demais nações. A escadaria dupla, simétrica, que leva à sala de audiências (apadana) foi decorada lateralmente com relevos de fileiras de pessoas em marcha solene, dignitários e portadores de tributos, numa típica demonstração de submissão ao poderio persa. No exterior, relevos com batalhas de animais fantásticos e os Imortais, os guardas de elite do rei, numa nítida demonstração do poderio militar persa. Acima deles, entre duas esfinges, a representação do deus persa Ahura-Mazdâh (um disco alado que deveria conter na parte superior uma figura antropomorfa), o senhor da luz, do Bem, criador de todas as coisas.
Palácio de Persépolis. Irã, séc. VI-V a.C.
Relevo exterior da escadaria da Sala de Audiências (Apadana) do Palácio de Persépolis. Irã, séc. VI-V a.C.
Assim, são característicos das construções aquemênidas dois elementos: a coluna em pedra e as vergas de madeira, que que possibilitaram possibilitaram a edificação das altas salas dos palácios de Passárgada, Susa e Persépolis. A coluna persa típica tem fuste canelado (in fluência grega da ordem jônia) e seu capitel é composto por duas cabeças de touros (influência assíria). Há variantes com capitéis com leões e grifos. g rifos.
Capitel persa em pedra com duplos touros da Sala de Audiências (Apadana) do rei Dario I. Palácio de Susa, c. 510 a.C.
O luxo e a grandiosidade desses palácios são descritos por uma inscrição de Dario em Susa que diz: Este Palácio que eu construí em Susa, seus materiais foram trazidos de bem longe. O que foi cavado na terra, o que foi amontoado de cascalhos, foi o povo babilônico que o fez. O cedro foi trazido do monte Líbano. Babilônios trouxeram-no até Babilônia e os cários e os jônios – os deportados – de Babilônia até Susa. A madeira de teça foi trazida da Índia; o ouro, de Sardes e de Bactriana; o lápislazúli e o cinábrio, da Sogdiana; as turquesas, da Carasmia; a prata e o chumbo, chumbo, do Egito; os materiais que decoram as paredes, da Jônia; o marfim, da Etiópia, da Índia e da Aracósia; as colunas de pedra, da Cária. Os entalhadores de pedra eram er am jônios e lídios; os ourives, lídios e egípcios; os fabricantes de tijolos, babilônios; os homens que enfeitaram as paredes, medos e egípcios. Em Susa foi realizado um trabalho esplêndido. Possa Ahura-Mazda proteger-me ...” (GIORDANI, 1969, p.283). Ass im, mão Assim, mão-de -de-ob -obra ra e mate m ateria riais is era eram m impo i mport rtado adoss de d e todo t odo o Impé I mpério rio par paraa a gló glóririaa per p ersa. sa. Há indícios de que os palácios possuíam deslumbrantes jardins de desenho geométrico, alimentados por um sistema de canais de irrigação. Não há arquitetura religiosa nesse período dos persas aquemênidas, pois o culto do deus AhuraMazda não necessitava de templos, ele era celebrado ao ar livre em altares onde era aceso o fogo, fog o, símbolo desse deus supremo. Existem, sim, imponentes exemplares de arquitetura funerária. Destacam-se o Mausoléu de Ciro, o grande, e o hipogeu de Dario I. O Masoléu de Ciro foi feito em Passárgada, no estilo das sepulturas gregas, dos jônios. O hipogeu de Dario foi escavado na rocha ao estilo das tumbas egípcias, egípcias, na encosta do Monte Husseim-Kuh, ao norte de Persépolis Persépolis.. Semelhante ao portal de um palácio, sua fachada traz o relevo do disco do deus Ahura-Mazda. Seus sucessores adotaram o mesmo modelo de sepultura. se pultura.
1 - Hipogeu de Dario I, o grande. Monte Husseim-Kuh, Irã, séc. V a.C. 2 - Mausoléu de Ciro, o grande.
Passárgada, Irã, c. 530 a.C.
Portanto, na Mesopotâmia, vemos na arte diversas expressões que vão da religiosidade suméria em Portanto, busca de altos zigurates para seus deuses, o militarismo assírio e o esplendor profano do Império persa.
ARTE EGÍPCIA As primeiras primeiras tribos tribos nômades nômades se fixaram no vale e no delta do Nilo em tempos pré-históricos. Com o desenvolvimento da agricultura, esses grupamentos criaram vínculos comunais, pois se reuniam para semear as terras e irrigar ir rigar as plantações após a cheia do Nilo. Nilo. Eles formaram aldeias rurais r urais que estruturaram-se em províncias denominadas de nomos. Por volta de 4.000 a 3.500 a.C, impulsionados pela necessidade de fortalecimento econômico e como estratégia de defesa contra os inimigos, os nomos agruparam-se em dois reinos: o Alto e o Baixo Egito. A unificação do Egito, construída do sul para o norte, ou seja, do Alto para o Baixo Egito, é atribuída ao primeiro faraó, Menés (entre cerca de 3.500 a 3.000 a.C), identificado como Narmer. Com ele se iniciou a primeira de 30 dinastias egípcias, uma história de cerca de 3.000 anos. O tipo de governo que surgiu com o nascimento do reino egípcio é a monarquia teocrática. Essa caracteriza-se como um regime altamente centralizado, cuja base do poder do faraó está na religião. O seu caráter divino, baseado na sua identificação como a encarnação do deus Hórus, tornava o seu poder absoluto e inquestionável. O faraó era a autoridade máxima em todas as esferas (religiosa, administrativa, administrativa, social, econômica, judicial, militar), ele era o senhor de todas as terras e de todos os egípcios. Como já vimos, na Mesopotâmia, também no Egito, com a urbanização, urbanização, a organização org anização do trabalho e novas demandas de mercado, o artista tornou-se um pro fissional, embora permanecesse geralmente como um artífice anônimo. Assim, como ressalta Hauser (1994, p.26), o criador de imagens de espíritos, de deuses e de homens, de utensílios decorativos e de jóias, emerge do meio fechado do lar e torna-se um especialista que faz dessa profissão seu modo de subsistência. Já deixou de ser o inspirado mágico ou o membro expedito do lar para tornar-se o artífice que cinzela esculturas, faz pinturas ou modela vasos, tal como outros fabricam machados e sapatos, e não é tido em muito mais alto apreço que o ferreiro fer reiro ou o sapateiro. A perfeição do trabalho manual, o controle seguro de materiais difíceis e o esmero da execução impecável, que é especialmente notável no Egito, em contraste com a genialidade ou a despreocupação diletante da arte anterior, é resultado da especialização profissional do artista, da vida urbana com a crescente competição entre forças rivais e do treinamento de uma elite experimentada e exigente de conhecedores nos centros culturais da cidade, nos recintos dos templos e no palácio real. A arte egípcia foi uma expressão do Estado Teocrático Teocrático.. A matéria prima preferida foi a pedra, ao contrário da Mesopotâmia que tinha escassez deste material. Como os períodos artísticos estão vinculados ao poder dos faraós, vamos abordá-los considerando a divisão didática da história egípcia em Antigo, Médio e Novo Império. Antigo império (2.700-C.2200 (2.700-C.2200 A.C) As maiores realizações artísticas egípcias foram os templos e os túmulos túmulos.. Os mais famosos exemplares, que datam desse período, são as três grandes pirâmides dos faraós Queops (Khufu), Quefrem (Khafre) e Miquerinos (Menkure), da 4ª dinastia. Fruto da evolução técnica conseguida, elas são descendentes das mastabas (túmulos trapezoidais) e da experiência do arquiteto Imhotep, construtor da pirâmide de degraus de Sakara (superposição de seis mastabas) do faraó Zoser da 3ª dinastia. Esses colossais túmulos reais são compostos por imensos blocos de pedra, que originalmente eram revestidos com pedra calcárea branca, formando superfícies planas, polidas e brilhantes. Dessa cobertura depredada ao longo
dos séculos, só resta uma pequena parte no topo da pirâmide de Quéops. Interiormente, uma série de corredores conduzem à câmara funerária onde era depositada de positada a múmia. Esses corredores após o sepultas epultamento eram obstruídos com pedras como proteção. Na verdade, as grandes pirâmides são parte de um conjunto funerário maior composto de pirâmides menores destinadas às rainhas e parentes reais, e construções cerimoniais de culto. Parte Parte deste conjunto é a Grande Esfinge, representação híbrida antropozoomorfa com corpo de leão e cabeça humana masculina. Sua construção é atribuída ao faraó Quéfrem. Para Upjohn (1979, p.72), o rosto da esfinge é deste faraó. A esfinge está ligada à pirâmide de Quéfrem. Pirâmides de Quéops (c. 2.530 a.C), Quefrem (c. 2.500 a.C) e Miquerinos (c. 2.470 a.C). Gizé, Egito.
Todass essa Toda essass gran grandio diosas sas con construç struções ões só for foram am possíveis graças à estrutura egípcia baseada na teocracia. O custo com materiais e mão-de-obra inviabilizariam essas construções atualmente.
Com relação às esculturas egípcias, elas representam tanto o indivíduo como a classe social à qual pertencem. Assim, os nobres são mais idealizados que os inferiores. As esculturas de corpo inteiro encontram-se presas nas costas ao bloco de pedra, uma solução técnica dessa fase. f ase. A Grande Esfinge. Alt.: 20 metros. Gizé, Para conferir equilíbrio à composição destas, Egito, c. 2.500 a.C. as figuras de pé estão sempre como a dar um passo, geralmente com a perna esquerda à O faraó Miquerinos e a rainha Camerernebti, esculfrente, de modo a distribuir o peso peso.. A escultura do faraó Miquerinos e sua esposa tura em xisto, c. 2.470 a.C. demonstram essas características bem como uma certa rigidez no corpo. Altura: Alt ura: 1,40 m. Museu de Já a escul escultur turaa do escri escriba ba senta sentado do,, encont encontrad radaa em Sakara Sakara,, possui possui meno menoss rigide rigidezz e mais realismo. Os olhos, a boca e a mão direita preparada para escrever denotam um momento de atenção. atenção. Os escribas tinham um papel muito importante no Egito Antigo na confecção dos registros e controle dos impostos. Nesta escultura nota-se que a pele foi pintada de vermelho, cor destinada às figuras masculinas e os olhos foram incrustados em branco com a pupila e íris negras de forma a criar uma expressão viva.
Belas Artes de Boston, Estados Unidos da América.
As paredes paredes dos dos túmulo túmuloss (reais (reais e de particu particular lares) es) e templos templos eram eram ornadas ornadas com relevos narrativos coloridos acompanhados por inscrições em hieróglifos. Nessas representações bidimensionais não há preocupação com perspectiva e seguem a uma série de convenções estabelecidas. Assim, as figuras mais importantes sempre estão em tamanho maior para dar destaque. As pessoas, quando de corpo inteiro, quase sempre são representadas com os rostos de perfil, o torso frontal e as pernas vistas de lado. sentado de Sakara, As mulhe mulheres res egípc egípcias ias,, geralmen geralmente, te, são são pintad pintadas as de cor mais mais clara clara que que os homens homens.. Os Escriba em pedra calcárea pintada, c. deuses trazem seus atributos simbólicos que permitem seu reconhecimento. Quanto à 2.400 a.C. Alt: 53,0 cm. Muproporção, as figuras humanas eram representadas segundo um sistema regido por um seu do Louvre, Paris, França. quadriculado com unidades de igual tamanho, que garantia a repetição e unidade em qualquer escala e posição. Os artistas aplicavam o quadriculado nas superfícies a serem decoradas e ajustavam nele as figuras humanas a serem representadas. Todas Todas essas regras regr as são praticamente constantes através de todos os períodos artísticos egípcios, só havendo uma sensível ruptura no período amarniano amar niano no Novo Império. Império. No Antigo Ant igo Imp Impéri érioo as as deco decoraç rações ões do Túm Túmulo ulo de Ti são as mais mais refinadas conhecidas.
Relevo de cena de caça de hipopótamo, em pedra calcárea pintada. Túmulo de Ti, faraó da 5ª dinastia, c. 2.500 a.C. Sakara, Egito.
Além da pintura dos relevos, a pintura sozinha, propriame propriamente, nte, dita ornava túmulos e até ricas residências.. Além disso, eram mais baratas que os relevos pintados, residências pintados, que envolviam a arte ar te escultórica. Na Mastaba de Nefermaat e de sua esposa Itet foram encontradas pinturas de cenas da vida diária de excepcional qualidade. Uma dessas pinturas era um friso composto por gansos. Esse foi pintado na técnica da têmpera, com pigmentos minerais diluídos em água.
Parte do friso de pintura da Mastaba de Nefermaat e de sua esposa Itet. 4ª dinastia, Medum, Egito. Museu do Cairo, Egito. Médio império (2.033 A 1.710 A.C)
Médio império (2.033 A 1.710 A.C)
A in insta stabi bililida dade de do pe períríod odoo in inte termed rmediár iário io en entr tree o An Antitigo go e o Mé Médi dioo Im Impé pério rio ab abal alou ou a ve velh lhaa or orde dem m me mesm smoo após a restauração. A arte desse período tenta resgatar o Antigo Antig o Império, mas sem as suas grandiosas construções. Nessa fase, a arte é marcada pela simplicidade e pelo realismo. Pouco restou das construções desse período, quer pela destruição feita pelos hicsos, quer pela modernização desses exemplares feita pelo Novo Império. Os túmulos reais da 12ª dinastia são pirâmides de dimensões bem inferiores às das grandes pirâmides de Gizé. Com relação à escultura, a serenidade do Antigo Império I mpério foi perdida e uma nova expressão surgiu principalmente nos retratos. Para Garbini (1966, p.138), ao contrário das obras anteriores, os retratos dos faraós e do povo do Médio Império parecem quase iluminar-se pelo seu realismo físico. Mas permanecem de fato tão estilizados quanto os seus predecessores do Antigo Ant igo Império Império:: apenas apenas o ide ideal al mudou. mudou. Não Não mais se vê o deu deus-f s-faraó araó ou o homem confiante no seu poder de manter a própria essência vital mesmo no túmulo mas, ao contrário, um rei-faraó, bravamente militante ou humanamente sábio, ou ainda o súdito que antecipa com serenidade uma vida além-túmulo muito semelhante à vida terrena. (...)
Ao procurar compreender a escultura do Médio Império, em particular, é importante ter em conta que a forma é primariamente modelada para receber a luz, que agora assume um papel dominante. Assim, os volumes contidos do Antigo Império foram trabalhados com um modelado mais elaborado e suavizado pelo jogo de luz e sombra. Dessa forma, temos a escultura do faraó f araó Amenemhet III, executada na tradição de Mênfis, com uma expressão serena, mas quase triste. Na decoração das tumbas, os relevos foram substituídos pelas pinturas. Cenas com animais são bastante freqüentes. As pinturas mais célebres desse período foram descobertas em Béni Hasen. No túmulo de Ukhotep, em Meir, as cores são intensificadas por variações de tons numa espécie de técnica pontilhista. Exemplo bem preEscultura do faraó Ame- servado dessa técnica é a pintura do sarcófago de Djehuty-nekht, da 12ª dinastia. nemhet III, 12ª dinastia, 1840-1.800 a.C. Museu de Berlim, Alemanha.
Ataúde em madeira pintada de Djehutynekht. 12ª dinastia, c. 1.991 a 1.778 a.C. Museu de Belas Artes, Boston.
Novo império (1559-1.069 A.C)
A arte do Novo Novo Império está está fartamente fartamente documentad documentadaa através através de seus exemplares exemplares.. Na arquitetu arquitetura, ra, destacam-se os imponentes templos. O templo egípcio é composto de: pilone, peristilo, sala hipostila e santuário. O primeiro elemento, elemento, o pilone, de formato trapezoidal, é a monumental entrada do templo, ladeada por duas torres maciças. Ou seja, é a grande fachada, o primeiro umbral a ser trilhado. Em alguns templos, obeliscos e estátuas eram colocados simetricamente à frente do pilone. Ao passar por ele, entrava-se no peristilo, um pátio com pórticos. Esse pátio leva à sala hipostila (sala de colunas), cujo teto é sustentado por tra ves de colunas colunas.. Atrás Atrás desta desta sala, sala, o santu santuário ário,, o local mais sagrado do templo templo,, que abriga abrigava va a estátua estátua do deus deus ao qual era dedicado. Esses quatro elementos que formam o templo são dispostos herarquicamente, com funções diferenciadas, do público para o sagrado. Assim o acesso era progressivamente filtrado, estando o santuário reservado exclusivamente para os sacerdotes e o faraó, o chefe religioso de todo o Egito. O mais famoso templo do Novo Império era Karnak, dedicado ao deus Amon, iniciado em cerca de 1.390 a.C., sofreu acréscimos no decorrer dos séculos pelos faraós que queriam se eternizar. Planta de um Templo
O grandioso Templo funerário da rainha Hatshepsut (1.501-1.480 a.C), em Deir El-Bahri, projetado pelo arquiteto Senmut é outro destaque. Em grande escala, possui três terraços, uma rampa de acesso e uma elegante colunata (sequência de colunas). O santuário e a sala hipostila estão dissimulados no rochedo e os pátios abertos correspondem ao peristilo. As colunas são facetadas em 16 faces. A decoração em relevo dos pilares e paredes do templo revela uma arte cortesã. As cenas que retratam a expedição à Terra de Punt são, particularmente, reveladoras de uma liberda Templo Temp lo de Karnak, em Luxor, Luxor, Egito de, vivacidade e ironia na narrativa nar rativa até então desconhecida. Quanto à arquitetura funerária, devido às violações praticadas nas sepulturas na época dos hicsos, foi escolhido um novo local para os enterramentos: enterr amentos: o Vale dos Reis, Reis, uma área desértica desér tica e de fácil controle e vigilância. Os túmulos no Vale dos reis eram hipogeus, estruturas subterrâneas, com vários compartimentos, escavadas nas encostas das montanhas. Esses compartimentos eram decorados com relevos e pinturas que traziam narrativas sobre a vida do morto, as promessas do além e inscrições mágicas que orientassem a passagem para a vida eterna, dentro dos cânones estabelecidos. Merece destaque nesse período o faraó Ramsés II (c.1290Hatshe shepsu psutt em Deir El-B El-Bahr ahri,i, 18ª 1224 a.C.), que reafirmou a hegemonia egípcia durante o seu lon- Templo de Hat dinastia, séc.XV a.C. Egito. go e glorioso reinado, considerado o último período de apogeu do poder faraônico. Brilhante estadista, foi um grande construtor. É responsável, dentre outros, pela construção do templo de Abu Simbel na Baixa Núbia, um marco simbólico s imbólico do poder na região. Escavado na pedra, o complexo compreende dois templos: um dedicado a Amon, Rá e Ptah e o outro desdicado à deusa Hathor, personificada pela rainha Nefertari, esposa de Ramsés II. Quatro colossais estátuas do faraó de cerca de 20 metros de altura decoram a fachada de cerca de 35 metros. No interior, a sala hipostila traz uma série de altas colunas e uma profusão de relevos com narrações e ilustrações. Após um vestíbulo, vestíbulo, há um santuário com as esculturas sentadas dos deuses patronos do templo e Ramses V Vale ale dos Re Reis is,, 18ª 18ª dinast dinastia ia,, séc séc.XV .XV a.C a.C.. Egi Egito to.. II. Essa câmara foi posicionada de forma a receber em seu escuro interior os raios solares duas vezes por ano.
Templo Temp lo de Abu Simbel, Simbel, c. 1265 a.C. Egito
No Novo Império, Império, as esculturas eram realizadas em busca de graça e elegância. Embora houvesse um maior realismo nos rostos, as regras de composição ainda eram seguidas. Uma das maiores contribuições desse período foi a pintura. Utilizada em maior escala na decoração dos túmulos do Vale Vale dos Reis, agora era independente dos relevos. Enquanto os túmulos reais estão submetidos a rígidas convenções, os túmulos particulares oferecem maior liberdade. Um exemplo dessa nova nova fase é o grupo de carpideiras do túmulo de Ramose vizir de Amenhotep III, de cerca de 1.370 a. C. Essa cena recebeu um tratamento cromático limitado a tons de cinza, preto e castanho de modo a enfatizar a dramaticidade do tema.
Grupo de carpideiras. Fresco do túmulo de Ramose, c. 1.370 a.C. Tebas, Egito
Estela em pedra calcárea de Amarna com o faraó Akenaton, a rainha Nefertiti e suas filhas. Egito, c. 1.350 a.C. Museu de Berlim, Alemanha.
Por um breve período na longa história do Egito, o politeísmo foi substituído. Isso ocorreu no século XIV a.C. com o faraó Amenófis IV que trocou seu nome para Akenathon em honra do deus único Aton. Ele transferiu a capital de Tebas para Tell al-Amarna. A arte desse período é bastante característica, retratando os soberanos em situações cotidianas com alto grau de realismo e informalidade. Exemplo disso é uma estela de Amarna retratando a família real em uma situação informal, com demonstração de afeto entre os pais e as filhas, e adoração ao deus Aton, representado no alto da composição pelo disco solar e seus raios que banham seus adoradores reais. Prova velm ve lmen ente te ess essaa es este tela la de dest stin inav avaa-se se a um um al alta tarr part partic icul ular ar..
Nefertiti, a esposa de Akenaton, que teve papel decisivo nessa nova configuração e no culto a Aton, foi imortalizada por um busto sob a guarda do Museu de Berlim. Essa escultura é considerada uma das obras primas do estilo Amarna. Segundo Janson (1984, p.64), ela quebra a “rigidez da imobilidade tradicional. Não só os contornos mas também a configuração plástica parecem mais flexíveis e descontraídos, antigeométricos”. Com a morte de Akhenaton, instituiu-se um período de convulsão popular contornado pela ação dos sacerdotes de Amon. Eles se encarregaram de destruir Amarna, os templos a Aton, perseguir os antigos adeptos e afastar os sucessores de Akhenaton. Denominado de rei herético, tentaram apagá-lo da história do Egito apagando todas as inscrições que trouxessem seu nome. A capital retornou a Tebas e o clero de Amon restabeleceu o poder. A liberdade artística Busto da rainha Nefertit. Amarna, Egito, c. 1.350 a.C. Museu de desse período contudo, abriu novos caminhos para a arte egípcia. Berlim, Alemanha.
A arte arte egí egípci pciaa resi resisti stiuu à dom domina inação ção per persa sa (52 (525-4 5-404 04 a.C a.C),), à conq conquist uistaa de de Alex Alexand andre re (33 (3322 a.C a.C.), .), ao per períod íodoo ptolomaico (332-30 a.C) e à dominação romana iniciada em 30 a.C. A ruptura final veio no séc.IV d.C. com a ascenção do Cristianismo a religião oficial e exclusiva do Império Romano. Romano. A partir par tir de então os templos egípcios foram fechados, o conhecimento da escrita hieróglifica e a tradição da arte egípcia foi desaparecendo.
Atividade complementar complementar 1. .A partir do exposto, como você definiria arte?
2. Discuta o sentido da arte na pré-história a partir das suas características.
3. Podemos considerar a arte persa como globalizante dentro do conceito de mundo na Antigu Ant iguida idade? de? Por quê quê??
4. .Por que podemos considerar a arte egípcia uma arte para a eternidade e não uma arte da morte?
5. De modo geral, nessas primeiras civilizações, qual era o principal propósito da arte?
Saiba Mais! Estante do historiador
O que é arte - Escrito por Jorge Coli e editado pela Brasiliense na coleção Primeiros Passos. Esse livro aborda sobre o conceito de arte através do tempo e espaço. Uma interessante re flexão sobre o tema. Cinema e história Príncipe do Egito – Produção norte-americana da
Dreamworks dirigida por Brenda Chapman, Simon Wells W ells e Steve St eve Hickne H ickner,r, lança l ançado do em e m 1998. 19 98. É uma um a versão ver são da história do Êxodo, da libertação libertaçã o dos judeus por Moisés. Essa animação consegue retratar visualmente a arte ar te e o ambiente egípcio do Novo Império.
ARTE CLÁSSICA E NASCIMENTO NASCIMENTO DA ARTE CRISTÃ Nesse segund segundoo tema serão serão investigadas investigadas as as manifestações manifestações artísti artísticas cas no mundo mundo greco-roma- no. Serão abordados os antecedentes minóicos e micênicos até o esplendor da arte grega. A seguir, seguir, veremos veremos a trajetória trajetória da arte romana romana a partir dos etruscos etruscos.. E, por fi m, m, a nova con fi guraçã guraçãoo artística artística impost impostaa pela pela ascenção ascenção do do Cristiani Cristianismo smo no no Império Império Romano Romano..
CRETA E O MUNDO EGEU O Mundo Egeu compreende as sociedades que se desenvolveram na Antiguidade na região continental e insular banhada pelo Mar Egeu. Duas grandes civilizações floresceram e dominaram a área: a Minóica ou Cretense e a Micênica.
Mapa da Grécia Antiga
Arte minóica ou cretense
A Civilização Minóica ou Cretense (2.600-1.460 (2.600-1.460 a.C) estava estava sediada na Ilha Ilha de Creta. O termo minóico é derivado do Rei Minos. Segundo a lenda, o primeiro Minos era filho da princesa fenícia Europa e do deus Zeus, que a raptou e seduziu sob a forma de um touro. A lenda do Minotauro é desta região. A civilização minóica era talossocrática, ou seja, tinha um governo baseado no domínio marítimo marítimo.. Sua economia estava baseada no comércio marítimo. Pouco se sabe de sua cultura, pois sua escrita não foi ainda decifrada. Pelos registros iconográficos nas cerâmicas e construções é frequente a representação de esportes como a tauromaquia e as figuras femininas, dentre as quais muitas delas são deusas e sacerdotisas. A sua ascendência termina com o domínio da civilização micênica. Na arquitetura, o principal exemplar é o Palácio de Cnossos, chamado de Palácio de Minos. Ocupando uma vasta área, repleto de aposentos aposentos,, não é um edifício imponente como os palácios assírios e persas. Essa construção constr ução de alvenaria com colunas de madeira, teto baixo, possuía vários níveis, muitos pátios para o arejamento e um sistema de tubulação para água e esgoto, havendo uma sala de banho. As pa pared redes es in inte terio riores res do Palá aláci cioo de de Cno Cnosso ssoss era eram m pro profu fusasamente decoradas com flores, cenas de tauromaquia, dança, cenas Palácio de Minos. Cnossos, Creta. palacianas, sendo a vida marinha o principal tema. A composição não apresenta perspectiva, as figuras são representadas segundo a lei da frontalidade egípcia, com forte contorno nas formas, possuindo contudo, um caráter nitidamente decorativo e não narrativo. É uma arte para agradar os sentidos, explorando o movimento rítmico e ondulatório, utilizando cores vivas e contrastantes. As principais cores usadas eram o vermelho, azul e o branco, estando presente da paleta desses artistas desconhecidos também o amarelo ocre, o marrom, o verde, o rosa. O afresco de tauromaquia ou do Toureiro é o maior e o mais movimentado. Esse representa um jogo ritual, tendo ao centro uma figura mas- Afresco de tauromaquia tauromaquia do Palácio Palácio de Minos. Minos. culina que faz acrobacias sobre o touro sagrado, sag rado, ladeado por duas Cnossos, Creta. Museu Arqueológico de Creta. figuras femininas, possivelmente sacerdotisas, pintadas com pele mais clara (convenção cromática utilizada na arte egípcia). Enquanto a pintura mural minóica traz uma nítida in fluência egípcia, sem o hieratismo, a pintura cerâmica minóica é bastante singular. Segundo Janson (1984, p.86), entre 2.000 e 1.700 a.C “Creta desenvolveu um tipo de cerâmica célebre pela perfeição técnica e pelos dinâmicos motivos decorativos em espiral” que posteriormente “deram lugar a um novo repertório inspirado na vida animal e vegetal”. O tema dominante mais uma vez são as cenas marinhas, representados com muito movimento, a final Creta é uma ilha e sua economia estava centrada no comércio marítimo. Poucas esculturas foram encontradas. Não há esculturas grandiosas. g randiosas. Sua Vaso aso do Polvo. Polvo. Palaikastro Palaikastro,, Creprodução é formada, principalmente, por figuras de argila ou terracota e ou- V tros materiais locais. Os temas recorrentes foram animais e figuras femininas. ta, c. 1.500 a.C. Alt. 28,0 cm. Essas figuras femininas são identificadas como deusas e/ou sacerdotisas. ToTo- Museu de Heraklion, Creta. das essas figuras femininas de cintura de vespa, trazem os seios nus, levando a crer ser essa a indumentária feminina cretense. A estatueta denominada Deusa das Serpentes segura nas mãos duas serpentes. A serpente, em muitos cultos, está associada às divindades da Terra e à fecundidade masculina (como a Grande Píton grega e a relação das pitonisas com o deus Apolo). Questiona-se se essas imagens eram de culto ou votivas, se eram deusas ou sacerdotisas. Não foram encontradas essas imagens
fora de Creta. Quanto ao estilo delas, Janson (1984, p.87) acredita numa in fluência dos orantes da Mesopotâmia devido à “forma acentuadamente cônica da figura, os olhos enormes e as espessas sobrancelhas arqueadas que sugerem um parentesco – remoto e indireto, possivelmente possivelmente por via da Ásia Menor”.
Deusa das Serpentes, terracota, c. 1.600 a.C. Altura: 34,0 cm. Museu Arqueológico de Creta.
Arte micênica
A Civilização Civilização Micênica Micênica (1.600 a 1.100 a.C), deriva deriva da cidade de Micen Micenas, as, localizada localizada na Grécia continental, a 90 km do sudoeste de Atenas. Acredita-se que os aqueus, povos nômades indo-europeus, mais evoluídos tecnologicamente, tecnologicamente, que migraram migr aram para a Grécia por volta do séc.XVI a.C originaram a civilização micênica. Segundo os estudiosos, a sociedade micênica era próspera e dominada por uma aristocracia guerreira. Seus nobres eram enterrados em grandes g randes tumbas circulares em pedra. Máscaras mortuárias em ouro e jóias foram encontradas nas sepulturas. se pulturas. Esse período termina com a invasão dos dórios, gregos greg os do norte. A arqui arquitetu tetura ra micên micênica ica tinha uma mon monument umentalidad alidadee e um militarismo que não existiam em Creta. Os palácios eram fortificações situadas sobre colinas, cercadas por muralhas defensivas.. O Palácio de Tirinte possuía grossas fensivas g rossas muralhas formafor madas por grandes blocos de pedra. Upjohn (1979, p.145) aponta aponta uma influência minóica ao descrever o palácio, a disposição das portas, pátios e salas era provav provavelmente elmente de origem minóica, assim como o tipo de colunas à entrada do palácio. A sala principal, que se seguia ao pórtico, era, sem dúvida, o megaron [sala Detalhe da Muralha do Palácio de Tirinte, principal do palácio, sala de audiências] de que nos fala Homeséc. XIV a.C. ro; tinha, ao centro, um lar sem cobertura. Vinham, em seguida, as salas das mulheres, ou thalamus, que comunicavam com megaron por meio de corredores sinuosos fáceis de vigiar. O teto das diferentes salas era feito de vigas vig as de madeira, tal como no palácio de Cnossos. As muralhas dos palácios possuíam imponentes portas por tas de acesso. Uma delas é a Porta dos Leões , em Micenas. Ela é decorada no alto com o relevo em pedra de dois leões afrontados, ladeando uma coluna cretense simbólica. Esses leões guardiões, de corpos fortes e musculosos numa composição simétrica, indicam uma influência mesopotâmica. A Por ta dos Leõ Leões. es. Acr Acrópol ópolee de d e Micen M icenas, as, c. 1.250 a.C.
Não foram encontrados vestígios de arquitetura religiosa micênica, mas há arquitetura funerária. O Tesouro de Atreu, um túmulo construído no século XIII a.C., possui o mais re finado acabamento da arte micênica, com um corte extraordinariamente preciso dos blocos de rocha. Ele possui uma falsa cúpula de 14,6 m de diâmetro e 13,5 m de altura, à qual se tem acesso por um corredor em falsa abóboda com 10,5 m de altura. Essa parte assemelha-se a uma colméia. A entrada também se dá por uma estrutura em falsa abóboda cujo formato é encontrado em algumas Tesou Tesouro ro de Atreu. Micenas, Micenas, séc.XIII séc.XIII a.C. estruturas do Egito antigo. As paredes dos palácios micênicos eram decoradas com pinturas. Os motivos diferiam muito das pinturas cretenses. Na pintura micênica aparecem guerreiros, desfiles de carros e cenas de caça e, não mais figuras leves e ágeis cretenses.
Fragmento de afresco com cena de caça do Palácio de Tirinte, c. 1.250 a.C. Museu Nacional de Atenas.
Os formatos da cerâmica micênica denotam uma influência cretense. Quanto à decoração, elas diferem, pois as pinturas micênicas são mais narra narrativas tivas que ornamentais. Os temas marítimos são recorrentes, mas sem a vivacidade minóica. Na ourivesaria são mestres como os cretenses, trabalhando o ouro com requinte e perfeição. Uma expressiva máscara funerária de um príncipe micênico, que se considerou como sendo Agamenon, rei de Micenas, Vaso cer cerâmi âmico co com gue guerrque participou da guerra de Tróia, registra a qualidade esse trabalho. reiros. Micenas.
Máscara funerária de aristocrata micênico, em ouro, séc. XVI a.C. Museu Nacional de Atenas.
ARTE GREGA
Saiba Mais! Apesar de não ser esplendorosa esplendorosa como o Egito e a Mesopotâmia, Mesopotâmia, a Grécia era uma uma boa mãe. Era uma terra rica r ica em materiais para a escultura e a arquitetura: madeira, pedras calcáreas e mármore. O ideal artístico ocidental nasceu e está vinculado à Grécia. Para efeitos didáticos, a arte grega pode ser dividida em três períodos: arcaico, clássico e helenístico.
Período Arcaico (800 a 500 a.C)
Para abordarmos a arquitetura grega, é preciso, inicialmente, expor uma de suas características principais: as ordens arquitetônicas. Uma ordem arquitetônica grega é definida a partir da coluna. A coluna é um elemento de sustentação e decoração decoração vertical de uma construção. Ela é composta composta por três partes: base, fuste e capitel. A base é o suporte da coluna, uma espécie de pedestal entre o piso do edifício e o fuste. O fuste é o corpo alongado vertical da coluna, que determina a altura da construção constr ução.. Geralmente, tem a forma cilindrica. O capitel é a parte superior da coluna, cuja característica decorativa é a mais evidente nas ordens gregas. O topo do capitel é uma placa, denominada ábaco, sobre a qual assenta o entablamento, a parte sustentada pela coluna. O entablamento é formado for mado por três elementos sobrepostos: arquitrave, friso e cornija. cor nija. A arquitrav arquitravee apoia-se apoia-se horizontalm horizontalmente ente sobre sobre os suportes suportes verticais verticais (colunas), (colunas), recebendo recebendo o peso peso sobre ela e transmitindo-o para os apoios verticais sob s ob ela (colunas). O friso, fr iso, geralmente, recebe decorações escultórias. A cornija cornija é uma moldur molduraa que serve de de coroamen coroamento to ou de element elementoo intermediá intermediário rio entre entre a parede e o teto teto..
As colunas gregas e partes de uma coluna. coluna.
No período arcaico surgiram as ordens dórica e jônica. A ordem principal foi a dórica que trazia o equilíbrio entre a solidez maciça e o refinamento namento.. A coluna não possui base, seu fuste é ornado por caneluras e não é perfeitamente cilíndrico, diminuindo da base para o topo. Segundo Upjohn (1979, v.1, p.172), os gregos consideravam a ordem dórica como uma ordem masculina, enquanto a graça da ordem jônica lhes parecia feminina. Esta, que se desenvolveu ao mesmo tempo que a dórica, é menos simples
e mais elegante. A ordem jônica, que proliferou, principalmente, nas ilhas do mar Egeu e na Ásia Menor, não se encontra com tanta freqüencia no Peloponeso e no Sul da Itália. A ordem or dem jôni jônica ca asse a ssenta-s nta-see sobre s obre uma base base,, o fus fuste te tem t em canel c aneluras uras semi semicir circula culares res mais prof profunundas e separadas umas das outras por uma estreita banda. O capitel é composto por duas volutas ou espirais unidas por linhas fletidas.
Ordens dórica e jônica. A principal manifestação arquitetônica grega gr ega desse período foi o templo templo.. Ele era composto pelas seguintes partes essenciais: cella ou naos, pronaos, antas ou antae, pteromas, peristilo. A cella ou naos era o local mais sagrado sagr ado,, onde ficava a imagem do deus protetor do templo templo.. O pronaos era uma área intermediária acessado através de duas colunas centrais ladeadas por pilastras que formavam o pórtico de entrada, as antas ou antae. Os pteromas eram as passagens laterais do templo, externas à cella. O peristilo
Planta de um templo grego típico típico..
era o conjunto de colunas (colunata) externo assentado sobre o estilóbato (piso final). Um dos primeiros grandes templos gregos foi o Héraion de Olímpia, um templo dedicado à deusa Hera. Nesse templo, originalmente as colunas eram de madeira e foram sendo substituídas por colunas dóricas de pedra. Ele é três vezes mais comprido do que largo, larg o, possuindo seis colunas à frente e atrás, e nos lados tinha dezesseis colunas. Templo de Hera ou Héraion de Olímpia, Grécia, c. 600 a.C.
Na escultura arcaica grega os tipos mais característicos são as figuras humanas femininas denominadas koré e as masculinas chamadas kouros. As primeiras esculturas gregas assemelham-se às egípcias pelo caráter maciço,, ombros largos, punhos cerrados, perna esquerda adiantada, tratamento maciço tratamento do cabelo, cabelo, gestualidade. Entretanto, as esculturas gregas arcaicas são as mais antigas representações humanas de vulto redondo em pedra (plenas, soltas da pedra, sem qualquer apoio, diferentes das esculturas egípcias), em tamanho natural, de pé. Segundo Janson (1984, p.100), algumas trazem o nome do escultor (fulano de tal... me fez) ou inscrições dedicatórias quando eram ex-votos. É difícil determinar se elas representam o doador, uma divindade ou qualquer pessoa favorecida pelos deuses, como, por exemplo, o vencedor dos jogos jog os atléticos. Outras eram colocadas nas sepulturas, mas não devem ser vistas como retratos; são representações re presentações convencionais, convencionais, imagens impessoais. A estranha ausência de diferenciação é uma característica essencial destas figuras. Nem são deuses nem homens, mas seres intermédios, tipos de um ideal de perfeição física e de vitalidade, de que participam igualmente os mortais e os imortais, tal como os heróis homéricos que ora vivem viv em nos nos domínios domínios da Históri Históriaa ora nos da da Mitolog Mitologia. ia. As esculturas ditas koré (que significa mulher jovem) são severas, estão sempre vestidas, originalmente trazem a mão esquerda estendida para a frente como que ofertando um objeto votivo, apresentam, muitas vezes, vezes, vestígios de policromia. A escultura de Hera em Samos segue a tradição da Koré, sendo que parece uma coluna que recebeu forma humana. Esculturas arcaicas: Koré de Auxerre, séc. VI a.C; Hera de Samos em mármore, c. 560 a.C; Koré com peplos dóricos em mármore, c. 530 a.C.
O kouro, diferentemente da koré, está sempre nu. As formas são vigorosas e compactadas, os músculos e a rótula do joelho são acentuados. Em muitos exemplares os punhos estão ligados às coxas. O cabelo é estilizado. Do rosto, destacam-se os olhos grandes que procuram fitar os observadores.
Quanto à pintura no período arcaico, dos murais e painéis quase nada restou. A pintura cerâmica é que nos fornece uma riqueza de exemplares. Sua decoração é essencialmente figurativa. A temática temática englob englobaa cenas mitoló mitológic gicas as,, lendas lendas e vid vidaa cotidian cotidiana. a. Janson Janson (1984, (1984, p.97 p.97)) Kouros em márressalta que
more, c. 525 a.C. Alt.: 1,96m. Museu Nacional de Atenas, Grécia.
a qualidade artística de muitos exemplares é elevada, sobretudo nos de Atenas, cuja beleza merecia tal estima que os melhores ostentam, com freqüência, a assinatura dos seus autores (a partir dos meados do séc. VI). Indício certo de que os artistas
– oleiros oleiros e pintores – sentiam orgulho pelo seu trabalho e chegavam chegavam a ganhar fama pelo estilo pessoal. Para nós, tais assinaturas pouco dizem ou não passam de etiquetas comodas, exceto quando conhecemos o bastante da obra de um artista para ter um vislumbre da sua personalidade.
Pintura externa de taça cerâmica ática assinada pelo pintor Douris, c. 485 a.C. Museu de Berlim, Alemanha.
Período Clássico (500 a 336 a.C)
O século V a.C é o século áureo da Grécia, em especial para Atenas. Foi o século de Péricles, do apogeu da democracia escravista, do florescer da cultura e da arte. Além do expansionismo comercial, Péricles favoreceu as grandes construções púlicas em Atenas como forma de gerar empregos, reduzindo as tensões sociais. Sob seu governo foram realizadas as grandes g randes obras primas da arte grega. A arquitetur arquiteturaa desse período período caracteriz caracteriza-se a-se pela pela sobriedade sobriedade.. O Parthenon (moradia da virgindade) é um templo dedicado a Palas Atena, deusa protetora da cidade. Ele é considerado o mais belo templo da Grécia. Seus autores, Ictinos e Calícrates, busca vam a perfeição e, para tal, empregaram uma série de correções óticas para criar a impressão de estabilidade. Inteiramente em mármore, a proporção usada entre seu comprimento e sua largura está na razão de quatro por nove nove.. Sua fachada é composta por Parthenon (447-432 a.C). Mármore. Dimenoito colunas e suas laterais possuem dezesseis colunas. A ordem sões: 31,0 x 70,0 m. Atenas, Grécia. arquitetônica utilizada foi a dórica. Fídias esculpiu seus frisos e a estátua dourada da deusa Atena, com 12 metros de altura. O Erectheion, um templo construído na extremidade setentrional da Acrópole ateniense, frente ao Parthenon, é atribuído a Mnesicles. Ele é considerado o apogeu da ordem jônica. Dedicado à deusa Atena, possui dois pórticos. O pórtico sul é o Pórtico ou Varandim das Cariátides (estátuas-colunas em forma feminina). Do friso decorado pouco restou. Datam do século IV a.C. os mais famosos teatros greErectheion (421-405 a.C.). gos. O teatro era composto por 3 partes: uma cena, a orquestra (espaço circular ou semicircular central, onde ficava o coro) e um semicírculo de degraus onde ficava a platéia. No final do século V a.C surge a ordem coríntia, mais decorada. Seu capitel característico, assemelha-se a um sino invertido, traz duas fileiras horizontais de folhas de acanto e no alto volutas enroladas duas a duas sob o ábaco. Essa ordem foi aplicada no Templo T emplo de Apolo Apolo em Bassae. A escul escultura tura e a pintu pintura ra eram manifestações manifestações antropocêntica antropocênticass Teatroo de d e Epida E pidauro uro (me (meado adoss do d o sécus écude alto realismo, de grande perfeição nas formas. Fídias e Miron Teatr lo IV a.C).
foram os maiores expoentes na estatuária. Segundo Upjohn (1979, p.181), “o escultor grego experimentava continuamente.. Contrariamente ao que se passava no Egito, a tradição artística não tinha um papel limitativo”. continuamente A estatuá estatuária ria monu monumen mental tal em movim moviment entoo foi uma das das mais inter interessa essante ntess realizaç realizações ões desse desse períod períodoo. Os seus mais representantivos exemplares foram uma escultura de Poseidon e o Discóbolo de Míron. O Poseidon (para alguns seria Zeus) em bronze, um nu masculino com mais de dois metros, traz o deus em uma posição de arremesso (o tridente se for Poseidon ou o raio se fou Zeus), um movimento magni ficamente capturado ca pturado..
1- Poseidon ou Zeus em bronze, c. 460-450 a.C. Alt.
2,09m. Museu Nacional de Atenas. 2- Discóbolo em mármore. Cópia romana de um original grego de bronze, c. 450 a.C., de autoria de Míron. Altura: 1,55 m. Museu Museu Nacional de Roma.
O Discóbolo, Discóbolo, o atleta lançador de disco, foi criado pelo escultor Míron. Retrata o movimento de lançamento através da torsão do tronco, a elevação do braço direito e a posição das pernas. Ele reflete “o domínio do movimento nas estátuas de vulto redondo”, que “veio exercer uma influência libertadora na escultura dos frontões, dotando-a de um novo sentido espacial, de fluidez e equilíbrio” (JANSON, 1984, p.130). Não há pinturas murais nem painéis deste período, apenas pintura cerâmica. A pintura cerâmica foi perdendo qualidade, entrando em decadência no final do séc. V a.C. Para Janson (1984, p.97), pouco a pouco “se perdeu o hábito de assinar as peças, tal como declinavam declinavam as ambições destes pintores cuja época fora o Período Arcaico, até c. 475, quando os melhores gozavam de prestígio igual ao dos outros artistas”. ar tistas”. Os melhores exemplares desse período são os lekythos, pequenos jarros para azeite, usados para ungüentos e como oferendas funerárias. Esses jarros possuíam um revestimento em branco onde era aplicado o desenho decorativo. O melhor pintor de lekythos foi o artista ar tista conhecido pela alcunha de “Pintor de Aquiles”. Seu desenho é de grande qualidade e vivacidade, imprimindo Lekythos decorado pelo Pinprofundidade nas formas e dinamismo à composição. Período Helenístico (336 a 146 a.C)
tor de Aquiles. Cerâmica ática, c. 450-440 a.C.
Nesse período, a mentalidade grega foi profundamente modi ficada. Marcado pela cultura grega, Alexandre, o Grande, (356-323 a.C.), que teve como mestre o grande filósofo Aristóteles, realizou com a sua conquista do mundo um processo de fusão das culturas grega e orientais que se configurou num estilo chamado helenístico. Seus principais representantes encontram-se expressos na arte escultórica. Nesse período, “o escultor torna-se cada vez mais livre; ele já não tem de limitar-se a um certo número de tipos bem definidos e, a partir de então, pode representar a velhice ou a infância, dedicar-se às cenas de costumes inspiradas na vida quotidiana, utilizar francamente o relevo com finalidade narrativa ou des-
critiva” (JANSON, (JANSON, 1984, p.245). A arte helenística é marcada pela dramaticidade, pelo sentimento sentimento.. O Gaulês moribundo reproduz detalhadamente os traços físicos, o rosto e o cabelo. Também acrescenta o torques, um colar típico dos celtas. Despido, ferido, derrotado, de cabeça baixa, tentando apoiar-se no braço direito, esse guerreiro em sua agonia final possui uma dramaticidade pungente. Surpreendentemente, a famosa Venus de Milo não é uma obra do período clássico. cláss ico. Embora Embora seja a ex- Gaulês moribundo. Cópia romana de original de bronze de c. 230-220 pressão da beleza e perfeição, obedecendo ao cânones um a.C, de Pérgamo. Mérmore, tamanho das proporções de Lisipo, ela é uma obra helenística natural. Museu Capitolino, Roma. não só por ter sido realizada nesse período. Ela não é uma figura femina idealizada, ela foi retratada com muito realismo, detalhamento,, individualização, marcas do helenístico. detalhamento De maior efeito dramático é a Nike (Vitória) de Samotrácia, uma escultura comemorativa dessa batalha. A vitória militar é personificada numa figura feminina, representada sobre a proa de um navio proclamando a sua glória. Essa escultura é puro movimento. O vento parece soprar imprimindo animação, dicor po.. Vênu Vê nuss de Mi Milo lo,, em má mármor rmore, e, séc sécuu- nâmica à sua veste, que se cola ao corpo los III-II a.C. Altura: 2,02m. Museu do Louvre, Paris, França.
Vitória Vitór ia (Ni (Nike ke)) de Sam Samotr otráci ácia. a. Mármore, c. 200-190 a.C. Alt: 2,41 m. Museu do Louvre, Paris, França.
ARTE ETRUSCA E ROMANA Arte etrusca
Os etruscos ocupavam a planície da Etrúria, entre os rio Arno e Tibre e a Ilha de Elba. Provavelmente ,eram originários da Ásia Menor. Possuíam escrita, viviam em cidades-estados (lucomonias), tinham agricultura desenvolvida, artesanato de alto nível e um intenso comércio marítimo com o sul da Itália, Sicília e Cartago Cartag o (antiga colônia fenícia). Eram o povo mais avançado e poderoso da região. Por volta do séc.VII a.C, os etruscos etr uscos iniciaram a sua expansão territorial pela Itália e ocuparam o Lácio, terra dos latinos. Roma Roma foi governada por reis rei s etruscos por cerca de um século até a instauração da República em 510 a.C. Portanto, a arte etrusca está na base da arte romana. Embora pouco reste da arquitetura etrusca, vestígios e documentos indicam que os etruscos foram grandes mestres na engenharia arquitetônica, no urbanismo, na topogra fia, na construção de pontes, sistemas de drenagem, aquedutos e fortificações. A Porta Augusta Augusta é prova prova desta maestria. Essa entrada fortificada, datada do século II a.C., é maciça e imponente. Porta Augusta, Perúgia, séc. II a.C. Nela, pela primeira vez, o arco pleno é integrado a uma ordem
arquitetônica grega (no caso, dórica), combinação que posteriormente os romanos desenvolveriam com grande variedade (JANSON, 1984, p.152). Da arquitetura religiosa, religiosa, só restaram os alicerces de pedra, uma uma vez que eles eram construídos em madeira. Seu traçado apresenta nítida in fluência dos templos gregos mais simples. Quanto à arquitetura funerária assemelham-se ao conceito de residências para o além. A câmara funerária de Cerveteri Cer veteri foi escavada na rocha e reproduz o interior de uma residência etrusca, incluindo o travejamento travejamento do teto. Janson Janson (1984, p.149) descreve outros detalhes como os robustos pilares (notem-se os capitéis, que lembram o tipo eólio, da Ásia Menor), tal como a superfície das paredes entre os nichos, estão cobertos de reproduções exatas de armas, armaduras, utensílios, pequenos animais domésticos e bustos do falecido. Neste cenário, o demônio das pernas serpentiformes [demônio da morte] e o seu cão tricéfalo (Cérbero, o guardião dos portões infernais), parecem ainda mais inquietantes inquietantes.. Câmara funerária. Cerveteri, séc. III a.C.
Na escultura, o enfoque são os retratos. Enquanto na escultura funerária (Sarcófago de Cerveteri) eles são impessoais, por volta de 300 a.C, sob a influência grega, a individualização e a busca pela semelhança com o retratado começaram a aparecer na escultura etrusca. Da pintura etrusca restaram os murais dos túmulos. De forte influência grega, apresenta um colorido vivo e um movimento rítmico. A perspectiva inexiste, é sacrificada pelo dinamismo e vivacidade. Os temas são cenas cotidianas, cenas de caça, pesca, dança.
1- Sarcófago em terracota, Cerveteri, c. 520 a.C.
Comprimento de 2,0 m. Museu Nacional da Villa Giulia, Roma, Itália. 2- Afresco de um túmulo t úmulo etrusco, Tarquínia, Tarquínia, Itália,
530-520 a.C.
Arte romana
Saiba Mais! Herdeira da arte etrusca e influenciada pela arte grega, a arte romana pode ser dividida em dois períodos: período republicano e período imperial.
Período republicano republicano (509 a 31 a.C.)
Em 509 a.C, os romanos depuseram o último rei etrusco, Tarquínio, o Soberbo. Os patrícios revoltaram-se com a dominação etrusca e a tirania do rei, assumindo o poder e instituindo a República. A arquitetura arquitetura é a expressão expressão da arte romana romana por excelência. excelência. No final do séc.I a.C., novos materiais e métodos construtivos foram utilizados. Arcos, abóbadas, cúpulas, tijolo, betão e outros foram combinados. Na arquitetura religiosa destacam-se o Templo da Fortuna Virilis e o Santuário da Fortuna Primigênia. O templo romano necessita de maior espaço interno, pois, além de abrigar a estátua es tátua do deus ao qual
é dedicado, servia para local de exibição de troféus recolhidos pelo exército romano em suas conquistas. O Templo da Fortuna Virilis, consagrado a Portunus, deus romano dos portos, foi construído no século II a.C. Ele mescla as colunas jônicas e entablamento gregos a elementos etruscos como o profundo pórtico e a larga cella onde estão as colunas do peristilo. Assim, segundo Janson (1984, p.156), este templo representa, portanto, um novo tipo definido, de edifício religioso delineado de Templo da Fort Fortuna una Vir Virilis. ilis. Roma Roma,, sécus écuacordo com as exigências lo II a.C. romanas e não um arranjo fortuito de elementos gregos greg os e etruscos. etr uscos. Por Por um longo tempo, serviu de modelo a muitos outros (em regra maiores e de colunas coríntias) até ao séc. II d.C., quer na Itália quer nas capitais de províncias. A construção mais impressionante impressionante desse período é o Santuário da Fortuna Fortuna Primigênia, em PalestiPalestina, nas colinas do sopé dos Apeninos, no leste de Roma. Ele foi construído sobre uma antiga fortaleza etrusca, datando do século I a.C. As grandes dimensões e a forma for ma como a construção foi adaptada ao local lhe conferem imponência que será a marca do período imperial que se anuncia. Roma herdou dos etruscos a tradição do retrato, tanto o funerário como o comemorativ comemorativoo privado e público.. Desde o início da República, os destacados blico líderes políticos e militares eram glorificados Santuário da Fortuna Primigênia. Palestrina, através de esculturas colocadas em locais pú- século I a.C. blicos. Esse hábito iria continuar no período imperial. No período republicano um dos mais característicos exemplares é a estátua de bronze conhecida como L’Arringatore ou O Orador, que traz a inscrição etrusca etr usca “Aule “Aule Metele”, provavelmente provavelmente o nome da pessoa retratada. Para Janson (1984, p.166-167), a sua execução é manifestamente etrusca, como c omo o atesta a inscrição, mas o gesto, que tanto parece de discurso como de saudação, reaparece em centenas de estátuas romanas da mesma espécie; e o trajo também é romano: um tipo antigo de toga. Pode suspeitar-se, portanto, que o nosso escultor procurou seguir um gênero romano, bem estabelecido, de estátua-retrato, não só nestas exteriorizações como no estilo. Com efeito, pouco encontramos aqui do sabor helenístico que caracteriza a última fase da tradição etrusca. O que torna notável esta figura é a sua qualidade prosaicamente concreta, até na L’Arringatore (O Orador) em bronmeticulosa reprodução dos atilhos das sandálias. ze, século I a.C. Alt: 1,80m. Museu Arqu Ar queol eológi ógico co de Flo Floren rença ça,, Itál Itália. ia. Há poucas pinturas desse período. Geralmente são pinturas murais. “O pintor romano não domina de modo sistemático a profundidade espacial e a sua perspectiva é de puro acaso e sem Paisagens da Odisséia: consistência interna” interna ” (JANSON, (JANSON, 1984, p.187). p.187). A Ulisses na terra dos série de pinturas murais conhecidas como Paisa- Lestrigonios. Afresco uma casa do Monte gens da Odisséia traz as figuras humanas con- de Esquilino, Roma, 50trastando com o pálido cenário, traçadas com 40 a.C. Museu Profacontornos, tendo as formas modeladas com no, Vaticano, Roma. sombras e toques de luz.
Período imperial imperial (27 a.C a 476 d.C.) d.C .)
A pax romana trouxe trouxe benefícios a todos, todos, sobretudo aos romanos. romanos. Mercadorias de várias partes do mundo afluíam para Roma. Eram gêneros de primeira necessidade e artigos de luxo. A prosperidade e o elevado número de escravos aumentavam o ócio. Os ricos entretinham-se em banquetes opulentos e divertimentos exóticos. exóticos. Custeado pelo Estado, o povo recebia alimento e assistia aos jogos e as lutas violentas. A política do pão e circo fora mantida e incrementada. Era a degeneração dos costumes romanos r omanos.. Os resultados embora não imediatos, quando se revelaram, foram catastróficos.
Saiba Mais! Segundo Françoise Choay (2006, p.33),”os objetos gregos espoliados pelos exércitos romanos começam por entrar discretamente no interior de algumas residências patrícias, mas seu status muda no momento em que Agripa pede que as obras entesouradas no recôndito dos templos sejam expostas à vista de todos, à luz viva das ruas e dos grandes espaços públicos”. Apesar de tod Apesar todas as as influências recebidas das várias regiões do Império Romano, Romano, a arte ar te romana apresentou características próprias como a alta qualidade da engenharia e o sentido de ordem e permanência. Dentro do programa de propaganda do Império Romano, a arte era o principal veículo, tendo a arquitetura um papel destacado. Por todos os domínios romanos foram construídos foros, basílicas, termas, arcos triunfais, teatros, anfiteatros, templos e santuários. Todas essas obras púbicas são marcadas pelas grandes dimensões, qualidade superior dos materiais, profusão decorativa. O objetivo era mostrar a grandeza de Coliseu. Roma, 71-80 d.C. Roma. Dentro dessa proposta foi construído, no período dos imperadores Flávios, o Coliseu de Roma, o maior anfiteatro romano. Esse edifício de quatro andares traz arcos decorados com uma arquitetura de ordens gregas sobrepostas dispostas de baixo para o alto da seguinte forma: ordem dórica, ordem jônica e ordem coríntia. O uso de arcos, abóbodas e betão permitiu aos romanos a criação de amplos espaços interiores. Exemplo dessa tecnologia é o Pantheon, construído entre 118 a 125 a.C., na época do imperador Adriano. Adriano. De planta redonda, esse templo dedicado a todos os deuses tem como características marcantes: uma cúpula esférica, uma relação proporcional entre altura e largura, uma abertura circular no alto, ao centro (que podia ser fechada com um postigo de bronze, para 1- Pantheon. Roma, controlar a temperatura do ambiente. 118-125 a.C. Quanto às residências romanas, existiam dois ti2- Interior do Panthepos principais de arquitetura domestica: domus e insula . on. Roma, 118-125 a.C. A domus domus era a casa urban urbanaa das das famílias famílias mais abast abastadas adas.. Era a morada de uma única família. Geralmente possuía um pavimento único. Sua planta retangular é centrada no atrium , sala central ou ablonga iluminada por uma abertura no telhado ( impluvium partir do qual se distri distribuem buem os div diversos ersos cômo cômodos dos.. No atriu atrium m ficavam impluvium ), a partir as imagens-retratos dos antepassados. Abaixo do impluvium ficava o compluvium, um tanque que recolhia a água das chuvas chuvas.. Como não havia janelas, a residência ficava isolada da rua, garantindo a privacidade dos
habitantes abastados. Além da domus, os privilegiados contavam com a alternativa das vilas urbanas (uma opção mais suntuosa nas cidades) e as vilas rústicas (uma espécie de veraneio para os proprietários da capital ou residência de estilo para os proprietários fora dos grandes centros urbanos. A insula era como um bloco habitacional popular. Esses edifícios de andares, ou conjunto de edifícios de andares, construídos com betão e tijolo tijolo,, possuíam um pequeno pátio central. No pavimento térreo fica vam as lojas lojas,, casas casas de de pasto pasto,, etc. etc. Nos andare andaress superio superiores res ficavam as várias residências avarandadas. Algumas insula chegaram a ter cinco andares. Sem privacidade, “a vida quotidiana dos artífices e dos empregados do comércio que lá moravam estava orientada para a rua” r ua” (JANSON, (JANSON, 1984, p.164).
Planta de uma residência romana tipo domus durante o Império Romano Romano..
Quanto à tradição retratística da escultura, no período imperial “o ideal de beleza física expresso pelo nu artístico e o ideal de perícia militar representado represe ntado pelo guerreiro de couraça, são encontrados lada a lado à representação tradicional do cidadão romano vestindo a toga de todo dia” (STRONG, 1966, p.131). Dentro dessas características está a escultura do imperador Augusto. Em sua representação, a figura do imperador é divinizada. Segundo Janson (1984, p.168-169), a idéia de atribuir uma grandeza sobre-humana ao imperador e de realçar, assim, a sua autoridade cedo se tornou política oficial e, embora Augusto não tenha ido tão longe como ao que lhe sucederam, a estátua de Primaporta apresenta-o claramente envolvido por uma aura de divindade Augusto, de Primaporta, em Dentro do espírito propagandístico imperial, além das esculturas ple- Augusto, nas, estavam os relevos comemorativos. Merece destaque a Coluna de Trajano, mármore, Altura de 2 m. Muerigida para celebrar as campanhas vitoriosas do imperador sobre os Dácios seus do Vaticano, Roma.
(antigos habitantes da Romênia). Essa narrativa é contada através de baixos relevos, dispostos em faixa contínua ascendente em espiral, que revestem toda a superfície da coluna. No alto da coluna ficava uma estátua do imperador e a base servia para guardar as suas cinzas.
Coluna de Trajano e detalhes, em mármore. Altura de 37,5m. Roma, 106-113 d.C.
Pintura mural de jardim, Villa de Lívia. Primaporta, c. 20 a.C. Museo delle Terme, Roma, Itália.
A pintura mural desse período é marcada pela tendência ilusiva. Sem molduras, as cenas pintadas visam não imitar a realidade, mas mas criar ilusões visuais integradas à realidade. As As pinturas da Villa de Lívia, em Primaporta exemplificam essa intencionalidade intencionalidade.. Quanto à tradição do retrato, há um impressionante conjunto de retratos na região de Faium, no Egito.. Os mais antigos foram datados como pertencentes ao séc. II d.C. Seguem a tradição da arte funerária Egito egípcia, no costume de fixar o retrato do defunto ao seu corpo mumificado. Janson (1984, p.189) ressalta a espantosa frescura das cores é devida à técnica utilizada, a encáustica, na qual os pigmentos de cor são misturados com cera derretida. A mistura pode ser opaca e espessa, como na pintura a óleo, ou translúcida e fluida, e aplica-se a quente, sendo de grande duração. (...) Executados rapidamente e em grande número, tendem a apresentar muitos elementos comuns, tais como a acentuação dos olhos, a distribuição das sombras e das luzes, o ângulo de pose. Nos exemplos tardios, estes elementos convencionais ganham, cada vez mais, a rigidez de um tipo fixo, mas aqui eles proporcionam um molde flexível onde a semelhança individual se não perde.
Retrato de mulher, época romana. Encáustica. Faium, Egito, 50-100 d.C. Museu Britânio, Londres, Inglaterra.
ARTE PALEOCRISTÃ A arte do período das primeiras primeiras manifestações da arte cristã, cristã, até o século V a.C., a.C., é de- nominada Paleocristã Paleocristã ou Arte Cristã Primitiva. É também denominada Cristandade Clássica, pois se refere à sua expressão sob o Império Romano. Há dois momentos dessa arte: a fase de perseguição (até 313 d.C) e a fase de o fi cialização cialização (313 – 476 d.C).
Fase de perseguição (até 313 d.C)
Durante esse período de perseguição pers eguição ao Cristianismo pelo Império Romano, o culto e as manifestações artísticas cristãs eram er am realizados de modo furtivo fur tivo,, escondido. Nessa fase, em que a religião ainda não está institucionalizada formalmente, há poucos recursos e a exposição é evitada, a arte cristã floresce nos subterrâneos romanos, ou seja, nas catacumbas através da pintura mural. Nelas, o programa iconográfico cristão vai sendo construído. Em busca de uma identidade, são rejeitados os temas da arte oficial imperial pagã. Temas seculares da arte greco-romana são revestidos de um significado simbólico novo, dentro da doutrina cristã. Segundo Janson (1984, p.195), “o pintor das catacumbas utilizou este léxico tradicional para traduzir um novo conteúdo, simbólico, e a significação original das formas pouco lhe interessa”. Um dos primeiros temas a ser representado foi a figura do Bom Pastor. Tomado da arte pagã, o Bom Pastor recebe uma nova leitura simbólica a partir da parábola do Novo Testamento, Testamento, identificando-o como o Cristo Redentor, o pastor que se sacri Jesus como o Bom Pastor Pastor.. Catacumba de Domifica por seu rebanho. Esse tema será bastante representado por tilla, cripta de Lucina, c. 200 d.C. toda a arte paleocristã em pintura e escultura. Além Al ém da dass pi pint ntura uras, s, ex exist istem em na nass ca cata tacu cumb mbas as to tosca scass in inci cisõ sões es sobre as paredes que trazem representações simbólicas cristãs como âncoras, peixes, cestos cheios de pães e videiras com pássaros bicando-as e o crismon (monograma de Cristo formado por um X cortado verticalmente por um P). Essas também são representadas nas pinturas, bem como a figura humana orante (homem ou mulher, com os braços levantados, simbolizando a alma do morto). O peixe passou a ser um emblema de Cristo, pois peixe em grego (ichtus), forma as iniciais da frase: “Jesus Dois peixes e âncora. Catacumba de Domitilla, Cristo de Deus Filho Salvador”. Numa das inscrições da Cata- século III d.C. cumba Domitilla há uma combinação de cruz com âncora, emblema da fé e da esperança, junto a dois peixes. Fase de oficialização (313 – 476 d.C)
A pa parti rtirr do Ed Edititoo de Mi Milão lão,, em 31 3133 d. d.C. C.,, o im impe perad rador or Co Cons nsta tant ntin inoo co conc nced edee a lilibe berd rdad adee de cu cultltoo ao aoss cri crist stão ãoss até então perseguidos. Era o triunfo do Cristianismo, cuja arte iria emergir da escuridão das catacumbas. Os fiéi éiss agora podem celebrar livremente os seus cultos. Mas, onde? Não havia até então nenhum espaço construído para tal. Como o imperador tivesse se convertido ao Cristiansmo, ele próprio iniciou um programa de construção das primeiras igrejas cristãs por todo o Império, denominadas basílicas paleocristãs. Essas edificações baseiam-se nas plantas dos templos, incorporando o átrio das casas romanas a novas con figurações. Assim essas igrejas eram formadas por: átrio, nave e abside O átrio era um grande pátio ladeado de pórticos, cujo lado oriental, ligado à igreja, formava for mava um vesvestíbulo, o nártex. No interior da igreja propriamente dita estava a nave, área destinada aos fiéis. Por fim, a ábside, nicho ou espaço semicircular, onde ficava o altar. Além Alé m da pla planta nta ret retang angula ular,r, hav havia ia a ig igre reja ja de planta redonda ou poligonal (planta centraPlanta de basílica cristã. 1-ábside; 3 – altar; 5 – átrio; da) e cúpula, inspirada inspir ada no Pantheon romano. A 6- Batistério ou fonte. Igreja de Santa Costanza “mostra uma clara ar-
ticulação do espaço interior num núcleo cilíndrico fechado por cúpula e iluminado por janelas (clerestório) – correspondente à nava da basílica – e num deambulatório anular ( ou nave) coberto por uma abóbada de berço” (JANSON, 1984, p.197). No século IV surgiram os primeiros batistérios batistérios e capelas funerárias ligadas a igrejas ig rejas basilicais. basilicais. As igrejas paleocristãs paleocristãs eram eram decoradas decoradas com pinturas pinturas e mosaicos aplicados sobre as paredes da nave, arco triunfal e abside. Os mosaicos eram compostos por pequenas peças de materiais coloridos assentados sobre gesso, dispostos de modo a formarem desenhos. Interior da Igreja de Santa Costanza, Segundo Janson (1984, p.198), Roma, c. 350 a.C.
“os grandes e complexos mosaicos da arte paleocristã podem dizer-se essencialmente sem precedentes, tal como o novo material empregado: as tesselas de pasta de vidro de cor. Os Romanos já as conheciam, mas nunca souberam tirar partido das suas vantagens peculiares”. Dessa forma, for ma, esses mosaicos tinham um colorido vivo e uma variedade de tons, incluindo o dourado, bastante utilizado. A narrativa bíblica é a temática dominante, onde os olhares e os gestos das figuras são essenciais.
Separação de Lot e de Abraão. Mocaico, c. 430 a.C. Igreja de Santa Maria Maggiore, Roma.
A esc escul ultu tura ra pa pale leoc ocris ristã tã te teve ve um pa pape pell sec secun undá dário rio,, de devi vido do à pro proi-ibição bíblica das estátuas (associadas aos ídolos pagãos) e à sua vinculação à arte imperial romana. Sua principal expressão foram os sarcófagos. O Sarcófago de Junius Bassus, prefeito de Roma, é decorado por cenas narrativas nar rativas do Velho e do Novo Testamento, Testamento, dispostas em 10 espaços retangulares demarcados por duas colunatas sobrepostas. No centro estão duas figurações de Cristo: no alto, ele está sentado no trono, representado como o senhor do Universo; abaixo está representada re presentada Sarcófago de Junius Bassus. Mármore, c. 359 d.C. Dimensões: 1,18 x 2,44 m. Grua sua entrada triunfante em Jerusalém. tas do Vaticano, Roma.
Atividade complementar complementar 1. Em que diferem a arte micênica e a arte minóica?
2. Por que a arte grega clássica é considerada como o apogeu da arte na Antiguidade?
Podemos mos considerar a arte helenística como fruto de um processo de globalização? Por quê? 3. Pode
ar te romana, principalmente no período imperial? 4. Qual é a principal característica da arte
5. Qual era o programa iconográfico da arte paleocristã?
Saiba Mais! Estante do historiador
H.W.Janson, editado pela Martins História geral da arte – Escrito pelo Prof. H.W.Janson, Fontes em 3 volumes. Em 2.001 encontrava-se em sua 2ª ed. Esta obra, fundafund amental e panorâmica, aborda da Pré-História à atualidade, destacando a variedade infinita da produção artística através da apresentação de muitas ilustrações.
Cinema e história Quo vadis – Produção norte-americana da MGM, dirigi-
da por Mervyn Leroy, Leroy, lançado em 1951. 1951. Conta a saga de um comandante romano que se apaixona por uma jovem cristã e se converte ao Cristianismo, passando a ser perseguido por Nero. É interessante a cena que demonstra a identificação dos cristãos através de seus símbolos. Traz no elenco Robert Taylor, Debora Kerr e Peter Ustinov.
DA ORIENTAÇÃO RELIGIOSA À BUSCA DE NOVOS CONCEITOS ARTÍSTICOS DA FÉ À RAZÃO: DA ARTE MEDIEVAL AO SÉCULO XIX ARTE MEDIEVAL: ROMÂNICO E GÓTICO GÓTICO Com a queda do Império Romano do Ocidente em 476, o mundo conhecido até então sofreu uma grande instabilidade e transformação. Sobre as ruínas desse mundo antigo, uma nova estrutura foi sendo construída, baseada na religião cristã. Artisticamente, a arte paleocristã foi sendo substituída por expressões fragmentadas decorrentes da conver- são dos povos “bárbaros”, que incorporaram as suas tradições. Somente no século XI surge o primeiro estilo medieval: o Românico, seguido posteriormente pelo Gótico. Estilo românico (Sec. XI-XII)
O Românico é um termo criado pelo arqueólogo Charles de Gerville em 1820, para caracterizar uma arte medieval aos moldes de Roma. Esse estilo combina as tradições locais dos povos “bárbaros” com influências romanas e bizantinas cristãs. Ele se estrutura a partir do substrato técnico e tecnológi-
co da Roma imperial. Expressão de um tempo belicoso, de grande insegurança, as igrejas desse período são construídas como fortalezas de Deus. As principais características dessas robustas edificações são: paredes grossas e pilares maciços (contrafortes) para sustentarem as abóbadas de pedra; poucas e estreitas aberturas para não enfraquecerem as paredes; uso de arco pleno (arco de 180°); aparecimento de torres na fachada ou cruzamento das naves. Essa configuração fazia com que essas igrejas passassem uma imagem de Igreja de Anzy-le-Duc. França, sécusobriedade, resistência e solidez. los XI-XII. A plan planta ta de uma uma igre igreja ja româ românic nicaa era, era, geral geralmen mente te,, em cruz lati latina na (o corpo ou nave maior que os braços ou transepto), ou seja, mais comprida que larga. O nártex é a galeria ou pórtico interior destinado aos não batizados (catecúmenos). A nave ou naves era o espaço longitudinal destinado aos fiéis. O transepto é a parte que atravessa perpendicularmente a nave. Ábside é o recinto semicircular ou poligonal de uma igreja, coberto por uma cúpula. O deambulatório é o corredor semicircular atrás da abside.
Planta de uma igreja românica em cruz cr uz latina.
No interior, devido devido às poucas e estreitas janelas e aberturas nas grossas paredes, o ambiente era sombrio, contrastando a escuridão com frestas de luz vindas do alto. Era um local para a reflexão, para o recolhimento interior. A escultur esculturaa e a pintura românicas têm como função principal o catecismo visual. Numa época em que a maioria da população era analfabeta e não tinha acesso direto ao livro sagrado do Cristianismo, a Bíblia, a narrativa visual era essencial para passar Interior da Igreja de Anzy-le-Duc. Anzy-le-Duc. Franas mensagens religiosas. Tecnicamente, Tecnicamente, a escultura está integrada ça, séculos XI-XII. à arquitetura. A fachada, as paredes, as colunas e seus capitéis eram decorados. Freqüentemente, Freqüentemente, as portadas ou pórticos das igrejas, ig rejas, adornados com esculturas, eram formados por uma série de arcos concêntricos (arquivoltas). (arquivoltas). O tímpano (a parede semicircular no interior dos arcos) era a área mais decorada com relevos. Segundo o Janson (1984, p.276), o mais belo dos tímpanos românicos talvez seja o de Vézelay, cerca de Autun, na Borgonha. O seu tema, a Missão dos Apóstolos, tinha uma significação especial nessa época de cruzadas,
vis to que pro visto procla clamava mava o dev dever, er, par paraa tod todoo o cri cristã stão, o, de d e le var o Evan Evange gelho lho até aos con confin finss da Terr Terra. a. Das mão mãoss de Cristo, que ascendende majestosamente ao Céu, emanam os raios luminosos do Espírito Santo, caindo sobre os Apóst Apó stolo olos, s, tod todos os com tex textos tos da Sag Sagra rada da Es Escri critur tura, a, alu alusisi vos à sua s ua mis missã são. o. O lin lintel tel e os o s comp c ompar artim timent entos os em re redor dor do grupo central estão ocupados por representantes do mundo pagão, uma verdadeira enciclopédia enciclopé dia da antropologia medieval que inclui toda a espécie de raças lendárias. Na arquivolta (o arco que envolve o tímpano) reconhe Arcos concêntricos e tímpano decorado da Basí- cemos os signos do Zodíaco e alguns dos trabalhos prólica de Vézelay. França, 1120-32. prios de cada mês do ano, para indicar que a pregação da Fé não tem limites no tempo, nem no espaço.
Você Sabia?
Igreja de San Isidro de Leon, Espanha.
A pintu pi ntura ra româ r omânic nicaa é nar narrat rativa. iva. Ela des descoconhece a perspectiva, as regras de proporção e a naturalidade das figuras. As cenas são demarcadas geralmente por bandas horizontais. A técnica mais utilizada era o afresco. Cores vivas e intensas eram empregadas, sendo as mais usuais: ocre, vermelho, amarelo, branco e negro.
Estilo gótico (séc. XII-XIV)
O termo Gótico foi empregado de modo pejorativo em 1.550 por Vasari para designar este estilo considerado por ele como bárbaro (dos godos). A arte gótica é fruto do renascimento urbano-comercial. Ela nasceu por volta de 1.140 no sul da França. Essa arte buscava a grandeza de Deus, expressando-se com elegância e luminosidade. “Na arte gótica tudo se faz por contribuir ao esforço singular da catedral para exprimir a natureza transcendente do sentimento religioso” (READ, 1978, p.27). A arquitetura gótica tem como características principais: o verticalismo; o arco quebrado ou ogi val;l; abó va abóbod bodaa de de arcos arcos cruza cruzados dos;; pare paredes des alt altas as e del delgada gadass com com aberturas amplas e altas graças ao uso de arcobotantes e contrafortes, que ajudavam na sustentação da construção; fachada com três portais; estrutura com três a cinco naves; vitrais coloridos e rosáceas. Seu primeiro exemplar foi a beneditina séc. XII. Abadia Aba dia de Sai Saint nt Den Denis is,, do do séc séc.. XII. XII. Sai Saintnt-Den Denis is era o Após Apóstol toloo 1- Interior da Abadia de Saint-Denis. França, séc. da França e o patrono do reino. Essa abadia tinha a pretensão 2- Abadia de Saint-Denis. França, séc. XII. de se tornar o centro espiritual da França. Embora Saint-Denis fosse a primeira, a arte gótica estaria expressa mais nas igrejas das cidades e não nos monastérios. Herdeira direta de Saint-Denis foi a Notre-Dame de Paris Paris.. Alguns resquícios românicos são visíveis, como na nave de abóbadas sexpartidas (seis partes) e grossas colunas das arcadas. O
Gótico está expresso no seu verticalismo no interior, na luminosidade conseguida através das grandes janelas do clerestório e rosáceas, na impressão de leveza das formas. No exterior estão os botaréus e contrafortes, invisíveis no interior da igreja, graciosos suportes das pesadas abóbadas semelhantes às pernas de uma aranha. A fachada ocidental da Igreja de Notre-Dame de Paris é de grande equilíbrio e harmonia, trazendo arcadas rendilhadas, grandes portais e janelões e ao centro, uma grande rosácea. Os fabulosos vitrais góticos, utilizados em profusão e 1- Escultura de gárgula. em grandes dimensões (bem maiores que s do período româniIgreja de Notre-Dame de co), baseiam-se em esquemas geométricos de composição, pois Paris. França, 1163-1200. não são meras pinturas sobre vidro e sim um quebra-cabeça de 2- Igreja de Notre vidr vi droo co colo lorirido do,, um mo mosa saic icoo de fr frag agme ment ntos os.. Dame de Paris. França, 1163-1200. A escultura e a arquitetura arquitetura românticas estão vinculadas, integradas. As figuras se alongam para o alto, demonstrando verticalidade, verticalidade, alongamento exagerado das formas, e as feições são caracterizadas de formas for mas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada, exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. Além da decoração narrativa nar rativa bíblica no interior e fachada das igrejas, a escultura gótica compôs túmulos excepcionais (como o de Inês de Castro, de Portugal) e seres fantásticos para adorno da parte par te superior. Um deles, era a gárgula, um guardião das igrejas. Lentamente, a pintura foi sendo desenvolvida. A temática dominante era a religiosa. Sua principal característica foi a busca por um realismo na representação. As figuras representadas eram pouco volumosas, cobertas por muita roupa, com o olhar voltado para cima, em direção ao plano celeste. Dentre os artistas do período, merecem destaque Giotto di Bondone (1267-1337) e Jan van Eyck (1309-14441). O primeiro estava em busca do humano,, almejava dar um caráter humano às figuras que representava, um prenúncio do humanismo renascentishumano ta. Segundo Janson 1984, p.325), “Giotto não nos diz apenas onde estamos: dota as suas formas de tal realidade tridimensional que elas parecem tão sólidas e tangíveis como esculturas de vulto redondo. Aqui são as figuras, mais que o quadro arquitetônico, as criadoras do espaço pictural”.
A Crucificação de Cristo. Giotto di Bondone (1267-1337).
Já Van Ey Eyck ck pr proc ocur urav avaa re regi gistr strar ar na pi pint ntura ura os asp aspect ectos os da vi vida da ur urba bana na e da so socie cieda dade de de su suaa ép époc oca. a. Em su suas as pinturas evidencia-se um cuidado com a perspectiva, objetivando objetivando mostrar os detalhes e as paisagens. Ele foi um dos primeiros a trabalhar com a perspectiva aérea. Além disso, seus quadros são extremamente simbólicos. No retrato de casamento de Giovanni Arnolfini e sua mulher, uma das obras primas desse período gótico tardio, tar dio, todo o cenário está repleto de simbolismo. Jason (1984, p.360) descreve os elementos desse quadro:
a única vela do lustre, acesa em pleno dia, representa Cristo omnividente (observem-se as cenas da Paixão na moldura do espelho); es pelho); os sapatos que os noivos descalçaram lembramnos que eles se encontram sobre um “chão sagrado”; até o pequeno cão é um emblema de fidelidade conjugal e a mobília do aposento sugere interpretações do mesmo gênero. O mundo natural, (...), é feito para conter o mundo do espírito, de tal maneira que os dois se tornem atualmente num só.
Retrato de casamento de Giovanni Arnolfini e sua mulher. Jan van Eyck, 1434. The National Gallery, Londres.
Os pintores góticos Giotto e Van Eyck são os precursores da pintura do Renascimento. Renascimento.
O RENASCIMENTO E O MANEIRISMO
Segundo Battisti (1984, p.11), nunca será de mais salientarmos a ruptura decisiva e irreversível que se deu entre os séculos XV e XVI. Uma ruptura que não dependeu apenas de razões estilísticas, temáticas ou das diversas condições impostas pelos clientes, mas que, em nossa opinião, deve ser procurada numa verdadeira revolução psicológica. Todo Todo o quadro moral e intelectual se modificou. O mundo estava mudando, mudando, os comerciantes italianos estavam enriquecendo com a comercialização de artigos de luxo orientais, os banqueiros italianos estavam dominando a área financeira européia. As cidades italianas tornavam-se ricas, poderosas e competitiv competitivas. as. A ostentação era uma expressão do poder dos governantes e da burgesia emergente, todos grandes mecenas da arte. Esse período viu nascerem o Renascimento e o Maneirismo, Maneirismo, dois estilos artísticos distintos e complementares, entre o classicismo e o expressionismo expressionismo..
Renascimento
O Renascimento teve a Itália como o seu centro cultural de irradiação. Podemos dividir o Renascimento em dois períodos: o proto-renascimento ou Quattrocento e Renascimento propriamente dito ou Cinquecento. Proto-Renascimento ou Quattrocento (séc. XV)
Esse período foi de resgate da arte clássica, de valores esquecidos durante a Idade Média. Um novo mundo estava sendo construído, tendo o homem e o racionalismo como centro. Nesse primeiro momento, essencialmente de afirmação e propaganda política e religiosa, um novo conceito de cidade e um programa prog rama urbanístico estavam sendo construídos. A arte no século XV tinha um excelente mercado, mercado, uma ampla clientela, que ia dos governantes g overnantes aos particulares abastados. Segundo Battisti (1984, p.28), “o desejo de riqueza e a mania de esbanjar criaram criar am para o ofício condições de trabalho extraordinariamente boas”. A arte passa a ser valorizada, considerada produção intelectual, diferenciada do artesanato, das artes manuais. As obras de arte passam a ter um novo status, como uma expressão da criação plástica. E o artista, esse maravilhoso criador, passa a ser respeitado como um intelectual. Dentre os artistas que obtiveram uma posição social de relevo reconhecemos dois tipos diferenciados de personalidade: “a do homem do mundo, mundo, senhor de si, cortês, vontade no ambiente aristocrático, aristocrático, e a do gênio solitário, reservado, excêntrico, excêntrico, dado a crises de humor melancólico e a con flitos repetidos com os seus patronos”. Quanto à formação dos artistas, ar tistas, continuará continuará até o século XIX o esquema oficinal, ou seja, na oficina de um mestre o jovem aprendiz passava passava anos em aprendizado até se submeter a uma avaliação que o tornasse mestre, capacitando-o a abrir a sua própria oficina. Na oficina eram ensinadas as técnicas artísticas, que iam desde a preparação de pigmentos até à participação efetiva nas obras encomendadas ao mestre. Os aprendizes formavam a equipe de trabalho do mestre. A busca dos modelos modelos clássicos pelos artistas italianos era um resgate de suas origens romanas. romanas. Era também uma forma de inovação diante das convenções artísticas do período anterior, manifestas no Gótico.. Modelos híbridos conviveram até que o novo estilo se consolidasse. Havia muitos vestígios da arte tico romana a serem estudados, a inspirar os artistas renascentistas. A nova arte não era uma mera cópia da arte clássica e sim, uma reinterpretação desta Na arquitetura renascentista foi retomado o uso dos arcos plenos e das ordens arquitetônicas clássicas, sendo coríntia como a mais empregada, bem como a superposição de ordens. A Simetria e a regularidade são buscadas, compondo uma teoria das proporções harmônicas har mônicas.. Na arquitetura religiosa utilizou-se a planta basilical de cruz latina, com três naves, cúpula dupla com aberturas circulares e óculos para iluminação. As fachadas das igrejas são marcadas por frontões. Filippo Brunelleschi é o grande arquiteto desse período. Como um homem renascentista ele não era apenas arquiteto, ele inicialmente foi escultor, estudou pintura, matemática, geometria. Estava sempre em busca de novas soluções, possibilidades. possibilidades. A sua grande realização foi a construção da cúpula dupla, de dois cascos separados (um dentro do outro), ligados de modo a reforçarem-se entre si. É de sua concepção a Basílica de São Interior da Basília de São Lourenço. Brunelleschi. Brunelleschi. Lourenço, em Florença, encomendada pala poderosa família Florença, Itália, 1421-1469. Médici e a cúpula da catedral de Florença. Desde o final do século XV, surgiu um novo suporte para as pinturas, a tela. Essa era preparada pelo próprio artista ou sua equipe, consistindo em esticar um tecido e fixá-lo a uma moldura de madeira, revesti-lo de uma mistura de cola e alvaide. Com relação à técnica, foi desenvolvido na Itália um método
de perspectiva linear, baseado na matemática, em linhas paralelas que convergem para um único ponto, o ponto de fuga da composição. Nesse período destaca-se Masaccio, um jovem gênio que viveu apenas 27 anos. A mais antiga das suas obras é o afresco de 1425 A Santíssima Trindade com a Nossa Senhora e São João, em Florença. Além das figuras divinas e santas, traz dois membros da família Lenzi ajoelhados, cujo túmulo fica atrás da pintura. Esse conjunto está inserido num cenário arquitetônico renascentista representado dentro dos princípios da perspectiva cientí fica. Na parte inferior da pintura, um esqueleto jacente com a inscrição “O que és, já fui; o que sou, tu virás a ser”. Sandro Botticelli, discípulo de Fra Filippo Lippi e protegido dos Médici, expressa o apogeu do movimento enérgico e contornos linares agitados. Provavelmente, a sua obra mais famosa seja Nascimento de Vênus. Seu tema é a mitologia grega. A modelo que foi retratada como Vênus era Simonetta Vespucci, considerada a mulher mais bela de sua
A Santíssima Santíssima Trindade Trindade com a Nossa Senhora Senhora e São João. Joã o. Afresc Afrescoo de Tommas Tommasoo Masaccio Masaccio,, 667 x 317 cm, 1425-28. Igreja de Santa Maria Novella, Florença.
Nascimento de Venus, Venus, de Sandro Botticelli, pintura de cerca de 1485. Galeria degli Uf fizi, Florença.
época, amante do irmão mais novo de Lourenço de Médici. Quanto à escultura, o grande escultor do período foi Donatello. Segundo Martindale (1966, p.15), Donatello imprimia “vigor e força dramática em quase todas as obras que lhe eram encomendadas”. Ele também retomou o motivo clássico dos putti. O São Jorge de Donatello é uma idealização épica dos heróis cristãos inspirada na inspiração heróica clássica. Esse jovem santo de armadura não é representado rigidamente,
São Jorge. Jorge. Escultura em mármore de Donatello. Alt.: 2,08m. Or San Michele, Florença.
aparentando maravilhosa flexibilidade. A posição do corpo, com o peso a recair sobre a perna esquerda, levemente adiantada, exprime a presteza do santo guerreiro para o combate (originalmente empunhava empunhava uma lança ou uma espada); a energia, segura de si, está refletida nos olhos, como a perscrutar no horizonte o inimigo que se aproxime. É o Soldado Cristão, tal como o viu o Proto-Rena Proto-Renascimento scimento,, espiritualmente muito próximo do S. Teodoro de Chartres, e também o orgulhoso
defensor da ‘Nova Atenas’.Sob o nicho, um baixo-relevo representa a mais conhecida façanha do herói, a morte do dragão (a donzela, à direita, é a princesa cativa que o Santo vinha libertar). Donatello produziu aqui outra obra revolucionária, ao criar um novo tipo de baixo-relevo pouco saliente (daí o ser chamado schiacciato, schiacciato, achatado), mas que dá uma ilusão de infinita profundidade pictórica (JANSON,1984, p.383). Renascimento ou Cinquecento (séc. XVI)
Segundo Hauser (1994, p.363), o Quattrocento representou o mundo num estado de fluxo permanente, como um incontrolável e interminável processo de crescimento; a pessoa individual sente-se pequena e impotente nesse mundo, e entrega-se a ele de boa vontade e agradecida. O Cinquecento Cinquecento vivenvivencia o mundo como uma totalidade com fronteiras de finidas; o mundo é tanto quanto, mas não mais do que o homem pode apreender; e toda obra de arte perfeita expressa à sua maneira a realidade total que o homem pode abranger.
Saiba Mais! Esse é o período do Renascimento propriamente dito, do apogeu, do triunfo dessa nova arte classicista. O panorama havia mudado, a instabilidade política fez com que as grandes cidades enfraquecessem e um novo poder começasse a ascender: o Papado. Papado. Roma, sob o Papa Júlio II (1503-1513), tornou-se o grande centro cultural do Ocidente. Para Roma convergiram os grandes artistas do período, contribuindo contribuindo com a glória de Deus, da Igreja Romana. Buscava-se a eternização do homem. Na arquitetura, Donato Bramante é a principal expressão. Suas características são a austeridade e a pouca ornamentação. ornamentação. É de sua autoria o Tempietto de S. Pietro in Montorio, a primeira grande realização de Roma como centro artístico do período período.. Essa pequena igreja marca o local da crucificação de São Pedro. De planta circular, assentada sobre uma plataforma de três degraus, cercada por uma colunata de ordem dórica, cobertura de cúpula, esse templo de nítida inspiração clássica é de grande g rande simplicidade. Na escultura havia uma tendência para o monumental. A escultura ganha independência da arquitetura, torna-se autônoma, muitas obras foram mesmo destinadas para as áreas externas como parques e jardins. A primeira escultura monument monumental al desse período foi o Davi de Michelangelo, que estabeleceu novos padrões para a estatuária pública. Encomendada em 1501 para ser posta no alto, num dos contrafortes da Basílica de Santa Maria Del Fiore de Florença, acabou por ser colocada em frente ao Palazzo Vecchio O Tempietto de S. Pietro in Montorio. como símbolo da nova república florentina. O Davi é retratado Donato Bramante. S. Pietro in Montorio, despido, com formas perfeitas, a funda descansado sobre o seu Roma, 1502. ombro esquerdo, num momento de calmo triunfo. Ele captura
a “ação em suspenso”, tão característica de Miguel Ângelo (JANSON, 1984, p.425). Sobre ele o historiador da arte Giorgio Vasari (1511-1574) disse que “roubara o ribombar de todas as estátuas, modernas ou antigas, gregas ou latinas” (MARTINDALE, (MARTINDALE, 1966, p.74). Essa mesma intensidade Miguel Ângelo imprimiu na sua grandiosa obra de pintura: a Capela Sistina. Esse monumental espaço narrativo abrange da criação ao juízo final. Miguel Ângelo levou quatro anos, de 1508 a 1512, para executar a decoração do teto e altar-mor em afresco. As cenas estão distribuídas dentro de molduras arquitetônicas pintadas. Na área central estão nove cenas do Gênesis. A cena central de destaque é a Criação de Adão, composta com grande g rande dinamismo, dinamismo, representando não a mera modelagem de um corpo, e sim o momento em que Deus lhe transmite a vida, concede-lhe a centelha divina, a alma. O grande afresco do altar foi pintado por Miguel Ângelo em 1534, mais de vinte anos depois do teto. O tema foi o Juízo Final, o final da trajetória humana. Essa diferença temporal entre a feitura do teto e a do altar exprime os novos conceitos, as mudanças ocorridas. A vitalidade da obra do teto contrasta com visão sombria do altar. Em 1534, vivenciava-se a crise da Reforma. Refor ma.
Davi. Escultura em mármore de Miguel Ângelo, 1501-1504. Altura de 4,089m. Museu da Academia, Florença.
Você Sabia? Segundo Janson (1984, p.428), no afresco do Juízo Final da Capela Sistina, executado em 1534, Miguel Ângelo se autoretratou. Ele pode ser visto à direita da figura central do Senhor, personificando o apóstolo Bartolomeu, sentado numa nuvem, nuvem, segurando na mão a própria pele (pois o santo foi esfolado em seu martírio). mar tírio).
Interior da Capela Sistina: afrescos do teto (1508-1512) e do altar (1534). Miguel Ângelo. Vaticano, Roma.
Muitos artistas proliferaram durante o Renascimento, Renascimento, mas diante da impossibilidade de tratar de todos eles, foram selecionados os mais característicos do período. Sem dúvida, o mais conhecido deles foi Leonardo da Vinci. Esse genial humanista renascentista completo dividiadividiase entre a ciência e a arte. Em suas pinturas (principalmente cenas religiosas e retratos), era o mestre do claro-escuro ou chiaroscuro, chiaroscuro, artifício Mona Lisa. Leonardo da Vinci. Óleo que consiste em pintar partes iluminadas e partes de sombra, numa sobre madeira, 1503-1505. Dimenmodelagem de formas através dos contrastes luminosos. A sua mais sões: 77,0 x 53,0 cm. Museu do Lou vre,, Paris, vre Par is, Fran F rança. ça.
famosa obra é a Gioconda ou Mona Lisa, datada de 1503-1505. Esse fascinante f ascinante retrato, com seu sorriso enigmático,, seduziu e seduz gerações. Através da sua maestria técnica ele cria uma visão poética onde enigmático o delicado sfumatto é superior ao da Virgem dos Rochedos, Rochedos, alcançando um tal grau de perfeição, que pareceu um milagre aos contemporâneos do artista. As formas são construídas a partir de várias camadas transparentes de tinta, tão delicadas que todo o painel parece exalar uma suave luz interior (JANSOM, 1984, p.421). Embora Bramante Miguel Ângelo e Leonardo da Vinci sejam os pilares do Renascimento, é preciso falar de Rafael Sanzio cuja obra “consistiu num poder de síntese único, que lhe permitiu fundir as qualidades de Leonardo e de Miguel Ângelo, criando uma arte ao mesmo tempo lírica e dramática, unindo a riqueza da pintura à solidez da escultura” (JANSON, (JANSON, 1984, p.433). Rafael fora protegido de Bramante, profundamente influenciado pelas obras de Miguel Ângelo e Leonardo. Em sua A Escola de Atenas, uma homenagem à sabedoria da Antiguidade, ele constrói a composição com grande expressividade. A partir das duas figuras Escola de Atenas. Atenas. Rafael Sanzio. Sanzio. Afresco centrais, Platão e Aristóteles, ele dispõe os demais personagens A de Stanza della Segnatura, 1510-1511. Paláde forma simétrica e todo o conjunto tem por fundo e moldura cio do Vaticano, Roma. um cenário arquitetural renascentista. Maneirismo (1520-1610)
Na verdade, o Renascimento pleno durou apenas até 1520. O ambiente otimista, con fiante do Humanismo Renascentista estava ameaçado devido às instabilidades política, econômica e religiosa. A arte que se seguiu a esse período era uma arte pós-clássica. O termo Maneirista, segundo Hauser (1994, p.368), foi usado por Vasari para designar a maneira individual do trabalho artístico. Bellori e Malvasia, no século XVII, ligaram esse conceito a um estilo afetado e trivial da arte, uma ruptura do classicismo renascentista. Para alguns historiadores da arte, o Maneirismo é o declínio do Renasciment Renascimentoo ou a transição entre o Renascimento e o Barroco e, para outros, é um estilo artístico ar tístico.. Seja como for, o Maneirismo possui características singulares: decomposição da estrutura renascentista de espaço, estilização das formas, profusão de detalhes, deformação das figuras, distorção da luz, efeitos visuais utilizando cores intensas, busca pela expressão emocional.
Saiba Mais! O Maneirismo é a expressão da aristocracia, culta e internacional. É o estilo palaciano, das cortes européias, do absolutismo em expansão. expansão. É também um momento de crise religiosa, da Igreja Igr eja ameaçada pelos movimentos reformistas em busca de uma reafirmação, reação através da Contra-Reforma. É difícil caracterizar a arquitetura como maneirista, os exemplares existentes ou prendem-se ao classicismo (Villa Rotanda de Andrea Palladio) ou já anunciam o Barroco (Igreja de Il Gesú de Giacomo Vignola). O que se vê nesse período é na arquitetura arquitetura religiosa religiosa de uma preferência pela planta planta de cruz latina, uma distribuição da luz que torna as naves alongadas escuras e altares bastante iluminados, decoração profusa. Na arquitetura civil, os palácios e vilas trazem também esse jogo jog o luminoso entre luz e sombra e uma rica decoração interna. Bartolomeo Ammanati , (1511-1592), Giorgio Vasari, (1511-1574) (1511-1574) e Andrea Palladio,, (1508-1580) são os grandes arquitetos do período. Palladio
Enquanto na arquitetura a identificação do Maneirismo é difícil, na escultura e na pintura existe uma variedade de exemplares. As últimas obras escultóricas de Miguel Ângelo (como a Pietà Rondanini) e as algumas pinturas de Rafael já são expressões do novo estilo. A escultura maneirista lembra o período helenístico. As formas distorcidas, contorcidas são bem expressas na obra do flamengo Jean de Boulogne (1529-1608), que adotou o nome italiano de Giovanni Bologna. O tema baseia-se em lendas da Roma Antiga. A composição possui uma movimentação teatral que iria se consolidar no Barroco. Seu movimento é em espiral ascendente configurado através dos corpos extremamente contorcidos das figuras humanas. Na pintura, Rosso Fiorentino e Pontorno representam o anticlassicismo maneirista. As figuras são distorcidas mas trazem uma rigidez que só será quebrada com outros artistas desse período. Parmigiano e Bronzino também denotam uma grande objetividade na representação. Os maiores expoentes maneiristas serão Tintoretto(1518-1594) e El Greco (cognome do cretense Domenikos Theotokopoulos, 15411614), precursores do Barroco. Eles conseguem criar uma atmosfera de tensão, onde corpos contorcidos e rostos melancólicos sob uma iluminação cênica, dramática expressam uma emocionalidade febril. El Greco assimilou as lições de Tintoretto. Na obra O Enterro do Conde O Rapto das Sabinas. Giovani de Orgaz, considerado seu mais representativo trabalho, todas as forBologna. Escultura em mármore, mas apresentam um movimento alongado vertical em direção à figura 1583. Altura: 4,11m. Loggia dei de Cristo no alto, ao centro. Predomínio das cores e das texturas na Lanzi, Florença. composição das formas e não as linhas, o contorno. O fundo é negro. O contraste entre luz e sombra confere a dramaticidade da composição, onde as figuras divinas e santas são banhadas por uma luz diáfana. Enquanto o corpo desce, a alma do conde é elevada por um anjo contorcido no centro.
O Enterro do Conde de Orgaz. El Greco, 1586. Óleo sobre tela. Dimensões: 4,80 x 3,60m. Capela lateral da Igreja Ig reja de São Tomé, Toledo, Toledo, Espanha.
BARROCO E ROCOCÓ Segundo Hauser (1994, p.374), o Barroco inicial é a expressão de uma tendência mais popular, mais emocional e nacionalista. O barroco maduro triunfa sobre o estilo mais refinado do maneirismo à medida que a propaganda propag anda eclesiástica da Contra-Reforma se difunde e o catolicismo volta a ser uma religião r eligião do povo. povo. A arte palaciana do século XVII adapta o barroco a suas necessidades específicas; por um lado, elabora o emocionalismo barroco até convertê-lo numa opulenta teatralidade e, por outro, transforma seu classicismo latente na expressão de um autoritarismo austero e lúcido. O Barroco foi o estilo dominante entre 1600 a 1750. O signi ficado do termo barroco é irregular, grotesco, deriva da palavra portuguesa que designava uma pérola de formato irregular. Começou a ser empregado no século XVIII. Para alguns autores, autores, esse é o estilo da Contra-Reforma, do Absolutismo. Absolutismo. Irradiado a partir par tir de Roma, espalhou-se por toda a Europa e suas s uas colônias. O Barroco quebra o equilíbrio renascentista entre a emoção e a razão, optando optando pelo apelo emocional. O homem barroco é um homem dividido, inquieto, em conflito entre o carnal e o espiritual, o bem e o mal, o pecado e a salvação.
Saiba Mais! A arte barroca é teatral teatral e tem como características: a sedução sedução sensória sensória para fazer o espectador se inserir na obra; uso de formas curvas, cur vas, contracurvas para criar movimento; utilização de colunas retorcidas na arquitetura; contraste entre luz e sombra para criar dramaticidade; emprego de efeitos ilusionistas; profusão decorativa. Na arquitetura barroca destacam-se o italiano Francesco Borromini (1599-1667) nos exemplares religiosos e o francês Jules HardouinMansart (1646-1708) nos exemplares civis. Borromini era extravagante, imprimia dinamismo visual na disposição de superfícies côncavas côncavas,, con vexas ve xas e retas retas.. Seu prime primeiro iro grande grande proj projeto eto foi foi a Igreja Igreja de S. S. Carlo Carlo alle alle Quattro Fontane, em Roma. Sua planta é uma elipse como uma cruz grega distorcida. A cúpula oval também parece alongada. Sua fachada é composta por duas ordens de colunas coríntias sobrepostas, formando superfícies convexas entre as partes côncavas que abrigam óculos, nichos com esculturas e outras decorações. No alto, centrando uma balaustrada, um grande medalhão. Após três degraus, uma grande porta dá acesso ao seu interior profusamente decorado. Jules Hardouin-Mansart tem entre suas obras a reforma do Palácio de Versailles. Embora subordinado ao traçado inicial do falecido arquiteto Le Vau, o projeto foi ampliado e enriquecido, ficando o palácio com 548 metros de comprimento. Mansart foi o Fachada da Igreja de Carlo alle Quattro responsável pela construção do Laranjal, do Grande Trianon, das Fontane. Francesco Borromini. Roma, alas norte e sul, capela e Salão dos Espelhos do Palácio. O gosto 1665-1667.
pela grandiosidade era uma marca do Barroco. Todo o bloco central interno da fachada do jardim é ocupado por uma única sala, o espetacular Salão dos Espelhos, tendo em suas extremidades o Salão da Guerra e o Salão da Paz. O interior do palácio é profusamente decorado, criando verdadeiros cenários para a monarquia e corte francesa. O projeto do jardim, de André Le Nôtre, integra-se ao plano do palácio, tornando-se seu prolongamento prolongamento.. A escultura barroca é, essencialmente, essencialmente, dramática. Nela Palácio de Versailles. França, séc.XVII. a linha curva imprime a dinâmica que impulsiona as posições e os revoltos panejamentos das vestes. O uso do dourado, os gestos teatrais e as expressões de fortes emoções são outras características. Gianlorenzo Bernini (arquiteto, (arquiteto, urbanista, decorador e escultor) foi o mestre do ilusionismo. Ele foi o autor do majestoso baldaquino da Igreja de São Pedro, em Roma, com suas movimentadas colunas torcidas, chamadas de salomônicas. Sua obra mais completa, que une a escultura à arquitetura e à pintura é O Êxtase de Santa Teresa, em Roma. Ela representa a experiência mística de Santa Teresa d’Ávila, uma das grandes santas da Contra-Reforma. A emocionante composição é reforçada através da luz natural, proveniente de uma janela no alto escondida, filtrada por um vidro amarelo amarelo,, que ilumina os raios metálicos dourados. A pintu pintura ra barroc barrocaa tem tem compo compo-- O Êxtase de Santa Teresa, escultumár more, 1646-48. Gianlosição assimétrica, forte oposição entre ra em mármore, o claro-escuro (que intensifica os volu- renzo Bernini. Capela Cornaro, S. mes) e intensidade dramática. Entre o Maria della Vittoria, Roma. sagrado e o profano, muitos pintores se destacaram. Caravaggio e sua luminosidade dirigida; Andrea Pozzo com seus tetos ilusionistas das igrejas; ig rejas; Velázquez Velázquez como o retratista documental da corte espanhola; Rembrandt com suas gradações luminosas, etc. O pintor flamengo Peter Paul Rubens (1577-1640) contribuiu para a disseminação do Barroco fora da Itália. Em seu Maria de Médici desembarcando em Marselha ele transforma o tema numa cena teatral, num espetáculo. Figuras mitológicas Greco-romanas engrandecem a composição: no alto a Fama, abaixo s ereias e tritões. O movimento em espiral conseguido Maria de Médici, rainha da Fran- Netuno e sua corte de sereias revolto, torna-se vibrante pelo coloça, desembarcando em Marse- pelos corpos contorcidos, panejamento revolto, lha. Rubens, 1622-23. Dimen- rido excepcional de cores quentes (vermelho, amarelo) que contrastam com sões: 63,5 x 50,2 cm.Pinakothek, as peles claras e luminosas das figuras humanas. Munique, Alemanha.
Rococó
O termo Rococó parece derivar da palavra rocaille, concha. Esse movimento movimento artístico entre o Barroco Bar roco e o Neoclássico, surgiu no início do século XVIII e dominou até cerca de 1770. Essencialmente, era um movimento decorativo decorativo de atuação profana, marcado pela alegria e a frivolidade da corte. Era requintado, elegante, delicado e intimista, em contraposição à ostentação barroca. Suas principais características eram o uso abundante de formas curvas, principalmente em “S”, e pela profusão de elementos decorativos, tais como conchas, laços e flores, emprego de cores de tons pastéis, estilização de motivos fitomorfos em ornatos. Sua temática eram as cenas mitológicas pastoris, as fêtes f êtes galantes (diversões da corte), cor te), cenas eróticas.
O Rococó francês é o estilo de Luís XV, XV, tendo seu ápice com a sua amante oficial Madame Pompadour, grande mentora do Rococó. A arqui arquitetur teturaa rococ rococóó caract caracterizaeriza-se se pela simpl simplicidad icidadee e pela falta de monumentalidade. A altura era reduzida, as principais salas ocupavam o andar térreo, as ordens clássicas raramente eram usadas e as janelas não tinham frontão. A principal decoração exterior consistia numa saliência curva ou angular de 45º. Um bom exemplo é o belo Hotel Matignon, em Paris, desde 1959 residência oficial do Primeiro Ministro francês. Foi construído pelo arquiteto Jean Courtonne, entre 1722 e 1723. Tem T em apenas dois andar andares, es, alas curtas que se proje projetam tam nas ex- Hotel Matignon. Jean Courtonne. Rue de Varentremidades do imóvel e na fachada um alinhamento de grandes nes, Paris, França, 1722-1723. janelões de cantos curvos cur vos.. A iluminação, a busca pela luz, é uma característica rococó. Os interiores eram decorados com espelhos, tons pastéis e texturas suaves. O dourado era aplicado de forma pontual para os relevos e molduras. As paredes eram preferencialmente em branco marfim. Os tetos, tetos, geralmente, não tinham mais pinturas decorativas. As pinturas com temas figurativos foram confinadas aos espaços sobre as portas. por tas. Na escultura, poucas foram as obras monumentais. A sua disposição dentro da arquitetura manifesta o espírito rococó. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. Dentro do espírito alegre e sensual do período se insere o escultor francês Claude Michel Clodion (1738-1814). (1738-1814). Suas pequenas esculturas de temática mitológica, repletas de graciosidade, vendidas a particulares, fizeram a sua fama. Semelhante à escultura de Clodion, a pintura rococó era sensual e de pequena escala. Os principais pintores do período foram Antoine Antoi ne Watte atteau au (168 (1684-17 4-1721), 21), Franç François ois Bouch Boucher, er, (170 (1703-17 3-1770) 70) e Jean-Honoré Jean-Ho noré Frag Fragonar onardd (1732-18 (173 2-1806). 06). Todos atuara at uaram m na corte. cor te. Wateau cac aracterizou-se pelo gênero das fêtes galantes, que inventara. Esse gênero foi usado por Fragonard, o pintor etéreo do amor e da Ninfa e Sátiro. Claude Michel Clodion c.c. 1775. Altura de 58,4 cm. natureza. Boucher foi protegido de Madame Pompadour, reali- .Terracota, Metropolitan Museum of Art, New York. zando belos retratos da favorita do rei Luís XV dentro do espírito alegre, descontraído e sensual do Rococó.
Retrato da Marquesa de Pompadour. Boucher. Óleo sobre tela, 1759. Dimensões: 91,0 x 68,0 cm. Wallace Collection, Londres, Inglaterra.
NEOCLÁSSICO E ROMANTISMO Enquanto o Rococó era o estilo da corte, da aristocracia ar istocracia palaciana, o Neoclássico se tornou o estilo da burguesia que ascendeu ao poder no final do século XVIII, com a Revolução Francesa e o Império Napoleônico. Suas principais características foram o retorno ao passado classicista e o academicismo expresso na temática e nas técnicas. Suas obras são construídas em busca de equilíbrio e simplicidade. Diferentemente dos renascentistas, a influência clássica não foi revivida, mas adaptada à nova realidade, ao mundo moderno do Neoclássico Neoclássico.. Segundo Kitson (1966, p.154), o Neoclássico Foi um movimento que abrangeu uma nova atitude, mais compreensiva e intelectual do que antes, em relação à Antiguidade, e que desprezava tanto a Idade Média como o classicismo da Renascença e o séc. XVII. Esse retorno aos princípios fundamentais é, talvez, a característica central do Neoclássico. Subentendia que a arte ar te moderna era não só a mais recente manifestação de uma longa e contínua tradição, mas ,também, a conseqüência de um diálogo travado exclusivamente clusivamen te entre o presente e o passado distante. As escavações arqueológicas em Herculano e Pompéia, de meados do século XVIII, levaram ao redescobrimento do estilo clássico, que tiveram influência decisiva na decoração de interiores. Seu maior representante foi o inglês Robert Adam (1728-92). Sua marca são as adaptações de ornamentos romanos em estuque dentro das características neoclássicas das superfícies planas, simetria e exatidão geométrica. g eométrica. A arqu arquite itetur turaa neoc neocláss lássica ica uti utiliz lizav avaa mate materia riais is nobr nobres es (ped (pedra, ra, mármore, granito), sistemas construtivos simples, formas geométricas regulares, composição simétrica, abóbadas de berço ou de aresta, cúpulas, pórticos colunados, frontões triangulares. Um Salão da Home House, 1772-73. Robert Adam. exemplo típico, típico, em estilo es tilo inglês georgiano, geor giano, é o Monticello (peque- Portman Square, Londres, Inglaterra na montanha), construída por Thomas Jefferson. Monticello era a sua resiência. Foi construída de tijolo e madeira, com planta compacta e numerosas janelas. Na fachada, colunas de ordem dórica, frontão triangular. Traz Traz ao centro uma cúpula sobre o hall, rodeada de óculos redondos.
Monticello. Thomas Jefferson, 1770-84 e 17961806. Charlottesville, Virgínia, E.U.A.
Na escultura trabalha-se a harmonia das proporções, a regularidade das formas e a serenidade da expressão. Há um certo aspecto glacial e uma rigidez de pose, que pode ser vista na Pauline Bonaparte Borghese como Vênus (1808) do escultor italiano Antonio Canova (1757-1822), que retrata va personalidas da da época como divindades divindades.. Na pintura, a composição é formalista, com exatidão nos contornos, disposição dos elementos a partir de planos ortoginais equilibrados, harmonia das cores, posturas rígidas, luminosidade direcionada. Há uma predileção por temas históricos, cotidianos Paulin Paulinee Bonaparte Borghese como Vênus, 1808. Antonio Cae mitológicos. Jacques-Louis David (1748-1825) foi nova. Galeria Borghese. considerado o pintor da Revolução Francesa, tornando-se mais tarde, o pintor oficial de Napoleão. Ele expressa extremo realismo e por vezes fortes emoções. Para Janson (1984, p.557), o Neoclássico foi apenas um aspecto do Romantismo, que esteve em primeiro plano até 1800. O fato é que o Romant Romantismo ismo surgiu como uma reação à rigidez classicista, ao academicismo, academicismo, às con venções.. O espírito romântico é rebelde, venções rebelde, quer se libertar. Essa arte de grande g rande subjetividade e emoção visa valorizar a expressão do sentimento sentimento,, o nacionalismo nacionalismo,, os princípios de Liberdade, Igualdade e Fraternidade. A arqui arquitetur teturaa e a escultu escultura ra trazem pouca poucass novid novidades ades,, ou há a permanência do Neoclássico (principalmente para edifícios públicos) ou retomam-se antigos estilos, no que se chama revivals (neo-gótico, neo-renascimento, neo-renascimento, neo-barroco). O estilo mais retomado foi o gótico, o que originou Napoleão cruzando Saint-Bernard (1800). Jaco neogótico. Ele pode ser visto no Parlamento de Londres, ques-Louis David. Österreichische Gallerie Unde 1836. De autoria de Charles Barry Bar ry e A. Welby Pugin, ele teres Belvedere, Vienna, Austria foi o maior monumento do neogótico. Para Janson (1984, p.557), o Neoclássico foi apenas um aspecto do Romantismo, que esteve em primeiro plano até 1800. O fato é que o Romantismo surgiu como uma reação à rigidez classicista, ao academicismo, às convenções. convenções. O espírito romântico é rebelde, quer se libertar. Essa arte de grande subjetividade e emoção visa valorizar a expressão do sentimento, o nacionalismo, os princípios de Liberdade, Igualdade e Fraternidade. A ar arqu quititet etur uraa e a esc escul ultu tura ra tra traze zem m po pouc ucas as novidades, ou há a permanência do Neoclássico (principalmente para edifícios públicos) ou de Londres, 1836. Charlrd Barry e A. Welby Pugin. Lonretomam-se antigos estilos, no que se chama Parlamento dres, Inglaterra. revivals (neo-gótico, neo-renascimento, neobarroco). O estilo mais retomado foi o gótico, o que originou o neogótico. Ele pode ser visto no Parlamento de Londres, de 1836. De autoria de Charles Barry e A. Welby Pugin, ele foi o maior monumento do neogótico.
A expressividade pictórica da pintura romântica contrasta com a frieza e distanciado da neoclássica. Suas características são o movimento das formas, que se aproxima do Barroco; composição dinâmica em linhas diagonais; valorização das cores e do claro-escuro, usados para imprimir dramaticidade. Seus temas são as cenas históricas e mitológicas. Seus principais artistas foram o espanhol Goya (1746-1828), (1746-1828), retratista da corte cor te espanhola e dos horrores da guerra; o inglês William Turner (1773-1851), com suas visões visões etéreas etéreas pintapintadas com vapor colorido (segundo Constable apud JANSON, JANSO N, 1984, p.577 p.577)) e o francês Ferdi Ferdinandnand Victor Eugène Delacroix (1798-1863) com suas Liberdade guiando Liberdade guiando o Pov Povo, o, 1830. Delacroix. Delacroix. Museu do Louvre, Louvre, composições dramáticas e simbolismo cromático. cromático. A Paris, França. Delacroix foi um mestre da cor. Dedicou-se à sua pesquisa e desenvolveu uma técnica de representação da sombra, s ombra, não através do sfumatto renascentista, mas através da aplicação de cores complementares. Dentre as suas obras, destaca-se por sua emblemática temática, A Liberdade guiando o Povo, Povo, realizada em 1830, dentro do espírito nacionalista romântico.
Você Sabia? Entre 1850 e 1900 surge um movimento artístico denominado Realismo. Ele rejeita o imaginário romântico e as convenções acadêmicas. Esse estilo buscou uma visão objetiva e simples da vida. O artista realista não devia modificar ou idealizar o real e, sim, retratá-lo fielmente. Seus principais artistas foram Daumier, Millet e Courbet.
Atividade complementar complementar Podemos os considerar a arte ar te medieval, mais especificamente os estilos Românico e Gótico, como 1. Podem expressão da arte religiosa? Por quê?
estilos Românico e Gótico ? 2. Em que diferem os estilos
3. A relação entre Renascimento e Maneirismo é de oposição ou de complementação? Por quê?
4. Qual é a essência da arte barroca?
Neoclássico, podemos considerar a história da arte como uma uma alternância entre ressurgi5. Até o Neoclássico, mentos clássicos e reações anticlássicas? Por quê?
Saiba Mais! Estante do historiador História social da arte e da literatura – Escrito por Arnold Hauser, editado
pela Martins Fontes Fontes desde 1994. Essa obra estuda as relações entre a sociedade, a literatura e a arte, ar te, consideradas do ponto de vista histórico. histórico. Enfoca desde o período do Paleolítico, Paleolítico, passando pela Idade Média, Renasciment Renascimentoo e Barroco, até chegar ao século XX.
Cinema e história Agon Ag onia ia e êx êxta tase se – Produção norte-americana da 20th Century Ce ntury Fox,
dirigida por Carol Reed, lançado em 1965. Charlton Heston e Rex Harrison interpretam duas das mais marcantes personalidades da Renascença italiana: Michelangelo e o Papa Júlio II. O filme aborda a tensa relação entre eles durante a pintura da Capela Sistina.
NOVAS IMPRESSÕES: DO IMPRESSIONISMO AO PÓSMODERNISMO IMPRESSIONISMO O movimento artístico denominado Impressionismo estabeleceu-se entre 1850 e 1900, expressandose através da pintura. Sua denominação é decorrente do quadro Impressão: Nascer do Sol de Claude Monet (1840-1926), sobre o qual o crítico de arte Louis Leroy pejorativamente construiu o termo impressionista. Esse estilo é uma reação à rigidez formalista da Academia. Sua principal característica é a importância que confere à cor e à luz. As tonalidades cromáticas não devem ser impressas através da mistura de tintas, elas devem ser construídas no próprio quadro através da disposição de várias cores puras levando a uma associação ótica por parte do espectador. As próprias sombras são coloridas, obedecendo ao princípio das cores complementares, já utilizado por Delacroix. As formas não devem ter contornos. O pintor impressionista pintava ao ar livre para melhor capturar a efemeridade da luminosidade única de um momento, a impressão do momento. momento. A partir par tir desses princípios, cada artista trilhou seu próprio caminho. Claude Monet (1840-1926) era um observador da luz; o cavalete, as tintas e os pincéis eram as suas ferramentas. ferr amentas. Sua temática eram as paisagens, que se tornavam o mote para o seu foco principal: a luz. As suas séries retratam r etratam as paisagens em diferentes momentos de iluminação. As mais famosas foram as da Catedral de Rouen e a das nenúfares. Nesses quadros, um conjunto de manchas de cor cintila. Seus quadros parecem ser a visão de um míope: sem contornos definidos, desfocados assemelham-se a borrões. Na imagem a seguir, quase que sentimos o movimento suave da água e das Nenúfares. Claude Monet. Óleo sobre tela, 1903. Dimensões: nuvens,, que estão refletidas na água. nuvens 74,6 x 105,3cm. Coleção privada. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) era o pintor da joie de vivre, alegria de viver viver.. Ele era um pintor urbano, de pessoas em movimento movimento.. Sua obra de maior impacto foi Le Moulin de la Galette (O Moinho Galette), que retrata um local público de diversão em pleno movimento.. Através de um jogo de cor, luz e sombra, ele capta o momento, um clima de vivacidade e alegria. movimento
O Moinho de la Galette. Auguste Renoir. Óleo sobre telas, 1876. Dimensões: 131 x 175 cm. Musée d’Orsay, Paris, França.
Edgar Degas (1834-1917) foi gravurista, pintor e escultor. Sua formação de desenhista fez com que usasse o pastel para obter efeitos de traço, tonalidade e cor. Suas obras retratam ambientes interiores, com luz artificial. Seu objetivo é capturar o momento de um movimento. O teatro e a dança o fascinam, utilizando cenas desses como referências figurativas em seu trabalho trabalho.. Diferentemente dos demais impressionistas impressionistas,, trabalhava em estúdio e não ao ar livre. Os personagens mais comuns, como bailarinas e cavalos, eram os seus preferidos. As suas bailarinas são capturadas em pleno movimento movimento.. A perspectiva oblíqua é empregada para imprimir dinâmica. É difícil rotular o grande escultor francês Auguste Rodin (1840-1917). Experiências escultóricas impressionistas foram realizadas por Degas, Deg as, mas Rodin atinge outro patamar. Ele pode ser considerado impressionista em sua busca por plasmar o momento da criação. Em duas de suas mais conhecidas obras, Prima Ballerina. Edgar Degas. Pastel, 58,4 x 42,0 m. Museu do Louvre, Paris, França. O Pensador e O Beijo, seu objetivo é capturar, de forma tridimensional, o momento significativo de um gesto humano. Suas composições são intensas, exibem o princípio estético es tético do inacabado. O Beijo tornou-se o símbolo da paixão carnal. As duas figuras humanas individuais se entrelaçam pontualmente, realçando em suas posturas a sensualidade dos corpos despidos.
Mulher em sua toilette. Berthe Morisot, 1895.
O Beijo. Auguste Rodin. Escultura em mármore, 1886-98. Museu Rodin, Paris, França.
Você Sabia? O movimento impressionista nasceu nas reuniões com seus principais pintores no estúdio fotográfico de Nadar, na Rue de Capucines, Paris. Há poucas mulheres presentes na História da Arte. No Impressionismo está presente a figura da pintora francesa Berthe Morisot (1841-1895). Discípula de Corot e Millet, começou a buscar novos caminhos. Conheceu o pintor impressionista Manet, tornando-se sua discípula e passando a pintar ao ar livre, e acabou casando com um irmão deste. Foi a primeira mulher aceita no grupo dos artistas impressionistas, participando da primeira exposição destes em 1874. Pintora de paisagens, seu tema principal foram as cenas da vida doméstica, que trata com extraordinário lirismo. Sua característica são as pinceladas curtas e rápidas que diluem os contornos das formas.
PÓS-IMPRESSIONISMO Segundo Janson (1984, p. 619), o Pós-Impressionismo designa um grupo de artistas que, tendo passado por uma fase impressionista, se sentiram insatisfeitos perante as limitações do estilo e o ultrapassaram em diferentes direções. Como não partilhavam um objetivo comum, torna-se difícil encontrar para eles um termo mais descritivo que o de Após-Impressionismo. Em todo caso, não eram ‘anti-impressionistas’. Longe de tentarem desfazer os efeitos da ‘Revolução ‘Revolu ção de Manet’, quiseram, pelo contrário, levá-la mais além. O Após-Impre ApósImpressioni ssionismo smo é uma fase fase mais tardi tardiaa do movim movimento ento que que começara na década de 1860 com quadros como o Déjeuner de Manet. Assim, o Pós-Impressionismo foi uma busca empreendida por artistas ar tistas impressionistas, individualmente, por novos caminhos, novas novas formas for mas de expressão expressão.. Não há uma unidade entre eles, nem técnica nem temática. Não há um programa único. Não há uma organização formal. Apenas uma origem comum: o Impressionismo. Impressionismo. As experiências deles irão influenciar os movimentos da Arte Moderna. O pintor francês Paul Cézanne (1839-1906) passou a buscar a representação através da redução dos objetos a formas geométricas tridimensionais: esfera, cubo, cilindro, etc. Por isso, é um precursor do movimento Cubista. O volume e as cores fortes são essenciais em sua obra. Para ressaltar o volume realizava distorções das formas e acentuava os contornos em preto. Interessava-lhe “tanto a estabilidade como a instabilidade das coisas, tanto o seu valor conceitual como o ótico, a realidade dessas coisas como a realidade da tinta sobre sua tela” (LYNTON, (LYNTON, 1966, p.48). A natureza-morta é seu tema predileto, Rideau, cruchon et compotier . Paul embora tenha executado paisagens e retratos. Cézanne. Óleo sobre tela, 1893-1894. Whitney Museum Museum of American Art
George-Pierre Seurat (1859-91), em busca da captura da luz, de sua apreensão em um momento, momento, desenvolveu uma técnica de representação re presentação pictórica denominada Pontilhismo ou Divisionismo. Essa técnica consiste em compor as formas através de pequenos pontos ou manhas justapostos, que levam a uma mistura ótica na visualização da obra pelo espectador. Esses pontos são vistos de perto, mas se fundem à distância. As cores são subdivididas em vários pequenos pontos de uma variedade de tons, segundo a lei das cores complementares. Dessa forma, ele traduz a luz em cor. Esse seu método pictórico,, “baseado no estudo científico da realidade, serviu de apoio a uma tendência para o uso livre e anpictórico tinaturalista da cor, tendência que veio a constituir um dos alicerces da pintura moderna” (LYNT (LYNTON ON,, 1966, p.47). Ele vai influenciar o Fauvismo e o Futurismo. As composiçõ composições es de Seurat Seurat tendem tendem a um caráter caráter estático estático e à simplificação da forma. Um dos seus quadros mais representativos é Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande-Jatte. Vicent Van Gogh (1853-1890) desenvol desenvolveu veu um estilo muito particular, onde a cor expressa toda a sua carga car ga emocional, bastante conturbada. As cores primárias, em tons fortes dominam suas composições, principalmente paisagens, onde o amarelo é a sua cor simbólica por excelência. Tecnicamente, Tecnicamente, Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grandedescarta o pontilhismo por pinceladas pequenas e dinâmicas. Jatt Jatte. e. Seur Seurat. at. Óleo sob sobre re tel tela, a, 188 1884-86 4-86.. The As formas for mas submetem-se à cor e ao movimento imposto por Ar Artt Inst I nstitut itutee of o f Chic Chicag ago. o.
suas pinceladas agitadas. As obras de Van Gogh tiveram grande in fluência sobre o Expressionismo, o Fauvismo e o início do Abstracionismo. Segundo Lynton (1966, p.47), luz e cor eram para ele o que tinham sido para os artistas góticos, uma forma de revelação divina, e sabia que, colocando certas cores em mútuo contraste, podia obter uma sonoridade quase sobrenatural. Intensificando a cor, ao mesmo tempo que simpli ficava e caracterizava a traços largos as formas, conseguiu realizar uma expressividade transcendente, sem perder contato com os objetos que pintava. Enquanto outros artistas se afastavam de uma temática específica, em direção a temas mais abstratos, van Gogh insistia na singularidade de tudo o que pintava.
Campo de trigo com corvos. Vicent Van Gogh. Óleo sobre tela, 1890. Van Gogh Museum, Amsterdã.
O pintor francês Eugène-Henri-Paul Gauguin (1848-1903) empreendeu uma busca dentro do espírito do Romantismo ao natural, além das con venç ve nçõe õess sociai sociaiss de sua sua época, época, rej rejei eita tand ndoo (ten (tenta tand ndo) o) tod todaa a tradi tradição ção artí artíst stica ica européia. Inicialmente buscou o campo, a Bretanha, como inspiração, mas foi no Taiti que se encontrou. A cor pura, forte e vibrante é a essência de sua obra. Suas formas são simples, sintéticas, estáticas, suas cores chapadas, a perspectiva e o volume são descartados. De sua experiência no Taiti suas cores se tornaram mais intensas e suas composições mais sensuais. Gauguin vaii in va influenciar o Expressionismo e os Primitivos.
Duas taitianas com flores de manga. Gauguin. Óleo sobre tela, 1899. Metropolitan Museum, New York.
ARTE MODERNA A denomi denominação nação Arte Moderna congrega uma série de movimen movimentos tos artísticos existentes existentes entre 1890 (ou 1900) e 1950. Embora bem diferenciados em suas representações e con- ceitos, todos esses movimentos foram uma reação r eação à tradição, ao academicismo, em busca do novo, do moderno. Mais uma vez, a busca por novas possibilidades artísticas, expressivas. Inicialmente, foi uma postura européia, mas foi se expandindo para o restante do mundo. fi guraçõ O processo de industrialização crescente, as novas con fi gurações es de poder poder no no mundo, mundo, o de- senvolvimento tecnológico, a maquinização, consolidavam uma idéia de progresso pr ogresso vista nes- se momento com otimismo, em busca de um admirável mundo novo, um mundo melhor.
Art nouveau (1880/1890-1914) (1880/1890-1914)
Um dos primeiros movimentos desses novos tempos foi a Art Ar t Nouveau, Arte Nova, também denominada de Arte Floral, Jugendstill ou Modern Style. Seu nome deriva da denominação de uma galeria parisiense, a Maison de l’Art l’Ar t Nouveau, espaço de reunião e exposição dos novos artistas. Esse foi o estilo da Belle Époque (1880-1914), uma época de ouro na Europa antes dos grandes con flitos, apogeu da boemia. Foi um estilo internacional eminentemente decorativo, decorativo, um estilo para a vida cotidiana moderna. Baseia-se na natureza, nas formas orgânicas, principalmente vegetais, concebidas em linhas sinuosas e assimétricas e cores frias, tons pastéis. É uma apologia à beleza, à ornamental or namental graciosa, delicada, integrada. Pretende-se integrar as formas orgânicas à vida humana moderna. Materiais como o vidro e o ferro ganham nova vida. As artes ar tes manuais, artesanais são valorizadas. Na arquitetura destacam-se três arquitetos: o espanhol Antoni Ant oni Gaudí Gaudí (18 (185252-192 1926), 6), com sua suass forma formass derre derretid tidas; as; o francês Hector Guimard (1867-1942), projetista das belas entradas de metrô em Paris; Paris; e o belga Victor Horta (18611947), projetista da Casa Tassel. A Casa Tassel, em Bruxelas, Bélgica, data de 1893 e é considerada como o primeiro edifício Art Nouveau construído. Por que os edifícios e as casas obedecem a formas for mas angulosas, retângulos e quadrados? Buscando quebrar esse paradigma, Victor Hora explorou o efeito das curvas, das formas sinuosas em suas obras tanto no exterior como no interior. Assim, a Casa Tassel é uma obra-prima, uma complexa e diáfana estrutura orgânica realçada em cada detalhe. As colunas parecem delicados troncos, as curvas das escadarias e pinturas decorativas das paredes parecem formas for mas vivas em movimento dinâmico. dinâmico. Os próprios tons alegres dos materiais proporcionam a composição de um ambiente mágico em contraste com as obras de concreto em tons de cinza. Não é uma casa, é uma floresta encantada, nenhum detalhe é esquecido do piso ao teto teto.. O uso do vidro Casa Tassel. Victor Horta. Bruxelas, Bélgica, 1893. proporciona uma luminosidade que realça o conjunto. Na pintura, o desenho é simplificado, a linha curva forma e dá ritmo à composição e um caráter ornamental está presente nas padronagens e texturas. O pintor austríaco Gustav Klimt (1962-1918) trabalha as figuras femininas com delicada sensualidade, decorando as roupas e os fundos inteiramente com motivos ornamentais. Suas cores são equilibradas, havendo uma predileção para os tons pastéis impressos com grande luminosidade, acentuada pelo uso de dourados. Em sua composição O Beijo, Klimt transmite uma atmosfera sedutora, o momento mágico em que o beijo vai ser dado. Das figuras humanas vê-se apenas os rostos, os braços e os pés da mulher. A forma dos corpos é dada pela padronagem profusamente decorada que não se confunde com a decoração do fundo. As escultur esculturas as art nouveau são elegan elegantes tes e movimentadas, orientando-se pela curva sinuosa. Não há, contudo, grandes obras, pois o seu caráter é eminentemente ornamental e inserem-se no programa arquitetônico ou decorati vo. Pequenas Pequenas peças pe ças são compostas. co mpostas. As figuras femininas em O Beijo. Klimt, 1907-8. Österreichisches Gasuaves movimentos são muito representadas. lerie Wien, Vienna
Fauvismo Fauv ismo (1905-1907)
Esse curto movimento artístico da pintura, entre 1905 e 1907, nasceu na França. Sua denominação deve-se ao termo “fauve”, fera selvagem em francês, que foi empregado pejorativamente pelo crítico de arte Louis Vauxcelles após uma exposição do grupo liderado por Henri Matisse (1869-1954). Para esse crítico essas obras eram “borrões “bor rões ingênuos e selváticos de uma criança brincando com sua caixa de tintas” (LYNTON, 1966, p.79). Influenciados por Gauguin e Van Gogh, suas cores são fortes, vibrantes, expressas sobre superfícies planas e formas achatadas. Henri Matisse (1869-1954) é considerado o principal representante da arte fauvista. Seus temas eram mulheres, interiores e flores. Suas obras possuem uma superfície em vermelho (A sala vermelha), 1908plana, de composições movimentadas por linhas fluídas e ex- Harmonia 9. Museu Hermitage, Leningrado. tremo colorido, onde o vermelho vivo se destaca em contraste com o azul, contornos negros delineiam as formas. Cubismo (1907-1914)
O movimento artístico denominado Cubismo, in fluenciado por Cézanne, caracteriza-se por uma desconstrução das realidade através de formas geométricas. Existem dois momentos do Cubismo: o Cubismo Analítico e o Cubismo Sintético. Segundo Lynton (1966, p.97), ao passo que o Cubismo Analítico se preocupava com um processo para destruir o objeto e reconstruí-lo como uma composição pictórica que se situa num espaço sem profundidade, o Cubismo sintético em geral envolvia a construção constr ução de objetos (com tintas ou outros materiais) de modo efetivo sobre a própria tela. O espanhol Pablo Picasso (1881-1973) foi um pioneiro do Cubismo. Seu primeiro quadro cubista foi Les demoiselles d’Avignon, d’A vignon, de 1907. Essa obra é um manifesto cubista em técnica e temática. Nela estão representadas 5 prostitutas nuas da rua de Avignon, em Barcelona. Seus nus são desprovidos de qualquer sensualidade. Elas são figuras caricatas, distorcidas através de formas angulosas. Segundo Janson (1984, p.653), “não só as proporções, mas a própria integridade orgânica e continuidade do corpo humano são negadas aqui, de maneira que a tela parece uma superfície de vidro quebrado”. Assemelham-se a figuras formadas por um caleidoscópio. caleidoscópio. Há uma certa tridimensionalidade conferida pelas áreas de luz e sombras. Les demoiselles d’Avignon, de 1907. Pablo Picasso. Museum of Modern Art, New York.
Futurismo (1909-1914)
O Futurismo foi um movimento artístico e literário nascido na Itália em 1909 através do Manifesto futurista de Marinetti. Seu objetivo era representar a realidade em movimento, o momento em ação, ação, colocando o espectador no centro da obra. Era uma influência da nova sociedade do automóvel automóvel,, da velocida-
de. Para capturar a velocidade, estudaram os movimentos através do registro fotográfico seqüenciado. Na representação, muitas vezes usavam as técnicas cubistas de desconstrução. Segundo Lynton (1966, p.97), p.97), “estilisticamente, pouco contribuíram para a pintura, mas sua insistência no dinamismo da vida como base da Arte afetou permanentemente a estética moderna”. Seus mais importantes membros foram Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carrà (1881-1966) e Giacomo Balla (1871-1958). Balla foi seduzido pela luz, pelos princípios óticos da propagação da luz no espaço, um subtema da velocidade. Assim, ele explorou a decomposição cromática da luz através do movimento. Exemplo disso é o seu quadro Luz da Rua de 1909.
Luz da Rua. Giacomo Balla, 1909.
Expressionismo (1905-1930)
Esse movimento artístico é marcado pela insatisfação, por um desespero, por uma angústia perante a realidade. O otimismo da Belle Époque foi destruído com a Primeira Guerra Mundial (1914-18), a Revolução Russa (1917). O novo momento era de pessimismo. Os artistas estavam buscando uma exteriorização dessa reflexão vivenciada. Para tal, usam cores fortes, uma composição dinâmica e temas trágicos e sombrios. Seu principal precursor foi o pintor norueguês Edvard Munch (1963-1944). Em sua famosa obra O Grito ele conseguiu expressar uma profunda angústia e desespero. Suas pinceladas curvas como a chama de uma vela, imprimem uma dinâmica aos tons escuros. As formas são s ão distorcidas segundo esse movimento curvilíneo. A figura principal, uma criatura humana, não traz qualquer caracterização de traços individuais individuais.. Ela é apenas a expressão trágica do grito. As cores frias com as quais é representada con- O Grito (Skrik). Munch, 1893. Galeria Nacional de Oslo, Noruega. trastam com as cores quentes do fundo do quadro. Existiram na Alemanha dois importantes grupos gr upos expressionistas: A Ponte ( Die Brücke) e o Cavaleiro Azul (Der (Der Blaue Blaue Reiter) Reiter).. O primeiro primeiro,, em Dresden Dresden,, eram mais politi politizados zados,, contestad contestadores ores,, tendo tendo como como prinprincipais expoentes Kirchner e Nolde. O segundo, que dará origem à Bauhaus e à abstração, dedicavam-se a experiências místicas. Seus principais representantes re presentantes foram Kandinsky K andinsky,, Paul Klee e August Macke.
Dadaísmo (1916-1921)
O Dadaísmo foi um movimento artístico de contestação nascido durante a I Guerra Mundial (1914-1918). Ele é fruto fr uto da falta de sentido que se abateu na Europa nesse período, quando o antigo mundo da Belle Époque é destruído. Eles vão de encontro aos princípios construtivos constr utivos da antiga ordem, baseada no racionalismo e na lógica. lógica . Assim As sim,, ele eless ad adot otam am a deso desord rdem em,, o cao caos, s, a in inco coerê erênc ncia ia,, o ab absu surd rdoo, o ililóg ógico ico.. Se Seuu ob obje jetitivo vo era ch choc ocar ar.. Um dos seus primeiros representantes foi o pintor e escultor francês Marcel Duchamp (1887-1968). Extremamente Extremamente irreverente e contestador contestador,, ele encarnou encar nou como nenhum outro essa ilógica dadaísta. Não há um estilo, uma técnica, uma temática que defina o Dadaísmo e, sim, o seu s eu espírito. Suas obras sempre chocantes ofereceram um impacto reflexivo sobre a sociedade. Um conceito que criou e levou a extremos foi o ready made, a apropriação de objetos comuns para o ambiente artístico.. Uma de suas mais famosas e irônicas obras foi A Fon tístico Fonte, te, que expôs na Exibição da Sociedade de Artistas Independentes em 1917. Na verdade, essa obra é um mictório de louça branca com a assinatura R. Mutt. Com essa atitude Duchamp iniciou o seu questionamento sobre a obra de arte ar te e o que valida um trabalho para torná-lo arte. A Fonte. Fonte. Marcel Duchamp, Duchamp, 1917. 1917.
Saiba Mais! Duchamp brincou muito com a arte tradicional, reproduzindo um quadro da Mona Lisa e colocando-lhe um bigode. Vários objetos do cotidiano serviram-lhe de suporte. Era o início do conceito de pós-modernidade, da arte como discurso.
Surrealismo (1924 - )
O Surrealismo nasceu em 1924 com o manifesto surrealista do escritor francês André Breton. Muitos dos seus primeiros participantes foram dadaístas que buscavam um novo caminho. O Surrealismo traz influências da desconstrução cubista e do expressionismo. O Surrealismo é fruto dos estudos sobre psiquiatria desenvolvidos por Freud e Jung. Eles buscam respostas no inconsciente que impõe uma nova ordem que se manifesta através do sonho e do simbolismo simbolismo.. O espanhol Salvador Dali (1904-89) e o belga René Magritte (1898-1967) criaram as mais conhecidas obras do Surrealismo.. É de 1926 um dos quadros mais famosos de Magritalismo te, que ele próprio define como “ Tudo o que vemos esconde outra coisa, e nós queremos sempre ver o que está escondido pelo que vemos”. A arte e suas expressões estavam em O Filho do homem. Magritte, 1926.
ARTE PÓS-MODERNA O termo pós-modernismo parece ter sido s ido aplicado pela primeira vez por Frederico de Onís (1888-1966) em 1934 em seu livro Antologia da poesia espanhola e hispano-americana, para descrever, segundo Nilson Thomé, Tho mé, um refluxo conservador dentro do Modernismo. Segundo Lyotard (1989, p.8), em 1954, o termo foi empregado pelo historiador inglês Arnold Toynbee (1889-1975) no oitavo volume de A Study of Story, onde fazia uma referencia a uma “era pós-moderna” iniciada com a guerra franco-prussiana (1870-71). Vários teóricos, de diferentes áreas, posteriormente, utilizaram essa denominação, mas foi com o francês Jean-François Lyotard (1924-1998) em seu livro A condição pós-moderna de 1979, que o termo se consolidou. Difícil de ser definido nido,, o pós-modernismo foi e é sentido sentido,, vivenciado e passível de ser descrito. Em busca de uma conceituação, Frederic Jameson coloca que pós-moderno não é apenas uma outra palavra para a descrição de um estilo particular. É também um conceito periódico cuja função é relacionar a emergência de novos caracteres formais na cultura com a emergência de um novo tipo de vida social e uma nova ordem econômica – ou seja, aquilo que é sempre eufemisticamente chamado de modernização, sociedade pós-industrial ou de consumo, sociedade das mídias ou do espetáculo, ou capitalismo multinacional (...). Tanto não-marxistas quanto marxistas chegaram ao sentimento geral de que, em algum ponto, após a Segunda Guerra Mundial, uma nova espécie de sociedade começou a emergir (apud SANTAELLA, 1994, p.19) Historicamente, Jair Ferreira dos Santos (1997, p.20) aponta a bomba atômica lançada em Hiroxima Historicamente, em 6 de agosto de 1945 como marco, que provocou a gestação nos anos 1950 e o nascimento da pósmodernidade nos anos 1960. Um nascimento já anunciado nos anos 1930. Mas o que foi que mudou? O primeiro indício está na nomenclatura, na denominação, no vocábulo pós-moderno, pois “as denominações não são casuais. Elas carregam significados” (SANTAELLA, 1994, p.30). Assim, vê-se logo uma vinculação explícita com o Moderno, uma relação de contigüidade. O prefixo pós indicando uma posteridade, o que vem depois, mantendo, contudo. uma referencialidade. Não traz a ruptura, o antagonismo do prefixo anti, indica uma continuidade diferenciada. Essa identidade umbilical é marcada por uma negação ou modificação cação.. Para caracterizar o pós-moderno recorre-se ao moderno: a única grande diferença entre ambos está apenas e muito mais na perda das ilusões heróicas, dos ideais de grandeza e da agressividade ag ressividade combativa, ainda infantis e mesmo adolescentes, dos modernistas, perda esta que caracteriza uma mudança substancial sob o nome de pós-modernidade (SANTAELLA, 1994, p.28) O mundo mudou e o projeto modernista, a crença em um mundo melhor, não se realizou. A tecnologia dominou o cotidiano, vivencia-se uma crise de valores, o bombardeio incessante de informações aleatórias, o império das imagens, da simulação que supera a realidade. O indivíduo tornou-se consumista, hedonista e narcisista (SANTOS (SANTOS,, 1997, p.86 p.86).). A pós-modernidade é marcada pela desilusão desilusão,, pela descrença. Evoca o mal du siècle, o spleen do século XIX. Mas, agora, não há desespero, rebeldia, tédio ou angústia inquietante dos românticos oitocentistas. O que domina é a apatia, o desencanto, a anomia (ausência de lei), a falta de identidade ou pertencimento per tencimento,, o vazio. Não há esperança, projetos de futuro, o que importa é o presente, o aqui e agora. Não há verdade, há possibilidades. Não há certezas, vive-se a revisão dos conceitos, a dúvida. O pós-modernismo é experimentação experimentação,, ecletismo, pluralidade, irreverência. Não existe unidade e sim, tendências individuais, individuais, fragmentações. A condição pós-moderna
“é precisamente a dificuldade de sentir e representar o mundo onde se vive” (SANTOS, (SANTOS, 1997, p.108). p.108). E por isso, não há objetivos e propostas únicas, há uma desconstrução de valores. Jair Ferreira Ferreira dos Santos aponta dois momentos do pós-moderno: rupturas e resistências. Período de ruptura (1950-1970)
Nesse primeiro momento pós-moderno simpli fica-se o objeto artístico, numa postura anti-intelectualista, em busca de uma comunicação direta, objetiva com o público; há a fusão com a estética de massa; materiais não artísticos são experimentados; superficialidade e efemeridade são as suas legendas. É o tempo da Action Painting, Pop-Art, Pop-Art, Op-Art, arte cinética, arte ar te povera, land art (arte terra). ter ra). Período de resistência (desde 1980)
O segundo momento do pós-modernismo é o da Geração 1980, cansada de experimentação, sem perspectivas,, sem ilusões, uma reação ao “vale tudo”. Há vários artistas perspectivas ar tistas e vertentes individuais individuais.. É o domínio do pastiche e do neo-expressionismo neo-expressionismo.. Na arte pós-moderna não é a obra em si o que importa e, sim, o processo, o conceito. Com um bom discurso se constrói a arte. A questão é tão séria que o historiador da arte Argan se pergunta se a arte não morreu. Seria muito radical e de um extremo pessimismo acreditar nisso, é preferível crer na dinâmica da arte, em tranformações. tranfor mações. Quais serão os novos caminhos caminhos da arte?
Atividade complementar complementar 1. Qual era a principal busca do Impressionismo?
Pós-Impressionismo?? 2. Em que consiste o Pós-Impressionismo
3. O que é um revival?
4. Qual é a diferença entre Fauvismo e Cubismo?
5. Como você definiria a arte Pós-Moderna?
Saiba Mais! Estante do historiador A Hist História ória da Art Artee – Escrito pelo historiador da Arte Ernst
H. Gombrich, editado pela LTC, encontra-se em sua 16ª edição. Esse livro introdutório enfoca a arte desde as pinturas rupestres até a arte experimental dos dias atuais. Tecendo várias conexões, o autor descreve seu objetivo como sendo o de trazer alguma ordem compreensível à riqueza de nomes, períodos e estilos artísticos.
Cinema e história Sede de viver – Produção norte-americana da MGM, diri-
gida por Vicente Minneli, lançado em 1956. O filme aborda a vida do pintor Van Gogh, mestre do impressionismo, dividido entre a genialidade e a sua mente atormentada. ator mentada.
Glossário ABÓBADA – Cobertura arqueada ABÓBADA arqueada de pedras pedras aparelhadas (aduelas), (aduelas), tijolos ou betão betão.. A abóbada abóbada de berço é semicilíndrica e formada por arcos sucessivos. A abóbada de arestas é resultado da intersecção de duas abóbadas de berço iguais. ÁBSIDE – Recinto Recinto semicircular ou poligonal poligonal de uma igreja, coberta por uma cúpula. cúpula. AFRESCO – Técnica de pintura sobre a parede, argamassa fina úmida. Os pigmentos são diluídos em água e a pintura é absorvida pela argamassa ao secar. APAD AP ADANA ANA - Tenda Tenda em pedra, sua origem origem nômade. nômade. Sala de de audiências audiências dos dos palácios palácios persas, formada por muitas e altas colunas. AQUEDUTO AQU EDUTO – Canal Canal artificial para condução de água de uma nascente a uma cidade. ARCADA ARCAD A – Conjunto, Conjunto, sucessão de arcos, sustentados por colunas colunas ou pilares. pilares. ARCO – Elemento Elemento de construção curvo, curvo, acima de um vão. vão. ARCO OGIV OGIVAL AL OU QUEBRADO – arco característico característico da arquitetura arquitetura gótica, formado pelo cruzamento de duas curvas que se encontram e formam um ângulo mais ou menos agudo na parte superior. Distribui Distribui melhor as forças de equilíbrio da cobertura. ARCO PLENO PLENO – Arco de seção semicircular, que forma forma um ângulo de 180º. ARCOBOTANTE ARCOBOT ANTE – Arco característico da arquitetura gótica, que se enconta à parede da construção para receber o peso da cobertura, descarregando-o descarreg ando-o nos contrafortes. Eles diminuem diminuem a carga das paredes, possibilitando que sejam mais estreitas e possuam muitas e grandes aberturas. ARTE RUPESTRE RUPESTRE – Arte feita nas rochas, rochas, geralmente nas nas paredes das das cavernas. cavernas. ATLANTE ATLA NTE - Escultura masculina usada como como suporte, coluna em um edifício. edifício. Seu feminino chama-se cariátide. ATRIUM OU ÁTRIO – Pátio central interno de uma casa romana. Pátio aberto de entrada, que antecede a fachada de uma igreja. AURÉOLA AURÉ OLA – Ou halo halo ou nimbo. nimbo. Círculo luminoso que que rodeia a cabeça de figuras divinas ou santas, como sinal de distinção. BETÃO – Mistura de areia ou cascalho com argamassa ou cimento inventada no Oriente Próximo, Próximo, aperfeiçoada pelos Romanos e retomada no Renascimento. Renascimento. BOTARÉU BOTARÉ U – Contraforte que serve ser ve de apoio aos arcobotantes. BRONZE – Liga de cobre e estanho, usado na escultura desde a Pré-História. CANELURA – Entalhes ou sulcos verticais no fuste de uma coluna ou pilastra. CAPITEL – Parte superior de uma coluna ou pilastra, acima do fuste e sob s ob a arquitrave. arquitrave. CARIÁTIDE – Escultura feminina usada como suporte, coluna em um edifício. Seu masculino chama-se atlante. CATACUMBA – Cemitério subterrâneo. CELLA – Sala principal, santuário do templo, reservado reser vado à imagem do deus. Também Também chamada de nãos. CHIAROSCURO – Claro-escuro. Artifício que consiste em pintar partes iluminadas e partes de sombra, numa modelagem de formas através dos contrastes da luz e da sombra.
CLERESTÓRIO – Conjunto de janelas altas, dispostas sobre um telhado adjacente. COLATERAL COLA TERAL – Nave ou passagem paralela à nave principal. COLUNA – Elemento arquitetônico, suporte vertical cilíndrico, composto geralmente por três partes: base, fuste e capitel. Quando está encostada numa parede é chamada adossada; quando está inserida em um muro é dita embebida (coluna de meio corpo). COLUNATA COLUNA TA – Conjunto de colunas dispostas regularmente. regular mente. CONTRAFORTE CONTRAFO RTE – Suporte construído numa parede externa para sustentar o peso de uma abóboda ou arco interno. CORO – Espaço reservado para o clero, na capela-mor, à direita e à esquerda do altar, com uma ou mais filas de bancadas. Parte da Igreja Ig reja destinada ao canto do ofício. CROMLECH CROMLEC H - Conjunto de menires e dolmens alinhados, agrupados em círculo círculo.. CRUZ GREGA – Cruz na qual as linhas vertical e horizontal são de igual tamanho. CRUZ LATINA LATINA – Cruz na qual a linha vertical é maior que a horizontal. CRUZEIRO CRUZEIR O – Área de intersecção entre o transepto e a nave, geralmente encimada por torre-lanterna ou uma cúpula. DEAMBULATÓRIO - Corredor semicircular atrás da abside nas basílicas; nave anular em torno do espaço central nas igrejas de planta centrada e a colunata ou arcada coberta em torno do pátio central dos claustros. DIORITE OU DIORITA – Rocha vulcânica, extremamente extremamente dura, geralmente g eralmente escura. DÓLMEN – Palavra de origem celta, que significa mesa. Construção megalítica pré-histórica, possivelmente possivelm ente monumento funerário. funerário. O dólmen é formado por duas ou mais pedras verticais encimadas por uma pedra horizontal. ENCÁUSTICA – Técnica de pintura com pigmentos diluídos em cera derretida. ENTABLAMENTO ENTABL AMENTO – Parte de uma ordem arquitetônica. Coroamento da fachada, onde se assenta o travejamento. travejamento. Parte assentada sobre a coluna, composta por : arquitrave arquitrave,, friso e cornija. ESFINGE – Animal fantástico híbrido com cabeça humana e corpo de leão. Na mitologia grega aparece com cabeça e seios femininos, corpo de leão e asas de águia. ESTELA – Palavra Palavra grega (Stela) que significa bloco de pé. Bloco de pedra colocado verticalmente, geralmente com relevos, inscrições ou pintura. ESTILO ARTÍSTICO - Conjunto de tendências e características formais, temáticas, estéticas etc., que identificam ou distinguem uma obra ou um artista, ou determinado período ou movimento. movimento. FACHADA – Frente principal, portada, face da entrada de uma construção. FRISO – Faixa contínua de ornamentação pintada ou esculpida. FRONTÃO FRONT ÃO – Elemento construtivo de formato for mato triangular que fecha os telhados telhados.. FUSTE – Parte vertical alongada de uma coluna, seu corpo ou trinco, entre a base e o capitel. HALO – O mesmo que auréola. HIERATISMO - Diz-se dos estilos tradicionais de arte egípcia e grega, das formas rígidas e majestosas. ILUSIONISMO – Técnica de criar percepção ilusória da realidade, como a perspectiva em representações bidimensionais bidimensionais..
JACENTE – Estátua JACENTE Estátua funerária em posição deitada, deitada, no tampo de de um sarcófago. KORÉ – Estátua feminina da escultura grega g rega no período arcaico. KOURO KOU RO - Estátua masculina da escultura grega no período arcaico. KUDURRU – É uma espécie de marco demarcador de fronteira usado pelos cassitas, composto com figuras e inscrições. LEKYTHOS - pequenos jarros para azeite, usados usados como oferendas funerárias. funerárias. MASTABA MASTAB A – Túmulo egipcio de formato for mato trapezoidal. MANDORLA - Forma luminosa que envolve totalmente figuras divinas ou santas, como sinal de distinção. MEGALITO – Grande bloco de pedra. MEGARON MEGARO N – Sala principal do Palácio na cultura egéia, sala de audiencia. MENIR OU MENHIR – Construção megalítica pré-histórica, bloco de pedra colocado verticalmente, decorado ou não. não. Parece ter sido uma espécie de marco. Palavra Palavra de origem bretã significando pedra comprida. NARTÉX – Galeria ou pórtico interior, à entrada de uma igreja. Inicilmente era o lugar destinado aos catecúmenos (os não batizados). NAVE NA VE – Espaço longitudinal central das igrejas cristãs, desde a entrada à capela-mor. NIKÉ – Personificação da Vitória. Representada como uma mulher alada. NIMBO – O mesmo que auréola. OBELISCO – Monolito de base quadrangular, que se estreita de baxo para cima, finalizando numa pequena pirâmide. ORDEM ARQUITETÔNICA – PALETA – Conjunto de cores usadaS por um pintor. PANTHEON – Templo dedicado a todos os deuses. PERISTILO – Pátio PERSPECTIVA PERSPECTIV A – Técnica para representar r epresentar tridimensionalidade (relações espaciais e objetos) numa superfície plana, bidimensional. PIGMENTO – Cor. Substância colorida extraída de matérias orgânicas ou minerais. Atualmente muitos deles são sintéticos sintéticos.. PILAR – Elemento arquitetônico, arquitetônico, suporte vertical retangular, podendo ter base e capitel. Como as colunas pode ser adossado ou embebido. PINTURA A ÓLEO – Técnica de pintura executada com pigmentos misturados com óleo (linhaça, noz, etc.), aplicados sobre uma superfície como madeira, tela ou papel. PUTTI – Plural de putto. PUTTO – Representação de crianças nuas, muitas vezes aladas. Tema decorativo recorrente na Arte Clássica e no Renasciment Renascimento. o. Quando trazem arco e flecha, personificam o Amor e são chamados de Cupido ou Amoretto. SARCÓFAGO SARCÓF AGO – Grande arca funerária para se colocar o corpo do defunto defunto.. Geralmente em pedra, decorado com relevos e inscrições. SFUMATTO SFUMA TTO – Gradações delicadas de luz e sombra na composição das figuras.
TÊMPERA – Técnica de pintura pintura na qual as tintas são preparadas preparadas com pigmentos pigmentos misturados com com gema de ovo e água. TERMA – Local para os banhos públicos. públicos. TERRACOTA TERRA COTA – Argila cozida no forno a temperatura temperatura elevada. TRANSEPTO – Espécie de nave transversal das igrejas basilicais, cortando a nave perpendicularmente. VÊNUS ESTEATOPIGIA ESTEATOPIGIA – Estatueta pré-histórica representando figura feminina com seios e nádegas volumosos. VILA – Em Roma Roma designava designava uma casa de campo dos dos abastados. abastados. VOLUTA VOL UTA – Elemento Elemento decorativo decorativo em espiral. ZIGURATE ZIGURAT E – Deriva da palavra assíria ziqquratu, que significa montanha, cume ou elevação. É o tipo de templo característico da Mesopotâmia, espécie de torre de andares.
Referênciass bibliográficas Referência ARGAN,, Giulio Carlo. ARGAN Carlo. Arte Moderna. São Paulo: Paulo: Companhia das das Letras, 1992. BATTISTI, Eugenio. Renascimento e Maneirismo. Lisboa, Editorial Verbo, 1984. CHOAY, Françoise. A alegoria do patrimônio. 3ª Ed. São Paulo: Estação Liberdade, UNESP, 2006. CUNHA, Almir Paredes. Dicionário de Artes Plásticas. Rio de Janeira: EBA/UFRJ, 2005. V.1 DIDI-HUBERMAN, Georges. O que vemos, o que nos olha. São Paulo: Editora 34, 1998. GARBINI, Giovani. Mundo Antigo. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O mundo da Arte. GIODANI, Mário Curtis. História da Antiguidade Oriental. Petrópolis: Vozes, 1969. GOMBRICH, E. H. A História da Arte. 4ª Ed. Rio de Janeiro: Zahar,1985 Zahar,1985 FRANCASTEL,, Pierre. Imagem, FRANCASTEL I magem, visão e imaginação imaginação.. Lisboa. Edições 70, 1987. HAUSER, HAU SER, Arnold. História social da arte e da literatura. São Paulo: Martins Fontes, Fontes, 1994. JANSON, H. W. JANSON, W. História da Arte: panorama das artes plásticas e da arquitectura da da Pré-História à actualidade. 3ª ed. Lisboa: Fundação Calouste Gulbenkian, 1984. KITSON, Michael. O Barroco. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O Mundo da Arte. LASSUS, Jean. Cristandade Clássica e Bizantina. Rio de Janeiro, LASSUS, Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O Mundo da Arte. Ar te. LYNTON,, Norbert. Arte Moderna. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão LYNTON e Cultura, 1966. Col. O Mundo da Arte. LYOTARD, Jean-François. A condição pós-moderna. Lisboa: Gradiva, 1989. LOMMEL, Andreas, A Arte Pré-histórica e Primitiva. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O Mundo da Arte. MARTINDALE, Andrew. O Renascimento. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O Mundo da Arte. Ar te. OLIVEIRA, João Vicente Ganzarolli de. A Humanização da arte: temas e controvérsias na filosofia. Rio de Janeiro: Pinakotheke, 2006. OSTROWER, Fayga. Criatividade e Processos de Criação. Petrópolis: Vozes. 1978. PANOFSKY ANOFSKY,, Erwin. E rwin. Signi ficado nas artes ar tes visuais. 3ª ed. São Paulo: Perspectiva, Perspectiva, 2002. PAREYSON, Luigi. Os problemas da estética. São Paulo: Martins Fontes,1997.
READ,, Herbert. Arte e alienação: o papel do artista na sociedade. READ s ociedade. Rio de Janeiro: Zahar, 1983. ____________. ___________ _. O sentido da arte. arte. 4ª Ed. São Paulo: Paulo: IBRASA, 1978. SANTAELLA, Lúcia. Pós-moderno & semiótica. In: CHALLUB, Samira (org.). Pós-moderno &: semiótica, cultura, psicanálise, literatura, artes ar tes plásticas. Rio de Janeiro: Imago, 1994. SANT’ANNA, Affonso Romano de. Desconstruindo Duchamp: arte na hora da revisão. Rio de Janeiro: SANT’ANNA, Vieira & Lent, 2003. 2003. SANTOS, Jair Ferreira dos. O que é pós-moderno. 17ª Ed. São Paulo: Brasiliense, 1997. Coleção Primeiros Passos. STRONG, Donald E. Antiguidade Clássica. Rio de Janeiro, Livraria José Olympio Editora/ Editora. Expressão e Cultura, 1966. Col. O mundo da Arte. TREVISAN, Armindo. Como apreciar a arte; do saber ao sabor: uma síntese possível. Porto Alegre: TREVISAN, Mercado Aberto, 1990. UPJOHN, Everard M. e outros. História mundial da arte. São Paulo: Martins Fontes, 1979. 6v. WÖLFLIN, Heinrich. Conceitos fundamentais da história WÖLFLIN, história da arte. O problema da evolução evolução dos estilos estilos na arte mais recente. 2ª Ed. São Paulo: Martins Font Fontes, es, 1989.
ANOTAÇÕES
FTC - EaD
Faculdade de Tecnologia e Ciências - Educação a Distância w w w.ead.ft c .br
